Il se passe quelque chose de bizarre en ce moment dans le monde de la musique. Je ne saurais dire exactement mettre le doigt dessus, mais je vais vous expliquer ce que je vois, et peut-être que vous comprendrez ce que je veux dire.
Comme vous le savez, je ne suis pas un nouveau venu dans le monde de la musique ou de l’industrie. Mon premier disque est sorti en 1999 et, depuis lors, j’ai vu le secteur changer considérablement, passer par des mutations, des transformations et diverses crises. Depuis le système peer-to-peer, les Netlabels et le piratage de la musique jusqu’à l’apparition des services de streaming, en passant par le quasi-effondrement des ventes de disques vinyles et l’énorme essor qu’elles ont connu.
Comme le dit le bouddhisme, le changement lui-même est la seule chose qui ne change pas.
Si l’on considère la situation actuelle, nous disposons de nombreuses options, tant pour faire de la musique que pour la consommer. Nous sommes presque nourris de nouvelles musiques plusieurs fois par jour. Il est difficile de suivre et de se plonger profondément dans la musique parce que nous courons après tout ce que nous pourrions manquer. 2024 est la première année où j’ai acheté des plugins et d’autres choses, et la semaine suivante, je les ai complètement oubliés parce que de nouvelles choses étaient sorties. Il est difficile de penser qu’il y a eu une époque où de nouveaux outils audio intéressants apparaissaient tous les 3 à 6 mois.
Pour de nombreux musiciens, cette situation soulève de multiples questions, car le défi d’être entendu et vu devient plus qu’un casse-tête. Pour beaucoup de nouveaux venus, le fait de pouvoir terminer une chanson et de la publier en quelques clics les motive à entrer dans le monde de la musique électronique. Le réveil est brutal lorsque les résultats ne sont pas au rendez-vous.
Ces dernières années, on nous a fait croire que nous pouvions toucher le monde entier grâce à l’abondance d’options de promotion musicale disponibles sur le marché. Mais il est clair qu’après quelques expériences, ces fausses prémisses nous ont laissés un peu perdus quant à l’utilité de ces outils. James Blake a même déclaré qu’il ne parvenait pas à atteindre ses fans et qu’il avait donc créé sa plateforme. Il n’a pas tort, car lorsqu’un artiste s’adresse à ses fans, il semble que les médias sociaux réduisent au strict minimum le nombre de personnes qui le verront. Je vois un artiste partager sa nouvelle sortie plusieurs fois par jour, et le nombre de likes que je vois est souvent d’environ 10, parfois plus si l’artiste est très connu. J’ai 17 000 followers sur Soundcloud, mais seulement 10 à 20 personnes écoutent quand je poste une chanson.
Les chiffres ne veulent plus rien dire.
Il semble que le fait de sortir de la musique soit devenu insignifiant pour les gens. Ce n’est plus spécial à moins d’avoir un véritable public.
Permettez-moi de résumer quelques points qui pourraient aider tout un chacun à promouvoir sa musique. Au cours des six derniers mois, j’ai travaillé avec de nombreux clients sur de nouvelles approches pour leur musique, et jusqu’à présent, j’ai constaté des résultats encourageants.
Promotion immédiate
La première étape de la promotion consiste à comprendre à qui s’adresse votre musique. Dans la musique électronique, elle s’adresse souvent, en fin de compte, aux DJ. Techniquement, ce sont vos clients et le pont entre vous et le public. Si les DJ ne sont pas votre pont, vous devez vous asseoir et déterminer qui est votre relais de promotion. Peut-être s’agit-il des radios ou des blogs.
Qui que ce soit, vous devez être en mesure d’identifier localement et dans votre entourage les personnes susceptibles de promouvoir votre musique. Dans cette phase, l’objectif de votre promotion est d’éviter de promouvoir votre musique, vous-même, directement auprès des masses. La méthode de promotion publique n’est pas une bonne méthode. Elle est à l’opposé de la promotion par le bouche à oreille. Nous savons tous que le bouche à oreille fonctionne.
CONSEIL : de nombreux cafés, studios de yoga ou autres lieux publics sont ouverts à la diffusion de musique d’artistes locaux, ce qui permet de leur donner une première chance.
Bien que cela puisse sembler contre-productif à première vue, c’est pourtant ce qui fonctionne le mieux. Dans un article précédent, j’évoquais la méthode du cercle des 5, qui consiste à demander à des personnes de tester votre musique pour vous et de faire circuler l’information.
J’ai suggéré aux gens de contacter des DJ pour leur transmettre leur musique. Cela peut être exigeant pour le réseautage, car vous devez utiliser les médias sociaux pour entrer en contact. D’après ce que j’ai vu récemment, Instagram semble être un bon moyen. Soundcloud est mort, mais il permet de trouver des talents et de découvrir comment contacter les artistes. Cela dit, les DJ sont toujours à la recherche de nouvelles musiques, et la possibilité de découvrir des talents est quelque chose qu’ils souhaitent tous. Bandcamp est également un bon moyen de trouver des labels et des artistes et de découvrir de la musique qui pourrait être similaire à ce que vous faites.
L’essentiel est que votre musique soit jouée et testée en contexte. Ce qui rend les gens fous, en particulier les DJ, c’est d’entendre une chanson dans un set et d’être incapable de savoir de quoi il s’agit parce qu’on ne peut pas la Shazamer. C’est pourquoi la promotion de votre musique de cette manière peut créer un buzz. Cette méthode s’appelle la présence de l’ombre. Il s’agit d’un dérivé des artistes qui utilisent l’anonymat pour créer un certain mystère
La dynamique de promotion immédiate consiste à inverser le flux de communication ; vous voulez amener les gens à vous au lieu de leur courir après.
Je vous encourage à utiliser cette méthode pour communiquer avec les personnes que vous contactez.
Chaque fois que vous contactez quelqu’un, ne donnez pas un lien vers votre musique dès le premier contact. Ne vous comportez pas comme un vendeur d’aspirateurs; soyez d’abord humain.
Établissez une conversation amicale, apprenez à connaître la personne, soyez poli et expliquez votre intention de travailler en réseau.
Demandez la permission d’envoyer de la musique. Mais d’abord, faites vos devoirs et assurez-vous que votre musique correspond aux goûts et à l’orientation de l’artiste.
Ces conseils pour communiquer avec les DJ sont les mêmes que ceux que vous utiliseriez avec un label. Il s’agit en fait d’une approche sûre qui permet de ne pas être perçu comme intrusif. En fait, il suffit de suivre ces trois étapes tout au long de votre carrière pour éviter les problèmes en général.
Labels vs Self-Release
C’est probablement l’un des sujets dont je discute le plus avec mes clients. Trop souvent, mes clients viennent de terminer une chanson et leur première idée est de l’envoyer immédiatement à un label. Ce qui me laisse perplexe, c’est que :
La chanson n’a jamais été testée. Les chansons doivent être jouées par quelques experts pour voir si elles correspondent au marché.
La chanson n’a jamais été jouée dans un club. Si votre musique est orientée vers les clubs, elle doit être jouée pour voir comment elle s’intègre dans un set, touche le public et s’insère parmi d’autres chansons du même genre.
La chanson n’a jamais fait l’objet d’une évaluation par les pairs. La musique doit être écoutée par les artistes pour obtenir un retour d’information.
Pour beaucoup, l’idée que chaque chanson doit être promue, envoyée aux labels ou diffusée est un exercice de recherche de validation. Ils sont complètement déconnectés du processus de sortie de la musique et finissent par remplir le marché avec de la musique qui ne fait que remplir l’espace. Sortir de la musique signifie que l’on veut commercialiser le(s) morceau(x), et la promotion doit être faite avant.
On commercialise la musique parce qu’il y a une demande. Si vous commercialisez de la musique pour la promouvoir, elle sera en concurrence avec d’autres musiques (promues correctement) sur le marché et sera perdue dans l’océan. Même les artistes les plus en vue passent par un contrôle de routine avant de publier leur musique. Ceux qui ne le font pas risquent de provoquer des réactions négatives de la part de leurs fans ou de la presse.
La meilleure façon d’établir une relation avec la promotion de votre musique est d’abord de faire preuve de patience. Les labels sont là pour faciliter la commercialisation de votre art, mais il y a un travail de levier pour consolider votre image en ligne et rendre votre musique solide. Une fois que vous vous serez en place, le partenariat avec un label se fera plus facilement. Il vous mettra en contact avec une communauté, disposera de canaux de vente et vous fera bénéficier de ses promotions. Mais il vous faut d’abord une base.
À l’inverse, certaines personnes se lancent rapidement dans le self-release sans en comprendre les conséquences ou sans disposer d’une base solide. Avant de vous lancer, demandez-vous si quelqu’un vous a dit qu’il aimerait acheter votre musique. Si quelqu’un veut l’acheter, vous pouvez la diffuser vous-même, car c’est ainsi que vous la vendez. Cependant, l’autopublication n’est pas une méthode de promotion utile.
Il n’y a aucune urgence ni aucun besoin de sortir de la musique. Une sortie ne fixe aucune norme et ne fait pas de vous un artiste plus important que vous ne l’êtes déjà.
Ce n’est pas parce que votre musique est mise en vente qu’elle se vendra. Je vois souvent des clients qui mettent immédiatement leur musique sur Bandcamp et qui réalisent deux ou trois ventes en l’espace de quelques années. Cela ne fait pas bonne figure et peut être interprété comme un manque de professionnalisme par les professionnels du secteur.
Principalement pour les raisons suivantes :
Cela donne l’impression que vous n’avez pas de réseau ou de soutien.
Cela donne l’impression que vous ne faites pas correctement votre autopromotion.
Cela peut donner l’impression qu’il y a quelque chose qui cloche dans votre musique.
Cela vous fera surtout passer pour un amateur plutôt que pour un professionnel ou un semi-professionnel.
Cela étant, je m’abstiendrais d’essayer cela.
Au lieu de cela, gardez votre musique pour vous et pour les personnes qui veulent la jouer, afin de vous constituer un réseau. Les personnes qui réussissent le plus souvent peuvent dire qu’elles y sont parvenues parce qu’elles ont connu les bonnes personnes au bon moment. Certes, il y a une part de chance, mais le facteur chance est multiplié par le nombre de personnes influentes que vous connaissez.
Action directe
Si nous pensons que l’un des objectifs des artistes avec leur musique est d’être entendus, il est facile d’être tenté par toutes les options de promotion. Oui, des sites comme HypeEdit, Groover et d’autres offrent peut-être une fenêtre de possibilités pour se faire entendre. Mais d’un autre côté, il se peut que cela ne se produise pas. Ce désir peut vous détourner du besoin sous-jacent de validation. Une fois ce besoin satisfait, vous vous sentirez plus à l’aise en attendant que les choses se passent. Par conséquent, ce qui peut faire la différence, c’est ce que vous pouvez contrôler. Cela implique une série de choses différentes.
La première action que vous pouvez entreprendre pour promouvoir votre musique est de la transmettre à des personnes intéressées. Que cette personne utilise votre musique pour des sets de DJ, un podcast ou pour jouer dans un café local, toutes ces micro-actions font bouger votre musique. J’insiste sur le fait qu’il faut travailler sur ce que l’on peut contrôler.
La qualité de votre musique.
Quelle que soit la manière dont vous faites de la musique, un certain niveau de professionnalisme se répercute sur la façon dont vous vous présentez aux autres. Certains clients m’engagent pour un mixage et un mastering, mais la chanson n’a pas beaucoup de contenu ou de profondeur. Bien qu’une production solide puisse être impressionnante, les gens se souviennent généralement de l’accroche et du sentiment qui se dégagent de la chanson. Si la production détourne l’attention de l’idée, cela peut signifier que votre accroche est faible.
La qualité combine plusieurs éléments : la qualité de l’échantillon, l’accroche, l’articulation de l’idée, l’exécution et le développement. Cela fera l’objet d’un article entier. Cependant, si je devais résumer, je dirais qu’il faut s’assurer d’utiliser des échantillons de qualité (pas des MP3 ou des extraits de YouTube) provenant de sites, et si vous trouvez un bon moyen de les intégrer dans un motif qui se développe de manière appropriée, alors vous aurez accompli une grande partie de la mission.
Quantité et régularité.
Ce sujet a été abordé à de nombreuses reprises sur le blog, mais je vais le reformuler (jusqu’à ce que les gens le connaissent par cœur). Pour trouver des idées amusantes et passionnantes, il faut en chercher beaucoup. La première que vous voyez peut être ou non « bonne », ce qui ne sera que plus évident avec le temps. Cela signifie qu’il faut lancer de nouvelles idées chaque jour. Faites-en des tonnes. La proportion habituelle de pépites est d’environ 3 à 5 %, celle des bonnes idées est de 10 %, et la moyenne est de 20 %. Donc, si vous lancez 100 nouvelles idées, vous aurez une idée approximative de la façon dont les choses se dérouleront. Si cela peut vous aider, je commencerai avec environ cinq idées par jour (pour les 20 dernières années), mais seule une petite quantité sera publiée.
La quantité est nécessaire car vous serez exposé à l’exploration de multiples techniques, ce qui vous évitera de vous répéter. Vous finirez par avoir un beau catalogue de chansons et d’idées.
Réseautage régulier.
Le nom du jeu est le réseautage. Votre réussite est directement liée à vos connaissances et à la manière dont vous vous positionnez au sein de votre communauté locale. Connaître des gens en ligne est une chose, mais avoir des contacts en personne est encore mieux. On l’a assez dit, et je m’en tiendrai à cela, car c’est quelque chose que vous contrôlez en grande partie. Je suis conscient que certaines villes ont moins de communautés, et que certaines personnes ne vivent pas dans des grandes villes où la scène est active. Mais si vous êtes sérieux dans ce que vous faites, organiser des voyages vers des lieux proches et vous faire de nouveaux amis pourrait être quelque chose à ajouter à vos projets de vacances à l’avenir.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2025/01/SELFPROMO2.png10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2025-01-27 06:00:372025-01-27 06:00:37L’autopromotion et l’industrie musicale
L’un de mes sujets préférés concerne l’un des outils les plus utiles de la synthèse sonore musicale : les enveloppes.
Il y a des années, je cherchais en ligne des conseils essentiels sur la conception sonore et je suis tombé sur une entrevue avec quelqu’un qui travaillait dans ce secteur. Je ne me souviens pas de qui il s’agissait ni de quoi il parlait, mais ce qui m’a frappé, c’est qu’il expliquait que la partie la plus passionnante de sa conception était liée aux enveloppes. En d’autres termes, il a dit que ce qui rendait certaines conceptions sonores « supérieures », c’était la façon dont elles étaient utilisées.
Tous les sons qui nous entourent ont des enveloppes, même les sons de fond constants tels que le ronronnement d’un réfrigérateur.
En conception sonore, une enveloppe est un mécanisme de contrôle réactif qui détermine la façon dont un paramètre, tel que l’amplitude, la hauteur ou la fréquence du filtre, évolue en réponse à un gate (un signal qui reste actif tant qu’une note est maintenue) ou à un trigger (un événement court et ponctuel). Les enveloppes modifient la dynamique d’un son, lui donnant du mouvement et de l’expression.
Lorsque vous déclenchez une note sur votre clavier ou que vous introduisez des notes pour vos mélodies ou vos percussions, vous utilisez une enveloppe pour façonner la personnalité d’un son. Si l’enveloppe module l’amplitude (par exemple, le volume, le gain), elle définit la façon dont elle commence et se termine dans le temps.
Il existe deux grands types d’enveloppes :
Enveloppe AD (Attack-Decay) :
Cette enveloppe plus simple ne comporte que deux phases :
Attaque : Le temps nécessaire pour que le son passe du silence à son niveau maximal après avoir été déclenché.
Decay : Le temps nécessaire pour que le son passe du niveau maximal au silence après la fin de la phase d’attaque.
Elle est généralement utilisée pour les sons courts et percutants ou lorsque la simplicité est de mise, car le son revient toujours à zéro, quelle que soit la durée de maintien du gate.
Comme il n’est pas nécessaire de maintenir une touche enfoncée pour que l’enveloppe fonctionne, un simple tapotement suffit, et c’est pourquoi nous l’utilisons souvent pour les percussions.
Extrait de la page web du Wolfsound
Rampage (Befaco)
Ce module est similaire à un autre module nommé Maths. Il s’agit d’un module AD double, ce qui signifie qu’un trigger peut déclencher deux enveloppes à la fois ou être utilisé comme une enveloppe à plusieurs niveaux (voir ci-dessous) où la fin de la première enveloppe en déclenche une seconde. Elles peuvent également se déclencher l’une l’autre dans une boucle de rétroaction, une technique appelée Krell patching.
Ce module très polyvalent permet également de régler la vitesse du mouvement de l’enveloppe, de lent à rapide, ce qui est encore une fois très utile pour créer des textures et des mouvements.
Enveloppe ADSR (Attack-Decay-Sustain-Release):
Une enveloppe plus polyvalente et plus détaillée à quatre phases, souvent utilisée dans les synthétiseurs. Celle-ci nécessite un gate pour fonctionner car elle suit le temps du gate lui-même. Si les paramètres de l’enveloppe sont plus courts que ceux du gate, elle passera à l’étape de release.
Attaque : Temps nécessaire pour passer du silence au niveau de crête lorsque le gate est activé.
Decay : Temps nécessaire pour passer du niveau de crête au niveau de sustain.
Sustain : Un niveau constant est maintenu tant que le gate est actif (la note est maintenue).
Release : Temps de passage du niveau de sustain au silence après la désactivation du gate (relâchement de la note).
Ce type d’enveloppe est idéal pour façonner des sons soutenus ou évolutifs tels que des pads ou des leads, ce qui permet un meilleur contrôle de la dynamique. Il peut également être utilisé avec les percussions, mais les sons doivent être plus longs que les sons courts. Les cymbales et les gongs en sont de bons exemples.
ADSR expliquée (Native Instruments)
L’enveloppe MIDI d’Ableton est un simple modulateur que vous pouvez affecter à n’importe quel élément de votre projet. Il dispose également de différents réglages de paramètres pour l’ajuster en détail.
Réactivité de l’enveloppe :
Lorsqu’un signal de gate est appliqué, l’enveloppe commence à façonner le son selon ses phases définies (AD ou ADSR) et réagit de manière dynamique en fonction de la durée pendant laquelle le gate reste actif.
L’enveloppe termine son cycle quelle que soit la durée d’entrée d’un signal de trigger, ce qui la rend adaptée aux sons uniques tels que les hits de batterie ou les effets.
Les enveloppes sont des outils fondamentaux dans la conception sonore en raison de leur réactivité. Elles permettent un contrôle précis de l’évolution du caractère d’un son dans le temps.
Une fonction et une enveloppe ont en commun d’être des modulateurs temporels, mais elles diffèrent en termes de flexibilité et d’application :
Enveloppes :
En règle générale, des phases prédéfinies (par exemple, ADSR ou AD) contrôlent la manière dont un paramètre évolue en réponse à un gate ou à un trigger.
Les enveloppes sont liées à des événements musicaux tels que les signaux d’activation et de désactivation des notes et sont spécifiquement conçues pour façonner les caractéristiques du son (amplitude, coupure du filtre, hauteur, etc.).
Elles répètent leur comportement de manière consistante lorsqu’elles sont déclenchées.
Fonctions :
Les fonctions sont des modulateurs temporels plus généralisés et programmables qui exécutent diverses tâches au-delà des enveloppes standard.
Une fonction peut déclencher un événement unique (comme une enveloppe) et inclure des courbes personnalisées, des boucles ou des comportements conditionnels (par exemple, un cycle, une répétition avec des variations ou la modulation de plusieurs paramètres).
Contrairement aux enveloppes, les fonctions ne dépendent pas forcément d’un gate ou d’un trigger. Elles peuvent fonctionner librement, en suivant un timing interne ou une synchronisation externe.
Par essence, les enveloppes sont un sous-ensemble de fonctions conçues pour façonner le son, tandis que les fonctions sont plus souples et offrent des possibilités de modulation plus étendues.
Qu’est-ce qu’une enveloppe à plusieurs phases (enveloppes en chaîne)?
Une enveloppe à plusieurs phases étend le concept d’enveloppe traditionnel en ajoutant des phases supplémentaires, créant ainsi une forme de modulation plus complexe et personnalisable. Elle se compose de plusieurs segments enchaînés avec leur courbe, leur durée et leurs valeurs cibles, ce qui permet d’obtenir des modulations complexes et évolutives au-delà du simple modèle ADSR.
Une chose que j’aime dans le monde modulaire est d’avoir plusieurs modules d’enveloppe avec un EOC (end-of-cycle), où quand l’un se termine, vous pouvez en avoir un autre qui démarre. Si vous avez 3-4 enveloppes, elles peuvent toutes avoir des réglages différents, et la modulation finira par ressembler à une fonction parce qu’elle est plus programmée que statique et répétitive.
La meilleure application est celle des modulations fluctuantes complexes. La conception d’arrière-plan, les textures et les drones en sont de bons exemples.
Principales caractéristiques des enveloppes à plusieurs phases :
Phases personnalisables :
Chaque phase peut avoir des durées, des valeurs cibles et des formes différentes (linéaires, exponentielles, logarithmiques ou même des courbes dessinées par l’utilisateur).
Comportement en chaîne :
L’enveloppe passe par chaque phase de manière séquentielle, souvent en réponse à un seul trigger ou gate. Elle peut également mettre en boucle des phases spécifiques ou des groupes de phases.
Boucle et re-triggering (redéclenchement) :
Certaines phases ou sections de l’enveloppe peuvent être mises en boucle, créant ainsi des comportements cycliques (par exemple, pour une modulation de type LFO ou des effets rythmiques).
Certaines enveloppes à plusieurs phases permettent des comportements conditionnels, comme le passage à la phase suivante uniquement lorsqu’une condition spécifique est remplie.
Applications :
Les enveloppes à plusieurs phases sont parfaites pour créer des textures évolutives, des motifs rythmiques ou moduler des paramètres sur des périodes prolongées.
Elles sont souvent utilisées dans les logiciels de synthèse modulaire et de conception sonore tels que VCV Rack, où un contrôle granulaire de la modulation est nécessaire.
Exemple pratique d’une enveloppe à plusieurs phases :
Imaginez une enveloppe à plusieurs phases utilisée pour contrôler la coupure du filtre d’un pad :
Phase 1 (Attaque) : Le seuil du cutoff s’élève lentement de faible à élevé.
Phase 2 (Decay) : Le seuil du cutoff diminue légèrement pour ajouter une chaleur subtile.
Phase 3 (Sustain 1) : Le cutoff reste stable.
Phase 4 (Rise) : Le cutoff monte à nouveau pour un effet de balayage.
Phase 5 (Release) : Le cutoff s’estompe en douceur.
Cette configuration peut mettre en boucle les phases 2 à 4, créant ainsi un mouvement hypnotique dans le filtre.
Les followers comme enveloppes mimétiques
Un envelope follower (suiveur d’enveloppe) est un outil qui extrait la forme de l’amplitude (ou enveloppe) d’un signal audio entrant et la convertit en un signal de contrôle. Ce signal de contrôle module divers paramètres dans un synthétiseur, un effet ou un autre processeur audio. Bien qu’il présente des similitudes avec les enveloppes traditionnelles, il diffère dans la manière dont il dérive sa forme de modulation.
Similitudes entre une enveloppe et un suiveur d’enveloppe :
Contrôle de la forme :
Les deux créent une forme de modulation basée sur le temps qui peut contrôler des paramètres tels que l’amplitude, la coupure du filtre ou la hauteur.
Dans les deux cas, l’« enveloppe » définit l’évolution d’un paramètre.
Dans de nombreux cas, les suiveurs d’enveloppe disposent de commandes de montée et de descente qui sont utilisées pour adoucir la forme du signal de lecture.
Modulation dynamique :
Les deux peuvent introduire de l’expressivité et du mouvement dans un son en modulant dynamiquement les paramètres.
Comment fonctionne un suiveur d’enveloppe :
Il s’agit d’un outil de modulation que vous placez à un point de votre chaîne et qui lit le signal entrant. Le signal lu est ensuite traduit en modulation. Il est généralement équipé d’un bouton de gain qui vous permet de contrôler l’ampleur du mouvement que vous souhaitez qu’il lise.
Input :
Le suiveur d’enveloppe analyse un signal audio entrant et mesure son amplitude (volume) dans le temps.
Output :
Il génère un signal de contrôle (CV ou automation MIDI) correspondant à l’amplitude du signal d’entrée.
Par exemple, un signal fort produit une valeur de sortie élevée, tandis qu’un signal faible produit une valeur de sortie basse.
