Il est intéressant de constater que la création musicale est devenue une compétition. Si vous pensez à la concurrence en musique et prenez le temps d’examiner ce point de vue objectivement, cette tendance semble assez ironique. Avant de démystifier ce syndrome musical fréquent chez les gens avec qui je travaille, j’aimerais expliquer d’où il vient selon moi.

L’un des pièges les plus courants dans la musique est de se comparer aux autres. C’est l’une des choses les plus autodestructrices qui peuvent arriver à un musicien, mais c’est tellement commun que j’ai parfois l’impression d’avoir besoin de l’expliquer aux gens quand ils s’assoient avec moi pour travailler sur la musique.

Pourquoi nous comparer est-il inutile ?

Les artistes avec lesquels vous vous comparez ne sont pas dans la même catégorie que vous. Je ne parle même pas ici de talent ni d’équipement ; je parle d’objectifs et de besoins. De même, les personnes qui vous servent habituellement de référence pour la comparaison ont autrefois été à votre place, mais elles ont évolué à partir de là et gagnent probablement maintenant leur vie grâce à la musique. Transformer votre passe-temps en travail exige d’énormes changements dans votre processus de création musicale parce que vous vous plongez alors dans le côté commercial de la musique, où vos décisions sont maintenant en partie basées sur la façon dont elles peuvent générer une sorte de « gain » pour votre carrière, que ce soit financièrement ou autrement. En d’autres termes, si vous étiez dans une course automobile, ce serait comme comparer votre Jetta à une Ferrari conduite par un pilote professionnel.

J’entends souvent ça :

« Je vois ce mec/fille faire un morceau que je peux facilement faire, mais je ne peux toujours pas avoir de bookings ou être signé sur des labels. »

La vérité, c’est que ça ne marche pas comme ça. Vous n’êtes pas moins bon ou moins qualifié que lui — vous n’avez tout simplement pas le réseau dont il dispose.
Vous vous comparez aux autres parce que vous avez des objectifs et des besoins spécifiques que vous voulez atteindre. C’est ce que vous devez savoir.

Vos objectifs.

Connaissez-vous vos objectifs ? Savoir ce que vous poursuivez sera très utile pour savoir exactement ce que vous devez faire pour les atteindre. Voici quelques exemples de buts en musique :

• La reconnaissance: Vous voulez être considéré comme quelqu’un de talentueux pour ce que vous faites et vous pensez que si vous prouvez que vous avez des compétences, cela viendra de soi.
• Gigs, bookings, argent : Certaines personnes croient que si elles n’ont pas de gigs, cela signifie que leur musique n’est pas bonne ou qu’il y a quelque chose qui ne va pas.
• Faites partie d’une communauté : Si votre musique est assez bonne, vous serez accepté et considéré comme important.

Vos besoins peuvent être comblés de bien d’autres façons et être victime de la concurrence musicale en croyant que vous êtes à la traîne, ce n’est peut-être pas la bonne façon d’y penser. Êtes-vous vraiment derrière les autres ? ou êtes-vous dans une position différente ?

Comme je ne suis pas étranger à ce sentiment, j’ai souvent combattu mon dialogue intérieur sur les aspects compétitifs du métier de musicien. J’ai trouvé un moyen très solide de me calmer en me rappelant les points suivants :

• Vos goûts > compétences techniques. Peu importe où vous vous situez en termes de connaissances, vos goûts seront toujours votre premier sens pour vous aider à trouver de bonnes idées. Les superbes chansons sont étonnantes grâce à leur contenu, elles sont rarement bonnes pour leur bravade technique. Parfois, je trouve que la musique excessivement produite sonne froide et sans âme. Si vous avez d’excellentes idées, vous pouvez toujours trouver des gens ou des ressources en ligne pour vous aider à les transformer en quelque chose de raffiné.
• Les distractions sont perturbatrices. Si vos yeux et vos oreilles regardent ou écoutent autre chose que la musique que vous aimez, vous avez perdu votre concentration. Passer du temps sur les magazines et les médias sociaux vous fait perdre la trace de ce que vous faites. Je préfère être dans ma bulle jusqu’à ce qu’une chanson/album soit terminée plutôt que d’être distrait par le bruit et de perdre mon flow. Par exemple, voir vos amis signer sur un label ou jouer à un évènement alors que vous n’êtes pas là ne signifie rien du tout ; le bon côté de quelque chose comme ça, c’est que votre temps libre peut être utilisé pour créer davantage de musique.
• Votre réseau est-il solide ? Avez-vous des amis qui vous soutiennent pour ce que vous faites ? Beaucoup de gens finissent par devoir changer leur « cercle d’écoute » et décider avec qui ils partagent leur musique. Si vous comprenez que chaque fois que vous envoyez votre musique à X, il vous rabaisse toujours, ce n’est certainement pas quelqu’un de fiable. Choisissez des gens qui veulent écouter votre musique, qui ont les mêmes goûts que vous et donnez leur vos feedbacks également.
• Combien de projets avez-vous en cours ? Point crucial ici. J’encourage toujours les gens à essayer de faire de la musique tous les jours, à lancer beaucoup de nouveaux projets et à surfer entre eux pour trouver ceux qui fonctionnent le mieux pour aller de l’avant. Il est plus important de terminer un projet que de le rendre parfait.

L’ego qui aime se laisser aller à la compétition, une fois écarté, a beaucoup de place pour la créativité. Mais il faut apprendre à reconnaitre quand l’ego prend le dessus.

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