Recycler vos anciens projets

Il m’arrive d’être déconcerté par deux choses lorsque je travaille avec des clients :

  1. Ils repartent de zéro à chaque fois qu’ils créent une nouvelle chanson.
  2. Ils laissent dormir les projets terminés (et ne les réutilisent jamais).

Dans les deux cas, il s’agit d’une énorme perte de temps et d’énergie. Mais lorsque je leur explique que chacun de leurs projets est une mine d’or d’opportunités qui dorment sur leur disque dur, je vois leur visage s’illuminer. Si vous y réfléchissez, une chanson contient souvent beaucoup de matériel résiduel qui ne sera pas utilisé. Pensez à tous les éléments communs à toutes vos chansons, alors pourquoi ne pas créer un moyen de permettre à l’ordinateur d’utiliser les ressources pour créer ce matériel.

En fin de compte, la façon dont j’aborde la création musicale consiste à trouver une idée très originale, puis à la replacer rapidement en contexte afin de pouvoir lui donner un cadre temporel.

 

Pourquoi accélérer votre flux de travail?

 

Il est intéressant de noter qu’en tant qu’artiste et coach, j’enseigne souvent que la créativité est un processus très lent et qu’essayer de précipiter les choses n’est pas forcément une bonne idée. Mais paradoxalement, il est important de saisir une idée et d’en tirer le meilleur parti, puis de passer à autre chose. L’idée d’accélérer votre processus est de faciliter votre expression afin de ne pas vous perdre dans les détails techniques. L’un des points sur lesquels de nombreuses personnes perdent du temps est celui des détails, de la clarification des détails techniques, etc.

Si une chanson est une idée, placée sur une ligne de temps, il est également facile de s’éloigner de cette idée si l’on est plus technique qu’artistique.

 

Les stratégies ci-dessous visent à faciliter la partie technique en se concentrant sur l’organisation.

 

Stratégies

 

La première façon d’accélérer votre processus est de penser à l’avenir. À l’instar de ce mouvement qui consiste à payer un café à un futur client qui serait à court d’argent, le meilleur moyen d’accélérer la prochaine session est de l’organiser dans celle sur laquelle vous êtes en train de travailler. Je vous expliquerai les habitudes et les stratégies qui vous seront utiles par la suite.

 

Une méthode efficace consiste à utiliser la fonction d’importation du navigateur Ableton Live. Par exemple, si vous avez développé une chaîne d’effets captivante dans un projet précédent, enregistrez-la en tant que macro. Ces macros peuvent ensuite être facilement importées dans de nouveaux projets, ce qui vous donne une longueur d’avance avec des sons testés et éprouvés.

 

Création de modèles

 

Au-delà de l’importation d’éléments spécifiques, envisagez de créer des modèles basés sur vos projets les plus réussis. Ces modèles peuvent inclure votre routage préféré, des chaînes d’effets par défaut et même des instruments provisoires. En commençant un nouveau projet avec ces modèles, vous pouvez réduire considérablement le temps de configuration et vous plonger directement dans le processus de création.

  • Si vous remarquez une routine ou une habitude, transformez-la en un modèle où vous pourrez importer ce qui est nécessaire.
  • Les arrangements judicieux ou les modèles de mixage sont essentiels.
  • Les modèles sont en fait comme une recette que vous pouvez réimporter en tant que chaîne ou section d’arrangement, ajuster à votre goût et enregistrer à nouveau en tant que nouveau modèle.
  • Il s’agit de « Presets généraux ».

 

 

CONSEIL : Il existe différents types de modèles pour commencer. Analysez vos 10 derniers projets pour voir ce qui y est toujours présent de facto.

 

Création d’une chaîne de « restes »

Une autre méthode innovante consiste à créer un canal spécial dans votre DAW pour les « restes » ou « reliquats », c’est-à-dire les morceaux de projets antérieurs qui n’ont pas été retenus mais qui ont encore du potentiel. Il peut s’agir d’une mélodie à moitié terminée, d’un effet sonore intéressant, d’un motif vocal abandonné ou d’un motif de batterie unique. En sauvegardant ces restes, vous créez une bibliothèque sonore personnelle qui est non seulement originale, mais aussi imprégnée de votre style. Chaque fois que vous êtes bloqué ou que vous avez besoin d’inspiration, plongez dans cette piste et découvrez des éléments qui peuvent susciter de nouvelles idées.

Il y a toujours eu une règle tacite selon laquelle il ne faut pas utiliser de préréglages (presets) et qu’il faut se réinventer pour chaque projet. Bien que cela réponde au besoin de toujours avoir des idées non répétitives d’une chanson à l’autre, cela peut aussi prendre beaucoup de temps. Une bonne façon de procéder consiste à utiliser les restes comme point de départ d’un projet futur.

  • Les restes sont essentiellement ce que vous voulez qu’ils soient. J’ai tendance à accumuler tout ce qui n’est pas utilisé. Vous seriez surpris des utilisations que j’ai trouvées pour certains sons.
  • L’inspiration instantanée vient d’idées que vous pensiez ridicules : re-pitcher, étirer, découper, filtrer, égaliser sauvagement… ou traiter lourdement ces idées.
  • Décidez de vos propres règles internes concernant le nombre de fois où vous utilisez un son. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix.

