Découpage en musique

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Après quelques années d’interruption dans l’enseignement des cours en face à face pour débutants, j’ai pris un peu de temps pour me remettre en contact avec ce que l’on ressent quand on commence à faire de la musique. L’une des raisons pour lesquelles je ne donnais plus de cours aux débutants était que cela devenait redondant pour moi, et je préférais donner des cours aux producteurs intermédiaires et avancés en raison du défi et parce qu’à ce niveau, les différents problèmes nécessitent une approche créative. Les débutants ont besoin d’être guidés, d’être aidés pour la navigation, le flux de travail, et de briser les mythes sur la création musicale et les concepts de base. En même temps, je me rends compte que je relève le défi différemment : je cherche à leur enseigner le maximum avec le minimum possible.

 

Une approche que j’adopte est de voir leur progression par niveaux, comme dans les jeux vidéo ou dans Donjons et Dragons (si vous me connaissez, je suis un grand adepte de Donjons et Dragons, j’y joue toutes les semaines). Dans cet article, j’aborderai une technique que les gens négligent constamment, et quel que soit votre niveau, il y a sans aucun doute quelque chose à appliquer : le découpage (Slicing).

 

Échantillonnage, rééchantillonnage et hip-hop (Sampling et Resampling)

 

Au niveau débutant, les gens cherchent à se familiariser avec les outils et la navigation d’Ableton Live (ou leur DAW). J’insiste toujours sur le fait que si vous vous concentrez sur le matériel physique, vous devez revenir à une DAW, car il y a beaucoup de concepts à apprendre d’abord, et l’utilisation d’un ordinateur est bien plus simple que l’apprentissage d’une machine. Une partie de cette navigation comprend l’utilisation de clips, de boucles et de sons simples et la construction de chansons avec ces éléments pour comprendre comment fonctionnent les arrangements et la théorie simple.

 

À ce niveau, vous ne pouvez pas encore aspirer à sonner comme vous l’espérez, pas plus que quelqu’un qui joue du piano pour la première fois ne s’entraîne à faire des gammes. Si vous voulez faire des chansons, vous devez vous entraîner à faire des chansons à partir de tout ce que vous trouvez. Mais l’échantillonnage, le rééchantillonnage et le remixage peuvent être très utiles. Certains producteurs font carrière grâce à ces techniques.

 

Tout le monde veut faire des chansons, mais personne ne veut apprendre à les faire. Ils veulent tous sauter l’entraînement parce qu’ils pensent qu’ils ont tout compris.Everyone wants to make songs but no one want to learn how to make them. They all want to skip the practice because they think they have it all figured out.

 

Le hip-hop en est un bon exemple. La philosophie et la base de la production consistent à échantillonner de vieux disques ou n’importe quelle musique et à les arranger, souvent sur un MPC. La logique se résume à « prendre et manipuler, réarranger selon le goût ».

D’un point de vue créatif, c’est l’approche novatrice idéale : Vous prenez ce que vous aimez et vous l’arrangez à votre façon.

 

Je suis cet artiste, Jon Makes Beats, qui applique cette méthode de manière efficace. Il échantillonne souvent des disques, généralement assez ringards (apparemment, beaucoup d’entre eux ont été achetés à l’Armée du Salut pour quelques dollars), les réarrange, ajoute des rythmes (souvent à partir de boucles réarrangées), joue quelques notes par-dessus, puis des booms (généralement des presets, ce qui lui convient) – tout cela est enregistré en une seule fois. Pour moi, cela ressemble à une séance de studio parfaite et réussie.

 

Regardez toutes ses vidéos, et il est impossible de ne pas être inspiré par la simplicité de son approche. Mais il a aussi de bons conseils, très terre-à-terre, qui correspondent aux miens.

 

Le concept central est simple : une fois que vous avez vos échantillons, vous disposez du matériel nécessaire pour raconter votre histoire d’une autre manière. Je vais partager avec vous quelques points et idées à essayer.

 

De nombreux artistes de renom ont réalisé des choses extraordinaires avec des échantillons, mais deux d’entre eux me viennent à l’esprit : les Beastie Boys et Daft Punk. Dans le documentaire d’Apple TV, les Beastie Boys racontent comment l’une de leurs premières chansons à succès reposait sur trois échantillons, le reste étant constitué d’une boîte à rythmes et de leur rap. D’autre part, les Daft Punk ont superposé de multiples petits échantillons provenant de différents disques pour créer une chanson. Ces deux exemples sont diamétralement opposés, mais tous deux ont fait beaucoup avec des idées prises et utilisées de manière créative.