Filtre :
Pour éviter une modulation trop rapide ou irrégulière, de nombreux suiveurs d’enveloppe comprennent des commandes de lissage ou d’attack/release (montée/descente).
Le nouvel Envelope Follower d’Ableton 12.1 dispose d’un signal Sidechain, vous permettant d’intercepter le signal d’un autre canal et de le mixer avec le signal entrant, créant ainsi un mouvement plus complexe qui se réfère à 2 sources indépendantes.
Utilisation d’un suiveur d’enveloppe pour moduler un autre son :
Extraction de la modulation :
Le suiveur d’enveloppe « suit » la dynamique d’un son (par exemple, une boucle de batterie, une voix ou une ligne de basse) et crée un signal de modulation qui reflète la forme de son amplitude.
Application de la modulation :
Ce signal de modulation peut être appliqué aux paramètres d’un autre son, par exemple :
Cutoff du filtre : Le filtre d’un pad « pulse » au rythme d’un battement de drum.
Amplitude : Façonne le volume d’un son (par exemple, un synthé) en fonction de la dynamique d’un autre son.
Pitch : Ajoute un effet d’oscillation ou de hauteur dynamique piloté par le signal d’entrée.
Exemple pratique :
Imaginez une boucle de batterie passant par un suiveur d’enveloppe.
Le suiveur d’enveloppe génère un signal de modulation basé sur les transitoires de la batterie (par exemple, les pics du kick et du snare).
Ce signal contrôle la coupure du filtre d’un pad de synthétiseur, créant un effet de filtrage rythmique synchronisé avec la dynamique de la boucle de batterie.
Utilisations créatives d’un suiveur d’enveloppe :
Effets de type sidechain :
Utilisez un suiveur d’enveloppe sur un kick pour atténuer le volume d’un autre son, comme dans le cas d’une compression sidechain traditionnelle.
Modulation rythmique :
Appliquez l’enveloppe rythmique d’un son percussif à des éléments non percussifs, tels que les niveaux de réverbération ou de délai.
La superposition dynamique :
Utilisez un suiveur d’enveloppe pour adapter la dynamique d’une couche secondaire (par exemple, pour ajouter de la texture à une piste en la modulant dynamiquement avec une piste vocale).
Synthèse croisée :
Combinez la dynamique d’un son avec les qualités tonales d’un autre, créant ainsi des textures hybrides et expressives.
Un suiveur d’enveloppe est similaire à une enveloppe traditionnelle en fournissant une modulation dynamique basée sur le temps. Cependant, alors que les enveloppes traditionnelles sont des formes préprogrammées déclenchées par un gate ou un trigger, les suiveurs d’enveloppe tirent leur forme directement d’un signal audio. Cela en fait un outil puissant pour la modulation dynamique en temps réel, permettant aux producteurs d’« emprunter » la forme de l’amplitude d’un son et de l’appliquer de manière créative à un autre.
Comment j’utilise les enveloppes et ces mouvements dans la musique électronique
J’ai découvert de nombreuses choses en étudiant les sons, et l’une d’entre elles est la façon dont le son fluctue et se module en fonction d’une enveloppe plutôt que de LFO. Par exemple, les kicks profonds utilisent souvent le pitch shifting basé sur l’enveloppe à des fins multiples.
Un décalage rapide du pitch vers le haut peut rendre le transitoire d’un kick plus percutant.
Un déplacement moyen vers le bas créera une traction vers le bas, avec l’impression que le kick tombe bas vers les hanches.
Les deux sont courants et ont l’avantage d’apporter de la vie, ce qui les rend plus attrayants. Si l’enveloppe change constamment, le son sera plus acoustique. Le fait qu’une enveloppe façonne l’amplitude du kick et une autre, la hauteur, m’a rappelé ce que le concepteur sonore interviewé a mentionné. J’ai réalisé que lorsque j’utilise un son, j’essaie toujours d’avoir 2 à 4 enveloppes et un suiveur d’enveloppe. C’est devenu une macro « par défaut » pour mes pistes.
L’avantage d’avoir plusieurs enveloppes est qu’elles peuvent avoir 3 variations : attaque lente/rapide/moyenne et release lent/rapide/moyen.
Cette prise de conscience a été un virage à 180 degrés par rapport à mon ancienne approche, où j’utilisais plusieurs LFO par canal/son. Quelque chose dans les LFO rendait les sons plus mécaniques, alors que les enveloppes rendaient les sons plus organiques/humains. C’était aussi un moyen de s’assurer qu’un son façonne les caractéristiques du son d’une autre piste. Cela m’a poussé à arrêter d’utiliser la compression en side-chain et à utiliser plutôt l’amplitude en side-chaining. Mais ce n’est qu’un exemple, car les applications sont très vastes.
Idées à explorer :
Une enveloppe est utilisée pour ouvrir l’amplitude d’un LFO. Si la modulation d’un LFO est constante, elle donnera un résultat plus mécanique. Cependant, si l’enveloppe ouvre l’amplitude, il y aura ce petit mouvement temporaire (pensez au chant d’un oiseau). Une enveloppe pour une évolution excitante peut également modifier la vitesse du LFO.
Ouvrir le wet-dry d’un effet tel qu’une réverbération.
Les enveloppes sont utilisées pour moduler le panoramique d’un son afin de faire de la place à un autre. Il s’agit d’une excellente alternative au panoramique automatique prévisible, qui permet également d’éviter les problèmes de phase dans certains cas.
L’utilisation de l’enveloppe, d’un son mais en induisant un délai peut créer un appel et une réponse plus propres pour vos arrangements.
Créez une piste MIDI sans instrument, mais ajoutez plutôt quelques enveloppes. Les enveloppes suivront vos notes chaque fois que vous appuierez sur les touches de votre clavier, et vous pourrez ensuite affecter les enveloppes à quelques paramètres de votre projet.
Pour le mixage, les enveloppes ont permis d’ajouter de la propreté et de la clarté aux chansons. La compression side-chain est devenue plus que jamais obsolète pour moi, car la compression altère l’enveloppe plus qu’une enveloppe ne le ferait. La compression modifie également la densité d’un son, ce qui n’est pas toujours nécessaire.
Vous pouvez également créer une macro qui capture le mouvement d’un son dans une plage de fréquences (par exemple, tout ce qui est supérieur à 4 kHz, là où se trouvent les transitoires). Les formes transitoires peuvent être utilisées pour créer la texture d’un autre son.
Le champ d’exploration est vaste et j’aimerais beaucoup lire vos expérimentations.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2025/01/sound-shapes.png10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2025-01-20 11:24:482025-01-20 11:24:48Conception sonore et expressivité
Oui, je sais, ce blogue est resté silencieux bien trop longtemps. J’étais à moitié à court d’idées, au point de ne plus avoir envie de le faire. D’une certaine manière, c’était un sentiment utile parce que je me suis concentré sur l’apprentissage à la place.
Sarah Belle Reid
Sarah Bell Reid est mon mentor, la communauté et la sagesse d’Omri Cohen m’inspirent et m’aident dans mes recherches. De plus, il y a un tas de cours aléatoires ici et là. Je pense que j’ai plus appris cette année-là que les années précédentes réunies, où j’avais pourtant étudié. Je me sens chanceux d’avoir accès à tout cela. Lorsque j’ai commencé à faire de la musique dans les années 90, il n’y avait pas YouTube, alors regarder le travail de ses amis était la meilleure façon d’apprendre. Montréal disposait alors d’une solide communauté qui s’entraidait.
En réfléchissant à l’année écoulée (2024), je me suis rendu compte que j’aimais enseigner et parler avec les gens. Mais j’aime aussi apprendre (mon moi de 15 ans ne le croirait jamais). Quand on apprend, on voit ce qui déclenche la passion et la curiosité. Ces émotions me poussent à apprendre, probablement parce que je suis passionné.
Je me suis rendu compte que tant de gens investissent de grosses sommes d’argent dans du matériel ou des logiciels sans consacrer de temps ou d’investissement à l’apprentissage d’une utilisation correcte de tout cela. Je dois dire que je suis en partie coupable de cela, mais maintenant j’ai rattrapé mon investissement avec suffisamment de cours pour plusieurs années à venir.
L’un des moyens les plus efficaces (pour moi) d’apprendre véritablement la musique n’est pas de suivre des tutoriels isolés ou des heures de théorie, mais d’observer quelqu’un d’expérimenté en action. Regarder un musicien expérimenté faire des choix créatifs en temps réel, poser des questions à des moments cruciaux et comprendre pourquoi un choix a été fait, c’est là que se trouvent les leçons les plus profondes. Cela permet de comprendre chaque contexte dans lequel une technique peut être utilisée pour obtenir un résultat spécifique.
De nombreux cours en ligne échouent parce qu’ils sont hors contexte : par rapport à qui vous êtes, à ce que vous voulez avoir et à ce que vous voulez réaliser. La plupart des producteurs de musique électronique ne lisent pas de manuels, car ils préfèrent explorer pour apprendre. Les cours échouent donc souvent de la même manière : l’apprentissage linéaire ne convient pas à tout le monde.
L’éducation musicale se nourrit de l’interaction, du dialogue et de l’espace pour expérimenter sans craindre de faire des erreurs. L’apprentissage au sein d’une communauté est un moyen de responsabiliser et de reconnaître les progrès d’un artiste. En 2016, j’ai commencé à proposer un coaching gratuit et j’ai créé un groupe sur Facebook. Cela a fonctionné pendant plusieurs années, mais j’ai fini par me lasser. L’objectif du groupe était de fournir des commentaires techniques sur les chansons. J’ai vu de nombreuses personnes qui avaient initialement rejoint le groupe se transformer en artistes créatifs.
C’est également la raison pour laquelle les retraites d’artistes ont été si précieuses. Les commentaires en ligne sont une chose, mais les choses ont plus de sens en personne. Nous nous rencontrons en tant qu’amis, nous écoutons la musique de l’autre, nous partageons nos commentaires, nous mangeons ensemble et nous discutons. Le week-end devient une exploration de l’apprentissage, de la validation et de l’appartenance. L’une de mes façons préférées de voir cela est d’inviter tout le monde à interpréter une chanson en live (5 minutes ou moins). Chaque fois que nous le faisons, tout le monde dit la même chose :
« Pourquoi ne faisons-nous pas déjà cela dans notre salon ? »
Ce que j’ai appris de plus important en 2024, c’est que la somme de tous les enseignements se résume à l’essentiel de ma façon de travailler. Je ne peux pas apprendre grand-chose si je n’expérimente pas et ne révise pas ce que je viens d’acquérir. Sarah a commencé son cours en expliquant que l’apprentissage circulaire est la clé de la progression. Bien que je l’aie fait toute ma vie, il est apparu clairement que je l’ai structuré en élaguant ce que j’apprends, ce que je pratique et ce que je finis par intégrer.
Apprentissage circulaire : Cycles de « Comment faire… ? »
L’apprentissage de la musique (électronique) n’est pas un voyage linéaire. Il ne suit pas un chemin droit de A à B. Au lieu de cela, il se déplace par cycles – des rondes ou des sprints de créativité. Parfois, vos apprentissages vous font avancer, ou votre manque de temps vous tire vers le bas, mais votre musique ne vous laissera jamais tomber. Cependant, il est essentiel d’avoir des personnes pour lesquelles vous pouvez jouer en personne. Lors des retraites, nous avons tous convenu que nous préférions que cinq à dix personnes écoutent profondément plutôt que cinq likes/écoutes sur un site de streaming.
C’est différent que d’apprendre à jouer d’un instrument. La musique électronique est multidimensionnelle, car elle couvre la synthèse, les arrangements, l’échantillonnage, la compréhension de l’ordinateur, la logique, le mixage, etc.
C’est là que de nombreux musiciens ne parviennent pas à apprendre en ligne : un manque généralisé de savoir comment se structurer pour arriver à leurs fins.
Le scénario typique que je vois est celui d’une personne qui a le temps et le budget pour investir dans la création musicale et qui commence avec une forte motivation. Au fur et à mesure qu’elle explore, elle se heurte constamment à des murs et à des obstacles, ce qui lui fait réaliser qu’elle manque de connaissances sur différents sujets. Si leur flux de travail n’est pas bien défini et s’il y a un manque d’organisation, cela peut rapidement les amener au bord de l’abandon. En tant que musicien, je suis exposé à de nombreuses publicités sur de prétendues « solutions » ou raccourcis, mais je sais qu’elles ne résoudront pas mes problèmes, car j’ai de l’expérience. C’est pourquoi je souhaite partager certains de mes apprentissages circulaires.
Qu’est-ce que l’apprentissage circulaire ?
L’apprentissage circulaire signifie qu’au lieu de rassembler toutes les informations dont vous avez besoin pour progresser, vous explorerez jusqu’à ce que vous vous demandiez comment réaliser quelque chose, puis vous obtiendrez les informations dont vous avez besoin pour aller de l’avant. Comme vous le voyez, vous explorerez, puis vous vous poserez la question « comment faire… », ce qui vous amènera à l’étape suivante de la recherche. Les résultats sont généralement une solution ou une technique que vous pouvez tester. Cela vous ouvrira de nouvelles possibilités à explorer.
Je pense qu’il est essentiel de boucler la boucle, car c’est un cycle qui vous permettra d’apprendre.
Un cycle commence lorsque vous vous demandez : « Comment faire pour… ? ».
Exemples : Comment faire ressortir ma voix dans le mixage? Comment recréer ce son à partir de zéro? Comment cette chanson hypnotise-t-elle une foule lorsqu’elle est jouée?
Peut-être que je t’entends penser tout haut : C’estce que je fais déjà.
Mais dans quelle mesure cela fonctionne-t-il pour vous? Si c’est le cas, c’est parfait. Maintenant, vous avez peut-être les mots pour mieux l’expliquer.
Si cela ne fonctionne pas, c’est peut-être qu’une phase de ce cercle n’est pas gérée correctement. Les signes de réussite signifient que vous ajoutez constamment de nouvelles compétences et que vous rencontrez de moins en moins d’obstacles lors de la création. Quelque chose ne va pas si vous apprenez de nouvelles choses mais que vous continuez à rencontrer des problèmes avant de relever un défi.
Les cycles et leurs utilisation
Chaque cycle commence par la recherche d’un concept, une idée qui éveille la curiosité.
Vient ensuite la preuve de la faisabilité, où l’idée est testée, intégrée dans un modèle ou une macro, et explorée en jouant. Si vous vous fiez constamment aux outils et aux macros construits par d’autres, vous sautez des étapes essentielles de votre développement.
Comprendre comment fonctionne votre concept vous oblige à apprendre des techniques de production musicale, peut-être de nouveaux outils que vous ignoriez et peut-être à en apprendre davantage sur le son lui-même. Mais parfois, le fait de placer une idée dans un environnement technique ne signifie pas qu’elle fonctionne immédiatement.
Il y a une phase de correction et d’affinage, d’ajustement des éléments jusqu’à ce qu’ils ressemblent à votre référence. Une fois que le modèle semble solide, il est temps d’enregistrer les idées. Il peut s’agir de capturer une improvisation, de superposer des sons ou de finaliser un arrangement. Vous disposez alors du cœur et de l’âme d’une chanson pour finaliser les arrangements.
Je dis souvent aux gens que chacune de mes chansons résulte d’une nouvelle technique que j’ai utilisée et apprise, ce qui donne un résultat amusant. Parfois, un album est une collection de plusieurs chansons utilisant la même méthode, ce qui donne une impression de cohérence à toutes les chansons.
Mais le processus ne s’arrête pas là. La magie opère lorsque le cycle recommence, non pas en partant de zéro, mais en s’appuyant sur l’élan de la session précédente. Les idées mutent, évoluent et se ramifient vers des territoires inattendus. Votre dernier projet est la semence du suivant. Cela vous aide également à conserver les préréglages, les outils et les matériaux dont vous savez qu’ils fonctionnent bien. La consolidation des connaissances et des techniques se fait en répétant encore et encore quelque chose jusqu’à ce que cela devienne très facile.
Lorsque vous apprenez quelque chose, vous devez le pratiquer jusqu’à ce qu’il soit complètement intégré.
Ce processus cyclique reflète la manière dont l’art se développe dans le monde réel : il est itératif, désordonné et profondément humain. Les artistes regardent les œuvres d’autres artistes, essaient de les comprendre, puis élaborent des théories et des tests. Au début, il peut s’agir d’une copie, mais vous serez ailleurs lorsque vous commencerez à vous entraîner pour la perfectionner.
Le fait d’avoir des références que vous pouvez étudier suscitera de nombreuses questions et amorcera de nouveaux cycles. Plus vos références sont uniques et inspirantes, plus vous approfondirez votre processus d’apprentissage.
Pourquoi l’éducation est plus importante que jamais
Je pourrais continuer à expliquer en quoi l’apprentissage de la musique électronique est essentiel, mais je vais vous faire part de quelques réflexions qui pourraient étayer mon propos.
Saturation du marché.
Plusieurs personnes m’ont dit à quel point elles étaient perdues lorsqu’il s’agissait de trouver de la musique qu’elles aimaient. Les DJ se sentent dépassés par le nombre de nouveaux morceaux. Étant donné que la musique est de plus en plus facile à produire et qu’elle peut également être distribuée sans problème, il en résulte une masse de musique qui rend plus difficile pour l’auditeur de trouver ce qu’il aime. Il peut découvrir de multiples copies pâles de la musique qu’il désire. Toutefois, le manque d’originalité vient des artistes qui s’appuient sur des raccourcis, des modèles, des macros préétablies ou toute autre solution pour accélérer leur flux de travail, sans intégration qui leur permettrait d’innover dans le son lui-même.
Le succès d’une chanson repose souvent sur la compréhension de ce qui fonctionne et sur l’ajout d’une nouvelle touche. Plus vous savez ce que vous voulez faire, plus vous contrôlez votre production, ce qui signifie que votre vocabulaire musical s’élargit.
Une qualité et un contrôle accrus vous permettront de vous distinguer et de distinguer votre art.
Musique d’IA.
Ce type de création musicale est totalement différent de la musique que nous faisons. Un algorithme traite un message et le transforme en chanson. Bien qu’il donne l’impression de faire de la musique pour vous, votre production reste limitée car vous ne contrôlez pas entièrement le rendu. Ce type de musique a sa place, en particulier pour créer de la musique générique ou trouver des idées que l’on peut revoir plus tard. Cependant, la musique d’IA ne tient pas compte de l’une des parties les plus essentielles de la création musicale : le long processus de composition.
Faire de la musique est souvent plus intéressant que le résultat, mais beaucoup de gens ne se concentrent que sur cette partie parce que c’est la fin du voyage. J’aime comparer cela à un voyage. Vos voyages ne sont pas les photos que vous en avez prises, mais l’histoire entière, depuis votre départ jusqu’à votre retour. Tous les bons moments et les moments où vous avez dû changer vos plans font partie du voyage. C’est à peu près la même chose avec la musique.
Si la musique assistée par intelligence artificielle élargit votre vocabulaire ou remplace éventuellement un grand nombre de musiciens, elle n’enlèvera jamais le plaisir de composer une chanson ou de jouer dans votre studio. Mais grâce à l’éducation, vous pouvez rendre ces expériences encore plus riches.
Compréhension personnelle.
Comprendre quelque chose que l’on aime faire ouvre la porte à une communauté et nourrit un besoin d’appartenance. Comme les musiciens recherchent souvent la validation et l’appréciation, en s’appuyant sur leur musique pour y parvenir, ils ne se rendent souvent pas compte qu’ils tentent de répondre à un besoin d’appartenance à une communauté. Créer une chanson peut être une belle carte de visite pour entrer dans une communauté, mais être capable de partager des idées, d’expliquer comment les atteindre ou d’aider les autres à atteindre leurs objectifs est un besoin qu’ils ne soupçonnent pas. C’est ce que l’éducation peut apporter aux artistes, car elle leur permet d’acquérir de nouvelles compétences et l’une des façons d’apprendre est d’expliquer à quelqu’un d’autre.
L’ingénierie inverse au service d’un concept.
Le dernier point que je souhaite aborder est la manière dont la compréhension vous permet d’entendre la musique d’autres personnes et d’en tirer un concept. La musique conceptuelle implique que vous n’êtes pas nécessairement à la recherche d’une accroche, mais que vous faites de la musique en fonction de certaines conditions. S’imposer des limites est un moyen de se concentrer sur ce qui compte.
J’espère que cela vous a incité à rechercher des informations et des points de vue.
En tant qu’ingénieur de mastering, je suis confronté quotidiennement à des mixages et, comme nous le savons, la qualité des masters est directement liée aux points forts des mixages. Au stade du mastering, je travaille avec un fichier stéréo, ce qui signifie que je peux faire des ajustements mais que j’ai aussi des limites. Si tous les problèmes du fichier mixé sont résolus, je peux me concentrer sur la mise en valeur du meilleur de la chanson. D’un autre côté, s’il y a des problèmes, je devrai peut-être les résoudre du mieux que je peux, mais cela brouillera également les meilleures parties de la chanson.
Demander au client de résoudre certains problèmes fait partie de mon travail. Que diriez-vous d’un article de blogue pour couvrir les problèmes les plus courants auxquels je suis confronté?
Avant de commencer, j’aimerais dire que le mixage est un art qui demande des années et des années pour en tirer le meilleur parti. Bien qu’il soit possible de suivre de nombreux cours, la meilleure façon d’apprendre est de pratiquer et de s’exposer à de nombreux autres problèmes. En me les envoyant pour que je les masterise, cela permet de vous former sur comment les tests spécifiques aboutissent.
Certains clients m’envoient chaque semaine de la musique à masteriser. Non pas parce qu’ils veulent sortir la chanson, mais parce qu’ils veulent voir à quoi elle ressemblera. Ils s’entraînent constamment, peaufinent leurs chansons, en commencent de nouvelles, et ce sont eux qui apprennent à mixer rapidement.
Mais comme me l’a demandé récemment un client, « Devrai-je toujours dépendre de quelqu’un pour apprendre à mixer ? »
Je lui ai répondu : « Non, mais tu dois d’abord apprendre les bases et ensuite le reste sera beaucoup plus facile ».
Avant de lire ce billet, je vous encourage à regarder cette vidéo que j’ai enregistrée pour des clients.
Les problèmes de mixage les plus courants auxquels je suis confronté lors du mastering
En tant que lecteur, vous vous attendez probablement à ce que l’on vous indique facilement ce qui ne va pas dans votre session de mixage, mais certains des problèmes proviennent de facteurs externes. Si ces facteurs ne sont pas pris en compte, vous rencontrerez les mêmes problèmes, quelle que soit l’utilisation que vous ferez de votre logiciel ou de vos plugins. C’est pourquoi, bien souvent, après avoir écouté les 20 premières secondes d’une chanson, je sais déjà dans quel contexte le producteur travaille.
Cela nous amène à la première question la plus problématique à laquelle je suis confronté chaque jour.
Manque d’expérience en matière de traduction du mixage
Qu’est-ce que la traduction du mixage?
On développe cette compétence lorsqu’on sait comment son son sera projeté dans le monde extérieur au studio. La traduction du mixage nécessite de passer du temps dans le monde extérieur, d’écouter différents types de musique, puis de retourner au studio et d’écouter les mêmes chansons pour voir comment elles sonnent. Vos oreilles finissent par comprendre que si vos basses sont à un certain niveau en studio, elles auront un impact particulier dans un club ou une voiture. Certaines personnes se fient à leur voiture pour savoir si le morceau sonne bien, ce qui est, d’une certaine manière, une forme de traduction du mixage.
Mais il y a une particularité à cela. Si votre studio ne dispose pas de paramètres correctement ajustés, votre monitoring vous induira en erreur. Pire encore, il risque de masquer certains problèmes ou de mettre en valeur des parties qui ne se traduisent pas bien.
Cela signifie-t-il que vous avez besoin d’un studio doté d’une gamme complète de traitements acoustiques et d’une correction de la pièce par Sonar Works?
La réponse est non.
Je ne dirais pas que j’aime le plugin de Sonar Works parce que je préfère m’habituer à un signal imparfait plutôt que d’avoir à gérer un son plat induit par le plugin. Certains l’aiment, et c’est tant mieux pour eux, mais honnêtement, ce n’est pas quelque chose dont vous avez besoin. Vous avez besoin d’un sub ou d’un Subpac pour comprendre vos basses fréquences si vous faites de la musique où les basses fréquences sont essentielles. Procurez-vous une paire d’écouteurs que vous aimez, mais qui ne sont pas de qualité grand public, et apprenez à bien les connaître.
Un client me demandait sans cesse de renforcer le sub, et j’ai fini par découvrir qu’il n’avait pas de sub. Il a eu une mauvaise surprise lorsqu’il a joué le morceau dans un club local.