 

ASTUCE : exportez vos restes normalisés afin qu’ils sonnent pleinement et qu’ils soient prêts pour de futurs projets.

 

Remixer ses propres morceaux

 

Parfois, la meilleure façon de recycler est de revisiter ses propres morceaux. Remixer un morceau que vous avez déjà produit peut être une expérience enrichissante. Isolez les éléments individuels qui se sont démarqués et réimaginez-les dans un nouveau contexte. Cela permet non seulement de donner un nouveau souffle à votre travail existant, mais aussi de repousser vos limites créatives.

Je souris toujours lorsqu’un client me dit qu’il n’arrive pas à décider si une décision vaut mieux qu’une autre en ce qui concerne son morceau. Peut-être que les deux idées sont bonnes, alors pourquoi ne pas faire deux versions?

Vous pouvez avoir autant de versions que vous le souhaitez de vos chansons. Dans les années 80 et 90, certaines chansons avaient parfois 3 ou 4 variations, ce qui était très amusant pour les DJ, qui pouvaient ainsi utiliser et réutiliser une chanson.

Voici quelques idées de nouveaux remixes :

  • Instrumental ou avec une voix
  • Changement de gamme
  • Sans batterie ou avec des percussions différentes.
  • Collaborer avec un musicien pour ajouter un enregistrement live.

CONSEIL : Essayez de combiner 3 à 4 chansons en une seule.

 

Séances de conception sonore systématique

 

Consacrez des séances spécifiques à la conception sonore, distinctes de celles consacrées à l’écriture ou à l’élaboration des morceaux. Au cours de ces séances, vous vous concentrerez sur la création de sons, de textures ou de rythmes uniques sans avoir à les intégrer dans un projet en cours. Conservez ces créations dans une bibliothèque organisée.

Passer du temps à organiser vos sons est également un moyen utile de faciliter les choses par la suite.

Lorsque vous travaillez sur une nouvelle musique, vous pouvez puiser dans cette bibliothèque pour trouver l’inspiration ou des éléments à incorporer, ce qui accélère considérablement le processus de création.

  • Prenez le temps de comprendre les préréglages complexes des sons que vous aimez.
  • Croisez les paramètres prédéfinis d’un synthétiseur avec ceux d’un autre synthétiseur.
  • Testez les démos d’un synthétiseur que vous aimeriez acquérir et enregistrez vos tests en audio.

Flux de travail collaboratif

 

Encouragez la collaboration avec d’autres artistes ou concepteurs sonores. Parfois, une nouvelle vision peut conduire à des résultats inattendus et inspirants. Les collaborations peuvent déboucher sur une bibliothèque commune de sons et d’idées, offrant ainsi une plus grande palette d’éléments dans laquelle puiser pour lancer de nouveaux projets.

  • J’aime partager un dossier Dropbox. Comme nous pouvons tous deux y partager des projets, vous pouvez les voir mis à jour de part et d’autre.
  • Demandez à une personne ayant des connaissances musicales de réviser et de réinterpréter une de vos mélodies à l’aide d’un instrument acoustique.
  • Liez-vous d’amitié avec des producteurs d’autres genres et voyez quels commentaires ils peuvent vous donner.

 

ASTUCE : Partagez une Dropbox ou un Google Drive avec vos amis.

 

Examen régulier et conservation des projets existants

 

Planifiez des séances régulières pour passer en revue vos projets antérieurs qui n’ont pas encore été publiés. Il ne s’agit pas seulement de se remémorer, mais de rechercher activement des éléments réutilisables, qu’il s’agisse d’une accroche, d’un son de synthétiseur unique ou d’un motif de batterie efficace. Ce faisant, non seulement vous vous rappelez vos travaux antérieurs, mais vous constituez également un répertoire d’idées et de sons facilement accessible.

Les personnes qui travaillent avec moi savent que j’aime mener tous mes projets à 90 % d’achèvement plutôt qu’à 100 %. La logique derrière cela est simple : j’aime rassembler un tas de chansons un jour donné ou pour répondre à un besoin, puis les finaliser en une seule fois. Cela permet de résoudre de nombreux problèmes : la cohérence des morceaux du même release, l’absence de structures répétitives, une meilleure originalité, etc.

  • Révisez le kick d’un projet pour une toute nouvelle approche de la direction d’une chanson : plus intense, plus douce.
  • Mettez en sourdine toutes les pistes qui ne font pas partie de l’accroche pour éviter l’encombrement. Cela est plus facile à faire si vous êtes émotionnellement éloigné de votre projet.
  • Essayez une version plus courte de votre chanson pour aller droit à l’essentiel (par exemple, les mixages prêts pour la radio durent 3 minutes).

