Pourquoi les gens produisent-ils toujours le même genre de morceaux alors que d’autres disposent d’un large éventail de styles? Je dois admettre que je suis victime du premier cas. J’ai toujours produit le même type de musique. Bien sûr, elle sonne souvent différemment, mais dans l’ensemble, j’utilise la même formule et le même flux de travail, ce qui se traduit par un ensemble de chansons qui sonnent de manière assez identique. Par conséquent, certaines personnes se demandent pourquoi je n’élargis pas mon éventail de possibilités.

En réponse, j’essaie donc de sortir du moule et de créer quelque chose de complètement différent. Ensuite, les personnes qui m’écoutent en raison de ma constance s’agacent et commencent à se plaindre. Il n’y a pas de victoire ici, c’est pourquoi je suggère toujours de faire de la musique pour soi. Au bout du compte, la meilleure chose que vous puissiez faire est d’être satisfait de votre produit fini. Cependant, explorons les avantages et les inconvénients des deux méthodes.

 

Produire un son similaire

OK, parlons d’abord de la production de la même chanson encore et encore. À l’ère des algorithmes et des listes de lecture, c’est une approche judicieuse si vous voulez construire une image de marque. Avec le streaming, les auditeurs ont aujourd’hui un choix infini. Ils peuvent aller sur Spotify ou YouTube et construire leurs propres listes de lecture qui correspondent à leur humeur. Et quand ils veulent renforcer leur humeur, ils vont souvent chercher des chansons d’artistes connus qui satisfont cette émotion. Si vous êtes un artiste qui produit un tas de styles différents, ils n’iront peut-être pas écouter vos nouveautés, car ils savent qu’elles ne répondront pas à ce point d’ancrage émotionnel. En revanche, si vous avez une palette de sons, de tempos et de styles qui s’inscrivent dans un cadre similaire, les auditeurs peuvent compter sur vous pour produire quelque chose qui répond à leur besoin.

 

L’avantage des améliorations progressives sur un son

Une autre raison de produire des morceaux à la sonorité similaire est que l’artiste veut continuer à améliorer quelque chose. Souvent, ils pensent que s’ils continuent à travailler dans la même veine, leurs morceaux s’amélioreront progressivement, ce qui peut les conduire à une sorte de percée. S’ils décident de prendre la tangente dans d’autres domaines, ils risquent de perdre cet objectif de vue. Ils peuvent même se mettre à faire des choses plus prévisibles, à l’emporte-pièce, car souvent, lorsque les artistes explorent de nouveaux genres, ils commencent à regarder des tutoriels que des milliers d’autres producteurs ont regardé. Souvent, cela fait régresser leur son, alors qu’en gardant le cap, ils auraient pu créer des sons nouveaux et excitants, même s’ils s’inscrivent dans un cadre stéréotypé qu’ils ont défini au fil de leurs années de production.

Que faire de toutes ces chansons similaires?

Lorsque vous avez 100 chansons et qu’elles sont toutes identiques, que faites-vous? Est-ce du gaspillage? Si vous sortez ces 100 chansons, vous allez vous épuiser, car toutes ne méritent pas d’être sorties. Je recommande généralement de faire des paquets de 3 ou 4 chansons et de voir lesquelles fonctionnent en les passant à des amis DJ qui peuvent les jouer. Ils vous diront lesquelles fonctionnent et lesquelles ne fonctionnent pas.

N’oubliez pas non plus de stocker tous vos projets. Vous ne savez jamais quand vous pourrez revenir en arrière et terminer un morceau avec les nouvelles compétences que vous avez acquises.

 

Comment changer votre son, sans devenir un modèle standardisé?

Cependant, il existe des moyens pour les producteurs de conserver un modèle tout en changeant leur son. Par exemple, ils peuvent changer la tonalité. Chaque tonalité est associée à une ambiance différente, et même si les timbres et les samples sont les mêmes, la nouvelle tonalité peut redéfinir l’impact émotionnel. Vous pouvez toujours conserver l’ambiance que les auditeurs attendent si vous changez la tonalité pour quelque chose d’harmoniquement pertinent par rapport à la tonalité d’une chanson précédente. Il suffit de consulter le Cycle des quintes (Circle of Fifths) pour savoir ce qui fonctionne sur le plan harmonique.

Les compositeurs peuvent également changer de signature rythmique ou ajouter des polyrythmies dans leur musique. Dans la musique de danse, il est souvent difficile de faire quelque chose en dehors du 4/4. Bien sûr, il y a des morceaux qui fonctionnent, comme « Neon Drum Pattern » de Jon Hopkin, qui est en 5/4, ou le classique de la rave, « American Dream » de Jakatta. Cependant, ces morceaux sont difficiles à mixer et constituent une race rare de chansons de danse. Ce que je suggère, c’est d’utiliser des triolets, ou de faire en sorte que votre chanson soit à mi-temps ou à temps coupé. Une autre chose que vous pouvez faire est de mettre votre rythme en 4/4, et votre lead en 6/4, puisqu’ils sont tous deux en temps commun. Cependant, si vous ne vous souciez pas de savoir si vos chansons sont mixables, n’hésitez pas à faire des chansons en 9/8 ou 17/4. Qui s’en soucie? Comme je l’ai dit, il s’agit de se sentir satisfait de sa musique, et rien d’autre.