 

 

Créer votre propre preset de découpage

Je n’étais pas très satisfait des presets d’échantillonnage d’Ableton Live, alors j’ai créé les miens. Lorsque je découpe une boucle, je veux, par défaut, avoir accès à une macro spécifique correspondant à ce que j’utilise habituellement.

 

Tout d’abord, si vous n’êtes pas familier avec le découpage, vous pouvez le faire en prenant n’importe quelle boucle que vous avez, puis, lorsque vous cliquez avec le bouton droit de la souris, un menu apparaît. A partir de là, vous choisissez « Slice to Midi Track » (Découper en piste MIDI).

 

 

Vous serez ensuite invité à choisir le preset à utiliser pour le découpage.

 

Vous obtiendrez alors un drum rack avec chaque échantillon (tranche) assigné aux pads du rack. Un clip Midi sera également généré avec une note pointant vers une tranche spécifique. Si vous jouez le clip, vous entendrez votre clip d’origine, mais vous pouvez maintenant réorganiser le clip pour que les notes arrivent dans un ordre différent. Vous pouvez également choisir un échantillon.

 

 

Ils sont OK pour le découpage de base, mais les macros du rack sont insuffisantes. La création de votre preset est si facile et amusante que je vais vous expliquer comment j’ai créé le mien pour que vous puissiez faire le vôtre.

Créer votre preset de découpage

Tout d’abord, ouvrez une piste MIDI vide.

Deuxièmement, placez un Drum Rack et ajoutez un Simpler sur le pad C1.

 

 

Troisièmement, vous pouvez mapper certains paramètres du Simpler aux macro-commandes du Drum Rack. Cela signifie que lorsque vous découpez votre clip, chaque tranche aura son propre Simpler, mais un simple bouton mappé contrôlera tous les mêmes paramètres. Cela présente des avantages et des inconvénients. Du côté positif, cela signifie que vous pouvez, par exemple, maintenir la longueur de toutes les tranches, en les rendant courtes ou longues. Mais si certains clips sont destinés à être courts alors que d’autres sont longs, cela peut s’avérer délicat.

Certains de mes boutons contrôlent les paramètres suivants : Attack, Decay, Sustain, Release, Volume en bas à droite. Ensuite, la fréquence et la résonance du filtre. Assurez-vous de décocher les options Loop et Snap.

 

 

 

La dernière étape consiste à enregistrer ce nouveau preset dans le bon dossier afin qu’il puisse être utilisé dans l’option de découpage.

Vous déposez le Drum Rack dans le User Folder, sous Defaults, dans le dossier « Slicing ». Vous pouvez ensuite le renommer comme vous le souhaitez, comme le mien ci-dessous, « My Basic Slicer ».

 

 

Si vous découpez un clip en midi, votre nouveau preset apparaîtra dans la liste.

 

Vous êtes maintenant parés!

Faisons maintenant quelques petites expériences.

 

Découper la mocheté en beauté

 

Parfois, vous pourriez avoir des enregistrements de synthés bizarres et laids, ou peut-être des effets dissonants. Ils m’intéressent particulièrement parce qu’on peut obtenir des mélodies ou des percussions inhabituelles une fois qu’on les a découpés en tranches. Je trouve qu’il y a quelque chose de poétique dans le fait de transformer quelque chose que l’on mettrait normalement au rebut et de lui trouver une vie nouvelle et inattendue.

L’un des problèmes pourrait être qu’il n’y a pas de transitoires à détecter, vous pourriez donc vouloir le découper en régions forcées. Je vous encourage à essayer différents paramètres, mais cela pourrait être 1/4 ou 1/8, en fonction de la taille souhaitée. Veillez à ce que l’échantillon que vous découpez ne soit pas trop long; sinon, vous obtiendrez trop de tranches, ce qui ne sera pas intéressant à travailler.

 

 

À partir de là, vous pouvez voir quelles tranches ont été produites, modifier la longueur et découvrir de nouveaux motifs.

ASTUCE : Vous pouvez essayer un séquenceur avant le drum rack pour générer des séquences sans le clip MIDI. Il existe des séquenceurs amusants, tels que Rozzer et Snake.