 

Incorporation d’enregistrements de terrain et de sources sonores non conventionnelles

 

Parfois, les sons les plus inspirants proviennent du monde qui nous entoure. Enregistrez régulièrement des sons de votre environnement, qu’il s’agisse de bruits de la rue ou d’ambiances naturelles. Ces sons uniques peuvent susciter de nouvelles idées ou ajouter une saveur originale à votre musique. Il existe un magnifique plugin appelé Life qui est accompagné d’une application mobile qui se synchronise avec le logiciel sur votre ordinateur. Non seulement vous pouvez prendre des sons de partout, mais le logiciel va les découper, tout en leur donnant une structure. Les résultats sont impressionnants.

  • Lorsque vous êtes dans un lieu public, comme un restaurant, prêtez attention à la musique de fond. Qu’entendez-vous lorsque vous vous trouvez dans un nouveau contexte? Pensez à la façon dont votre musique se traduirait.
  • Essayez d’écouter les mélodies de votre environnement. Les mélodies cachées peuvent provenir d’un artiste de rue, des gens qui parlent autour de vous ou d’une voiture qui passe.
  • Explorez le bruit et donnez-lui la forme d’une percussion.

 

 

Exploration régulière de nouveaux outils et habitudes

 

S’il est important de disposer d’une boîte à outils familière, l’expérimentation régulière de nouveaux plugins, instruments ou logiciels peut apporter une perspective nouvelle à votre travail. Cela ne signifie pas qu’il faut toujours acheter le matériel le plus récent, mais plutôt explorer différents outils, éventuellement par le biais de démos ou de versions gratuites, afin de maintenir une approche créative dynamique.

Explorer de nouveaux outils signifie, par exemple, explorer des applications mobiles capables de produire des sons. Il y a un grand mythe autour de ce type de produits, car beaucoup pensent qu’ils ne sont pas assez bons. Mais vous seriez surpris de voir combien d’entre eux sont extrêmement solides et suffisants pour donner naissance à des idées. Non seulement l’interface est agréable, mais le fait de ne pas être devant son ordinateur donne une vision différente de ce que l’on fait. Vous pouvez explorer votre boutique mobile pour découvrir les applications qui sont étiquetées comme étant liées à la musique et vous verrez des synthétiseurs, des boîtes à rythmes ou des DAW insolites. Vous pouvez également consulter les casques VR pour le même type d’outils à explorer.

 

 

Cartographie mentale et flux de travail conceptuel

 

Parfois, le blocage ne se situe pas au niveau de la production, mais dans la phase conceptuelle. Utilisez des techniques telles que la cartographie mentale pour définir les thèmes, les émotions ou les histoires que vous souhaitez transmettre dans votre musique. Cette étape de préproduction peut fournir une orientation claire et aider à choisir ou à créer des éléments qui correspondent à votre vision.

Cette année, la cartographie de l’esprit fait fureur. J’ai commencé à transposer en concepts imagés la manière dont je travaille dans le domaine de l’audio. Parfois, le fait de schématiser ce que vous faites vous donne des idées auxquelles vous ne pouvez pas penser lorsque vous ne faites que de la musique en tant que telle.

L’une des méthodes que j’ai apprises s’appelle « Sticky Steps » . Fondamentalement, vous commencez par la fin, puis vous revenez en arrière avec de petites étapes pour y parvenir. J’aime à penser qu’il s’agit d’une méthode d’ingénierie inverse. Il est possible qu’à certaines étapes, vous manquiez de connaissances pour expliquer ou savoir comment faire, c’est pourquoi vous pouvez me contacter par exemple, ou demander à des amis.

 

J’espère que cela vous permettra de démarrer l’année en beauté. N’hésitez pas à laisser des commentaires ou des questions ci-dessous.

Amélioration des mélodies grâce à l’articulation

Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.

Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».

Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.

Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.

(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).

Articulation en musique pour enrichir vos idées

 

En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.

Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.

Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.

 

  • Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
    • Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
    • Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
    • Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
  • Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
  • Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
    • Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
    • On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
  • Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
    • Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
  • Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
    • Celui-ci serait à 127 en vélocité.
    • En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
  • Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
    • Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
  • Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
  • Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
    • Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
  • Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
  • Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
    • J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.

 

Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.

 

Exemples

Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.

Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.

Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.

 

Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.

Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.

Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.

 

Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer

Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.

 

Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.

Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.

 

Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.

Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.

 

Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).

Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon

 

Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.

Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.

Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.

 

Exercices et applications

  1. Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
  2. Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
  3. Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
  4. Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
  5. Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
  6. Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.

En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.

Ingénierie inverse du son

De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.

 

La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.

La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.

La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).

 

Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.

 

Comprendre le son

 

Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).

Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.

Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.

Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.

Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.

Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.

Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.

Guitare : Électrique, claire, acoustique, distordue, riff.

Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.

Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses.
Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.

Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.

 

Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.

Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.

Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.

 

Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).

 

 

 

 

 

 

 

 

Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.

 

 

 

 

 

 

Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.

 

Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.

La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.

Reproduire le son

 

Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?

C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.

L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.

Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.

Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.

Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.

L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.

 

L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.

Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.

 

Traitement du son

 

Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.

 

Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.

Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.

 

Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.

Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.

 

Ajustements itératifs

Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.

Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.