Beaucoup de clients ont des mixes avec trop d’une certaine gamme (ex. basses exagérées) ce qui aura pour répercussion de sonner mal dans certains clubs et obligera les DJs à réajuster leur EQ sur la table de mixage pour s’adapter aux autres morceaux qu’ils mixent.
Lorsque les clients reçoivent le master de leur morceau, ils l’écoutent dans leur studio et ont parfois l’impression qu’il n’est pas bon. C’est parce qu’ils ont mixé leur morceau pour qu’il corresponde aux défauts du studio, et une fois que ceux-ci sont corrigés, quelque chose ne va pas. La bonne façon d’écouter un master est de le comparer à un morceau d’un tiers dont on sait qu’il sonne bien. Vous pouvez également l’écouter au casque, sans perturbation acoustique extérieure.
Solution(s) :
La solution la plus simple consiste à se procurer un large éventail de pistes de référence. Certaines personnes n’aiment pas travailler avec, mais le fait de les utiliser et de les connaître correctement permet de résoudre de nombreux problèmes concernant la présence, l’impact, l’intensité, le ton et l’impression générale. Lorsque je travaille avec un client, je propose généralement un master qui est, selon moi, la meilleure présentation possible. Toutefois, si l’esthétique m’échappe, une référence sera d’une aide précieuse. Elle va au-delà des mots et des explications d’un client, car elle est une démonstration concrète du résultat souhaité.
Cette référence ne peut pas être la piste d’un client. Elle doit provenir d’un tiers avec lequel nous sommes d’accord pour dire qu’elle est excellente. Les pistes du client sonneront bien dans son studio parce qu’elles y ont été réalisées.
Comme nous l’avons mentionné, la connaissance de votre environnement et les sorties vous aideront à comprendre la traduction des mixes.
Si vous réglez ce premier point, de nombreux problèmes seront résolus. Mais je rencontre d’autres problèmes, peu importe si vous respectez ce point, alors continuons.
Clarté des basses fréquences
Une bonne compréhension des basses fréquences est la clé de nombreuses musiques électroniques liées à la danse. La façon dont le sub, la basse et le kick se comportent dans un club ou un festival anime la foule et maintient l’énergie. J’ai récemment emmené mon fils à un festival local où il a écouté de la musique électronique à plein volume. Il a été tellement impressionné par la sensation des basses qu’il a compris pourquoi j’aime ce genre musical et pourquoi les gens se mettent à danser.
À l’inverse, si les basses fréquences manquent de clarté, elles auront un effet léthargique sur les auditeurs, principalement parce qu’elles perdront de leur puissance et de leur punch.
Qu’est-ce que la clarté des basses fréquences?
Les basses fréquences se rapportent à la gamme de fréquences d’environ 150 Hz et en dessous. Cela couvre le kick, une partie de la basse et le sub. Les basses peuvent commencer à environ 250 Hz et descendre jusqu’à 30 Hz. Le kick peut commencer très haut, autour de 1,5 kHz (pour le transitoire) jusqu’à 20 Hz. Mais son punch se situera entre 200Hz et 20Hz, en fonction des genres, qui ont tous une recette différente pour gérer le kick. Le sub est plutôt en dessous de 30hz.
Compte tenu de la façon dont ces trois sons principaux couvrent et partagent la présence dans cette gamme, ils peuvent facilement se chevaucher, ce qui entraîne une certaine confusion. Une fois qu’un son est masterisé, il peut facilement être perturbé si l’un d’entre eux en masque un autre.
Solutions :
On peut faire plusieurs choses, mais la première solution est de s’en occuper dès le début, au moment de l’arrangement et du sound design.
Ajustez la longueur de vos sons afin qu’ils ne se chevauchent pas. C’est dans l’ADSR, où vous pouvez couper la fin d’un son pour qu’il n’en heurte pas un autre.
La modulation d’amplitude est une autre option si vous avez des difficultés avec la longueur. Cela signifie que vous pouvez utiliser la compression side-chaining ou un outil comme Trackspacer pour faire en sorte qu’un son soit le leader et force les autres à se baisser lorsqu’il est joué. Bien que Trackspacer soit le plus facile à utiliser, il est également possible de le faire avec Pro-Q, Fuser, Shaperbox, mais ces derniers nécessitent un peu plus de réglages pour obtenir un résultat satisfaisant.
Vous pouvez également clarifier vos basses fréquences en apprenant à utiliser un Gate. Le gate permet de créer de l’espace, en coupant tout ce qui se trouve en dessous d’un certain seuil. Cela signifie qu’il fait taire la fin de certains sons. Mon Gate préféré est inclus dans la suite Neutron.
Compte tenu de l’espace limité du bas du spectre, envisagez d’avoir un kick plus court si vous avez une basse plus longue ou vice versa.
Couper les fréquences inutiles pour chaque son peut également aider, mais il faut d’abord s’attaquer à l’amplitude.
Étalonnage du gain (Gain Staging)
Pour beaucoup, cet aspect de la production et du mixage de la musique reste un peu ésotérique. Même pour moi, cela a été déroutant pendant des années, principalement parce que personne ne me l’expliquait correctement. J’ai fini par le comprendre par moi-même, ce qui est une bonne chose car je peux maintenant le décrire facilement à n’importe qui.
Qu’est-ce que le gain staging?
Résumons cela à l’essentiel : il s’agit de donner suffisamment de volume sonore pendant la phase de mixage pour qu’une fois le mastering effectué, je n’aie pas à le compenser et à l’amplifier trop fortement. Cela ne concerne pas seulement le volume général de la piste, mais aussi les sections de fréquence, telles que les graves ou les médiums.
Pourquoi est-ce un problème?
Une fois que je l’ai masterisé, il ne me reste que quelques options pour compenser l’intensité sonore du mixage afin d’atteindre les niveaux commerciaux dont le marché a besoin. Si le mixage donné a une sonorité de -19 LUFS, je dois compenser en ajoutant 9 à 10 LUFS, ce qui est beaucoup. Cela signifie que les différences de niveau entre les sons et la profondeur, le bruit de fond et la relation entre tous les sons seront radicalement modifiés, ce qui causera un choc à mon client.
Il arrive aussi que le volume sonore soit presque parfait, mais que les basses n’aient pas la densité requise. Je dois me concentrer sur cette seule zone, ce qui peut modifier l’orientation de la piste.
Solutions :
Le gain staging est une série d’actions différentes que l’on peut effectuer dès le début, une fois que les échantillons sont sélectionnés. Lorsque vous chargez un son, il est essentiel de le normaliser pour qu’il atteigne l’unité zéro, puis de vérifier son niveau RMS pour voir quelle est sa puissance. Il y a une différence entre le niveau sonore maximal et le niveau efficace. Le dernier point concerne la densité. Vous pouvez stimuler la densité avec de la distorsion sous l’une de ses nombreuses formes : compression, distorsion, saturation.
Cela signifie que les plugins tels que les préamplis, les émulations de matériel, l’overdrive et le waveshaping, pour n’en citer que quelques-uns, peuvent aider un son à ressortir du mixage parce qu’il est plus épais. C’est comme si vous mettiez le son en gras, où il est dense et épais par rapport à une police standard.
Une erreur que je constate souvent dans les mixages de mes clients est d’appliquer une compression en fin de chaîne, soit sur les bus, soit sur le master. Bien que cela puisse être utile pour coller plusieurs sons simultanément, cela réduit également de manière significative votre plage dynamique, tuant le punch si ce n’est pas utilisé correctement.
Rugosité (Harshness), résonances et transitoires
Ce point couvre trois questions à la fois parce qu’elles sont liées entre elles. Le chapeau qui les couvre tous en même temps s’appellerait la rugosité (harshness en anglais).
Nous savons tous quand une chanson a une sonorité désagréable, mais quelle en est la cause?
D’une manière générale, la rugosité signifie que lorsque vous écoutez la chanson, elle vous met mal à l’aise ou, pire encore, qu’elle vous fait légèrement mal aux oreilles. C’est une évidence dans 99 % des contextes, car on veut que les gens écoutent une expérience agréable. Le dernier 1% concerne la musique noise, punk et lofi, où la sensation d’inconfort est appréciée parce qu’elle crée une tension. Mais même dans ces genres, il y a un seuil à ne pas dépasser pour les oreilles humaines.
La rugosité d’un morceau est liée à l’une ou l’autre ou à la combinaison de différentes caractéristiques. L’une d’entre elles est une mauvaise gestion des transitoires, qui donnent l’impression d’un coup de poignard dans le tympan. Les transitoires proviennent de l’ADSR d’un son dont l’attaque peut être trop vive, associée à des fréquences gênantes. Certaines personnes pensent, de facto, que 3 kHz est automatiquement inconfortable, mais parfois, cette fréquence peut être agréable à l’oreille si elle est amplifiée. L’enveloppe du son est nette, et la concentration/densité à un endroit spécifique peut être affectée. C’est comme mettre en gras quelque chose de laid.
Dans le domaine de la conception sonore, différentes sources sonores permettent de reproduire des instruments réels. Par exemple, le bruit ou le contenu inharmonique peut reproduire un hihat ou une caisse claire. Un bruit mal géré, tel que le bruit blanc, qui couvre une gamme complète, peut être aigu. Le choix d’un filtre et l’application d’une enveloppe ADSR peuvent aider à gérer cela.
D’autres sources, telles que l’effet Larsen, qui peut être utile pour la conception de sons non linéaires, peuvent être magnifiques mais peuvent créer des résonances. Ce type de son, s’il est géré correctement, peut ajouter une sensation organique à votre son, mais si vous l’exagérez, il sera inconfortable. C’est pourquoi la résonance d’un filtre peut être agréable à l’oreille à un certain niveau, et il en va de même pour le filtre de l’égaliseur.
Lorsque je travaille sur un master, je me considère comme l’avocat de l’oreille générale. Je suis le mur entre le grand public et la chanson du client. J’ai ajusté la chanson pour qu’elle convienne au commun des mortels. Il est parfois choquant pour un client d’entendre sa chanson corrigée, où j’ai supprimé tous les points gênants.
Solution :
Très souvent, les clients ou les personnes que je coache me demandent quel formateur d’oreille en ligne ils devraient essayer pour être en mesure de repérer les problèmes dans leur musique. Ma réponse vous déroute car je vous suggère de n’en utiliser aucun puisque, à mon humble avis, ils ne vous formeront pas pour cela. Le vrai problème est que de nombreux clients ne comprennent pas la rugosité pour de multiples raisons.
Vous perdrez votre capacité critique si votre équipement de monitoring masque la rugosité de votre chanson. C’est pourquoi les casques grand public ou, parfois, la hi-fi donnent un son parfait.
Vos oreilles finissent par s’adapter aux imperfections si vous les surexposez à quelque chose. En d’autres termes, si vous écoutez une chanson moche en boucle, votre cerveau vous trompera. C’est bien parce que c’est la seule option pour ne pas devenir fou en écoutant cette boucle.
La comparaison de votre musique avec une musique bien ajustée est un système de validation croisée qui révèle les imperfections. Si vous faites une comparaison AB avec votre musique, vous pouvez sentir que quelque chose ne va pas avec vos sons. Que faire alors?
Aucun outil ne vous enseigne directement ce qu’est la résonance, mais certains vous donnent des indices. Un plugin comme Soothe est un bon révélateur car il vous montre les résonances potentielles et les contrôle de manière dynamique. D’autres alternatives sont moins chères. Mais honnêtement, une bonne façon de vous éduquer sur la rugosité et les mixages approximatifs est de faire confiance à votre intuition que quelque chose ne va pas et de suivre cette routine :
À l’aide d’un EQ à 3 bandes, isolez l’une des trois bandes primaires (basses, moyennes, hautes) afin de localiser approximativement le problème.
Pendant que vous déterminez la bande, prêtez attention aux sons qui sont joués.
Mettez en sourdine certaines pistes pour trouver celle qui est à l’origine du problème. Une fois que vous avez coupé le son d’une piste qui semble avoir un impact sur le confort de l’oreille, vous savez que vous avez trouvé le problème.
Parfois, le problème vient de la combinaison de plusieurs sons jouant simultanément. Si vous jouez le son en solo, vous n’aurez pas de problème, mais le fait de jouer avec d’autres sons crée une concentration de fréquences qui fait mal aux oreilles. Vous pouvez regrouper ces canaux et appliquer une coupure d’égalisation à la fréquence qui vous fait mal. La méthodologie est la même : appliquez une baisse d’égalisation de 6 dB pour commencer, puis examinez la zone pour voir si une position la rend plus confortable. Une fois que vous l’avez trouvée, réglez-la à -3 dB pour voir si cela fonctionne. Ajustez ensuite en fonction de vos goûts.
Envisagez de supprimer un échantillon si vous devez égaliser 3-4 points à 3-5 dB. Cela signifie généralement que l’échantillon n’a aucune valeur (pour votre morceau).
Vous pouvez également gérer les transitoires avec un transient shaper ou utiliser un compresseur avec une attaque courte pour contrôler l’enveloppe problématique de certains sons.
Largeur et profondeur stéréo
Les mixages larges sont impressionnants – je le comprends – mais cela peut aussi être un problème dans certains contextes d’écoute. Ces problèmes se traduisent par une perte de punch et de puissance ; certains sons deviennent des fantômes en disparaissant ou en perdant beaucoup d’intensité. Dans un signal stéréo, il y a la gauche et la droite (LR), mais il y a aussi le signal mono et les côtés (MS).
Le signal mono est distribué dans les deux enceintes. Si vous vous approchez d’un haut-parleur et que vous n’entendez que celui-ci, vous devriez entendre distinctement le signal mono et le signal panoramique. Lorsque les deux enceintes sont positionnées, le signal mono apparaît juste devant vous (au centre), de sorte que vos oreilles perçoivent une représentation stéréo. Avec un casque, le signal mono est perçu au niveau de votre nez ou au milieu de votre tête.
Les signaux droit et gauche sont codés dans le signal spécifique, qui est le même pour les écouteurs.
Le signal Side, une fois isolé, sera perçu sur chaque signal, mais le signal mono sera coupé. Il est difficile à décrire. Au casque, on peut avoir l’impression d’entendre l’ambiance d’un espace seul, en trompant presque ses oreilles sur le fait qu’on peut écouter derrière et autour de sa tête.
Il existe de nombreux élargisseurs qui jouent avec la psycho-acoustique pour tromper vos oreilles. Le signal est plus large, mais cela peut brouiller vos sons au point de les mettre en phase. Ce que nous appelons les problèmes de phase, c’est que le son s’annule lui-même parce qu’il ne peut pas être correctement représenté dans l’image stéréo. Je pourrais aller plus loin dans la description, mais il faut que vous le sachiez.
L’un des problèmes que je rencontre souvent est que le signal mono est trop faible par rapport aux signaux latéraux. Parfois, le signal latéral, mais seulement une fréquence spécifique, est plus fort que le signal mono. Dans le cas contraire, les côtés sont trop faibles et j’essaie de les ouvrir pour leur donner un peu de présence. Si je fais cela, je ne l’exagérerai jamais.
Solution :
Il s’agit d’un point délicat. Le mieux est d’utiliser un outil qui montre l’équilibre MS de votre mixage. Vous pouvez également apprendre à repérer si les sons sont en phase avec un spectromètre. Je vous encourage à vous procurer le logiciel gratuit Span de Voxengo.
Recommandations générales pour améliorer vos mixes
Certaines habitudes saines que vous pouvez prendre lorsque vous faites de la musique auront un impact direct sur la qualité de votre mix. Je vais en partager quelques-unes ici en tant que contenu bonus. Ces conseils ne répondent pas nécessairement à un problème spécifique, mais ils vous aideront à obtenir une cohérence et de meilleurs résultats après le mastering.
Mixage plat/Utilisation d’un FFT
Le fait de garder un lecteur FFT sur votre bus master, tel que SPAN, vous donnera une idée de l’inclinaison ou de l’aplatissement de la tonalité de votre chanson. Pour le mastering, il est plus facile de traiter un mixage plat qu’un mixage incliné (sombre ou brillant). Le fait d’avoir un mixage plat me permet de proposer au client une direction spécifique qui conviendra le mieux à la chanson en question. Si la chanson a un ton exagéré et que je dois corriger le ton, le client croira automatiquement que j’ai gâché la chanson.
Tester en Mono
Je vous encourage à tester votre chanson en mono pendant la phase de mixage. De nombreux plugins, dont le plugin Utility d’Ableton, peuvent convertir une stéréo en mono. Lorsque votre chanson est en mono, essayez de voir comment certains sons sont entendus par rapport à la stéréo. Si les sons en signal mono s’atténuent drastiquement, vous devez accentuer leur présence pour solidifier leur niveau. Vous avez peut-être abusé de certains plugins induisant une phase, et il serait bon d’adoucir cela.
Faire une comparaison A/B
Déposez quelques chansons directement dans votre section d’arrangement pour les utiliser comme référence. Vous pouvez ensuite comparer votre chanson avec celle-ci et comparer la tonalité, les niveaux et la largeur. Vous pouvez également vérifier les arrangements, qui révèlent parfois des faiblesses dans le vôtre.
Apprendre à DJ et à utiliser Rekordbox
Cela peut sembler étrange si vous ne faites que de la production, mais si vous apprenez à DJ, cela vous aidera à préparer vos morceaux. Lorsque vous jouez de la musique que vous aimez en tant que DJ et que vous jouez la vôtre, cela vous semble-t-il correct ? Y a-t-il un décalage ? Le DJing n’est pas seulement un passe-temps amusant, c’est aussi une activité qui vous aidera considérablement dans votre travail de mixage et d’arrangement. Je considère que c’est essentiel si vous aspirez à faire de la musique de danse. C’est une façon de se mettre dans la peau d’un DJ.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/07/studio-mix.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-07-14 11:52:262024-07-14 11:52:26Problèmes de mixage et solutions
Je suis allé dans un club local pour écouter un ami roumain en visite pour une nuit entière de musique qui correspondait davantage à mes goûts, et alors que le DJ qui l’avait précédé était un peu linéaire et prévisible, mon ami a ouvert le bal avec de la musique aux sonorités fraîches. Il n’a pas lancé le top 10 de Beatport ou quoi que ce soit de directement lié au DJ précédent, pas même une introduction pour plaire à la foule. Il a lancé une techno obscure, ce qui était un peu audacieux, et il a rapidement enchaîné avec un morceau des années 90. L’idée principale de ce morceau était une voix disant « Get House », une chanson de Caliesto. Un beau contraste.
Rien qu’en entendant le sample, j’ai eu des flashbacks de raves, de lasers, de bracelets lumineux, de gens qui dansaient et transpiraient, juste à partir d’un simple sample que j’ai entendu, ce qui m’a ramené à une époque spécifique. Contrairement au DJ précédent, où toutes les chansons s’harmonisaient parfaitement, il n’y avait malheureusement rien de mémorable ou de tangible à en tirer. Je ne me souviens pas d’un seul moment, une semaine après. Il ne s’agit pas de critiquer la musique de quelqu’un, mais plutôt de dire que les idées solides vieillissent bien parce qu’elles créent des moments intenses. Si vous écoutez la chanson de Caliesto, vous vous rendrez compte qu’elle est relativement simple. Néanmoins, l’accroche est suffisamment captivante pour que tout le monde parle plus tard à ses amis de l’échantillon principal, dont les autres se souviennent probablement facilement.
Il m’est apparu que la définition du succès avait changé depuis les années 1990. Bien sûr.
Retour aux DJ
Comme je me suis remis au DJing, j’explore les options, car de nombreux outils sont maintenant disponibles. Par exemple, j’ai obtenu un compte professionnel sur Rekordbox et je l’ai associé à un compte sur Beatport. Cela me permet de synchroniser ma liste de lecture du magasin directement sur Rekordbox, d’ajouter les chansons que je veux et d’avoir ce catalogue infini à portée de main. C’est un peu comme Spotify, où votre limite est votre connaissance de la musique ou votre culture. Mais même si vous êtes novice ou limité, il existe des outils de découverte pour vous aider à rechercher ce que les autres aiment et jouent.
Après avoir synchronisé Beatport avec Rekordbox et ouvert la section musicale correspondante, j’ai été submergé. Si vous me connaissez, vous savez que la technologie me submerge rarement. Il m’a fallu beaucoup de temps pour y arriver, mais je regardais fixement la sélection et me sentais perdu. Je n’étais pas submergé par les possibilités; j’étais déconcerté par la quantité de déchets qui se trouvaient là.
Je ne suis pas là pour critiquer à nouveau la musique, mais plutôt à un niveau méta, en prenant du recul pour avoir une vue d’ensemble.
Le nombre de chansons qui sonnent exactement comme la précédente était flagrant. Certains de mes artistes préférés créent soudain des chansons avec des sons ou des préréglages douteux, et de nombreux nouveaux artistes créent de la musique avec des arrangements étranges et inutilisables.
Suis-je trop vieux pour cela ?
Non, ne vous inquiétez pas. Lorsque je commence à creuser, je trouve encore beaucoup de musique fantastique. Alors, que s’est-il passé exactement ?
Démocratisation de la musique et ouverture des opportunités commerciales
Dans les années 90, les logiciels de musique électronique visaient à permettre à un plus grand nombre de personnes de faire de la musique en la rendant plus accessible et plus abordable. Cela a ouvert la voie à d’innombrables mélomanes désireux de faire de la musique. Je serais hypocrite de me plaindre, car je faisais partie de ces gens qui n’avaient aucune formation musicale ; la technologie a été mon sauveur. Trente ans plus tard, ajoutez YouTube pour le partage des connaissances (alimenté par la motivation de la popularité des likes), et ajoutez des agrégateurs qui permettent à toute personne ayant une chanson terminée d’accéder à tous les magasins en ligne et à toutes les plateformes d’écoute en continu. Vous obtiendrez des albums de chiens qui aboient, des EP de techno réalisés par des enfants de huit ans, de la musique de drone alimentée par des pets et tout ce à quoi vous pouvez penser, vous pouvez probablement le trouver.
Est-ce une mauvaise chose?
Ce n’est pas à moi d’en juger, mais l’avantage des gens qui sont de solides sélectionneurs est probablement ce qui peut permettre à un DJ de se démarquer de ses collègues. Mais en tant que producteur, je pense que la question est de savoir si l’on peut échapper à l’attrait de la vague de similitude de la musique de masse et, peut-être, ne pas être pertinent.
Absolument, mais il s’agit d’un sujet un peu compliqué à traiter car il est défini par de multiples aspects, tels que votre définition du fin (Definition of Done, DoD), votre culture, votre communauté et ce que vous considérez comme une réussite.
Le piège du succès
Tout ce que vous voyez ou identifiez comme un « problème » est directement lié à une micro-culture d’habitudes qui a créé cette situation. Par exemple, si votre chambre à coucher est en désordre, c’est que vous avez la terrible habitude de ne pas la ranger. Si vous voulez la nettoyer, une fois que vous l’aurez fait, elle restera dans cet état pendant un jour ou deux, jusqu’à ce qu’elle soit en désordre à nouveau. Le véritable objectif n’est pas d’organiser votre chambre, mais de développer des habitudes de propreté pour qu’elle reste propre.
Nous pouvons également transposer ce principe au secteur de la musique. Un nombre considérable de personnes qui me consultent en privé souhaitent terminer plus de musique parce que leur objectif est d’avoir du succès, ce qu’ils traduisent par :
La musique est terminée
La musique est signée sur un label
Les labels voient le succès en sortant de la musique qui finit par attirer l’attention et les ventes. Les DJs voient le succès dans les concerts et dans les vidéos Instagram avec des tonnes de likes.
Bien qu’il n’y ait rien de mal à cela, l’accent est mis sur quelque chose qui définit le succès d’une partie externe. Vous n’aurez peut-être jamais l’impression que c’est suffisant parce qu’il y aura toujours des options pour faire mieux, et bien que cela puisse devenir une dépendance, cela peut aussi être déprimant. Mais l’attrait de voir des personnes ayant beaucoup de likes, jouant sur la grande scène et ayant beaucoup de streams est une image que nous pouvons tous désirer; je peux le comprendre.
Considérer le succès des autres comme un objectif final est un piège, car cela ne met pas l’accent sur les habitudes que les artistes qui réussissent ont construites.
Derrière le succès d’un DJ, il y a la recherche quotidienne de musique ancienne et nouvelle, les répétitions et la recherche, mais aussi de nombreux échecs. Le succès d’un album tient à l’habitude qu’a le producteur de faire de la musique tous les jours et de créer 23 versions différentes de chaque chanson. Derrière le label à succès, il y a une équipe qui passe quotidiennement du temps à travailler en réseau avec les médias, les DJ et les festivals. Derrière chaque modèle, il y a beaucoup de choses cachées, et c’est là que réside le succès.