 

Découper les mélodies

Cette technique est issue du hip-hop. Ils découpent généralement une mélodie en régions plus étendues puis, en jouant d’un instrument MIDI, jouent la chanson avec une articulation différente ou en changeant l’ordre des notes. Mais vous pouvez aussi adopter une approche plus abstraite, avoir des notes plus courtes, les jouer au hasard et voir si cela a un sens.

Pour ce faire, les gens choisissent une région d’une longueur de 1/2 ou 1 mesure. Mais si vous aimez la musique Micro-House, vous choisirez des régions minuscules.

CONSEIL 1 : Munissez-vous d’un contrôleur MIDI pour expérimenter la lecture des régions.

CONSEIL 2 : Utilisez les LFO internes de l’échantillonneur pour donner de la vie à votre séquence.

 

 

Échanger des sons

Dans Ableton Live 12 (si vous l’avez), le drum rack dispose d’une nouvelle option qui vous permet d’échanger tous les sons contre une nouvelle sélection de sons similaires. Cela peut être un vrai casse-tête, car vous commencerez avec quelques sons, puis vous finirez par découvrir de nombreuses alternatives. Vous pouvez verrouiller certains sons que vous aimez, puis remplacer les autres.

Pour ce faire, vous devez d’abord aller dans la liste des échantillons et consolider les tranches; sinon, elles ne seront pas détectées comme des tranches individuelles.

 

 

ASTUCE : Quel que soit le découpage que vous faites, si vous utilisez le mode transitoire, principalement pour tout ce qui est percussif, vous aurez un ADN midi de l’endroit où chaque transitoire tombe sur la grille. Vous pouvez également utiliser le midi d’un slicer et le transmettre à un autre. Cela signifie que le rythme d’un pattern de slicing peut déclencher l’ordre d’un autre. Cela permet de réorganiser les séquences et d’obtenir un swing amusant et instable.

 

Échantillonneurs tiers

 

Il est également amusant d’explorer les VST tiers au-delà d’Ableton. Il en existe un grand nombre, mais je vais partager mes favoris. Notez que vous ne pourrez pas créer de preset de slicing avec ceux-ci. Les presets de découpage ne peuvent être créés qu’avec l’échantillonneur/simpler natif d’Ableton.

 

Life / XO

Ce plugin est le compagnon idéal de XO. Si vous ne connaissez pas XO, c’est probablement l’une des meilleures boîtes à rythmes et échantillonneurs. XO excelle dans la création de séquences percussives, vous offrant des variations de sons et de motifs. Il organise aussi visuellement votre collection d’échantillons par catégorie et par famille, ce qui vous permet de trouver rapidement des échantillons similaires. Life va encore plus loin en vous permettant de rééchantillonner vos échantillons en interne, puis de créer de nouvelles séquences à partir de ceux-ci, avec de nombreuses options de variations. Cette option est également disponible sous forme d’application sur votre smartphone pour enregistrer des sons n’importe où et les relier ensuite à votre DAW. C’est impressionnant.

CONSEIL : Utilisez les deux avec des automatisations pour donner vie à vos séquences.

CONSEIL 2 : Il s’agit d’éléments essentiels si vous avez un budget suffisant.

 

Serato Sample

Serato existe depuis longtemps pour permettre aux DJ de jouer leur sets numériquement. Au départ, il s’agissait d’un encodeur Vynil qui permettait de faire correspondre le rythme de la musique à partir de l’ordinateur. Le système a évolué en 20 ans et le mixage numérique est aujourd’hui la norme pour de nombreux DJ. Le DJing pour les artistes hip-hop qui font des compétitions de scratch DMC est un art, et Serato a développé une version de l’échantillonneur pour les artistes qui veulent explorer les parties d’échantillonnage dans la production. Ce plugin est très apprécié pour sa simplicité et son flux de travail aisé.

 

 

Loopmix

Les gars d’AudioModern ont une série d’excellents outils de studio que j’utilise régulièrement. Loopmix est assez amusant car il est conçu pour être utilisé avec des boucles. L’idée est d’utiliser plusieurs boucles (idéalement, cela fonctionne mieux avec les percussions), puis de les découper pour recréer de nouvelles séquences, en mélangeant les différentes sources. C’est assez impressionnant ce qu’on peut faire avec ça en live mais aussi en studio si on veut recycler les boucles qu’on a.