 

Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.

 

 

Comparaison finale et ajustements

 

Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.

 

Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.

Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.

L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.

Leçons tirées de l’organisation d’une retraite pour producteurs de musique

Je ne sais pas ce qu’il en est pour vous, mais lorsque vous êtes passionné de musique, c’est à la fois une bénédiction et une malédiction. D’une part, cela occupe beaucoup d’espace mentalement et peut devenir une obsession, et d’autre part, cela crée un besoin d’entrer en contact avec d’autres personnes (pour savoir si l’on n’est pas fou). Si je regarde la situation actuelle, pour entrer en contact et rencontrer d’autres musiciens dans le monde réel, nous sommes confrontés à des limites quant à l’endroit où les rencontrer. Vous pourrez peut-être les rencontrer dans un café ou un disquaire, mais ce n’est pas certain. De manière concrète, vous dépendrez des clubs et des festivals pour avoir la plupart des discussions relatives à la musique.

Mais soyons réalistes, les options sont limitées. Les raves et les clubs sont amusants, mais ce sont aussi des récréations où les discussions risquent d’être faussées par la musique forte, l’atmosphère bruyante et, peut-être, par les substances qui altèrent l’esprit.

Il fut un temps où j’ai eu la chance d’avoir accès à une riche communauté à Montréal, bien avant les médias sociaux, où nous nous retrouvions après des événements (pas des after-parties) pour préparer un repas et discuter. Nous faisions des séances en studio, collaborions et échangions des conseils. Aujourd’hui, c’est encore possible et bien que les médias sociaux puissent vous donner accès à n’importe qui, ils ne vous garantissent pas que vous serez en mesure de connecter correctement par la suite.

L’idée de faire des retraites est venue à un ami nommé Fred et moi, il y a des années, lorsque nous voulions quitter la ville avec des amis et faire un week-end d’immersion musicale intense. Nous avons organisé deux événements qui ont été couronnés de succès. Nous avons dû arrêter à cause de la pandémie, mais depuis que j’ai déménagé à la campagne, il m’est apparu évident que je devais continuer à les faire, mais chez moi. L’idée était de donner accès à ma maison, d’y accueillir des gens pour un week-end, d’organiser des ateliers, de partager, de découvrir la musique d’amis et de voir où cela nous mènerait.

J’ai beaucoup appris lors des deux dernières retraites que j’ai organisées et j’aimerais partager avec vous quelques idées, mais aussi quelques conseils si vous souhaitez en organiser une avec vos amis.

 

Leçon n°1 : le fait de se trouver au même endroit que d’autres musiciens pendant un moment ouvre des perspectives musicales et suscite la curiosité.

Pourquoi organiser une retraite pour les producteurs de musique?

 

Il y a de multiples raisons de vouloir en organiser une. La première consiste à échapper à la routine et à vous plonger dans une connexion avec votre musique, ce qui vous permet de commencer des projets ou de les terminer. Je dirais que les personnes qui viennent à la retraite seront surtout motivées par le fait d’être dans un espace où d’autres travaillent sur la musique. Il n’est pas étonnant que le fait d’être entouré d’autres personnes qui font de la musique vous donne l’envie d’en faire autant.

La collaboration et la découverte de la musique sont d’autres raisons d’organiser une retraite.

Mais quoi que vous choisissiez de faire, je rappelle aux participants qu’il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Il est également possible de ne pas faire grand-chose d’autre que d’être entouré de gens. Cependant, si vous mettez votre temps à profit, cela aura un impact plus tard.

 

Leçon n°2 : La raison pour laquelle je fais des retraites est de me connecter avec des personnes qui ont les mêmes intentions que moi, c’est-à-dire partager une passion.

 

La solitude du musicien

Ce n’est pas nouveau, mais être seul dans le studio est souvent une situation difficile. Il y a quelque chose de frustrant à découvrir de nouvelles idées mais à n’avoir personne autour de soi pour les entendre ou les valider. Les musiciens électroniques modernes s’orientent souvent vers ce genre parce qu’ils peuvent être un homme-orchestre et obtenir des résultats rapidement, mais cela signifie que le succès, ou les échecs, seront également vécus en solitaire. Il est important d’avoir des amis et une communauté pour aller loin à long terme, car votre réseau vous présentera de nouvelles idées et opportunités, et passer du temps dans un endroit pendant un week-end, partager des moments agréables, de la nourriture et des discussions est un excellent moyen de construire une communauté.

Leçon n°3 : mon syndrome de la page blanche et ma tendance à me laisser distraire disparaissent lors d’une retraite.

 

Validation technique et diversité

Le fait d’être entouré d’autres musiciens permet de voir comment ils travaillent, quels outils ils utilisent et quels plugins permettent de résoudre certains problèmes. C’est aussi un moment où le matériel peut être partagé, et où l’on peut voir comment chacun le gère, ce qui lui donne une nouvelle perspective.

Paradoxalement, ces dernières années, j’ai vu certains producteurs très discrets sur leur façon de travailler et sur le matériel qu’ils utilisent. Je trouve cela ridicule.