Alors que tout le monde débat des outils de génération de musique (ou d’images) par l’IA, je vois rarement quelqu’un parler de la façon dont cela vise les résultats et contourne les processus de création et la formation d’habitudes.
Si vous vous efforcez d’avoir de bonnes habitudes, les résultats suivront. Cela commence par ranger votre chambre, faire votre lit tous les jours et laver les draps une fois par semaine. Au final, votre chambre sera propre et le restera.
Il ne s’agit pas d’une invention pure et simple. Elle est tirée d’un livre intitulé Atomic Habits. J’ai découvert ce livre il y a des années, et il a eu un grand impact.
Briser les normes
Dans mon dernier article, où je donnais des conseils pour accélérer votre processus de travail, quelqu’un m’a demandé comment cela pouvait inonder le marché avec plus de musique copiée inutilement lorsque je l’ai publié sur les médias sociaux. Je lui ai demandé si ma musique l’était, et il m’a répondu que non (je connais cette personne, c’était donc une bonne discussion). Tout dépend de la manière dont vous utilisez votre vitesse et de vos intentions. Mais oui, si vous travaillez vite et sans but, vous risquez de vous retrouver dans la file d’attente pour faire une autre version du best-seller de Beatport, qui a probablement déjà existé 200 fois.
Mais comment briser les normes, les routines, les clichés?
Créer des habitudes basées sur l’originalité
C’est là que tout doit commencer. Cela implique de reconnaître ce qui rend une chanson originale, unique et mémorable.
S’exprimer de manière plus personnelle
Il existe deux types de producteurs populaires : ceux qui veulent ressembler à tout le monde et ceux qui ne veulent pas ressembler aux autres. Chacun d’entre eux est confronté à certains problèmes :
Sonner comme tout le monde ne vous élèvera pas au rang de leader. Cependant, cela peut s’avérer payant si vous trouvez d’autres personnes qui aiment rapidement les mêmes sons que vous.
Le fait de ne sonner comme personne vous marginalisera et vous aurez du mal à trouver votre communauté. Lorsqu’elle est bien menée, l’originalité peut être saluée et faire de vous un innovateur.
Mais être plus personnel dans sa musique ne signifie pas se transformer en extraterrestre. Cela signifie que vous pouvez prendre des idées connues mais les façonner pour qu’elles correspondent à ce que vous êtes. Par exemple, j’aime qu’il y ait une harmonie mélodique dans ma musique (en utilisant les tonalités fondamentales et les gammes), mais j’ai du mal à suivre les progressions d’accords typiques qui sont populaires dans les chansons (progressive, hip-hop lo-fi, etc.). Lorsque je crée des mélodies, je frappe les touches au hasard en utilisant mon oreille et je finis par organiser mes notes pour qu’elles aient un sens (pour moi). C’est bizarre pour quiconque s’intéresse à la théorie musicale parce que ça ne suit pas les conventions, mais ça a du sens parce que ce n’est pas faux d’un point de vue harmonique.
Mon ami Bryan, un musicien de jazz, m’a dit qu’il préférait mes mélodies bizarres à des chansons trop organisées parce qu’elles « me ressemblaient davantage ».
Un client utilisait sa voix pour chanter des notes qu’il convertissait en midi. Il avait l’impression que sa voix mettait en valeur une mélodie, quelque chose de très personnel.
C’est la même chose pour les percussions. Vous pouvez suivre les conventions ou jouer bizarrement avec ce que vous voulez… tout en restant sur la grille, pour que ce soit jouable par un DJ.
Maîtriser une ou plusieurs techniques de production musicale.
Plus vous maîtrisez une technique, plus vous pouvez en repousser les limites. Utiliser une méthode à son niveau le plus bas, c’est manquer cette zone où l’on peut extraire des idées totalement différentes de ce que tout le monde fait. Si l’on pense à J Dilla, il a maîtrisé l’échantillonnage et le swing groove, ce qui lui a donné sa signature reconnaissable.
Si vous pensez à la chanson de Caliesto que j’ai mentionnée, il s’agit également de comprendre l’exécution plus que de s’appuyer sur le contenu.
Croiser l’inspiration des genres.
Si vous lisez mon blogue, cette question revient souvent. Les chansons qui attirent l’attention sont généralement innovantes et, récemment, une nouvelle a annoncé que David Guetta avait fait de la musique country, ce qui est un bon exemple. On peut ne pas l’aimer, mais en termes de décisions commerciales, ce type prend toujours des décisions qui montrent la voie. Cela s’applique également à l’utilisation de l’échantillonnage comme moyen d’innover en permanence. Si vous pensez maîtriser cette technique, détrompez-vous.
Splice est également une excellente source d’inspiration. Leur IA qui suggère des idées pour commencer est assez innovante et utile. Elle vous permet de briser la routine et de choisir des échantillons d’autres genres.
Évitez les packs d’échantillons et les préréglages populaires
Je ne le dirai jamais assez, mais certains genres s’appuient sur les mêmes packs. Contrairement à la drum and bass avec l’amen break, c’est un sample. Nous parlons ici d’un pack de multiples échantillons utilisés et réutilisés au point de briser toute chance de développement en tant que musicien. Compte tenu du nombre d’échantillons auxquels nous avons accès, j’ai du mal à comprendre pourquoi cela se produit.
Utiliser les mêmes packs d’échantillons revient à vouloir sonner comme les autres. L’une des excellentes fonctionnalités d’Ableton Live 12 est la fonction « Find similar samples » (trouver des échantillons similaires) qui, d’un simple clic, propose un large éventail d’options. Ainsi, vous pouvez peut-être commencer avec une base de quelques échantillons, puis plonger dans votre bibliothèque pour obtenir des échantillons aux sonorités similaires.
Tout en préconisant les préréglages, principalement pour l’auto-éducation, je vous encourage également à les modifier un peu afin de trouver diverses couleurs que vous ne saviez pas avoir sous le nez. En masterisant et en écoutant la musique d’un client, il m’arrive souvent de me dire « Ah, il a utilisé tel synthé avec tel preset », ce qui n’est pas un problème, mais que je trouve un peu paresseux. Mais c’est moi, ce qui veut dire que d’autres peuvent aussi penser cela. Si vous aspirez à sortir un album, vous ne voudrez peut-être pas qu’un label pense la même chose de votre musique.
Bien qu’il n’y ait pas de « recherche de presets similaires » dans Live, vous pouvez en quelque sorte contourner le problème en créant une macro de votre plugin en associant des paramètres à des boutons (en tant que groupe), puis en créant des instantanés de vos boutons. Si vous vous enregistrez en train de jouer avec vos snapshots, vous verrez que la position du bouton est également enregistrée. Vous pouvez ensuite effectuer un balayage entre les positions. Il y a aussi un patch max qui peut le faire ici.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/06/trap-cov.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-06-27 09:49:052024-06-27 09:49:05Le piège du succès
Au cas où vous l’auriez manqué, j’ai déclaré 2024 « mon année de retour à la production ». J’ai commencé lentement parce que j’avais beaucoup de choses à faire, mais dès que j’ai eu le temps, j’ai commencé à travailler à plein régime. Paradoxalement, les dix dernières années de formation que j’ai dispensées aux étudiants et aux personnes que j’ai encadrées étaient basées sur mon expérience, mais je n’appliquais pas tellement mes astuces à mon flux de travail.
Parfois, il faut se concentrer sur soi-même ; d’autres fois, c’est en se concentrant sur les autres que l’on comprend mieux les choses. Vous ne pouvez expliquer que ce que vous comprenez vraiment ; expliquer aux autres vous oblige souvent à repenser vos connaissances. Comme le temps passe vite, il a été plus judicieux de faire beaucoup de musique pour voir les vrais défis de 2024 et peut-être trouver de nouvelles approches.
Dans cet article, je vais essayer de résumer les différents raccourcis et hacks qui m’ont permis de travailler incroyablement vite, en faisant 1 à 2 chansons par jour en plus de ma charge de travail habituelle.
Pourquoi travailler vite
Si vous lisez ce blogue, vous savez que j’encourage la rapidité dans la création musicale pour de multiples raisons. La première raison est que l’on s’améliore avec la pratique, et si vous travaillez rapidement pour faire de la musique, vous travaillerez avec des techniques, vous serez confronté à des problèmes et vous apprendrez quelque chose de nouveau à chaque session.
En répétant cela encore et encore, il était logique que je sois moi-même rapide, et au début, je me sentais un peu rouillé, alors il ne m’a pas fallu beaucoup de temps pour m’y remettre. La première étape vers la rapidité est de comprendre où l’on perd du temps.
Pour cela, il existe deux sphères principales :
Génération d’idées : Mélodies, lignes de basse, motifs percussifs, séquences, progression d’accords, accroches, structure de la chanson, arrangements, etc.
Contenu : Sons, enregistrements, effets, etc.
La génération d’idées est importante lors de l’élaboration de votre chanson, tandis que la sphère du contenu concerne la manière dont elle sonne. Vous pouvez avoir toutes les meilleures idées du monde, mais comment cela sonne-t-il? Vous pouvez avoir tous les sons, mais c’est la façon dont vous les arrangerez qui déterminera l’essence de votre chanson.
C’est un défi de trouver les deux, et de nombreuses personnes se perdent dans une partie de ce processus, en se concentrant sur l’optimisation de la situation et en oubliant qu’il y a d’autres choses à faire. Pour gagner en rapidité, il faut déléguer certaines parties à des outils capables de les prendre en charge, tout en se concentrant sur les aspects que l’on maîtrise le mieux.
Un bon exemple est l’utilisation d’une boîte à rythmes. On peut vouloir se concentrer sur l’accroche et la structure de la chanson, mais laisser le côté percussif à une boîte à rythmes qui n’aura pas besoin de beaucoup de programmation ni de conception sonore, puisqu’elle est livrée avec son son. Un autre exemple est celui du genre acoustique, comme la musique folk, où les sons se limitent à la guitare et à la voix, de sorte que l’artiste peut se concentrer sur les paroles et jouer sans se préoccuper de trouver de nombreux sons.
Trouver vos raccourcis grâce aux outils
Une fois que vous savez où vous perdez du temps, il est temps de réaliser que la technologie existe pour simplifier votre flux de travail. En ce qui concerne les outils et les plugins, voici une liste complète de tous les outils que j’utilise pour améliorer ma musique.
Génération d’idées
Accroches, mélodies, riffs, motifs : après avoir analysé tant d’accroches de chansons que j’aime (vous devriez faire l’exercice pour voir ce que vous aimez), je peux comprendre qu’elles sont soit liées à l’échantillonnage, soit à un court phrasé de notes. Si vous espérez créer de grandes mélodies sans comprendre la musique, votre meilleur atout serait de vous familiariser avec les bases. La connaissance est toujours le meilleur investissement avant toute utilisation de l’outil.
Cela dit, il n’est pas toujours facile de trouver des idées. De plus, si vous voulez écrire des mélodies vous-même, vous risquez de toujours tomber sur la même routine. Je suggère de commencer par des générateurs qui peuvent proposer un point de départ, puis de construire à partir de là.
Ableton Live 12 propose de nombreux générateurs différents pour créer des idées nouvelles. Je me suis récemment intéressé à la Suite of Generators de Phil Meyer, mais j’ai également exploré Manifest Audio, dont la palette d’outils est fraîchement prête pour Live 12.
Si vous n’êtes pas familier avec les différents outils créés par AlexKid, sachez qu’il a humblement commencé avec un séquenceur de boîte à rythmes dans Live, mais peu après, il a créé de nombreux outils pour générer des idées, tels que Seqund et les suites.
J’aime aussi beaucoup AudioModern et Riffer, et Rozzer et Sting peuvent être des outils gratuits très puissants. Snake vient de recevoir une nouvelle version de Live 12, qui est superbe.
Sons et contenu
En ce qui concerne les échantillons, il existe de nombreuses options sur le marché. Dans le modèle d’abonnement, il y a toujours Splice (one-shots, boucles, location de plugins et autres), Loopcloud (one-shots, boucles, midi), Tracklib (contenu de chanson libre de droits à réutiliser), et Soundsnap (bibliothèque de sons allant d’enregistrements de terrain à des one-shots, utilisée principalement pour les films). Vous pouvez également explorer les options gratuites avec Freesound, Archive.org et Samplette (recherche aléatoire sur YouTube).
La meilleure façon de générer de nouveaux sons est de créer une macro dans laquelle j’ai mappé les paramètres d’un échantillonneur ou d’un synthétiseur en tant que macro, puis d’appuyer sur le randomiseur de la macro pour accéder à un nouveau son.
La créativité naît de l’action et du mouvement. Il faut s’asseoir et travailler pour que les idées viennent.
Collaboration
Il ne s’agit pas d’un plugin, mais c’est la collaboration qui a l’impact le plus important sur l’accélération des choses. Cela dépend également des personnes avec lesquelles vous travaillez. Les sessions en personne peuvent souvent donner lieu à des distractions, à des bavardages, à la consommation d’herbe et à la réalisation de peu de choses. Idéalement, je préfère les sessions à distance où chaque participant travaille quand il en a le temps, au maximum de sa concentration.
L’autre avantage du travail à distance est de pouvoir collaborer avec n’importe qui, n’importe où. Dans mon cas, mes collaborateurs se trouvent souvent dans des pays différents.
Si vous voulez apprendre à faire de la musique rapidement, travaillez avec quelqu’un qui sait ce qu’il fait. Lorsque vous échangez des projets, vous partagez vos connaissances. Vous trouverez des collaborateurs parmi les personnes qui font quelque chose que vous aimez et qui font bien quelque chose que vous ne faites pas. Quelqu’un qui vous complète fera mieux que quelqu’un qui est à votre niveau ou qui a les mêmes méthodes que vous.
Mais il y a un twist. Parfois, il est bon de travailler avec quelqu’un qui n’a aucune expérience de la musique, mais qui est de bonne humeur et qui vous donne des idées. Je trouve inspirant d’être assis dans le studio avec quelqu’un qui dit : « J’imagine que la chanson peut faire ceci, et cela peut aller là », puis vous faites ce que vous pouvez avec cette information, et quoi qu’il arrive, cela vous amène à un endroit que vous n’auriez pas exploré tout seul. Un débutant est souvent enthousiaste à l’égard de choses dont vous seriez blasé, ce qui vous permet d’apprécier des choses qui vous ennuyaient.
Lors d’une récente retraite, nous avons fait un jam avec quatre personnes. Alors que ce n’était pas nouveau pour moi, tous les autres n’avaient jamais essayé cela auparavant, et ils étaient époustouflés par ce que nous faisions. Il n’y avait aucune préparation. Nous avons juste improvisé, et tout nous a semblé naturel et amusant. Ce qui semblait être 10 minutes s’est transformé en presque 2 heures de musique bizarre. C’était énergisant, et nous avons tous partagé la musique que nous jugions appropriée avec d’autres.
Modèles et références
Dans mon rythme rapide de création musicale, j’ai deux sessions initiales. L’une consiste à construire une idée de base, et l’autre à créer un squelette de chanson. Comme vous l’avez appris sur ce blogue, la recherche, le développement et l’organisation des idées doivent être la base de votre travail, et il faut beaucoup de temps pour trouver celles que l’on aime. Mais cela ne doit pas vous empêcher d’avancer dans votre travail musical.
Construire des chansons à partir d’idées de base est un bon point de départ ; parfois, l’idée principale apparaît au fur et à mesure que l’on travaille sur ces chansons.
Vous serez créatif en travaillant et non en attendant de l’être.
C’est là que les modèles sont utiles. J’aime enregistrer un morceau fini en tant que modèle, mais d’abord, je le débarrasse de tous les sons tout en conservant le MIDI et les effets. Si vous y réfléchissez, dans les années 1970, les gens organisaient une table de mixage pour l’enregistrement d’un album entier, ce qui permettait de conserver l’uniformité de l’ensemble du projet. En outre, l’album était souvent enregistré dans un seul et même studio.
Garder la chanson comme modèle accélère l’organisation de la ou des chanson(s) suivante(s).
Rekordbox
Un jour, j’ai vu quelqu’un sur Instagram dire que tout le monde devrait être DJ, et je suis d’accord. Je ne veux pas dire que tout le monde devrait se produire en tant que DJ dans les clubs, mais plutôt à des fins d’auto-éducation et parce que c’est amusant. Cela vous ouvre à de nombreuses compréhensions passionnantes sur la façon dont la musique électronique fonctionne. Si vous n’êtes pas d’accord, c’est très bien, mais nous devrions être d’accord sur un point : toute personne qui fait de la musique électronique pour les DJ devrait au moins apprendre et jouer en tant que DJ.
Ces derniers mois, je me suis remis en mode DJ et j’ai trouvé une nouvelle source d’inspiration. De plus, le fait de jouer de la musique inachevée dans Rekordbox a mis en évidence des défauts dans les arrangements et le mixage qui me semblaient initialement corrects. Cela a même modifié mon flux de travail : je faisais un squelette d’arrangement pour une chanson, puis je le déposais directement dans Rekordbox pour le jouer avec de la musique que j’aime, afin de voir ce qui se passe, ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.
D’une certaine manière, sortir d’Ableton Live pour aller dans Rekordbox est un raccourci et une économie de temps.
Tout le monde devrait apprendre à devenir DJ. Il y a beaucoup à apprendre et cela vous permet d’apprécier l’art, la musique tout en vous éduquant sur la façon dont la musique est faite. Tout comme tout le monde devrait apprendre à jouer du piano.
Modèles (Templates)
J’en ai déjà parlé à plusieurs reprises, mais lorsque vous commencez à faire de la musique, je vous recommande de commencer par créer un modèle par session de studio. Du plus simple au plus complexe, la création d’un modèle vous permet de structurer les sessions futures, d’organiser ce que vous faites chaque fois que vous commencez une chanson et de stocker des techniques potentielles à explorer.
Voici quelques idées à explorer :
Modèle de mixage : Créez un modèle de plusieurs pistes préfabriquées avec des effets pour le mixage.
Modèle minimal (ou tout autre genre) : Disposez d’un modèle contenant une collection de kicks, de presets de synthétiseurs et d’autres sons prêts à être utilisés dans l’esprit de la création d’un genre.
Traitement du son : Créez un modèle avec différents outils pour altérer et déstructurer les échantillons, tels que des granulateurs, des distorsions, des modulateurs et des échantillonneurs.
Routage complexe : Vous souhaitez peut-être explorer des techniques étranges de gating et de side-chaining avec un routage complexe réalisé à l’avance.
Collection de pads : Chargez un ensemble de synthétiseurs et d’échantillonneurs pour obtenir des textures complexes en couches.
Permutation de percussions : Ouvrez plusieurs kits de batterie et envoyez le même signal midi à différents kits afin d’avoir un aperçu de vos options.
L’intérêt d’avoir des options dans un modèle signifie deux points possibles : le premier est que vous pouvez ouvrir un modèle et commencer à travailler dessus ou importer des pistes à partir d’un projet sur lequel vous travaillez actuellement.
Macros et systèmes
Très souvent, lorsque j’ouvre les projets de mes clients, je constate qu’ils utilisent une chaîne d’effets. Certaines n’ont aucun sens, tandis que d’autres sont intéressantes, mais quel que soit leur fonctionnement, je ne les vois jamais regroupées sous forme de macros. Je suis toujours surpris de voir que si peu de gens manquent l’opportunité d’utiliser l’un des aspects les plus puissants d’Ableton. Non seulement il est facile de regrouper ce rig d’effets, mais qui sait s’il peut être utilisé plus tard dans un autre morceau.
Transformer des effets multiples en une macro signifie que :
Vous pouvez affecter les paramètres essentiels de l’effet à des boutons afin de les contrôler avec le PUSH ou d’accéder rapidement aux boutons, le tout centralisé en un seul endroit.
Vous pouvez enregistrer des paramètres en tant que préréglages globaux afin d’obtenir rapidement des couleurs différentes.
Vous pouvez randomiser votre piste pour obtenir des résultats inattendus.
Vous pouvez moduler des éléments à partir d’un seul endroit.
Je vous encourage à en faire une habitude, car elle sera automatiquement payante à court terme.
Les systèmes sont un peu comme des macros, mais un peu plus avancés, et il n’est donc pas facile pour un nouveau venu de les explorer. Je parle de système lorsque vous avez créé une macro qui génère du contenu pour votre musique. Cela fait partie du contenu génératif mais qui utilise des macros. L’avantage des outils génératifs est de créer des idées à ajouter à votre musique. Il peut s’agir de percussions, de mélodies ou de glitchs bizarres. J’ai beaucoup d’outils génératifs que je sors lorsque je me dis « il manque quelque chose ».
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/06/speed-tricks.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-06-18 10:41:272024-06-18 10:41:27Raccourcis et astuces pour gagner du temps
Après quelques années d’interruption dans l’enseignement des cours en face à face pour débutants, j’ai pris un peu de temps pour me remettre en contact avec ce que l’on ressent quand on commence à faire de la musique. L’une des raisons pour lesquelles je ne donnais plus de cours aux débutants était que cela devenait redondant pour moi, et je préférais donner des cours aux producteurs intermédiaires et avancés en raison du défi et parce qu’à ce niveau, les différents problèmes nécessitent une approche créative. Les débutants ont besoin d’être guidés, d’être aidés pour la navigation, le flux de travail, et de briser les mythes sur la création musicale et les concepts de base. En même temps, je me rends compte que je relève le défi différemment : je cherche à leur enseigner le maximum avec le minimum possible.
Une approche que j’adopte est de voir leur progression par niveaux, comme dans les jeux vidéo ou dans Donjons et Dragons (si vous me connaissez, je suis un grand adepte de Donjons et Dragons, j’y joue toutes les semaines). Dans cet article, j’aborderai une technique que les gens négligent constamment, et quel que soit votre niveau, il y a sans aucun doute quelque chose à appliquer : le découpage (Slicing).
Échantillonnage, rééchantillonnage et hip-hop (Sampling et Resampling)
Au niveau débutant, les gens cherchent à se familiariser avec les outils et la navigation d’Ableton Live (ou leur DAW). J’insiste toujours sur le fait que si vous vous concentrez sur le matériel physique, vous devez revenir à une DAW, car il y a beaucoup de concepts à apprendre d’abord, et l’utilisation d’un ordinateur est bien plus simple que l’apprentissage d’une machine. Une partie de cette navigation comprend l’utilisation de clips, de boucles et de sons simples et la construction de chansons avec ces éléments pour comprendre comment fonctionnent les arrangements et la théorie simple.
À ce niveau, vous ne pouvez pas encore aspirer à sonner comme vous l’espérez, pas plus que quelqu’un qui joue du piano pour la première fois ne s’entraîne à faire des gammes. Si vous voulez faire des chansons, vous devez vous entraîner à faire des chansons à partir de tout ce que vous trouvez. Mais l’échantillonnage, le rééchantillonnage et le remixage peuvent être très utiles. Certains producteurs font carrière grâce à ces techniques.
Tout le monde veut faire des chansons, mais personne ne veut apprendre à les faire. Ils veulent tous sauter l’entraînement parce qu’ils pensent qu’ils ont tout compris.Everyone wants to make songs but no one want to learn how to make them. They all want to skip the practice because they think they have it all figured out.
Le hip-hop en est un bon exemple. La philosophie et la base de la production consistent à échantillonner de vieux disques ou n’importe quelle musique et à les arranger, souvent sur un MPC. La logique se résume à « prendre et manipuler, réarranger selon le goût ».
D’un point de vue créatif, c’est l’approche novatrice idéale : Vous prenez ce que vous aimez et vous l’arrangez à votre façon.
Je suis cet artiste, Jon Makes Beats, qui applique cette méthode de manière efficace. Il échantillonne souvent des disques, généralement assez ringards (apparemment, beaucoup d’entre eux ont été achetés à l’Armée du Salut pour quelques dollars), les réarrange, ajoute des rythmes (souvent à partir de boucles réarrangées), joue quelques notes par-dessus, puis des booms (généralement des presets, ce qui lui convient) – tout cela est enregistré en une seule fois. Pour moi, cela ressemble à une séance de studio parfaite et réussie.
Regardez toutes ses vidéos, et il est impossible de ne pas être inspiré par la simplicité de son approche. Mais il a aussi de bons conseils, très terre-à-terre, qui correspondent aux miens.
Le concept central est simple : une fois que vous avez vos échantillons, vous disposez du matériel nécessaire pour raconter votre histoire d’une autre manière. Je vais partager avec vous quelques points et idées à essayer.