 

Dawesome Novum

Je ne connais pas très bien celui-ci, car je n’ai vu que des démos, mais d’après ce que j’ai compris, il décompose les échantillons en couches. Au lieu de les découper dans le temps, il le fait sur une couche de spectre. Cela signifie que vous pouvez décomposer votre échantillon en couches. Il est sur ma liste de souhaits, et je résiste à essayer la démo parce que je sais que je l’achèterai en un clin d’œil. C’est le genre d’outil que vous voudrez si vous aimez les drones, les textures, les ambiances et tout ce qui sonne éthéré.

 

J’attends avec impatience de savoir ce que vous ferez de cette technique. N’hésitez pas à partager vos expériences.

 

 

Photo de MW sur Unsplash

 

 

 

Embrasser l’imperfection

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Ces dernières semaines ont été très stimulantes pour moi. Cette année m’a apporté beaucoup de joie en ce qui concerne la musique. Après avoir été au service de mes clients à plein temps pendant les neuf dernières années, j’ai réalisé qu’il était essentiel pour ma créativité et ma santé mentale de me mettre en lumière. De plus, après avoir enseigné et expliqué des concepts pendant tout ce temps, il était temps pour moi de me plonger dans mes besoins et de les appliquer.

 

Mais ce qui a suscité une grande passion récemment, c’est que j’ai été invité à jouer un set de DJ. Au début, j’ai été un peu déstabilisé, mais cela s’est avéré positif, car je me suis plongé dans le mixage numérique. Je n’avais pas fait de DJ set depuis 2011 et je ne m’étais pas amusé non plus. En tant que personne qui se sent elle-même lorsqu’elle joue en live, le DJing me donne l’impression d’être une version limitée de mon moi créatif. Mais en utilisant le Rekordbox de Pioneer et un contrôleur, j’ai réalisé que les choses avaient beaucoup changé depuis et que c’était plutôt excitant.

 

J’ai la chance d’avoir un label (Archipel) et de nombreux amis, ce qui a rendu ma collection de musique assez riche. Jouer cette musique m’a donc fait redécouvrir deux choses : la superposition de musique et la narration créative. Plus important encore, cela m’a rappelé que si vous faites de la musique pour des DJ, vous avez tout intérêt à être DJ vous-même pour savoir ce qui fonctionne ou non avec votre art.

 

J’ai fait quelques découvertes en improvisant de la musique, que je partagerai avec vous dans cet article.

 

Tracks vs Chansons

 

L’une des premières choses qui vient à l’esprit lorsqu’on mixe de la musique est que si la musique est trop pleine ou trop arrangée, il est difficile de la superposer à d’autres musiques. Dans le domaine de la production musicale, on parle de « musique épurée » (stripped-down music) pour désigner les morceaux qui sont généralement plus répétitifs et qui, à première vue, paraissent un peu ennuyeux. Si vous aimez la superposition de musique, ces morceaux sont les meilleurs amis du DJ. Cela m’a ouvert les yeux, car j’aime les arrangements bien exécutés, et maintenant, lorsque je mixe, j’ai tendance à chercher ces chansons douces à mixer, juste pour la texture qu’elles apportent. Certaines chansons que j’adore écouter deviennent un cauchemar à mixer parce qu’elles sont trop chargées et que le fait de compter sur l’égaliseur pour atténuer une certaine plage de fréquences enlève beaucoup trop à cette chanson.

 

Les clients qui craignent que leur musique soit ennuyeuse ne réalisent pas qu’il s’agit en fait d’une bonne chose, car une chanson légèrement répétitive et peu excitante peut en fait être un excellent outil pour un DJ.

 

Lorsque la minimale était à son apogée au début des années 2000, je me souviens que le journaliste Philip Sherburne décrivait la techno minimale comme de la « musique qui semble inachevée mais qui est tout de même publiée », et il n’avait pas tort. C’était principalement dû au fait que les DJ les plus en vue superposaient toutes sortes de chansons simultanément dans le cadre d’une performance. Richie Hawtin en était le chef de file, tout comme Algorithm, Mike Shannon… Je dirais que c’est un art de trouver le bon équilibre, et dans cette interview, Hawtin explique que pour son Concept:96, il s’est concentré sur les éléments essentiels à la chanson, en écartant tout le reste.

Beaucoup de gens oublient que les morceaux de DJ ne sont pas nécessairement conçus pour être écoutés de manière indépendante. Vous pouvez le faire si vous le souhaitez, mais vous risquez d’être légèrement déçu. Si c’est le cas, c’est peut-être bien fait, ce qui est stupéfiant pour de nombreux producteurs qui soulignent souvent que les gens risquent de s’ennuyer.