Personne n’est propriétaire des nouvelles techniques et rien n’est fait qui ne soit pas déjà connu. Presque tout et n’importe quoi est couvert en ligne, que ce soit dans un blogue, un forum ou simplement sur YouTube. Cacher sa façon de travailler révèle, à mon avis, une bonne dose d’anxiété et d’insécurité. On nous explique que garder des secrets pour conserver une image mystérieuse est une chose, ce à quoi je réponds qu’il suffit de quelques ingénieurs du son pour faire de l’ingénierie inverse. La seule chose que personne ne peut vous enlever, c’est votre âme, votre identité. Les outils et les techniques sont simplement là pour permettre à cette partie de vous-même de s’exprimer. Plus vous vous ouvrirez aux autres, partagerez ce que vous savez et créerez des dialogues, plus vous serez récompensé par la rencontre de personnes qui consolideront ce que vous savez avec des idées auxquelles vous n’avez pas pensé… parce que vous étiez centré sur vous-même.

Cela dit, les personnes qui m’entourent lors d’une retraite sont toujours un peu surprises et heureuses de découvrir que je n’ai pas de secrets et que la seule chose que je veux, c’est voir les autres réussir. L’état d’esprit de l’enseignant va au-delà du succès immédiat. Je veux planter des graines dans l’esprit des gens pour voir ce qui émergera plus tard. Il est arrivé si souvent que des personnes que j’ai encadrées reviennent vers moi plus tard avec des idées qui m’ont inspiré alors que je luttais contre le syndrome de la page blanche.

Leçon n°4 : expliquer des concepts aux autres m’aide à comprendre ce que je fais.

L’impact sur la créativité

 

Une chose que j’ai remarquée chez les participants, c’est qu’un sentiment de fluidité émerge le dernier jour. La « zone » est un état mental dans lequel les gens entrent dans un état où ils créent librement, où tout se met en place, où les limites techniques semblent disparaître et, bien sûr, où l’on s’amuse beaucoup.

Cet état de zone semble être la façon idéale de créer. Bien qu’un état de zone continu soit trop beau pour être vrai, si nous pouvons atteindre cet état de temps en temps, c’est, à mon avis, l’un des véritables objectifs de la retraite. Parce qu’une fois que vous avez fait l’expérience de cet état et de la façon dont vous y êtes arrivé, vous savez que vous pouvez ramener avec vous cette façon d’être en tant que musicien.

Proposer des ateliers, c’est alors donner un coup de pouce pour débloquer les frustrations. Je m’assure que ces ateliers correspondent au niveau technique des participants et que je peux leur donner des conseils sur les points qui leur posent problème.

Alors que nous recherchons souvent des impacts importants pour sentir que nous avons changé en tant qu’artiste, je remarque que la somme de nombreux petits ajustements donne des résultats plus durables.

Leçon n°5 : Paradoxalement, la plupart d’entre nous font de la musique pour se rapprocher des autres, alors que nous n’organisons pas assez d’événements communautaires. Une fois réunis, les objectifs de finalisation des chansons ou d’autres tâches de validation connexes deviennent plus que secondaires.

Où organiser une retraite pour un producteur de musique?

Techniquement, n’importe quel endroit peut convenir pour accueillir une retraite de producteurs de musique, mais j’insiste sur le fait qu’il doit se trouver à au moins une heure de chez soi et, idéalement, à la campagne. Il y a de nombreux avantages à pouvoir faire une pause, à sortir se promener et à prendre du recul par rapport à tout ce qui est trop influencé par l’homme (routes, béton, asphalte, bâtiments, etc.). Dans mon cas, je suis à la campagne, avec beaucoup de terrain où l’on peut facilement marcher pendant une heure avant d’en voir la plus grande partie. C’est comme un grand parc, plus ou moins, mais sauvage et ouvert. Bien sûr, vous pouvez enregistrer des sons, mais l’un des éléments importants est de pouvoir respirer de l’air frais.

Une option consiste à louer un chalet avec des amis. Je vous encourage à vous entourer de personnes qui sont dans le même état d’esprit que vous. Vous pouvez ainsi disposer d’un espace pour faire de la musique et d’un autre pour manger et vous détendre.

L’espace est important et le fait d’avoir un endroit où l’on se sent à l’aise et inspiré est crucial pour l’ambiance.

Leçon n° 6 : L’endroit idéal est celui que l’on connaît. Si vous pouvez trouver un endroit que vous avez déjà visité et que vous aimez, ce sera une réussite.

Intention et engagement lors d’une retraite pour producteurs de musique

Il est facile de se tromper sur ce point, mais c’est probablement le plus important. Une chose que nous clarifions avec cette retraite, c’est qu’il ne s’agit pas d’un espace et d’un temps pour faire la fête. Il s’agit de quelque chose d’accessible par d’autres moyens et la retraite est un engagement à faire avancer les choses. C’est pourquoi nous avons une politique d’interdiction de l’alcool et un couvre-feu à une certaine heure. Non seulement je n’ai rencontré aucune résistance de la part des participants, mais tout le monde était extrêmement content que nous ayons fait cela une fois le week-end terminé.