De nombreux artistes de renom ont réalisé des choses extraordinaires avec des échantillons, mais deux d’entre eux me viennent à l’esprit : les Beastie Boys et Daft Punk. Dans le documentaire d’Apple TV, les Beastie Boys racontent comment l’une de leurs premières chansons à succès reposait sur trois échantillons, le reste étant constitué d’une boîte à rythmes et de leur rap. D’autre part, les Daft Punk ont superposé de multiples petits échantillons provenant de différents disques pour créer une chanson. Ces deux exemples sont diamétralement opposés, mais tous deux ont fait beaucoup avec des idées prises et utilisées de manière créative.
Créer votre propre preset de découpage
Je n’étais pas très satisfait des presets d’échantillonnage d’Ableton Live, alors j’ai créé les miens. Lorsque je découpe une boucle, je veux, par défaut, avoir accès à une macro spécifique correspondant à ce que j’utilise habituellement.
Tout d’abord, si vous n’êtes pas familier avec le découpage, vous pouvez le faire en prenant n’importe quelle boucle que vous avez, puis, lorsque vous cliquez avec le bouton droit de la souris, un menu apparaît. A partir de là, vous choisissez « Slice to Midi Track » (Découper en piste MIDI).
Vous serez ensuite invité à choisir le preset à utiliser pour le découpage.
Vous obtiendrez alors un drum rack avec chaque échantillon (tranche) assigné aux pads du rack. Un clip Midi sera également généré avec une note pointant vers une tranche spécifique. Si vous jouez le clip, vous entendrez votre clip d’origine, mais vous pouvez maintenant réorganiser le clip pour que les notes arrivent dans un ordre différent. Vous pouvez également choisir un échantillon.
Ils sont OK pour le découpage de base, mais les macros du rack sont insuffisantes. La création de votre preset est si facile et amusante que je vais vous expliquer comment j’ai créé le mien pour que vous puissiez faire le vôtre.
Créer votre preset de découpage
Tout d’abord, ouvrez une piste MIDI vide.
Deuxièmement, placez un Drum Rack et ajoutez un Simpler sur le pad C1.
Troisièmement, vous pouvez mapper certains paramètres du Simpler aux macro-commandes du Drum Rack. Cela signifie que lorsque vous découpez votre clip, chaque tranche aura son propre Simpler, mais un simple bouton mappé contrôlera tous les mêmes paramètres. Cela présente des avantages et des inconvénients. Du côté positif, cela signifie que vous pouvez, par exemple, maintenir la longueur de toutes les tranches, en les rendant courtes ou longues. Mais si certains clips sont destinés à être courts alors que d’autres sont longs, cela peut s’avérer délicat.
Certains de mes boutons contrôlent les paramètres suivants : Attack, Decay, Sustain, Release, Volume en bas à droite. Ensuite, la fréquence et la résonance du filtre. Assurez-vous de décocher les options Loop et Snap.
La dernière étape consiste à enregistrer ce nouveau preset dans le bon dossier afin qu’il puisse être utilisé dans l’option de découpage.
Vous déposez le Drum Rack dans le User Folder, sous Defaults, dans le dossier « Slicing ». Vous pouvez ensuite le renommer comme vous le souhaitez, comme le mien ci-dessous, « My Basic Slicer ».
Si vous découpez un clip en midi, votre nouveau preset apparaîtra dans la liste.
Vous êtes maintenant parés!
Faisons maintenant quelques petites expériences.
Découper la mocheté en beauté
Parfois, vous pourriez avoir des enregistrements de synthés bizarres et laids, ou peut-être des effets dissonants. Ils m’intéressent particulièrement parce qu’on peut obtenir des mélodies ou des percussions inhabituelles une fois qu’on les a découpés en tranches. Je trouve qu’il y a quelque chose de poétique dans le fait de transformer quelque chose que l’on mettrait normalement au rebut et de lui trouver une vie nouvelle et inattendue.
L’un des problèmes pourrait être qu’il n’y a pas de transitoires à détecter, vous pourriez donc vouloir le découper en régions forcées. Je vous encourage à essayer différents paramètres, mais cela pourrait être 1/4 ou 1/8, en fonction de la taille souhaitée. Veillez à ce que l’échantillon que vous découpez ne soit pas trop long; sinon, vous obtiendrez trop de tranches, ce qui ne sera pas intéressant à travailler.
À partir de là, vous pouvez voir quelles tranches ont été produites, modifier la longueur et découvrir de nouveaux motifs.
ASTUCE : Vous pouvez essayer un séquenceur avant le drum rack pour générer des séquences sans le clip MIDI. Il existe des séquenceurs amusants, tels que Rozzer et Snake.
Découper les mélodies
Cette technique est issue du hip-hop. Ils découpent généralement une mélodie en régions plus étendues puis, en jouant d’un instrument MIDI, jouent la chanson avec une articulation différente ou en changeant l’ordre des notes. Mais vous pouvez aussi adopter une approche plus abstraite, avoir des notes plus courtes, les jouer au hasard et voir si cela a un sens.
Pour ce faire, les gens choisissent une région d’une longueur de 1/2 ou 1 mesure. Mais si vous aimez la musique Micro-House, vous choisirez des régions minuscules.
CONSEIL 1 : Munissez-vous d’un contrôleur MIDI pour expérimenter la lecture des régions.
CONSEIL 2 : Utilisez les LFO internes de l’échantillonneur pour donner de la vie à votre séquence.
Échanger des sons
Dans Ableton Live 12 (si vous l’avez), le drum rack dispose d’une nouvelle option qui vous permet d’échanger tous les sons contre une nouvelle sélection de sons similaires. Cela peut être un vrai casse-tête, car vous commencerez avec quelques sons, puis vous finirez par découvrir de nombreuses alternatives. Vous pouvez verrouiller certains sons que vous aimez, puis remplacer les autres.
Pour ce faire, vous devez d’abord aller dans la liste des échantillons et consolider les tranches; sinon, elles ne seront pas détectées comme des tranches individuelles.
ASTUCE : Quel que soit le découpage que vous faites, si vous utilisez le mode transitoire, principalement pour tout ce qui est percussif, vous aurez un ADN midi de l’endroit où chaque transitoire tombe sur la grille. Vous pouvez également utiliser le midi d’un slicer et le transmettre à un autre. Cela signifie que le rythme d’un pattern de slicing peut déclencher l’ordre d’un autre. Cela permet de réorganiser les séquences et d’obtenir un swing amusant et instable.
Échantillonneurs tiers
Il est également amusant d’explorer les VST tiers au-delà d’Ableton. Il en existe un grand nombre, mais je vais partager mes favoris. Notez que vous ne pourrez pas créer de preset de slicing avec ceux-ci. Les presets de découpage ne peuvent être créés qu’avec l’échantillonneur/simpler natif d’Ableton.
Ce plugin est le compagnon idéal de XO. Si vous ne connaissez pas XO, c’est probablement l’une des meilleures boîtes à rythmes et échantillonneurs. XO excelle dans la création de séquences percussives, vous offrant des variations de sons et de motifs. Il organise aussi visuellement votre collection d’échantillons par catégorie et par famille, ce qui vous permet de trouver rapidement des échantillons similaires. Life va encore plus loin en vous permettant de rééchantillonner vos échantillons en interne, puis de créer de nouvelles séquences à partir de ceux-ci, avec de nombreuses options de variations. Cette option est également disponible sous forme d’application sur votre smartphone pour enregistrer des sons n’importe où et les relier ensuite à votre DAW. C’est impressionnant.
CONSEIL : Utilisez les deux avec des automatisations pour donner vie à vos séquences.
CONSEIL 2 : Il s’agit d’éléments essentiels si vous avez un budget suffisant.
Serato existe depuis longtemps pour permettre aux DJ de jouer leur sets numériquement. Au départ, il s’agissait d’un encodeur Vynil qui permettait de faire correspondre le rythme de la musique à partir de l’ordinateur. Le système a évolué en 20 ans et le mixage numérique est aujourd’hui la norme pour de nombreux DJ. Le DJing pour les artistes hip-hop qui font des compétitions de scratch DMC est un art, et Serato a développé une version de l’échantillonneur pour les artistes qui veulent explorer les parties d’échantillonnage dans la production. Ce plugin est très apprécié pour sa simplicité et son flux de travail aisé.
Les gars d’AudioModern ont une série d’excellents outils de studio que j’utilise régulièrement. Loopmix est assez amusant car il est conçu pour être utilisé avec des boucles. L’idée est d’utiliser plusieurs boucles (idéalement, cela fonctionne mieux avec les percussions), puis de les découper pour recréer de nouvelles séquences, en mélangeant les différentes sources. C’est assez impressionnant ce qu’on peut faire avec ça en live mais aussi en studio si on veut recycler les boucles qu’on a.
Je ne connais pas très bien celui-ci, car je n’ai vu que des démos, mais d’après ce que j’ai compris, il décompose les échantillons en couches. Au lieu de les découper dans le temps, il le fait sur une couche de spectre. Cela signifie que vous pouvez décomposer votre échantillon en couches. Il est sur ma liste de souhaits, et je résiste à essayer la démo parce que je sais que je l’achèterai en un clin d’œil. C’est le genre d’outil que vous voudrez si vous aimez les drones, les textures, les ambiances et tout ce qui sonne éthéré.
J’attends avec impatience de savoir ce que vous ferez de cette technique. N’hésitez pas à partager vos expériences.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/05/slicing.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-05-27 11:54:212024-05-27 11:54:21Découpage en musique
Ces dernières semaines ont été très stimulantes pour moi. Cette année m’a apporté beaucoup de joie en ce qui concerne la musique. Après avoir été au service de mes clients à plein temps pendant les neuf dernières années, j’ai réalisé qu’il était essentiel pour ma créativité et ma santé mentale de me mettre en lumière. De plus, après avoir enseigné et expliqué des concepts pendant tout ce temps, il était temps pour moi de me plonger dans mes besoins et de les appliquer.
Mais ce qui a suscité une grande passion récemment, c’est que j’ai été invité à jouer un set de DJ. Au début, j’ai été un peu déstabilisé, mais cela s’est avéré positif, car je me suis plongé dans le mixage numérique. Je n’avais pas fait de DJ set depuis 2011 et je ne m’étais pas amusé non plus. En tant que personne qui se sent elle-même lorsqu’elle joue en live, le DJing me donne l’impression d’être une version limitée de mon moi créatif. Mais en utilisant le Rekordbox de Pioneer et un contrôleur, j’ai réalisé que les choses avaient beaucoup changé depuis et que c’était plutôt excitant.
J’ai la chance d’avoir un label (Archipel) et de nombreux amis, ce qui a rendu ma collection de musique assez riche. Jouer cette musique m’a donc fait redécouvrir deux choses : la superposition de musique et la narration créative. Plus important encore, cela m’a rappelé que si vous faites de la musique pour des DJ, vous avez tout intérêt à être DJ vous-même pour savoir ce qui fonctionne ou non avec votre art.
J’ai fait quelques découvertes en improvisant de la musique, que je partagerai avec vous dans cet article.
Tracks vs Chansons
L’une des premières choses qui vient à l’esprit lorsqu’on mixe de la musique est que si la musique est trop pleine ou trop arrangée, il est difficile de la superposer à d’autres musiques. Dans le domaine de la production musicale, on parle de « musique épurée » (stripped-down music) pour désigner les morceaux qui sont généralement plus répétitifs et qui, à première vue, paraissent un peu ennuyeux. Si vous aimez la superposition de musique, ces morceaux sont les meilleurs amis du DJ. Cela m’a ouvert les yeux, car j’aime les arrangements bien exécutés, et maintenant, lorsque je mixe, j’ai tendance à chercher ces chansons douces à mixer, juste pour la texture qu’elles apportent. Certaines chansons que j’adore écouter deviennent un cauchemar à mixer parce qu’elles sont trop chargées et que le fait de compter sur l’égaliseur pour atténuer une certaine plage de fréquences enlève beaucoup trop à cette chanson.
Les clients qui craignent que leur musique soit ennuyeuse ne réalisent pas qu’il s’agit en fait d’une bonne chose, car une chanson légèrement répétitive et peu excitante peut en fait être un excellent outil pour un DJ.
Lorsque la minimale était à son apogée au début des années 2000, je me souviens que le journaliste Philip Sherburne décrivait la techno minimale comme de la « musique qui semble inachevée mais qui est tout de même publiée », et il n’avait pas tort. C’était principalement dû au fait que les DJ les plus en vue superposaient toutes sortes de chansons simultanément dans le cadre d’une performance. Richie Hawtin en était le chef de file, tout comme Algorithm, Mike Shannon… Je dirais que c’est un art de trouver le bon équilibre, et dans cette interview, Hawtin explique que pour son Concept:96, il s’est concentré sur les éléments essentiels à la chanson, en écartant tout le reste.
Beaucoup de gens oublient que les morceaux de DJ ne sont pas nécessairement conçus pour être écoutés de manière indépendante. Vous pouvez le faire si vous le souhaitez, mais vous risquez d’être légèrement déçu. Si c’est le cas, c’est peut-être bien fait, ce qui est stupéfiant pour de nombreux producteurs qui soulignent souvent que les gens risquent de s’ennuyer.
Je vais sans hésiter désigner l’EDM comme le principal acteur de la musique trop arrangée, créant un standard qui a contaminé les autres genres.Si l’EDM a attiré des gens vers la scène électronique, elle a aussi confondu les nouveaux venus dans l’idée que c’est ainsi qu’il faut faire la musique.
La force d’une musique remplie de risers, de swooshes, de reverse, d’effets, de drops et de breaks, c’est que vous aurez une foule attentive, et que cela enlèvera toute intervention de la part du DJ… ou peut-être qu’ils induiront plus d’action, en créant un mur de bruit. Je suis plus intéressé par un effet hypnotique, des transitions subtiles et une excursion musicale mystérieuse.
Pour en revenir aux chansons inachevées, j’observe que la musique qui n’est pas si bien mixée peut également participer au mix DJ, car son imperfection peut être intégrée dans une chanson. Je me réfère principalement aux chansons avec un filtrage bizarre ou des basses fréquences négligées. Bien sûr, en soi, c’est un peu sommaire, mais en tant que troisième chanson, pour compléter ce qui se passe, elle ajoute une couche de fréquences qui peut être une belle couleur. Des morceaux bien mixés peuvent porter un set, mais il est possible d’ajouter des morceaux imparfaits, à condition de ne pas les laisser tels quels.
L’espace négatif dans les arrangements
Cela m’amène à parler d’espace négatif ou de « trous ». Il s’agit d’espaces volontaires, de silences et de blancs que vous laissez dans vos motifs ou vos phrases plus longues. La beauté de ces silences prend tout son sens lorsque vous mixez une autre chanson, où certains aspects de la chanson B répondent à des éléments de la chanson A. Lorsque vous pensez de cette manière, cela ouvre tout un éventail d’options :
Espace négatif dans les motifs de percussion : Au lieu de faire jouer une ligne complète d’un élément, vous pouvez couper la moitié ou le quart de la mesure pour laisser de l’espace à d’autres percussions.
L’espace dans les sections : Vous pouvez voir vos mélodies et motifs par section où ils peuvent être joués pendant 1 à 4 mesures, puis être mis en sourdine. Vous pouvez également alterner les mélodies toutes les X mesures au lieu de les faire jouer tout au long du morceau (une erreur fréquente dans les arrangements).
Moins de transition, plus d’éléments spontanés : Il n’est pas nécessaire d’avoir des sons à chaque transition. Limitez-les et utilisez plutôt des éléments décoratifs ici et là. Lors du mix avec une autre chanson, ces éléments peuvent converser avec une autre chanson.
Réduisez votre liste de critères : Parfois, j’ai l’impression qu’une chanson a une liste de tous les éléments dont elle a besoin pour être « complète », alors pourquoi ne pas en laisser de côté ? Vous pourriez laisser de côté les claps, l’arp, la basse, ou quelque chose que vous avez l’habitude d’intégrer de facto. La plupart des autres chansons contiennent ces éléments, donc laisser un « élément essentiel » est une manière douce de créer de la tension.
Mélodies à une note : Nous pensons souvent que les mélodies doivent être composées de plusieurs notes pour être agréables, mais l’utilisation d’une seule note peut s’avérer très utile. Elle peut également être superposée à une autre chanson contenant 1 ou 2 notes, créant ainsi une nouvelle mélodie. L’harmonie se produit lorsque plusieurs notes sont combinées, c’est pourquoi une piste avec une seule note complète d’autres chansons. Les séquences d’une seule note sont très utiles dans l’intro ou l’outro d’une chanson.
Breakdowns, Drops, Effets
Maintenant, parlons des choses que je n’aime pas dans le mix. La première chose que je dois mentionner est quelque chose que je dis depuis longtemps : les breaks. Je ne comprends pas pourquoi chaque chanson a un break. Surtout les longues. Avoir un moment avec moins d’énergie peut être amusant et offrir une saveur différente à la façon dont la chanson est construite, mais vous n’avez pas toujours besoin d’une longue pause dans votre musique. Il est devenu trop facile de toujours avoir des pauses, car lorsqu’il y a un drop, les gens réagissent. Il y a d’autres façons de procéder, et chaque chanson comporte une longue pause, ce qui devient fatigant. Comme je l’ai dit dans d’autres articles de ce blog, c’est au DJ de savoir quel est le meilleur moment pour faire baisser l’énergie, et si vous le faites à sa place, cela peut devenir irritant.
Je me suis retrouvé à utiliser des hot cues pour sauter des breaks, et dans certains cas, je crée maintenant des edits des chansons où je les enlève. Une fois supprimés, on a l’impression qu’ils n’auraient pas dû être là.
Encore une fois, dans l’EDM, l’une des principales idées d’un breakdown est qu’une fois que le drop se produit, il doit proposer une nouvelle tournure (par exemple, un changement de motif de percussion ou l’introduction d’un nouveau son). J’aime cela d’une certaine manière, mais pas dans toutes les chansons. C’est quelque chose à envisager pour la musique répétitive, qui se trouve dans le dernier tiers d’une chanson, afin d’ajouter quelque chose de nouveau et de complémentaire. Il en va de même pour les effets, les swooshes et les risers, qui sont tous exagérés et inutiles. Là encore, j’ai supprimé certains d’entre eux dans des chansons que j’aimerais jouer.
Je commence à aimer les « chansons qui sonnent vides », les chansons assez simples. Est-ce un retour à mes racines des années 90 ? Peut-être que oui.
Techniques d’arrangement
Il existe de nombreuses façons d’écrire des arrangements pour les DJ qui, comme moi, aiment les couches et les longues séquences de mix. Vous pouvez faire une recherche sur mon blog avec le thème de l’arrangement pour en trouver un grand nombre, mais je vais partager celles que j’utilise actuellement. Oui, en ce moment, je suis perdu dans une spirale de création de DJ Tools pour mon plaisir et je m’amuse beaucoup.
1. Trouvez un morceau que vous aimez comme référence, jouez-le en arrière-plan de votre arrangement et construisez votre chanson pour qu’elle s’adapte à ce morceau. Je recommande d’isoler les 2 ou 3 dernières minutes de la référence et de développer votre intro par-dessus. Cette méthode est particulièrement utile si vous ne savez pas comment commencer une chanson.
2. Décorez votre morceau en utilisant la chanson de référence et placez vos « événements » aux moments où elle la complète. Par exemple, vous pouvez ajouter quelques notes pour répondre à celles de l’arrangement ou placer une voix à un autre moment. C’est amusant pour un DJ car, au fur et à mesure que la chanson avance, il peut mettre en boucle une partie de votre morceau et la superposer à la chanson en cours. Parfois, pour les morceaux plus longs, lorsque le DJ attend la dernière partie pour en mixer une nouvelle, il reste quelques minutes à tuer, alors si vous fournissez quelque chose de ludique, le DJ peut être créatif et faire des trucs subtils ou des tours de crossfader.
3. Ajoutez du contenu bonus. Lorsque la lecture de votre chanson est terminée, ajoutez quelques secondes de silence, puis les effets, les « risers » ou tout ce que vous voulez. De cette façon, vous pouvez charger la piste deux fois, et la seconde peut être utilisée pour décorer la première.
4. Essayez votre musique. Rekordbox est téléchargeable gratuitement et utile pour essayer votre musique. Chargez vos références et vos nouvelles tracks, puis superposez-les pour voir comment cela se passe. Vous pouvez également faire cela dans Ableton ou votre DAW. Ajustez. Je ne pense pas que la première version que vous ferez sera la meilleure.
5. Live Jam. C’est ici que vous pouvez vous amuser et être moins intellectuel. Faites jouer votre référence, puis rassemblez un certain nombre de boucles avec lesquelles vous pouvez jammer. L’idée est de jouer ces boucles sur la référence. C’est comme si vous étiez le DJ, mais avec plus de contrôle. Une autre façon d’aborder la question est de considérer que vous collaborez. Mettez la référence en sourdine et écoutez ce que vous avez. Cela peut sembler un peu bizarre en soi, mais vous disposerez d’une couche autour de laquelle vous pourrez construire votre chanson principale, à partir de votre jam ludique. Vous n’êtes pas obligé de tout garder. Vous pouvez découper les meilleures parties.
Laissez vos commentaires ci-dessous si vous avez d’autres suggestions et idées. J’aimerais beaucoup les lire.
Quel que soit votre niveau de maîtrise d’Ableton Live, vous avez peut-être déjà vu des tutoriels avancés sur YouTube et vous vous êtes demandé s’ils étaient faits pour vous. Bien que je couvre certaines des techniques avancées que j’utilise ci-dessous, je souhaite introduire le sujet de ce que sont les techniques avancées et pourquoi vous aimeriez les utiliser. C’est une chose de s’y intéresser, mais parfois, la simplicité peut être encore plus puissante que quelque chose d’avancé et de compliqué, à moins que vous ne vouliez faire quelque chose de compliqué. Lorsque mes étudiants me posent des questions sur les techniques avancées, nous nous retrouvons toujours dans une conversation sur ce qui est avancé en premier lieu ou sur les raisons pour lesquelles on voudrait utiliser ces techniques. Nous parlons de musique ambiante, d’IDM, d’EDM ou de musique qui semble avancée. Le fait est que les techniques sont toujours divisées en catégories, et c’est là que tout commence.
Performance en live.
Arrangements.
Conception sonore
Mixage.
Alors que la production musicale est une série non linéaire de phases qui se succèdent, vous utilisez d’abord une technique pour reproduire un effet/son spécifique ou résoudre un problème. Pour savoir quelle technique vous voulez ou devez utiliser, vous devez d’abord être capable de nommer le problème auquel vous êtes confronté. Cela peut s’avérer difficile car, parfois, nous ne savons même pas que nous avons un problème.
L’apprentissage circulaire plutôt que linéaire
L’un des problèmes que rencontrent de nombreux étudiants qui travaillent avec moi dans le cadre de l’apprentissage traditionnel ou des cours en ligne est qu’ils utilisent une approche linéaire de l’enseignement et un partage monodirectionnel des leçons. L’approche linéaire s’apparente à la cuisine, où l’on suit les étapes du mode d’emploi et où l’on obtient un résultat à la fin. Dans le domaine de la musique électronique, les expériences ressemblent davantage à un arbre de possibilités qu’à un résultat unique. Imaginez un arbre comme une entité aux racines multiples fusionnant en un noyau et se développant en de multiples branches. C’est la même chose avec la musique : vos racines proviennent de différents espaces, et votre avenir devrait s’orienter vers une large expansion des possibilités plutôt que vers un endroit unidirectionnel. Les leçons monodirectionnelles signifient que vous recevez des informations et que vous les appliquez ensuite. Je ne crois pas tellement à cette méthode parce que je suis curieux et que j’ai toujours envie d’en savoir plus. La curiosité est l’un des traits les plus importants pour apprendre la musique électronique. Je préfère une méthode bidirectionnelle, ce qui signifie que j’apprends à connaître l’élève, ses origines, sa façon d’apprendre et ses objectifs. L’approche que nous utilisons est circulaire lorsqu’il s’agit d’apprendre, et il s’agit principalement de comprendre les obstacles et d’utiliser des stratégies pour les surmonter. Cela conduira à l’exploration de techniques.
Notes d’un cours particulier que j’ai donné. Travailler, apprendre dans un mouvement circulaire.
Comme vous pouvez le constater, nous commençons par maintenir l’élève dans un état de fluidité, mais lorsqu’il rencontre un obstacle, nous disposons d’une stratégie pour trouver des solutions dans le cadre d’une approche. Voyons maintenant comment certaines techniques vont fonctionner pour eux.