 

Je vais sans hésiter désigner l’EDM comme le principal acteur de la musique trop arrangée, créant un standard qui a contaminé les autres genres.Si l’EDM a attiré des gens vers la scène électronique, elle a aussi confondu les nouveaux venus dans l’idée que c’est ainsi qu’il faut faire la musique.

 

La force d’une musique remplie de risers, de swooshes, de reverse, d’effets, de drops et de breaks, c’est que vous aurez une foule attentive, et que cela enlèvera toute intervention de la part du DJ… ou peut-être qu’ils induiront plus d’action, en créant un mur de bruit.
Je suis plus intéressé par un effet hypnotique, des transitions subtiles et une excursion musicale mystérieuse.

 

Pour en revenir aux chansons inachevées, j’observe que la musique qui n’est pas si bien mixée peut également participer au mix DJ, car son imperfection peut être intégrée dans une chanson.
Je me réfère principalement aux chansons avec un filtrage bizarre ou des basses fréquences négligées. Bien sûr, en soi, c’est un peu sommaire, mais en tant que troisième chanson, pour compléter ce qui se passe, elle ajoute une couche de fréquences qui peut être une belle couleur.
Des morceaux bien mixés peuvent porter un set, mais il est possible d’ajouter des morceaux imparfaits, à condition de ne pas les laisser tels quels.

 

L’espace négatif dans les arrangements

 

Cela m’amène à parler d’espace négatif ou de « trous ». Il s’agit d’espaces volontaires, de silences et de blancs que vous laissez dans vos motifs ou vos phrases plus longues. La beauté de ces silences prend tout son sens lorsque vous mixez une autre chanson, où certains aspects de la chanson B répondent à des éléments de la chanson A. Lorsque vous pensez de cette manière, cela ouvre tout un éventail d’options :

 

  • Espace négatif dans les motifs de percussion : Au lieu de faire jouer une ligne complète d’un élément, vous pouvez couper la moitié ou le quart de la mesure pour laisser de l’espace à d’autres percussions.
  • L’espace dans les sections : Vous pouvez voir vos mélodies et motifs par section où ils peuvent être joués pendant 1 à 4 mesures, puis être mis en sourdine. Vous pouvez également alterner les mélodies toutes les X mesures au lieu de les faire jouer tout au long du morceau (une erreur fréquente dans les arrangements).
  • Moins de transition, plus d’éléments spontanés : Il n’est pas nécessaire d’avoir des sons à chaque transition. Limitez-les et utilisez plutôt des éléments décoratifs ici et là. Lors du mix avec une autre chanson, ces éléments peuvent converser avec une autre chanson.
  • Réduisez votre liste de critères : Parfois, j’ai l’impression qu’une chanson a une liste de tous les éléments dont elle a besoin pour être « complète », alors pourquoi ne pas en laisser de côté ? Vous pourriez laisser de côté les claps, l’arp, la basse, ou quelque chose que vous avez l’habitude d’intégrer de facto. La plupart des autres chansons contiennent ces éléments, donc laisser un « élément essentiel » est une manière douce de créer de la tension.
  • Mélodies à une note : Nous pensons souvent que les mélodies doivent être composées de plusieurs notes pour être agréables, mais l’utilisation d’une seule note peut s’avérer très utile. Elle peut également être superposée à une autre chanson contenant 1 ou 2 notes, créant ainsi une nouvelle mélodie. L’harmonie se produit lorsque plusieurs notes sont combinées, c’est pourquoi une piste avec une seule note complète d’autres chansons. Les séquences d’une seule note sont très utiles dans l’intro ou l’outro d’une chanson.

 

Breakdowns, Drops, Effets

 

Maintenant, parlons des choses que je n’aime pas dans le mix. La première chose que je dois mentionner est quelque chose que je dis depuis longtemps : les breaks. Je ne comprends pas pourquoi chaque chanson a un break. Surtout les longues. Avoir un moment avec moins d’énergie peut être amusant et offrir une saveur différente à la façon dont la chanson est construite, mais vous n’avez pas toujours besoin d’une longue pause dans votre musique. Il est devenu trop facile de toujours avoir des pauses, car lorsqu’il y a un drop, les gens réagissent. Il y a d’autres façons de procéder, et chaque chanson comporte une longue pause, ce qui devient fatigant. Comme je l’ai dit dans d’autres articles de ce blog, c’est au DJ de savoir quel est le meilleur moment pour faire baisser l’énergie, et si vous le faites à sa place, cela peut devenir irritant.