Au début du week-end, nous avons pris un repas au cours duquel nous avons tous discuté de nos besoins, de nos objectifs et des choses que nous aimerions faire. Au fur et à mesure que les gens parlaient, j’ai remarqué qu’il y avait une certaine timidité au début, mais comme nous avons eu de nombreux entretiens au cours des repas, à la fin du week-end, les gens étaient de plus en plus ouverts à partager leurs idées, leurs difficultés ou leurs découvertes passionnantes. Nous rencontrons tous les mêmes difficultés en fin de compte, c’est pourquoi si l’un d’entre eux s’ouvre, d’autres s’en inspireront et suivront.

Leçon n°7 : La présence d’un modérateur, d’un leader ou d’un musicien expérimenté est le meilleur moyen de faire face aux difficultés tout en veillant à ce que les intentions restent réelles.

Des victoires inattendues

Pour terminer cet article, j’ai appris que travailler sur une chanson pendant le week-end n’est pas l’approche la plus idéale, je crois. Je pense qu’il y a beaucoup plus à gagner en essayant d’organiser tous vos morceaux, macros et préréglages et de mettre à jour tous ces morceaux endormis dans votre disque dur. Être curieux, essayer de nouvelles techniques et faire face à certains aspects de la musique qui sont difficiles, voilà ce qu’il y a de mieux à faire dans un contexte où l’on est soutenu.

Des sujets qui ont été très utiles et que les participants ont appréciés :

  • Techniques pour commencer de nouvelles chansons et créer des accroches illimitées.
  • Des idées solides en matière de conception et d’ingénierie inverse.
  • Comment organiser une idée en arrangements efficaces.
  • Mixer une chanson en 20 minutes.

Leçon n°8 : Acceptez toujours qu’il y a quelque chose que vous ne connaissez pas suffisamment ou pas correctement. Rester ouvert est un moyen de grandir en permanence.

 

Témoignages de participants : Écoutons directement ceux qui ont participé à la retraite :

  • Marino: « J’ai passé un week-end inoubliable à la retraite de Pheek. J’ai appris beaucoup de choses, j’ai rencontré des personnes merveilleuses d’horizons différents, qui partagent toutes la même passion que moi : la musique. Pheek nous a accueillis avec amour et gentillesse dans un paysage magnifique, toujours là pour nous aider lorsque nous étions confrontés à des obstacles créatifs. Je le recommande à tous ceux qui souhaitent développer leurs compétences tout en quittant leur zone de confort. »
  • North Motion: « Mon expérience a été tout simplement fantastique. J’ai eu l’occasion de rencontrer de nombreux artistes qui, comme moi, sont passionnés de musique électronique. Au-delà des compétences que j’ai acquises, j’ai noué de grandes amitiés. La retraite de Pheek offre des installations exceptionnelles dans un endroit à couper le souffle, et les connaissances et l’hospitalité de J-P sont inégalées. Je lui donne une note parfaite de 10/10.

Transformer l’efficacité en art avec les modèles Ableton

TÉLÉCHARGER MES MODÈLES ABLETON :

Modèle de production ici

Modèle de mixage ici.

Tout musicien, quel que soit son niveau d’expérience, a déjà ressenti l’excitation d’une inspiration soudaine. C’est une sensation éthérée, qui exige une traduction immédiate dans la réalité audible. Pourtant, combien de fois nous retrouvons-nous à naviguer à partir de zéro dans notre station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW), luttant pour mettre en place les éléments de base alors que tout ce que nous voulons, c’est créer?

C’est là que la puissance des modèles dans les DAW comme Ableton Live devient évidente.

Si vous n’avez pas encore commencé à utiliser des modèles, j’aimerais vous encourager à les intégrer dans votre routine. Au début, cela peut être difficile à maîtriser, mais avec un peu de pratique, cette routine portera ses fruits.

 

Qu’est-ce qu’un modèle (si vous ne savez pas)?

Il s’agit d’un projet avec ou sans matériel, qui peut être utilisé comme point de départ. Au lieu de commencer par un nouveau projet, qui représenterait 0 % sur une échelle de travail de 100 %, un modèle représenterait plutôt 10 % ou même 40 % du morceau de musique achevé. Cela peut prêter à confusion, car 40% de réalisation signifie généralement qu’il y a beaucoup de matériel dans un projet. Cependant, lorsque tout est bien organisé, vous êtes bien plus avancé que vous ne l’imaginez.

Création d’un modèle Ableton

Pour créer un modèle, il suffit d’ouvrir un projet, d’aller dans le menu Fichier et de sélectionner « Sauvegarder Set Live comme modèle ».

Cela vous permettra d’utiliser votre projet terminé comme point de départ pour de nouveaux projets, ce qui accélérera considérablement le processus et vous permettra d’obtenir un son cohérent.