Résolution et correction des problèmes
C’est une chose de rencontrer des difficultés techniques, mais c’en est une autre d’être confronté à des limitations techniques. Parfois, on ne sait pas qu’on ne sait pas qu’il y a un problème, et c’est délicat. Dans l’enseignement, transmettre toutes les connaissances à un élève ne s’est jamais avéré efficace. L’une des meilleures façons d’apprendre est de commencer à créer une chanson, une miniature ou une petite expérience en live. Lorsque Live est arrivé en 2024 avec une nouvelle version (12), l’une des premières choses qui a attiré mon attention a été l’évolution de toute la section midi avec l’implémentation directe des patchs max dans les propriétés du clip. Peu de temps après la sortie de la nouvelle version, deux développeurs ont proposé une série d’outils avancés, et je vais expliquer ci-dessous certains des problèmes potentiels qu’ils couvrent.
La première qui a piqué ma curiosité est la collection MIDI Tools de Phillip. Comme son nom l’indique, il s’agit d’une collection d’outils MIDI divisée en deux catégories. Les catégories sont nouvelles dans Live 12. Elles consistent en des conteneurs qui transforment les signaux ou créent de nouvelles idées. Cette approche est similaire à celle des synthés modulaires, où vous avez des sources et des modificateurs. Elle n’est donc pas étrangère à ceux qui viennent de ce monde. C’était déjà le cas dans la version 11, mais ce n’était pas expliqué de cette manière. D’une certaine manière, la nouvelle version de Live revient à ses racines : jouer en live. Les outils proposés par Meyer sont nombreux. Les voici et ce qu’ils font.
Blocks
Blocks
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Principalement utilisé pour la génération de rythmes. Créer des motifs anormaux d’une manière inhabituelle. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Briser ses habitudes de percussion, créer des breakbeats ou des rythmes étranges. Utile pour briser le syndrome de la page blanche. Je pense que celui-ci est mon préféré. Vous dites combien de temps ou de notes vous voulez et vous jouez avec les curseurs. En fonction de la position donnée, les notes seront placées proportionnellement. Il ne s’agit pas d’un séquençage euclidien, mais d’une logique propre.
Phase Pattern
Catégorie : Générateur Ce qu’il fait : Crée des séquences de façon logarithmique. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut créer un effet de balle rebondissante, ce qui signifie que les rythmes peuvent prendre de la vitesse ou changer à mi-chemin. C’est utile pour les pauses, les transitions, les effets et les roulements. Celui-ci est amusant. C’est un bon moyen de créer des motifs élastiques où les choses s’accélèrent, et cela peut aussi être un moyen de changer de rythme au cours d’un morceau.
Turing Machine
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Émule ce que fait la machine de Turing dans le monde modulaire. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver de nouvelles mélodies et de nouveaux motifs. Il est excellent pour briser le syndrome de la page blanche ou pour fournir des idées complémentaires. Si vous ne savez pas ce que fait la machine de Turing, je vous encourage à consulter le site suivant. Il s’agit d’un système inventé par Allan Turing pendant la Seconde Guerre mondiale pour décrypter les codes nazis. Aujourd’hui, nous pouvons l’utiliser pour générer des séquences, des mélodies ou des motifs.
Polyrhythm
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Crée plusieurs motifs à la fois. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Créer des séquences complexes, percussives ou mélodiques. Si vous n’êtes pas familier avec les polyrythmies, je vous encourage à y jeter un coup d’œil. En gros, les polyrythmies sont un moyen de programmer des motifs qui ne sont pas de la même longueur, ce qui rend la séquence non linéaire et ne tombe pas toujours dans la même boucle. Cela peut avoir un effet hypnotique et dérouter les gens sur le point de départ et d’arrivée d’une idée, comme c’est le cas dans les percussions africaines. Ce générateur utilise des algorithmes euclidiens pour créer ses séquences.
Condition
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une idée et peut proposer des alternatives sous certaines conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver différentes variations pour une séquence. Pourquoi se contenter d’une idée quand on peut avoir un nombre illimité d’alternatives et choisir la meilleure pour ses arrangements? C’est exactement ce que fait ce transformateur.
Develop
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Semblable à Condition, mais lié au temps. Il prend une idée initiale, la développe et l’estompe progressivement. Il s’agit d’un outil intelligent d’amélioration des notes. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut s’agir d’un bon moyen de développer une idée de manière inattendue. Celui-ci est similaire aux conditions. Il fonctionne bien dans la section Arrangement, où vous prenez une idée et voyez ensuite plusieurs idées évoluer à partir d’une idée initiale. Il ne s’agit pas d’une condition, mais plutôt d’un moyen de faire évoluer une idée.
Divs
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une note et la subdivise. Problèmes qu’il peut résoudre : il ne résout pas de problème, mais il permet de faire du cliquetis à partir de n’importe quoi. Cette technique est très populaire dans le Trap ces derniers temps. Elle est conçue comme un compagnon de l’outil Blocks.
Draw
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Donne une mélodie ou de la vie à un motif de différentes manières. Ce qu’il peut vous aider à faire : Transformer une séquence que vous avez générée en mélodie. Vous pouvez facilement dessiner la hauteur ou d’autres caractéristiques et voir comment cela se passe. C’est un moyen spontané de créer des mélodies et de transformer des motifs rapides en quelque chose d’autre, en leur donnant automatiquement une seconde vie.
Pattern Transform
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et, selon certaines règles, réviser les mélodies et prendre des décisions à votre place. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? De légères modifications à une accroche peuvent vous aider à créer des alternatives pour d’autres sections de votre chanson. Considérez-le comme un assistant de prise de décision basé sur des conditions.
Segments
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Subdiviser une note, mais en fonction de conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Similaire à Divs mais avec une approche similaire à Condition. Idéal pour les motifs micro glitch IDM complexes.
Feel
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : C’est un humanizer. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Rompre avec une séquence robotique et rigide et l’animer d’un swing et d’un sentiment humain.
Shift
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et le modifier, que ce soit au niveau de la hauteur, de la durée, de la vélocité, etc. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Utile pour avoir des variations sur une séquence ou pour tester la modification de ses caractéristiques à travers une boucle.
Ces outils constituent ce que j’appellerais une bonne sélection d’outils de déblocage. Ils ne sont pas basiques, mais tout le monde peut les utiliser et, avec un peu de patience, ils peuvent fournir des idées solides ou aider à avancer vers des variantes. Je dirais qu’ils font partie de mes indispensables.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/midi-tools-ab.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-29 19:04:062024-04-29 19:04:06Outils MIDI d’Ableton et optimisation du flux de travail
À une époque où peu de gens faisaient de la musique électronique avant que cet art ne se démocratise, il était difficile de rencontrer des gens qui faisaient de la musique, car peu de gens avaient la possibilité d’en produire. On rencontrait quelqu’un qui produisait de la musique, et on avait l’impression d’avoir beaucoup de choses à se dire parce qu’il avait peut-être le même matériel ou la même installation, et on espérait donc pouvoir partager des idées. Aujourd’hui, les logiciels facilitent la production de musique. Grâce à l’IA, les gens peuvent sauter le processus de création et avoir de la musique adaptée à leur imagination. Je constate que les producteurs plus anciens sont blasés par la nouvelle génération. Comme l’a dit un ami et collègue musicien :
Faire de la musique ne vous rend plus spécial. Tout le monde peut le faire.
Parallèlement, les étudiants m’ont demandé comment ils pouvaient élever leur art au-dessus de celui de l’amateur moyen. Pour répondre à cette question, je me suis penché sur le cas de Jean-Michel Basquiat.
Basquiat, un artiste urbain
Basquiat était connu pour sa production prolifique et son style artistique unique, combinant l’art de la rue, les graffitis et les éléments des beaux-arts. Malgré sa courte vie, Basquiat a créé un vaste corpus d’œuvres qui continuent d’influencer l’art contemporain.
L’un des aspects de l’éthique de travail de Basquiat était son dévouement sans faille à son métier. Il était connu pour passer d’innombrables heures dans son studio, travaillant souvent tard dans la nuit ou tôt le matin. Une profonde passion pour l’expression et la créativité était à l’origine de cet engagement envers son art.
L’éthique de travail de Basquiat reflétait également sa concentration et sa détermination intenses. Il abordait chaque œuvre dans l’urgence, canalisant son énergie dans des coups de pinceau spontanés et expressifs. Cette intensité lui permettait de capturer des émotions et des idées brutes sur la toile, ce qui se traduisait par des œuvres d’art visuellement frappantes et intellectuellement stimulantes.
Tout en étant prolifique, il s’est fait un nom auquel nous nous référons encore aujourd’hui. Si vous analysez son œuvre, vous verrez qu’il a utilisé de multiples moyens pour se faire un nom qui peuvent être appliqués à la création musicale. Examinons les points qui lui ont permis d’atteindre le statut qu’il s’est forgé.
Matière première
Dans la vidéo, le narrateur raconte comment Basquiat a trouvé un livre qui lui a servi de base d’inspiration. Basquiat utilise une collection d’icônes, de logos et d’images sur une page spécifique dans un grand nombre de ses œuvres. C’était son vocabulaire, et c’est aussi devenu son moteur. Si ses œuvres s’articulaient autour d’un thème, on verrait ces mêmes icônes omniprésentes. C’est une façon d’avoir toujours une collection d’idées répétitives qui, d’une certaine manière, a établi sa marque.
La façon dont j’enseigne la musique n’est pas très éloignée de cette approche. J’encourage tous les artistes avec lesquels je travaille à se constituer un ensemble de références et à consacrer beaucoup de temps à la recherche de samples qui suscitent l’enthousiasme. Des services tels que Splice proposent de nombreux articles, tels que des échantillons, des générateurs d’esquisses IA, des plugins et d’autres outils. Par rapport au jazz, la musique électronique doit choisir parmi un trop grand nombre de sons, et il est facile de se perdre dans le choix du son à utiliser pour créer une nouvelle chanson. Votre matière première peut être divisée en deux catégories principales :
Sons repères. Ce sont des sons que vous utilisez par défaut dans toutes vos idées initiales. À l’époque, les gens n’avaient d’argent que pour acheter une 909 ou une 303, et c’était le son qu’ils utilisaient de facto. Comme nous avons maintenant accès à tout, il est utile d’avoir un modèle de sons que vous utilisez comme point de départ, et que vous pouvez échanger par la suite.
Identity. These are more about representing you. Some artists have identity sounds that you can immediately recognize in the first minute of listening to their song. These can be a selection of sounds, presets, or specific effects.
Très souvent, les gens achètent du matériel ou des synthés logiciels au hasard. Il est assez pratique d’utiliser une démo pour le tester. Mais si vous utilisez des samples, ils sont souvent étiquetés avec le nom du synthé utilisé pour les créer. Il est également possible de faire de la rétro-ingénierie. Si vous avez l’impression que les samples ne vous conviennent pas, rappelez-vous que tout a été samplé d’une manière ou d’une autre. Le fait d’avoir des échantillons de qualité forme vos oreilles à ce qu’est la qualité. C’est essentiel pour l’apprentissage de la conception sonore. Si vous lisez ce blogue, ces concepts ont été abordés à de nombreuses reprises.
Voler comme un artiste
À un moment de la vidéo, Basquiat explique d’où viennent certaines citations qu’il a écrites et qui sont tirées de livres ou de films. Certaines images sont inspirées d’œuvres d’art qu’il a vues. Il ne les a pas copiées, il les a volées dans un contexte et les a introduites dans son monde.
(L’art) est une question de goût. Vous voulez essentiellement vous exposer à ce que les humains ont fait de mieux et l’appliquer à ce que vous faites. Steve Jobs
C’est vrai pour beaucoup de choses. Pour cuisiner des plats savoureux, il faut manger des plats exceptionnels. Il en va de même pour les sons. Je me sens souvent plus à l’aise avec l’idée que je suis un collectionneur qu’un musicien. Ma musique est une collection d’idées que j’aime et qui proviennent de sources aléatoires. Votre inspiration vient de vos références. Personne n’a jamais rien fait qui n’ait été inspiré par le travail de quelqu’un d’autre. Le fait que vous fassiez un genre vient du fait que vous avez entendu ce genre dans un contexte qui vous a inspiré. Alors, autant commencer une collection de chansons inspirantes. Il peut s’agir d’un son, d’une réverbération, de la façon dont les transitions sont faites ou d’une progression d’accords. S’il y a une chose que vous aimez dans une chanson, mettez-la dans votre dossier de référence. Ensuite, vous analysez vos références. Prenez des tonnes de notes et essayez d’imiter. Demandez à vos amis comment on fait quelque chose. Cherchez dans Splice des sons similaires.
Toutes ces expériences développent votre imagination, ce qui vous permet de trouver des idées fondamentales à conserver. Il faut parfois 50 idées pour en trouver une qui soit exceptionnellement satisfaisante. Essayez d’en faire plusieurs et de vous inspirer ouvertement de partout. Les artistes hip-hop sont plus à l’aise lorsqu’il s’agit de prendre des idées, car ils s’inspirent toujours des autres. Je dois dire que j’ai vu de nombreux clients remixer de la musique pop l’année dernière, de sorte que l’aspect « bootleg » devient une option. Toutefois, n’oubliez pas de respecter le travail de toute personne dont vous vous inspirez directement.
Avoir un message
L’un des messages de Basquiat qui l’a motivé était qu’il n’y avait pas assez d’artistes noirs dans le monde de l’art. Il voulait changer cela et s’impliquer lui-même, en en faisant le centre de son travail. La force d’un message est d’inciter les médias à s’intéresser à ce que vous avez à dire, et de rallier des adeptes qui s’y reconnaissent.
La musique punk a son message anarchiste, et le hip-hop a un message lié aux gangs pour certains artistes, tandis que pour d’autres, il s’agit de la lutte des gens dans le monde actuel. La house music a également toujours représenté un espace sûr pour les personnes homosexuelles qui souhaitent danser. Quel que soit le genre que l’on adopte, il y a une histoire qui le sous-tend et dont on oublie parfois les racines politiques. Il n’est pas obligatoire de connaître l’histoire, mais on peut aussi s’appuyer sur un genre pour y apporter son histoire et ses valeurs.
Avoir un message et une vision vous aidera à donner un sens à votre musique, et dans les moments où vous vous heurtez à un mur d’inspiration, votre message suscitera plus d’inspiration.
La vitesse
Si vous lisez ce blogue ou travaillez avec moi, vous savez que la rapidité est un élément auquel je crois. Les idées vont et viennent, parfois très rapidement, et ne restent pas toujours. La rapidité avec laquelle vous pouvez rassembler vos idées vous aidera à les saisir au vol, peut-être pour les terminer plus tard, mais surtout pour voir si elles ont un sens. C’est une chose d’avoir une idée, c’en est une de la faire fonctionner correctement.
Basquiat, lui, travaillait vite. Très vite. Dans la vidéo, ils racontent que sa rencontre avec Warhol a stimulé sa créativité et qu’à un moment donné, JM a fait un autoportrait d’eux dans un moment rapide, puis l’a rapporté à Andy, qui était stupéfait de sa rapidité. L’une des raisons pour lesquelles les artistes sont lents de nos jours est le manque d’organisation et de méthodologie. Plus on est organisé dans la gestion de son temps et de son art, plus on est rapide. La production musicale est une série de phases, et si vous vous asseyez pour faire de la musique et que vous voulez tout faire en même temps, vous serez frappé par une fatigue décisionnelle.
Le deuxième obstacle est l’ego. Cette partie de vous-même a toujours l’impression d’avoir quelque chose à prouver, à contrôler et à être ce que vous n’êtes pas. Cela conduit à la procrastination et à la distraction. Ma vision de la création musicale est alimentée par le plaisir dans toutes ses composantes. Lorsque le plaisir est présent, vous êtes dans la zone.
La zone est la clé du succès.
Étudier, mémoriser, intérioriser
C’est dans la dernière partie de la vidéo que j’ai vu le parallèle le plus fort avec ce que je fais en tant qu’artiste. Pendant mon temps libre, j’écoute toutes sortes de musiques, de radios et de films et j’étudie de nombreux tutoriels sur YouTube. Je pense que j’en regarde environ 10 par jour. Je prends beaucoup de notes à partir de ces tutoriels et, une fois devant mon ordinateur, je teste de nouvelles découvertes ou je revisite des techniques que je faisais déjà pour leur donner une nouvelle tournure. Pour chaque chanson, j’ai commencé par explorer une technique et j’ai développé de nouvelles idées en pratiquant.
Sauvegarder des macros est devenu quelque chose que je fais toujours. J’associe certains paramètres aux boutons de la macro et je m’amuse ensuite à créer des préréglages en les randomisant ou en les manipulant à l’aide d’un contrôleur. La réalisation de ces croquis touche à tout ce qui précède :
elle augmente la vitesse.
Je maîtrise mieux mon vocabulaire et je me rapproche de mon message.
Il est plus facile d’intégrer les idées que je « vole » ou dont je m’inspire.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/basquia.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-24 14:37:202024-04-24 14:37:20L’éthique du travail de Basquiat
Je ne sais pas si vous avez suivi les tendances ces derniers temps, mais il y a eu un retour de bâton contre les sites de streaming. Je sais que c’est nouveau, car le ressentiment à l’égard de ces plateformes a été intense depuis que Spotify est devenu le chef de file, avec un montant ridiculement bas reversé aux artistes, mais il semble qu’il y ait eu un changement dans la narration dernièrement.
Le point de départ
D’après les différentes vidéos que j’ai vues sur YouTube, il semble que cela ait commencé avec le rejet par Kanye West des différentes plateformes sur lesquelles il avait fait de la publicité pendant le Super Bowl, ce qui a entraîné un énorme trafic vers son site.
Après avoir regardé cette vidéo, j’ai vu de plus en plus de nouvelles allant dans ce sens, mais ce n’était pas nouveau. Fin 2023, depuis que je passe du temps sur les forums, Reddit et Facebook, j’ai vu une vague de commentaires d’artistes qui en avaient assez et voulaient vendre leur musique eux-mêmes de plus en plus. La direction prise par les gens était de quitter tous les sites de streaming et de se diriger vers Bandcamp seul avec une boutique personnelle.
Je partagerai quelques réflexions personnelles à ce sujet dans un article un peu plus philosophique que technique.
Les débuts de l’ère Peer 2 Peer
Alors que je faisais de la musique à la fin des années 90, je me souviens d’un jour où certains de mes collègues m’ont dit qu’ils n’écoutaient plus la radio depuis qu’ils téléchargeaient leur musique. Savoir que l’on pouvait accéder gratuitement à toutes les chansons que l’on voulait était à la fois intriguant et choquant. Je me souviens d’avoir cherché de la musique, principalement de la pop, et à peine de la musique électronique que j’aimais en dehors de The Chemical Brothers. Il n’a pas fallu longtemps pour que tous les CD de musique apparaissent. Des mois après ma découverte, cela a alimenté un conflit interne à propos de tout cela. Mais ce qui était clair à l’époque, c’est que tous les geeks et les vrais amateurs de musique que je connaissais gardaient un œil sur les chansons à venir.
Mp3.com
Puis j’ai découvert le site MP3.com, où les artistes postent leur musique et rencontrent d’autres personnes. Voyez-le comme l’ancêtre de Soundcloud, mais vers 1999 ou 2000. Une poignée de personnes faisaient le même genre de musique que moi, et c’était utile pour créer une petite communauté. Peu de temps après mon arrivée sur le site, j’ai reçu un message énigmatique d’un Allemand qui m’expliquait ce qu’étaient les Netlabels et me demandait si je voulais rejoindre le sien sous le nom de Thinner. C’était un petit groupe, et le concept de netlabels était encore en cours d’élaboration. Si vous n’êtes pas familier avec le concept des Netlabels, l’idée était d’utiliser le flux très populaire des téléchargements à l’avantage des artistes en y insérant votre musique fraîchement créée. La logique était la suivante : puisque les gens recevaient tous de la nouvelle musique, nous pouvions bénéficier de l’ajout de la nôtre. Nous étions d’accord pour ne pas faire de ventes ; il s’agissait uniquement de s’assurer que notre musique serait entendue. Et cela a fonctionné.
La vague Thinner
Thinner a été très populaire à un moment donné, atteignant 40 000 téléchargements les premiers jours de sa sortie. Tout était hébergé sur le site Archive.org, où d’autres Netlabels apparaissaient également. Les médias allemands ont commencé à s’y intéresser et à en parler. Comme j’étais le représentant canadien, les médias locaux m’ont contacté pour en savoir plus. Radiohead a fait la même chose peu de temps après avec une sortie gratuite, et les médias en ont fait des tonnes. Ironiquement, lorsque j’ai rejoint Thinner, des DJ locaux m’ont dit que c’était une mauvaise idée, que je ne gagnerais jamais le respect des labels sérieux et que je m’épuiserais. C’est exactement le contraire qui s’est produit. Mes premières tournées européennes étaient directement liées à mes albums Thinner, et lorsque je me produisais, les gens venaient me voir pour me parler de leurs chansons préférées de mes albums. Peu de temps après, j’ai été signé sur le label M_nus de Hawtin. C’était en quelque sorte la première fois que quelqu’un qui s’était fait connaître sur Netlabels passait à un label vinyle plus important. Je pense que c’est à ce moment-là que les gens ont commencé à accorder du crédit au mouvement créé par Thinner. Cette expérience a influencé la façon dont j’ai vu Spotify apparaître. Je me souviens qu’à l’apogée de Thinner, Sebastien Redenz disait déjà que le meilleur moyen de pérenniser l’entreprise était de vendre des chansons pour 1 centime d’euro. C’est ce qu’il avait en tête, et cette observation m’a préparé au modèle Spotify.
Piratage de la musique et Soulseek
Parallèlement aux Netlabels, la plupart des gens téléchargent encore de la musique, principalement par le biais de torrents ou de Soulseek (encore utilisé aujourd’hui). Je pense qu’avec la mentalité de la fin des années 90, les gens téléchargeaient sans honte. Cela a créé une communauté, et en traînant sur Soulseek, je me suis fait des amis à l’étranger qui ont fini par me trouver des concerts localement. Je l’ai utilisé pour partager ma musique. Certaines de mes précieuses sorties ont fuité, et je préférais ne pas le faire puisque c’était un accord avec le label, et j’ai vu la communauté sous un autre angle. Je me souviens que quelqu’un qui a reçu l’album m’a dit que « de toute façon, la musique est faite pour être gratuite ». C’était un peu décevant pour eux, et plus tard, cette même personne a sorti un album et s’est plainte sur Facebook que les gens partageaient leur musique sur Soulseek.
Il y a beaucoup d’émotions ambivalentes à ce sujet et, en fin de compte, je pense que c’est à l’artiste de décider comment sa musique doit être partagée, ce qui est un peu ce que je vois aujourd’hui avec le retour de flamme de Spotify.
Bandcamp et la vente directe
Depuis le début des années 2000, je pense qu’il n’y a qu’une seule boutique qui ait fait les choses correctement : Bandcamp. Je veux dire, en tant que modèle commercial, parce que leur approche antitrust était assez décevante. Cela dit, ce n’est pas parfait, et certaines parties sont un peu frustrantes, mais la plus grande partie correspond parfaitement à ce dont nous avons besoin en tant qu’artistes. Même le partage de l’argent fonctionne. J’ai toujours été frustré par le fait que des boutiques comme Beatport ne vous permettent pas de choisir un prix pour votre sortie, ce que je trouve assez stupide. Si vous êtes un label, il existe de nombreux outils pour vendre, et cela fonctionne bien. J’aimerais qu’il y ait plus de contrôle sur le bootlegging. De temps en temps, on voit quelqu’un revendre la musique d’un artiste sans honte, mais cela suscite généralement beaucoup de haine. La vente de musique à partir d’un site web présente quelques défauts :
Coûts d’un site sécurisé
Un système d’achat qui évolue avec le marché et reste accessible
Mises à jour
Créer du trafic
Marketing
Il s’agit là de petites choses, et vous vous aventurez sur le chemin de l’entrepreneur, ce qui n’est pas facile. Je dis souvent ceci à mes clients : tant que les gens ne vous disent pas qu’ils veulent acheter votre musique, vous n’avez aucune raison de vouloir la vendre. Beaucoup de gens sont déprimés parce que leur musique ne se vend pas…
Alors, cela vaut-il la peine?
Comme je l’ai dit, pas avant qu’il y ait une demande. Vous devez d’abord nourrir votre communauté, vous assurer que les gens autour de vous aiment votre musique et en parlent. Cela demande beaucoup de temps, de dévouement et de patience. Peu de gens peuvent s’offrir une publicité au Super Bowl, c’est pourquoi viser d’abord les petites choses peut faire la différence. Je pense que cela peut valoir la peine pour un label qui réalise des ventes, mais c’est par Bandcamp qu’il faut commencer. Il n’est pas rare de trouver sur Bandcamp des albums qui ne sont pas vendus. Je pense qu’il vaut mieux attendre avant de mettre sa musique sur Bandcamp. Récemment, Deezer a supprimé 26 millions de chansons qui n’avaient jamais été écoutées (ou qui posaient problème), et le trop-plein de musique n’aide personne.