 

Je me suis retrouvé à utiliser des hot cues pour sauter des breaks, et dans certains cas, je crée maintenant des edits des chansons où je les enlève. Une fois supprimés, on a l’impression qu’ils n’auraient pas dû être là.

 

Encore une fois, dans l’EDM, l’une des principales idées d’un breakdown est qu’une fois que le drop se produit, il doit proposer une nouvelle tournure (par exemple, un changement de motif de percussion ou l’introduction d’un nouveau son). J’aime cela d’une certaine manière, mais pas dans toutes les chansons. C’est quelque chose à envisager pour la musique répétitive, qui se trouve dans le dernier tiers d’une chanson, afin d’ajouter quelque chose de nouveau et de complémentaire. Il en va de même pour les effets, les swooshes et les risers, qui sont tous exagérés et inutiles. Là encore, j’ai supprimé certains d’entre eux dans des chansons que j’aimerais jouer.

Je commence à aimer les « chansons qui sonnent vides », les chansons assez simples. Est-ce un retour à mes racines des années 90 ? Peut-être que oui.

 

Techniques d’arrangement

 

Il existe de nombreuses façons d’écrire des arrangements pour les DJ qui, comme moi, aiment les couches et les longues séquences de mix. Vous pouvez faire une recherche sur mon blog avec le thème de l’arrangement pour en trouver un grand nombre, mais je vais partager celles que j’utilise actuellement. Oui, en ce moment, je suis perdu dans une spirale de création de DJ Tools pour mon plaisir et je m’amuse beaucoup.

 

1. Trouvez un morceau que vous aimez comme référence, jouez-le en arrière-plan de votre arrangement et construisez votre chanson pour qu’elle s’adapte à ce morceau. Je recommande d’isoler les 2 ou 3 dernières minutes de la référence et de développer votre intro par-dessus. Cette méthode est particulièrement utile si vous ne savez pas comment commencer une chanson.

 

2. Décorez votre morceau en utilisant la chanson de référence et placez vos « événements » aux moments où elle la complète. Par exemple, vous pouvez ajouter quelques notes pour répondre à celles de l’arrangement ou placer une voix à un autre moment. C’est amusant pour un DJ car, au fur et à mesure que la chanson avance, il peut mettre en boucle une partie de votre morceau et la superposer à la chanson en cours. Parfois, pour les morceaux plus longs, lorsque le DJ attend la dernière partie pour en mixer une nouvelle, il reste quelques minutes à tuer, alors si vous fournissez quelque chose de ludique, le DJ peut être créatif et faire des trucs subtils ou des tours de crossfader.

 

3. Ajoutez du contenu bonus. Lorsque la lecture de votre chanson est terminée, ajoutez quelques secondes de silence, puis les effets, les « risers » ou tout ce que vous voulez. De cette façon, vous pouvez charger la piste deux fois, et la seconde peut être utilisée pour décorer la première.

 

4. Essayez votre musique. Rekordbox est téléchargeable gratuitement et utile pour essayer votre musique. Chargez vos références et vos nouvelles tracks, puis superposez-les pour voir comment cela se passe. Vous pouvez également faire cela dans Ableton ou votre DAW. Ajustez. Je ne pense pas que la première version que vous ferez sera la meilleure.

 

5. Live Jam. C’est ici que vous pouvez vous amuser et être moins intellectuel. Faites jouer votre référence, puis rassemblez un certain nombre de boucles avec lesquelles vous pouvez jammer. L’idée est de jouer ces boucles sur la référence. C’est comme si vous étiez le DJ, mais avec plus de contrôle. Une autre façon d’aborder la question est de considérer que vous collaborez. Mettez la référence en sourdine et écoutez ce que vous avez. Cela peut sembler un peu bizarre en soi, mais vous disposerez d’une couche autour de laquelle vous pourrez construire votre chanson principale, à partir de votre jam ludique. Vous n’êtes pas obligé de tout garder. Vous pouvez découper les meilleures parties.

 

Laissez vos commentaires ci-dessous si vous avez d’autres suggestions et idées. J’aimerais beaucoup les lire.

 

Photo de Anne Nygård sur Unsplash