Deux manières d’organiser un modèle Ableton :

Les deux façons dont j’organise habituellement un modèle consistent à créer un projet dans lequel j’organise à l’avance tout ce dont j’ai besoin, comme des canaux avec des plugins et des paramètres déjà réglés sur ce que je fais habituellement, des macros, des pistes de retour et un bus Master prêt à l’emploi. Une fois tout cela préparé, je l’enregistre en tant que modèle.

L’autre méthode consiste à prendre un projet réussi, à supprimer tous les clips, l’audio et l’automatisation, puis à l’enregistrer en tant que modèle.

Toutefois, il ne s’agit pas d’une science exacte. Il est également amusant de sauvegarder des projets avec des automatisations ou d’autres paramètres bizarres et de les sauvegarder en tant que modèle, comme l’a inspiré le Manifeste de Matthew Herbert.

Nouveau départ ou démarrage rapide avec les modèles d’Ableton

 

Il y a des avantages et des inconvénients à repartir à zéro ou à démarrer un projet avec un modèle.

De nombreux musiciens recommencent à zéro à chaque fois, peut-être parce qu’ils ne connaissent pas l’idée d’utiliser des modèles ou peut-être parce qu’ils savent tout simplement comment faire. Le fait de repartir à zéro leur permet de s’exercer, de se familiariser avec leurs outils informatiques et d’adopter une approche personnalisée pour chaque projet. Mais il y a un revers à la médaille : cela prend du temps.

Imaginez que vous soyez peintre et que vous deviez fabriquer votre pinceau chaque fois que vous avez envie de peindre. S’il est essentiel de bien connaître ses outils, il est tout aussi crucial d’être prêt lorsque l’inspiration vient à manquer.

La solution? Trouver un équilibre.

N’hésitez pas à repartir à zéro lorsque la situation le permet. Mais armez-vous également de modèles pour accélérer le processus si nécessaire.

Idée de modèle : Créez un projet dans lequel vous ajoutez plusieurs canaux midi, chacun étant équipé de vos synthétiseurs préférés. Pour chaque synthé, appuyez sur cmd+G pour le transformer en macro (groupe) et affectez vos paramètres de synthé préférés à chaque bouton. Cela facilitera la prise en main de l’outil ou permettra d’utiliser la fonction « randomize » (aléatoire) pour trouver une nouvelle inspiration.

CONSEIL : Je vous encourage à vous procurer cette sélection de modulateurs gratuits nommée Mod Squad 2. Il contient de nombreux outils utiles et essentiels à ajouter à votre modèle.

 

Modèles Ableton : Plus qu’un simple raccourci

 

À première vue, un modèle peut sembler n’être qu’un préréglage, un moyen de gagner du temps. Mais il n’y a pas de problème avec les préréglages et croyez-moi, ce n’est pas de la triche!

Les modèles permettent certes de gagner du temps, mais c’est bien plus que cela. Considérez un modèle comme un ami musicien, toujours prêt à jammer quand vous l’êtes. Avec les modèles, vous pouvez :

  • Créer des macros : La création de macros que vous utilisez fréquemment vous permet d’accéder immédiatement à vos paramètres et commandes préférés.
  • Organiser le routage : Les configurations de routage avancées, une fois définies, peuvent être facilement reproduites dans les différents projets.
  • Former des groupes : Le regroupement de pistes ou d’instruments qui vont souvent ensemble permet de gagner du temps et d’avoir une vision plus claire de votre projet.
  • Effets et plugins prédéfinis : Le fait d’avoir vos effets et plugins préférés déjà chargés vous permet de vous plonger directement dans le réglage des sons.

Idée de modèle Ableton : Créez votre propre modèle de mixage en créant 5 groupes qui accueilleront les canaux de votre projet. Vous pouvez ensuite les faire glisser et les déposer dans chaque groupe. Ceux-ci peuvent contenir plusieurs plugins de votre choix. Vous pouvez même créer un modèle de mixage avec plusieurs préréglages de canaux, puis les faire glisser et les déposer à partir de votre navigateur.

L’art d’élaborer des modèles Abelton

Il ne s’agit pas seulement d’avoir des modèles, mais d’avoir des modèles efficaces. Un modèle idéal doit inspirer la créativité, et non l’entraver. Voici comment :

  • Différents modèles pour différents besoins : Au lieu d’adopter une approche unique, envisagez plusieurs modèles pour différents objectifs : mixage, conception sonore, production, voire un modèle complet, comme mon concept de « vaisseau mère« .
  • Incorporer des éléments de modulation : Ajoutez des outils de modulation préconfigurés qui réagissent et interagissent avec ce que vous introduisez. Des outils tels que les suiveurs d’enveloppe ou les scrubbers audio, comme ceux proposés par Manifest Audio, peuvent détecter et moduler automatiquement les sons, ajoutant ainsi de la profondeur et de la dynamique à votre musique.
  • Pensez soutien, pas remplacement : Un modèle ne doit jamais donner l’impression de diriger votre musique. Au contraire, il doit être perçu comme une base sur laquelle vous pouvez vous appuyer. Les meilleurs modèles renforcent la créativité et ne la limitent pas.