L’autre modèle
Parallèlement à tout cela, j’ai observé un autre nouveau mouvement, d’une certaine manière. Sur un fil de discussion, quelqu’un a fait un commentaire :
Les fans de musique sont fondamentalement abusifs. Vous leur dites que vous êtes exploité, ils disent qu’ils s’en soucient mais continuent à le faire. Ce n’est pas surprenant si vous voyez comment les gens continuent à acheter chez H&M ou à se procurer le dernier téléphone intelligent. Je ne veux pas vraiment donner ma musique à l’étranger, je veux la garder pour mes amis.
La conversation portait sur ce qui se passerait si les musiciens avaient l’autre mentalité de ne pas vouloir partager leur musique avec le monde entier. Au lieu de cela, ils se concentrent sur les contacts immédiats qui veulent écouter et jouer leur musique. Un consensus s’est dégagé sur le fait qu’ils préfèrent donner leur musique à cinq personnes qui veulent l’écouter plutôt que de payer Tunecore ou Distrokid pour que leur musique soit diffusée partout et qu’elle soit écoutée dix fois. C’est la rareté qui crée la valeur, pas l’accessibilité totale.
Pourquoi quelqu’un paierait-il pour quelque chose qu’il peut obtenir en un claquement de doigts ?
Cette conversation s’est poursuivie pendant un certain temps et j’ai remarqué que certains amis et clients allaient dans la même direction. J’ai joué de la musique à l’occasion de l’anniversaire d’un ami et j’ai vérifié le contenu de sa clé USB. Il avait un dossier contenant une cinquantaine de chansons d’un artiste dont je n’avais jamais entendu parler. Elles étaient toutes excellentes. Plus tard, j’ai consulté des sites de streaming ou des magasins, et aucune de ces chansons n’y figurait. Mon ami m’a parlé de quelques artistes qui créent des chansons tous les jours et ne les vendent pas. Au lieu de cela, ils transmettent leur musique à des DJ qu’ils apprécient.
Vous me demanderez quel est le modèle économique là-dedans? Je ne pense pas qu’il y en ait un, ou du moins il n’est pas clair. Certaines personnes ont accepté le fait qu’elles ne feront pas de leur musique une activité commerciale tant que les gens ne seront pas intéressés par l’achat ou qu’ils n’attireront pas l’attention d’un label. Ils savent qu’ils veulent que leur musique soit jouée par des DJ, qui finiront par attirer l’attention de quelqu’un. Je pense que c’est ce qui les motive au-delà de la commercialisation de leur musique. J’aime beaucoup cela. C’est une version moderne des Netlabels, mais qui vise davantage à créer une communauté qu’à vouloir désespérément attirer l’attention de tout le monde. Ce type a marqué un point, et je suis en train de parler de lui. Peut-être qu’en tant que musiciens et artistes, notre approche doit être plus expérimentale. Tenir une boutique en est une, mais je ne pense pas que nous ayons encore trouvé la bonne voie. Nous avons davantage besoin d’une communauté avec des boutiques… C’est ce qu’est Bandcamp. Voyons ce que l’avenir nous réserve.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/sell.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-12 13:20:492024-04-12 13:20:49Arrêter le streaming et vendre directement
Lorsque nous nous plongeons dans la musique électronique, un concept façonne continuellement notre paysage audio, et vous ne savez peut-être même pas de quoi il s’agit : le timbre. Souvent décrit comme la « couleur » ou la « qualité tonale » du son, le timbre est la caractéristique qui distingue un instrument ou une source sonore d’un autre, même s’ils jouent la même hauteur au même volume. Dans cet article, nous allons aborder ce que j’ai appris sur le timbre dans la musique électronique, en nous concentrant sur la façon dont les synthétiseurs et la conception de l’enveloppe jouent un rôle essentiel dans sa création. Pourquoi est-il important de comprendre ce qu’est le timbre ? Si vous vous intéressez à la conception sonore, ceci devrait être votre porte d’entrée dans ce domaine. Si vous savez comment le timbre fonctionne, vous comprendrez comment les sons sont produits. Cela signifie que vous pourrez alors extrapoler les bleeps de votre imagination en bloops de la vie réelle.
À la base, le timbre se situe sur un axe multiple, couvrant les aspects du son. Il comporte divers facteurs tels que les harmoniques, la dynamique, les harmoniques supérieurs, l’attaque, le decay, le sustain et le release. Ces éléments forment collectivement l’empreinte digitale d’un son, ce qui nous permet de distinguer un piano d’une trompette ou d’un synthétiseur. Pour vous donner un exemple, vous pouvez jouer le même C2 sur tous ces instruments, mais votre oreille sera capable d’identifier à la fois les notes et les instruments. C’est parce que l’oreille comprend que les multiples éléments du timbre sont uniques. En détail, les éléments qui déterminent la couleur d’un son sont les suivants :
L’amorce. Le tout début d’un son contient des informations dynamiques qui vous permettent de comprendre de quoi il s’agit. Par exemple, un tambour et un piano sont tous deux des instruments de percussion, mais leur son est complètement différent.
Profil spectral. La composition d’un son est un ensemble de tons, d’harmoniques et d’harmoniques supérieurs différents. Cela implique également le bruit et l’inharmonicité. Ce dernier point, également connu sous le nom de bruit, définit une certaine quantité de composantes non linéaires, qui sont aléatoires et ne suivent pas un modèle précis.
Dynamics. This is how the sound changes over time. Of course, this is related to the envelope of that sound (ADSR).
Synthèse et timbre
Au début de l’année 2024, j’ai décidé de rejoindre la classe de Synthèse de Sarah Belle Reid. J’étais un peu sceptique au début car depuis que j’ai commencé à faire de la musique, au début des années 90, j’ai tout appris par moi-même et je continue d’apprendre chaque jour. Avoir l’impression d’avoir accès à toutes les connaissances vous donne beaucoup d’énergie, mais cela crée aussi une sorte d’aveuglement qui vous permet d’avoir des informations dont vous ne soupçonniez pas l’existence. Voici quelques-unes des raisons pour lesquelles les gens me consultent souvent : manque de vocabulaire, incompréhension de concepts mal expliqués en ligne et remarques sur la sonorité d’un son spécifique. Revenons au cours de Reid. Cela commence par les connaissances de base sur le son lui-même et passe en revue chaque élément lié au son, avant de procéder à une démonstration. Voir, entendre et se faire expliquer ces concepts permet de percevoir le son d’un point de vue très technique. C’est une chose de le comprendre, mais c’en est une autre d’avoir du vocabulaire. Le timbre a été l’un des points les plus importants du cours pour moi. Ce n’est pas avec un simple article de blog que je peux passer en revue tous les éléments principaux concernant le timbre, mais je voudrais souligner que le moment décisif a été de revoir la façon dont j’utilise un spectrogramme. Voir le son sous cet angle m’a aidé à comprendre ce qu’est le timbre. C’est un concept facile à lire, mais pas nécessairement facile à saisir.
Voici mes deux conseils :
Examinez la réponse en fréquence de l’information du début d’un son.
Observez comment le son s’estompe et comment les fréquences se transforment lentement.
Sachant que le début façonne une partie importante de votre son, voici une inspiration directe sur la façon d’utiliser votre enveloppe ADSR pour façonner ou modifier la forme des sons que vous avez. L’amplitude de votre son peut être modelée par une première enveloppe et une seconde enveloppe peut modeler le filtrage ou d’autres éléments.
Pour créer le timbre d’un son, vous devez combiner plusieurs oscillateurs, bruits et modulations pour imiter le contenu spectral.
Approfondissons l’enveloppe et la synthèse du contenu.
Conception de l’enveloppe et techniques dynamiques
Au cœur de la manipulation timbrale se trouve la conception de l’enveloppe, un point important de la formation du son dans la musique électronique. Vous pouvez l’utiliser pour la compression, mais elle est aussi là pour la conception. Les enveloppes dirigent l’évolution d’un son dans le temps, en dictant son amplitude, sa fréquence et son contenu spectral. La compréhension des paramètres d’enveloppe, en particulier l’attaque, le decay, le sustain et le release (ADSR), est cruciale pour créer des sons dynamiques et expressifs.
Attaque : L’attaque d’un son, caractérisée par son transitoire initial, prépare le terrain pour notre perception auditive. Une attaque vive confère au son immédiateté et présence, tandis qu’une attaque graduelle lui confère une qualité plus douce et plus éthérée. Decay (décroissance) : Après l’attaque, la phase de décroissance détermine la vitesse à laquelle l’intensité du son diminue. Une décroissance plus longue soutient le son, tandis qu’une décroissance plus courte lui confère un caractère percussif ou pincé. Sustain (maintien) : Une fois la phase de décroissance terminée, le segment de sustain maintient une amplitude constante jusqu’à ce que le son soit relâché. Le réglage du niveau de sustain permet d’obtenir des articulations soutenues ou staccato. Release (relâchement) : Lorsque le son disparaît dans le silence, la phase de relâchement régit la durée du decay. Un relâchement court produit une fin nette et abrupte, tandis qu’un relâchement plus long confère une décroissance persistante. Les sons du monde réel ou des instruments sont rarement statiques. Ils ne sont souvent jamais la même chose lorsqu’ils sont joués plusieurs fois, mais ils changent aussi un peu sur différents aspects : variation spectrale, modulation d’amplitude, hauteur. Dans le monde modulaire, l’utilisation de LFOs et d’enveloppes est pratique pour modifier ces aspects. Vous voudrez les utiliser pour obtenir de légères variations. Le synthétiseur logiciel Pigments est très bien conçu à cet égard, car il offre de nombreuses possibilités de modulation qui peuvent ensuite être acheminées vers un grand nombre de paramètres différents.
Utilisation et filtre dynamiques
En plus de la conception de l’enveloppe, l’utilisation de la dynamique et le filtrage contribuent de manière significative à la variation timbrale. Les techniques de modulation dynamique, telles que la sensibilité à la vélocité et l’aftertouch, introduisent des nuances expressives dans les performances. Parallèlement, le filtrage – par le biais de filtres passe-bas, passe-haut, passe-bande ou coupe-bande – façonne le contenu spectral d’un son, en accentuant ou en atténuant des fréquences spécifiques pour sculpter davantage son timbre. Une bonne façon de pousser le filtrage est d’utiliser des filtres colorés tels que l’émulation MS20 ou le vactrol. Comprendre le LPG (Low Pass Gate) est aussi une autre option.
Depuis que je me suis procuré un Freak Module de Vult, mon son est passé à un autre niveau. Il dispose d’une émulation de filtres multiples, d’une certaine saturation et d’un mode duplex qui permet d’enchaîner des filtres ou d’avoir différents filtres en mode stéréo. C’est assez puissant.
Conclusion
Dans le monde en constante évolution de la musique électronique, le timbre est quelque chose qu’il faut comprendre si l’on veut définir son son et sa signature personnelle. En comprenant la puissance des synthétiseurs, en maîtrisant la conception des enveloppes et en employant des techniques dynamiques et de filtrage, les musiciens et les producteurs peuvent débloquer de nouvelles possibilités créatives. Cet article nous a permis de pénétrer au cœur de l’exploration timbrale dans la musique électronique, en mettant en lumière l’interaction complexe entre la synthèse, la conception d’enveloppe, la dynamique et le filtrage. Grâce à ces connaissances, vous pourrez définir vos compétences en matière de conception sonore, en sculptant des sonorités timbrales qui redéfiniront qui vous êtes. Continuez vos recherches pour plus de détails et faites-moi savoir si vous avez des questions.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/timbre.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-04 11:17:562024-04-04 11:17:56L’essentiel du timbre en musique
Il m’arrive parfois de trouver de superbes vidéos avec des techniques de production que j’adore. Après les avoir pratiquées, j’ai pensé les partager avec vous pour que vous puissiez bénéficier de cette découverte. Dans ce cas-ci, il s’agit du concept de miniatures et de la façon dont il est associé à certains principes de conception sonore que j’ai appliqués. Récemment, j’ai rejoint le programme Sound and Synthesis de Sarah Belle Reid, qui s’est avéré très instructif. Une fois que j’ai commencé à me plonger dans la conception sonore et ses mécanismes, j’ai non seulement commencé à comprendre l’ADN du son sous un angle différent, mais aussi dans le contexte d’une chanson.
Qu’est-ce qu’une miniature?
En parcourant YouTube récemment, j’ai trouvé cette vidéo qui m’a emballé. La miniature est un pas en arrière par rapport à la création de chansons et a la perspective d’utiliser un son dans un concept de bulle minuscule. Il s’agit d’une idée de 10 secondes à 1 minute. Rien de plus. Il ne s’agit pas d’essayer d’intégrer autant d’éléments que possible, mais plutôt de prendre un son et de voir comment en tirer le meilleur parti. Lorsque j’enseigne la production musicale, il y a un autre exercice que j’aime suggérer aux étudiants : prendre un son très basique (sample) et le transformer en « idée principale ». Pour ce faire, je suggère de choisir d’abord un son aléatoire, de préférence quelque chose que vous considérez comme ennuyeux, puis de le jouer de façon répétée pour en tirer un motif. Modifiez éventuellement la hauteur du son, mais parfois, il suffit de le laisser à sa hauteur d’origine. Voyez comment vous pouvez en tirer une phrase et composez une chanson (1 à 2 minutes) à partir de ce seul élément. Parfois, je vois un sourcil se lever en signe de doute, mais j’explique alors que n’importe quel son, en soi, peut être une chanson. Par exemple, John Cage a créé une chanson pour les taper dans les mains :
Revenons donc aux miniatures. Pensez à de petites idées qui fonctionnent, idéalement avec 1 ou 2 sons. Regardez la vidéo ci-dessous :
Le titre un peu « piège à clics » m’a d’abord fait lever les yeux au ciel, mais je l’ai ensuite consulté pour y trouver quelque chose d’assez amusant. Pour résumer, il suggère d’écrire des idées sur une carte, ce qui créera un petit défi, comme une idée miniature. Ces idées ont certains critères :
En voici un exemple :
On oublie souvent que les chansons sont une collection de sons et de sonorités qui évoluent d’elles-mêmes, que ce soit pendant un court laps de temps ou pendant toute la durée de la chanson. L’idée de créer des miniatures devient utile parce que vous créez des idées qui peuvent être incluses plus tard dans une chanson. Envisager la production musicale de manière modulaire (pas au sens de synthétiseur modulaire) peut vous aider à travailler sur différents éléments de vos chansons avant de vous plonger dans les arrangements. L’une de mes principales sources de plaisir coupable est de trouver des boucles amusantes sur Splice comme point de départ, donc construire mes boucles est utile pour créer des chansons plus tard.
Enveloppes et macro-enveloppes
L’un des éléments que nous avons abordés dans la conception sonore est la façon dont les enveloppes façonnent les sons en fonction de leur forme. Mais lorsque l’on pense à des miniatures ou à des chansons, il peut être utile de penser à une macro-enveloppe. Ce que je veux dire ici, c’est qu’il y a une évolution dans l’ensemble de la chanson. Un exercice que Sarah nous a donné pour une performance consiste à dessiner la forme de l’évolution de votre chanson ou de votre motif pendant toute la durée de l’expérience. Il pourrait commencer brusquement, s’estomper, puis devenir de plus en plus fort jusqu’à la fin. Si vous êtes un utilisateur de Shaperbox comme moi, vous savez que vous pouvez utiliser ses enveloppes internes pour modeler l’amplitude ou le filtre sur une longue période. Cela devient pratique si vous voulez une modulation lente et répétitive.
Si vous voulez des idées de miniatures, je vous encourage à regarder la vidéo plus haut. J’y ai trouvé une inspiration immédiate pour mes sons.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/03/Blue-Magazine-Cover-Intro-Instagram-Post.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-03-22 15:45:182024-03-22 15:45:18Concept de miniatures en musique
Il m’arrive d’être déconcerté par deux choses lorsque je travaille avec des clients :
Ils repartent de zéro à chaque fois qu’ils créent une nouvelle chanson.
Ils laissent dormir les projets terminés (et ne les réutilisent jamais).
Dans les deux cas, il s’agit d’une énorme perte de temps et d’énergie. Mais lorsque je leur explique que chacun de leurs projets est une mine d’or d’opportunités qui dorment sur leur disque dur, je vois leur visage s’illuminer. Si vous y réfléchissez, une chanson contient souvent beaucoup de matériel résiduel qui ne sera pas utilisé. Pensez à tous les éléments communs à toutes vos chansons, alors pourquoi ne pas créer un moyen de permettre à l’ordinateur d’utiliser les ressources pour créer ce matériel.
En fin de compte, la façon dont j’aborde la création musicale consiste à trouver une idée très originale, puis à la replacer rapidement en contexte afin de pouvoir lui donner un cadre temporel.
Pourquoi accélérer votre flux de travail?
Il est intéressant de noter qu’en tant qu’artiste et coach, j’enseigne souvent que la créativité est un processus très lent et qu’essayer de précipiter les choses n’est pas forcément une bonne idée. Mais paradoxalement, il est important de saisir une idée et d’en tirer le meilleur parti, puis de passer à autre chose. L’idée d’accélérer votre processus est de faciliter votre expression afin de ne pas vous perdre dans les détails techniques. L’un des points sur lesquels de nombreuses personnes perdent du temps est celui des détails, de la clarification des détails techniques, etc.
Si une chanson est une idée, placée sur une ligne de temps, il est également facile de s’éloigner de cette idée si l’on est plus technique qu’artistique.
Les stratégies ci-dessous visent à faciliter la partie technique en se concentrant sur l’organisation.
Stratégies
La première façon d’accélérer votre processus est de penser à l’avenir. À l’instar de ce mouvement qui consiste à payer un café à un futur client qui serait à court d’argent, le meilleur moyen d’accélérer la prochaine session est de l’organiser dans celle sur laquelle vous êtes en train de travailler. Je vous expliquerai les habitudes et les stratégies qui vous seront utiles par la suite.
Une méthode efficace consiste à utiliser la fonction d’importation du navigateur Ableton Live. Par exemple, si vous avez développé une chaîne d’effets captivante dans un projet précédent, enregistrez-la en tant que macro. Ces macros peuvent ensuite être facilement importées dans de nouveaux projets, ce qui vous donne une longueur d’avance avec des sons testés et éprouvés.
Création de modèles
Au-delà de l’importation d’éléments spécifiques, envisagez de créer des modèles basés sur vos projets les plus réussis. Ces modèles peuvent inclure votre routage préféré, des chaînes d’effets par défaut et même des instruments provisoires. En commençant un nouveau projet avec ces modèles, vous pouvez réduire considérablement le temps de configuration et vous plonger directement dans le processus de création.
Si vous remarquez une routine ou une habitude, transformez-la en un modèle où vous pourrez importer ce qui est nécessaire.
Les arrangements judicieux ou les modèles de mixage sont essentiels.
Les modèles sont en fait comme une recette que vous pouvez réimporter en tant que chaîne ou section d’arrangement, ajuster à votre goût et enregistrer à nouveau en tant que nouveau modèle.
Il s’agit de « Presets généraux ».
CONSEIL : Il existe différents types de modèles pour commencer. Analysez vos 10 derniers projets pour voir ce qui y est toujours présent de facto.
Création d’une chaîne de « restes »
Une autre méthode innovante consiste à créer un canal spécial dans votre DAW pour les « restes » ou « reliquats », c’est-à-dire les morceaux de projets antérieurs qui n’ont pas été retenus mais qui ont encore du potentiel. Il peut s’agir d’une mélodie à moitié terminée, d’un effet sonore intéressant, d’un motif vocal abandonné ou d’un motif de batterie unique. En sauvegardant ces restes, vous créez une bibliothèque sonore personnelle qui est non seulement originale, mais aussi imprégnée de votre style. Chaque fois que vous êtes bloqué ou que vous avez besoin d’inspiration, plongez dans cette piste et découvrez des éléments qui peuvent susciter de nouvelles idées.
Il y a toujours eu une règle tacite selon laquelle il ne faut pas utiliser de préréglages (presets) et qu’il faut se réinventer pour chaque projet. Bien que cela réponde au besoin de toujours avoir des idées non répétitives d’une chanson à l’autre, cela peut aussi prendre beaucoup de temps. Une bonne façon de procéder consiste à utiliser les restes comme point de départ d’un projet futur.
Les restes sont essentiellement ce que vous voulez qu’ils soient. J’ai tendance à accumuler tout ce qui n’est pas utilisé. Vous seriez surpris des utilisations que j’ai trouvées pour certains sons.
L’inspiration instantanée vient d’idées que vous pensiez ridicules : re-pitcher, étirer, découper, filtrer, égaliser sauvagement… ou traiter lourdement ces idées.
Décidez de vos propres règles internes concernant le nombre de fois où vous utilisez un son. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix.
ASTUCE : exportez vos restes normalisés afin qu’ils sonnent pleinement et qu’ils soient prêts pour de futurs projets.
Remixer ses propres morceaux
Parfois, la meilleure façon de recycler est de revisiter ses propres morceaux. Remixer un morceau que vous avez déjà produit peut être une expérience enrichissante. Isolez les éléments individuels qui se sont démarqués et réimaginez-les dans un nouveau contexte. Cela permet non seulement de donner un nouveau souffle à votre travail existant, mais aussi de repousser vos limites créatives.
Je souris toujours lorsqu’un client me dit qu’il n’arrive pas à décider si une décision vaut mieux qu’une autre en ce qui concerne son morceau. Peut-être que les deux idées sont bonnes, alors pourquoi ne pas faire deux versions?
Vous pouvez avoir autant de versions que vous le souhaitez de vos chansons. Dans les années 80 et 90, certaines chansons avaient parfois 3 ou 4 variations, ce qui était très amusant pour les DJ, qui pouvaient ainsi utiliser et réutiliser une chanson.
Voici quelques idées de nouveaux remixes :
Instrumental ou avec une voix
Changement de gamme
Sans batterie ou avec des percussions différentes.
Collaborer avec un musicien pour ajouter un enregistrement live.
CONSEIL : Essayez de combiner 3 à 4 chansons en une seule.
Séances de conception sonore systématique
Consacrez des séances spécifiques à la conception sonore, distinctes de celles consacrées à l’écriture ou à l’élaboration des morceaux. Au cours de ces séances, vous vous concentrerez sur la création de sons, de textures ou de rythmes uniques sans avoir à les intégrer dans un projet en cours. Conservez ces créations dans une bibliothèque organisée.
Passer du temps à organiser vos sons est également un moyen utile de faciliter les choses par la suite.
Lorsque vous travaillez sur une nouvelle musique, vous pouvez puiser dans cette bibliothèque pour trouver l’inspiration ou des éléments à incorporer, ce qui accélère considérablement le processus de création.
Prenez le temps de comprendre les préréglages complexes des sons que vous aimez.
Croisez les paramètres prédéfinis d’un synthétiseur avec ceux d’un autre synthétiseur.
Testez les démos d’un synthétiseur que vous aimeriez acquérir et enregistrez vos tests en audio.
Flux de travail collaboratif
Encouragez la collaboration avec d’autres artistes ou concepteurs sonores. Parfois, une nouvelle vision peut conduire à des résultats inattendus et inspirants. Les collaborations peuvent déboucher sur une bibliothèque commune de sons et d’idées, offrant ainsi une plus grande palette d’éléments dans laquelle puiser pour lancer de nouveaux projets.
J’aime partager un dossier Dropbox. Comme nous pouvons tous deux y partager des projets, vous pouvez les voir mis à jour de part et d’autre.
Demandez à une personne ayant des connaissances musicales de réviser et de réinterpréter une de vos mélodies à l’aide d’un instrument acoustique.
Liez-vous d’amitié avec des producteurs d’autres genres et voyez quels commentaires ils peuvent vous donner.
ASTUCE : Partagez une Dropbox ou un Google Drive avec vos amis.
Examen régulier et conservation des projets existants
Planifiez des séances régulières pour passer en revue vos projets antérieurs qui n’ont pas encore été publiés. Il ne s’agit pas seulement de se remémorer, mais de rechercher activement des éléments réutilisables, qu’il s’agisse d’une accroche, d’un son de synthétiseur unique ou d’un motif de batterie efficace. Ce faisant, non seulement vous vous rappelez vos travaux antérieurs, mais vous constituez également un répertoire d’idées et de sons facilement accessible.
Les personnes qui travaillent avec moi savent que j’aime mener tous mes projets à 90 % d’achèvement plutôt qu’à 100 %. La logique derrière cela est simple : j’aime rassembler un tas de chansons un jour donné ou pour répondre à un besoin, puis les finaliser en une seule fois. Cela permet de résoudre de nombreux problèmes : la cohérence des morceaux du même release, l’absence de structures répétitives, une meilleure originalité, etc.