 

Produire de nombreux styles différents

OK, alors parlons des artistes qui ont un tas de styles différents. Je dirais que c’est aussi mon cas, puisque je produis du dub techno, de la minimale, de l’ambient, etc. Cependant, comme je l’ai déjà mentionné, mon son provient d’une racine similaire.

Ensuite, il y a des artistes qui sont partout, et qui ne peuvent pas rester attachés à un seul processus. Le groupe Underworld en est un bon exemple. Vous les connaissez peut-être pour leur chanson Born Slippy, mais ils sont bien plus que cela. À l’origine, il s’agissait d’un groupe de rock des années 80 qui a évolué vers le mastodonte de la techno que nous connaissons aujourd’hui. Cependant, si vous parcourez leur catalogue, vous entendrez de nombreux genres de musique. Il y a la house, la techno et les breaks, bien sûr. Mais il y a aussi des ballades, et des morceaux ambiants. Parfois, il y a aussi des chansons big beat. Et de temps en temps, ils reviennent à leurs racines et font une chanson plus rock.

Un autre bon exemple est Radiohead. Ils changent de style pratiquement à chaque album. Ok Computer ne ressemble pas à Kid A, Kid A ne ressemble pas à In Rainbows, In Rainbows ne ressemble pas à King of Limbs, A Moonshaped Pool ne ressemble pas à King of Limbs. Ce processus a commencé avec Kid A lorsqu’ils ont voulu faire un anti-album destiné à aliéner leurs admirateurs en changeant radicalement les choses, en remplaçant la batterie par des boîtes à rythmes, les guitares par des synthés et les voix normales par des voix déformées. En d’autres termes, ils en avaient assez de la célébrité. Mais cela s’est retourné contre eux, et il est devenu l’album le plus acclamé par la critique de cette décennie.

 

Avoir une signature artistique pour lier le tout

Cependant, s’il y a une chose qu’Underworld et Radiohead ont en commun, c’est qu’ils ont une signature artistique, qu’ils l’aiment ou non. Avec Underworld, c’est le timbre des sons qu’ils ont choisi, associé au chant parlé de Karl Hyde. Avec Radiohead, c’est le vernis de la production et le timbre crooner distinct de Thom Yorke. Cela permet au fan de rester ancré dans la familiarité, même lorsque les styles changent.

 

Nous vivons à une époque différente

N’oubliez pas qu’Underworld et Radiohead sont d’une autre époque. Ils ont existé à une époque où, je crois, les labels recherchaient des artistes qui repoussaient les limites de leur créativité. Aujourd’hui, avec le streaming algorithmique, les labels recherchent souvent la cohérence, parce qu’ils ont des artistes mis dans des cases qu’ils peuvent commercialiser auprès d’une population donnée. Si vous souhaitez emprunter cette voie, vous devrez peut-être vous autoéditer ou faire beaucoup de recherches pour trouver un label qui a encore cette ancienne éthique.

Frank Zappa a donné une grande interview dans laquelle il déplore que les jeunes cool qui dirigent des labels aient ruiné l’expression artistique. Il dit que dans les années 60, la raison pour laquelle tant de musique étonnante et avant-gardiste a été diffusée dans le grand public est que les responsables des labels étaient de vieux hommes d’affaires qui ne connaissaient rien à la musique. Ils se disaient : « Qu’est-ce que j’en sais? On sort le disque et on voit ce qui se passe. » Puis certains de ces disques ont eu beaucoup de succès, alors ils ont engagé de jeunes hippies aux cheveux longs pour les conseiller. Ces hippies sont devenus suffisants et ont décidé qu’ils savaient ce qui était le mieux, parce qu’ils avaient du goût, et c’est ainsi qu’a commencé le déclin de la musique avant-gardiste, parce que souvent, ils n’avaient aucune idée, même s’ils pensaient tout savoir.

Cette situation s’est progressivement aggravée, et aujourd’hui, ces dirigeants de labels ont mis au point des formules pour déterminer ce qui doit être publié et ce qui ne doit pas l’être. Heureusement, nous vivons à une époque où l’autodistribution est possible, et avec le bon marketing et la chance, vous ne savez jamais où votre musique multigenre peut aller.

 

Quelle que soit la route que vous avez choisie, ça n’a pas d’importance  

Quelle que soit la voie que vous choisissez, il n’y a pas de bon ou de mauvais choix. Sortir le même genre de chanson peut-être satisfaisant d’un point de vue commercial, mais d’un point de vue artistique, cela peut devenir ennuyeux. Il y a de fortes chances pour que la plupart des musiciens ne partent pas en tournée avec des milliers de fans en adoration, il est donc préférable de faire ce que vous voulez, plutôt que d’essayer de satisfaire un public potentiel. Mais si vous avez un son et que vous savez comment le commercialiser, alors, par tous les moyens, affinez-le. Dieu sait que c’est ce que j’ai fait. Mais je me suis aussi étendu à d’autres genres. Donc peut-être que quelque part au milieu se trouve une approche solide.