Révisez le kick d’un projet pour une toute nouvelle approche de la direction d’une chanson : plus intense, plus douce.
Mettez en sourdine toutes les pistes qui ne font pas partie de l’accroche pour éviter l’encombrement. Cela est plus facile à faire si vous êtes émotionnellement éloigné de votre projet.
Essayez une version plus courte de votre chanson pour aller droit à l’essentiel (par exemple, les mixages prêts pour la radio durent 3 minutes).
Incorporation d’enregistrements de terrain et de sources sonores non conventionnelles
Parfois, les sons les plus inspirants proviennent du monde qui nous entoure. Enregistrez régulièrement des sons de votre environnement, qu’il s’agisse de bruits de la rue ou d’ambiances naturelles. Ces sons uniques peuvent susciter de nouvelles idées ou ajouter une saveur originale à votre musique. Il existe un magnifique plugin appelé Life qui est accompagné d’une application mobile qui se synchronise avec le logiciel sur votre ordinateur. Non seulement vous pouvez prendre des sons de partout, mais le logiciel va les découper, tout en leur donnant une structure. Les résultats sont impressionnants.
Lorsque vous êtes dans un lieu public, comme un restaurant, prêtez attention à la musique de fond. Qu’entendez-vous lorsque vous vous trouvez dans un nouveau contexte? Pensez à la façon dont votre musique se traduirait.
Essayez d’écouter les mélodies de votre environnement. Les mélodies cachées peuvent provenir d’un artiste de rue, des gens qui parlent autour de vous ou d’une voiture qui passe.
Explorez le bruit et donnez-lui la forme d’une percussion.
Exploration régulière de nouveaux outils et habitudes
S’il est important de disposer d’une boîte à outils familière, l’expérimentation régulière de nouveaux plugins, instruments ou logiciels peut apporter une perspective nouvelle à votre travail. Cela ne signifie pas qu’il faut toujours acheter le matériel le plus récent, mais plutôt explorer différents outils, éventuellement par le biais de démos ou de versions gratuites, afin de maintenir une approche créative dynamique.
Explorer de nouveaux outils signifie, par exemple, explorer des applications mobiles capables de produire des sons. Il y a un grand mythe autour de ce type de produits, car beaucoup pensent qu’ils ne sont pas assez bons. Mais vous seriez surpris de voir combien d’entre eux sont extrêmement solides et suffisants pour donner naissance à des idées. Non seulement l’interface est agréable, mais le fait de ne pas être devant son ordinateur donne une vision différente de ce que l’on fait. Vous pouvez explorer votre boutique mobile pour découvrir les applications qui sont étiquetées comme étant liées à la musique et vous verrez des synthétiseurs, des boîtes à rythmes ou des DAW insolites. Vous pouvez également consulter les casques VR pour le même type d’outils à explorer.
Cartographie mentale et flux de travail conceptuel
Parfois, le blocage ne se situe pas au niveau de la production, mais dans la phase conceptuelle. Utilisez des techniques telles que la cartographie mentale pour définir les thèmes, les émotions ou les histoires que vous souhaitez transmettre dans votre musique. Cette étape de préproduction peut fournir une orientation claire et aider à choisir ou à créer des éléments qui correspondent à votre vision.
Cette année, la cartographie de l’esprit fait fureur. J’ai commencé à transposer en concepts imagés la manière dont je travaille dans le domaine de l’audio. Parfois, le fait de schématiser ce que vous faites vous donne des idées auxquelles vous ne pouvez pas penser lorsque vous ne faites que de la musique en tant que telle.
L’une des méthodes que j’ai apprises s’appelle « Sticky Steps » . Fondamentalement, vous commencez par la fin, puis vous revenez en arrière avec de petites étapes pour y parvenir. J’aime à penser qu’il s’agit d’une méthode d’ingénierie inverse. Il est possible qu’à certaines étapes, vous manquiez de connaissances pour expliquer ou savoir comment faire, c’est pourquoi vous pouvez me contacter par exemple, ou demander à des amis.
J’espère que cela vous permettra de démarrer l’année en beauté. N’hésitez pas à laisser des commentaires ou des questions ci-dessous.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/01/recycle.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-01-09 12:08:342024-01-09 12:08:34Recycler vos anciens projets
Une chose que j’ai remarquée chez les personnes qui veulent apprendre à faire de la musique électronique, c’est qu’elles sont confrontées à un manque d’informations sur la façon de commencer. Je suis tombé récemment sur une interview de Mr. Beast qui suggérait que si vous voulez apprendre à faire des vidéos virales, vous devez commencer par vous entraîner à faire des vidéos. Ses suggestions recoupent en quelque sorte la manière dont j’enseigne la musique, où l’importance de la pratique est plus grande que, disons, le fait de terminer parfaitement les chansons. Il suggère que l’on pourrait tenter de réaliser 100 vidéos en pratiquant un élément dans chacune d’entre elles, en essayant de s’améliorer de 1 % à chaque fois, au lieu de d’entreprendre quelque chose d’énorme au départ. Mais surtout, il faut rester un peu discret jusqu’à ce que l’on devienne plus solide dans ce que l’on fait.
Les chansons sont des histoires basées sur une découverte personnelle. Si vous vous imaginez en train de raconter une histoire personnelle à un ami, vous concentrerez votre récit sur un seul élément et vous pourriez, dans votre narration, lui donner un grand dénouement. La musique est un peu similaire, mais pour de nombreuses personnes qui commencent à faire de la musique, elles ne veulent pas décevoir ou passer pour des débutants. Dans la plupart des cas, ils en font trop.
Au fur et à mesure que vous progressez dans l’apprentissage de la production musicale, vous ne savez pas qu’il existe de nombreuses techniques différentes, à moins que vous ne les trouviez en faisant des recherches ou que quelqu’un vous en parle. Vous pourriez ne pas savoir que votre musique présente différents problèmes si elle n’est pas examinée par un mentor expérimenté. Cela peut donc être assez déroutant.
C’est pourquoi j’ai décidé de reprendre l’idée de M. Beast de 100 projets et d’en faire une liste pour vous ici.
Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de l’utiliser. Il s’agit en fait de 100 idées que vous pouvez exploiter. La plupart d’entre elles sont accompagnées d’une vidéo YouTube que vous pouvez regarder pour apprendre la technique à pratiquer. En ce qui concerne les projets ou les chansons, je dirais qu’il faut essayer de faire des chansons qui durent entre 1 et 5 minutes. Il ne s’agit pas d’impressionner, mais de vous perfectionner. J’ai ajouté suffisamment de vidéos et de liens par projet pour que vous puissiez pratiquer une technique. Faites de votre mieux pour l’utiliser, mais vous pouvez bien sûr partir d’un point et aboutir à un résultat totalement différent. Il n’y a pas de règles.
Ce projet est directement lié à mon programme Patreon. Il y a le tiers « Road Map » qui vous permet d’adhérer à un soutien constant.
Bâtir les bases – Projets 1 à 10
Boucles, MIDI, et arrangements
La création de musique électronique commence généralement par l’utilisation d’échantillons (samples), de boucles (loops) et de MIDI. Commençons par la base.
Round 1 : Boucles et arrangements de base (Projets 1-3)
Je vous encourage à vous abonner à Splice pour obtenir des boucles et des sons. Vous pouvez également visiter le site Freesounds.org pour obtenir des idées gratuites, mais la qualité peut parfois être discutable.
Si la tonalité et la gamme d’une chanson vous déroutent, cet article vous aidera. Également cette video.
Projet 1 – Exploration des boucles
Titre : « Loop Groove »
BPM : 100
Durée : 1-2 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importer, dupliquer et arranger des boucles pré-fabriquées de manière efficace. Il s’agit ici d’importer quelques boucles différentes et de les jouer dans la section arrangement. Voyez comment vous pouvez les placer pour créer une trame temporelle. Il s’agit de l’introduction la plus élémentaire.
Projet 2 – Transformation des boucles
Titre : « Loop Evolution »
BPM : 110
Durée : 1-2 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Modifier les boucles, ajouter des fondus et créer des variations. Essayez de couper les boucles et de les réorganiser en différentes versions d’elles-mêmes.
Projet 3 – Arrangement de base
Titre : « Simple Structure »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Construire la structure d’un morceau avec des boucles, y compris les motifs, les sections et les accroches (hooks). Essayez d’avoir des sections distinctes telles que le couplet, le refrain, le pont et l’outro.
Round 2 : Notions de base sur le MIDI (Projets 4-6)
Jetez un coup d’œil à ce tutoriel et pratiquez les principes fondamentaux du midi pour vos prochains projets.
Projet 4 – Introduction au MIDI
Titre : « MIDI Essentials »
BPM : 95
Durée : 2 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Comprendre le MIDI, l’entrée des notes et l’édition MIDI de base. Utilisez un synthétiseur virtuel comme Operator pour recevoir des notes et commencer à faire des mélodies en utilisant une clé et une gamme.
Projet 5 – Mélodies avec MIDI
Titre : « Melodic MIDI »
BPM : 130
Durée : 2 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de mélodies à l’aide du MIDI, exploration des notes et des gammes. Ouvrez une boucle qui est une mélodie et vous pouvez soit essayer de la reproduire (un peu plus avancé) soit de la compléter. Assurez-vous de connaître la tonalité de base de cette boucle. Extraire une mélodie d’une boucle.
Round 3 : Plongée dans les arrangements (Projets 7-10)
Si vous avez suivi mon tutoriel initial, j’en explique les fondements. Il existe d’innombrables tutoriels sur les arrangements sur YouTube. En voici un à consulter.
Projet 7 – Arrangement avancé
Titre : « Arrangement Intro »
BPM : 115
Durée : 2-3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à mettre en pratique : Ajout de variations, de silences et de motifs dynamiques (introduction de l’appel et de la réponse). Apprenez à jouer avec les automations.
Projet 8 – Motifs et accroches MIDI
Titre : « MIDI Patterns »
BPM : 105
Durée : 2-3 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Créer des motifs (patterns) MIDI et des accroches (hooks) pour vos morceaux. Écoutez une chanson que vous connaissez et essayez de comprendre ce qu’est l’accroche.
Élément à pratiquer : Appliquez tout ce que vous avez appris pour créer votre première chanson complète.
Ces 10 premiers projets fourniront une base solide en matière de boucles, de MIDI et d’arrangements de base. Après avoir suivi ces cours, l’étudiant aura acquis les compétences nécessaires pour créer une piste complète.
Bâtir les bases – Projets 11 à 20
Boucles, MIDI, arrangements et références
Round 4 : Boucles et arrangements avancés avec références (projets 11-13)
Il existe de nombreuses vidéos sur la manière d’utiliser les références et celle-ci est une excellente vidéo.
Pour cet exercice de travail avec une piste de référence, je vous encourage à obtenir des échantillons de Splice et à essayer de les faire correspondre à la chanson que vous avez choisie.
Projet 11 – Expérimentation de boucles avec références
Titre : « Reference Grooves »
BPM : Analyser et faire correspondre l’intro de référence
Élément à pratiquer : Importer des boucles, analyser des pistes de référence et appliquer des arrangements similaires. Utilisez le swing et les grooves.
Projet 12 – Hachage et découpage de boucles avec références
Titre : « Chopped References »
BPM : Analyser et faire correspondre la percussion de la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Découper et réarranger des boucles en se référant à un morceau pour recréer une accroche similaire.
Projet 13 – Arrangements avancés avec des références
Titre : « Reference Arrangements »
BPM : Analyser et faire correspondre les sections et les transitions de la piste de référence.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Round 6 : Application du MIDI et des arrangements avec références (projets 17-20)
L’idée ici est de prendre votre référence dans la section arrangement, essayez de jouer quelques notes midi en même temps que la référence pour reproduire des notes, des percussions ou n’importe quoi d’autre, à jouer en même temps.
Projet 17 – Combinaison de MIDI et de boucles avec des références
Titre : « Hybrid References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Combinez des éléments MIDI avec des boucles inspirées par la basse du morceau de référence.
Projet 18 – Superposition (layering) et texture avec références
Titre : « Textural References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Création de textures et de couches à l’aide de références. Apprenez à utiliser des enregistrements de terrain pour les fonds sonores.
Projet 19 – Techniques d’arrangement avancées avec références
Titre : « Reference more »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Concentrez-vous sur les hits et les sons spontanés qui se produisent de temps à autre.
Projet 20 – Jalon : Piste avancée avec références
Titre : « Elevated Creations »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une piste avancée avec influence de la piste de référence.
Bâtir les bases – Projets 21 à 30
Boucles, MIDI, arrangements, références et effets
Round 7 : Boucles et MIDI avec effets (Projets 21-23)
Projet 21 – Manipulation de boucles avec délai (delay)
Titre : « Delay Loops »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importation de boucles, application d’effets de délai et arrangement créatif. Concentrez-vous sur les différents types de plugins de délai et amusez-vous à régler les paramètres.
Projet 22 – Effets MIDI : Arpèges et Phaser
Titre : « Arpeggiated Phases »
BPM : 110
Durée : 4 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : L’utilisation du MIDI pour les arpèges et l’application d’effets de phaser.
Projet 23 – Arrangements basés sur les effets
Title: « Effects Arrangements »
BPM : 120
Durée : 4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Créer des arrangements avec des transitions basées sur des effets, où vous utilisez l’automation pour modifier les paramètres du délai au fur et à mesure de l’évolution du morceau.
Round 8 : Maîtrise du MIDI avec effets (projets 24-26)
Projet 24 – MIDI et réverbération pour l’atmosphère
Titre : « Reverberant Atmosphere »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation du MIDI pour créer des sons atmosphériques avec réverbération.
Projet 25 – MIDI et délai pour la texture
Titre : « Delayed Textures »
BPM : 130
Durée : 4 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores texturés à l’aide de mélodies MIDI et d’effets de délai/réverbération.
Projet 26 – MIDI et Flanger pour le mouvement
Titre : « Flanged Movement »
BPM : 85
Durée : 3-4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Ajouter du mouvement aux éléments percussifs MIDI en utilisant l’effet flanger.
Round 9 : Arrangements avancés avec effets (projets 27-29)
Projet 27 – Arrangement et balayages de filtres
Titre : « Filter Swept Arrangements »
BPM : 115
Durée : 4 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Création d’arrangements avec des balayages de filtre. Jouez avec le filtre sur différents éléments pour vous entraîner aux fréquences d’ouverture et de fermeture.
Projet 28 – Arrangement et panoramique stéréo
Titre : « Panned Arrangements »
BPM : 105
Durée : 3-4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur et du mouvement aux arrangements grâce au panoramique stéréo (auto-pan). Transformez l’auto-pan en trémolo.
Projet 29 – Jalon : Piste avancée avec effets
Titre : « Effects-Driven Mastery »
BPM : 125
Durée : 4 min
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Appliquez tous les concepts appris pour créer une piste avancée en mettant l’accent sur les effets. Explorez l’utilisation de Chorus.
Projet 30 – Remix et effets
Titre : « Remix and Effects Showcase »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Remixer un morceau en intégrant les techniques d’effets Beat-repeat.
Ces projets permettront aux étudiants d’explorer les possibilités créatives des effets tout en améliorant leurs compétences en matière de boucles, de MIDI, d’arrangements et de références. Si vous souhaitez mettre l’accent sur des effets ou des outils spécifiques dans l’un de ces projets, n’hésitez pas à m’en faire part, et nous pourrons les adapter en conséquence.
Bâtir les bases – Projets 31 à 35
Boucles, MIDI, arrangements, références, effets et modulation
Round 10 : Les bases de la modulation (projets 31-35)
Projet 31 – Modulation LFO sur un synthé
Titre : « Synth LFO Groove »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Utilisation de la modulation LFO pour ajouter du mouvement à un son de synthétiseur
Projet 32 – Enveloppes pour un MIDI dynamique
Titre : « Dynamic MIDI Envelopes »
BPM : 110
Durée : 4 min
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Appliquer des enveloppes pour façonner la dynamique des éléments MIDI
Projet 33 – Effets et enveloppes pour le traitement de la voix
Titre : « Vocal Envelope Processing »
BPM : 120
Durée : 4 min
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Utilisation d’enveloppes en combinaison avec des effets pour la manipulation de la voix. Apprenez à utiliser Shifter. Vous pourriez utiliser les filtres ou la réverbération comme éléments à modifier.
Projet 34 – Techniques avancées de LFO sur les effets
Titre : « LFO x LFO »
BPM : 95
Durée : 4 min
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Appliquer la modulation d’un LFO à un autre paramètre LFO pour une conception sonore créative. Utilisez l’outil Shaper.
Projet 35 – Modulation et jalon
Titre : « Modulation Mastery »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : votre choix.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez à entendre la modulation dans les chansons que vous connaissez. Essayez de reproduire un effet sonore. Explorez les effets sur Splice.
Bâtir les bases – Projets 36 à 40
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres et Compression
Round 11 : Techniques d’égalisation, de filtrage et de compression (projets 36-40)
Projet 36 – Égalisation de base pour clarté du mixage
Projet 49 – Mixage de synthétiseurs et de voix principaux
Titre : « Lead Mixing »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : À l’aide de groupes, apprenez à appliquer le side-chain afin d’ouvrir l’espace pour un lead.
Projet 50 – Traitement avancé des bus
Titre : « Bus Driver »
BPM : 85
Durée : 4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Utiliser des bus et des groupes pour le mixage.
Projet 51 – Pistes de retour et réverbération
Titre : « Return Channel Reverb »
BPM : 115
Durée : 3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Incorporer des pistes de retour et de la réverbération pour les effets spatiaux. Utilisez deux pistes de retour, dont l’une est réglée sur Hall et l’autre sur une réverbération courte. Envoyer différents canaux vers ces pistes de retour.
Projet 52 – Mixer avec des pistes de référence
Titre : « Mixing References »
BPM : 105
Durée : 4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Apprenez ce qu’est le Gain staging (étalonnage du gain) et adaptez le niveau de votre chaîne à cet étalonnage.
Projet 53 – Effets et mixage
Titre : « Dynamic EQ »
BPM : 125
Durée : 3 min.
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Element to Practice: Learn how to use dynamic EQ in ableton.
Projet 54 – Production vocale et harmonies
Titre : « Vocal Production Excellence »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez les principaux effets utilisés pour le traitement de la voix : Shifter, Delay, Reverb, Chorus/ensemble.
Projet 55 – Jalon : Mixage et routage en action
Titre : « Mix and Routing Exercice »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer un mixage avancé avec un routage et un traitement complexes.
Conception sonore – Projets 56 à 65
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Buses, Canaux de retour, et Sound Design
La tendance est au modulaire depuis quelques années et le concept a pris de l’ampleur avec l’arrivée de VCV Rack. L’une des meilleures façons d’apprendre les techniques modulaires est d’installer VCV, qui est gratuit en tant que DAW autonome. Il m’a permis d’en apprendre plus sur la conception sonore que des années d’études.
Élément à pratiquer : Utilisation d’oscillateurs complexes et de sources de modulation pour créer des paysages sonores complexes à l’aide de Drift et Wavetable.
Projet 64 – Techniques de bruit créatives
Titre : « Noise Sculpting »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce de conception sonore avancée.
Ces projets permettront aux étudiants d’explorer le monde fascinant de la conception sonore, des concepts modulaires et des techniques de synthèse, ce qui leur permettra de créer des textures sonores uniques et expressives.
Niveau supérieur – Projets 66 à 70
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Resampling, Enregistrement et Manipulation de la voix.
Round 15 : Resampling, enregistrement et manipulation de la voix (projets 66-70)
Pour ces projets, la durée n’a pas d’importance tant que vous pouvez construire des idées en quelques minutes. À partir d’ici, essayez de toujours avoir une introduction, un milieu et une fin.
Vous devez essayer d’avoir une accroche par chanson ainsi que des idées complémentaires. Vous en savez assez pour être capable de créer des chansons et vous devriez maintenant mettre un peu plus d’énergie pour les réaliser le mieux possible.
Projet 66 – Techniques créatives de rééchantillonnage (resampling)
Projet 67 – Enregistrement de terrain et échantillonnage (sampling)
Titre : « Field to Sound »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Capturer et incorporer des enregistrements de terrain dans la production musicale. Apprenez à utiliser simplement votre téléphone intelligent pour enregistrer des sons et les importer.
Projet 68 – Enregistrement et traitement des voix
Titre : « Vocal Doctor »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Enregistrement et traitement des voix avec rééchantillonnage.
Projet 69 – Manipulation et échantillonnage de la voix
Titre : « Voice Transformation »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Manipulation et rééchantillonnage d’enregistrements vocaux pour obtenir des textures uniques à partir du mode « warp » du clip.
Projet 70 – Paysages sonores rééchantillonnés
Title : « Resampled Soundscapes »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores complexes grâce au rééchantillonnage et à la manipulation.
Plus de conception sonore – Projets 71 à 75
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation de la voix, Réverbération, Délais, Résonances et Synthèse Granulaire
Round 16 : Effets spatiaux et synthèse granulaire (projets 71-75)
Projet 71 – Réverbération et conception de l’espace
Titre : « Spatial Reverb Design »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Créer des effets spatiaux immersifs avec la « Convolution reverb« .
Projet 72 – Techniques de délai et échos
Titre : « Echo Exploration »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Exploration de diverses techniques de délai pour créer des échos et des motifs rythmiques.
Projet 73 – Manipulation de la résonance
Titre : « Resonance Magic »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Manipuler les résonances pour obtenir un caractère sonore unique
Projet 74 – Synthèse granulaire et texture
Titre : « Granular Textures »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Créer des textures à l’aide de techniques de synthèse granulaire
Projet 75 – Paysages sonores granulaires et jalon
Titre : « Granular Soundscapes Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer de la folie de l’espace!
L’espace, ultime frontière – Projets 76 à 80
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, et Mouvement spatial.
Round 17 : Panning, Depth, and Spatial Movement (Projects 76-80)
Projet 76 – Notions de panoramique et d’image stéréo
Titre : « Stereo Magic »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Exploration des techniques de base du panoramique, de la largeur (width) et de l’image stéréo sans phasing.
Projet 77 – Profondeur et effets spatiaux
Titre : « Creating Depth »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur aux mixages à l’aide d’effets et de techniques spatiaux.
Projet 78 – Automatiser les panoramiques et les mouvements
Titre : « Automated Movement »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Automatiser les panoramiques et créer des mouvements spatiaux dynamiques, avec doppler.
Projet 79 – Audio 3D et son ambiophonique
Titre : « 3D Audio Adventure »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Exploration des concepts audio 3D et des techniques de son surround.
Projet 80 – Jalon : Conception spatiale avancée
Titre : « Spatial Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce conçue spatialement.
Mixage ludique – Projets 81 à 85
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transitoires et Sustain.
Exercices sur les transients et le sustain (projets 81-85)
Projet 81 – Principes de base sur la forme des transitoires (Transient Shaping)
Projet 100 – Jalon : Musique générative et projet final
– Titre : « Final Project »
– BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
– Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
– Élément à pratiquer : Générer des idées aléatoires à l’aide des techniques apprises, puis en faire une chanson complète.
Félicitations si vous êtes allé jusqu’au bout des exercices. Vous devriez maintenant disposer d’une base solide pour savoir comment créer une chanson. Il y a tant de sujets qui auraient pu être abordés. Si vous avez des suggestions à ajouter, faites-le moi savoir dans les commentaires.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/begin-ableton.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-29 20:18:042023-11-29 20:18:04Feuille de route de l’apprentissage de la production musicale
Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.
Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».
Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.
Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.
(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).
Articulation en musique pour enrichir vos idées
En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.
Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.
Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.
Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
Celui-ci serait à 127 en vélocité.
En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.
Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.
Exemples
Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.
Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.
Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.
Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.
Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.
Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.
Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer
Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.
Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.
Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.
Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.
Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.
Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).
Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon
Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.
Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.
Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.
Exercices et applications
Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.
En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/articulation.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-16 20:04:522023-11-16 20:04:52Amélioration des mélodies grâce à l’articulation
De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.
La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.
La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.
La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).
Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.
Comprendre le son
Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).
Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.
Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.
Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.
Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.
Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.
Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.
Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.
Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses. Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.
Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.
Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.
Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.
Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.
Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).
Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.
Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.
Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.
La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.
Reproduire le son
Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?
C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.
L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.
Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.
Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.
Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.
L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.
L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.
Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.
Traitement du son
Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.
Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.
Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.
Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.
Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.
Ajustements itératifs
Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.
Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.
Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.
Comparaison finale et ajustements
Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.
Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.
Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.
L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/reverse.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-08 17:20:142023-11-08 17:20:14Ingénierie inverse du son
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