Quand les modèles Ableton brillent réellement

Le véritable test de l’efficacité d’un modèle réside dans sa capacité à stimuler la créativité. Si l’utilisation d’un modèle vous donne l’impression d’avoir amené une paire de mains supplémentaire dans votre studio, aidant et élevant votre musique, alors vous avez trouvé le bon filon. Il ne s’agit pas de remplacer le processus organique de création musicale, mais de disposer d’outils qui le rationalisent.

Dans le monde de la production musicale numérique, où le paysage est vaste et les outils nombreux, les modèles apparaissent comme un vecteur d’efficacité. Il ne s’agit pas seulement d’accélérer le processus, mais de renforcer l’essence même de la créativité. Ils garantissent que, lorsque l’inspiration vous prend, vous êtes non seulement prêt, mais aussi équipé pour laisser libre cours à vos idées. Adoptez la puissance des modèles et voyez votre processus de production musicale passer de la simple création à l’art pur.

 

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Modèle de production ici

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Création de titres adaptés aux clubs

Ce n’est pas un secret que je travaille en tant qu’ingénieur principalement pour des musiciens électroniques. Et pour tous ceux qui viennent me voir pour un mastering, l’une de mes tâches principales est de m’assurer que leur musique sonne bien dans un contexte de club ou de festival. Ces dernières années, il est impressionnant de voir à quel point les producteurs en herbe, et pas seulement les professionnels, font jouer leur musique dans un contexte où la musique est forte. Cela s’explique par le nombre croissant de personnes qui se lancent en tant que DJ, ce qui leur ouvre les portes d’un pub, d’une fête ou d’un club local.

Il en va de même pour les producteurs. Il y a de plus en plus de gens qui font de la musique et pour beaucoup d’entre eux, leur espoir est d’être joués par des DJ, pas seulement dans un podcast, mais à un moment où ils peuvent être entendus par plus qu’une poignée de personnes. Cela devient un test de la qualité de leur production et de leur mixage.

Mais cela peut aussi tomber à plat si la piste ne respecte pas certaines normes de base.

On m’a demandé de passer en revue une liste de points pour aider les producteurs à ne pas se sentir frustrés par leur musique.

 

1. Le ton : la base du son

Lorsque l’on prépare de la musique pour le club, le ton est primordial. De nombreux producteurs mettent trop l’accent sur certaines fréquences parce que cela sonne bien chez eux, ce qui conduit à des mixages trop aigus ou muddy. Avoir les mauvaises références musicales, ou ne pas comprendre que tous les clubs sont différents peut conduire les artistes à prendre de mauvaises décisions.

Visez un ton plus équilibré et plus plat.

Bien qu’il y ait de la place pour l’expérimentation, évitez les aigus excessifs, qui peuvent sonner aggressifs, et les graves trop prononcés, qui peuvent donner à votre piste un son creux ou muddy. Un ton équilibré garantit que votre morceau fonctionnera dans différents systèmes de sonorisation et environnements de club. Cela s’applique également à l’écoute à la maison.

CONSEIL : J’aime placer un égaliseur sur le bus principal pour voir le ton de ma piste. S’il y a une section plus haute que les autres, ce n’est pas toujours bon signe. S’il y a des pics au-dessus de 10k, cela peut être assez aggressif sur un grand système de son. Si vos graves sont plus forts que vos médiums, de plus de 4 dB, vous pouvez vous attendre à ce que votre chanson manque de présence dans un club. Les mélodies sonneront en arrière.

 

2. Intensité sonore (loudness) et densité : La puissance sans la surpuissance

 

Le volume sonore est indéniablement crucial dans un club, mais il s’agit d’un équilibre et d’une arme à double tranchant. Tout en veillant à ce que votre morceau ait du punch, n’oubliez pas que les DJ ont besoin d’une certaine marge de manœuvre pour le gain staging pendant les transitions. L’objectif n’est pas seulement le volume brut, mais plutôt la densité dans des zones de fréquences spécifiques, en particulier dans les graves. Si une piste légèrement moins forte n’est pas un problème, elle doit avoir l’énergie et le poids adéquats dans les zones de fréquences cruciales.

Les DJ savent comment faire du gain staging. Lorsqu’ils se plaignent que la piste n’est pas assez forte parce qu’ils ont dû augmenter le gain, j’imagine qu’ils savent qu’il est tout à fait normal d’avoir des différences. Les pistes qui ne sont pas aussi fortes ont une gamme dynamique plus étendue, ce qui donne à la piste plus de détails, de punch et, en fin de compte, de vie.

Pour atteindre un certain niveau sonore, le mixage devra être bien équilibré en termes de gain, puis, lors du mastering, compressé et limité davantage. La musique forte signifie que les sons se fondent les uns dans les autres.

CONSEIL : Après des années et des années de mastering, de pratique et de présence, je trouve que -10LUFS est en quelque sorte le point idéal. Certains diront que la musique devrait être plus forte, mais je ne crois pas.

 

3. Le signal mono : Le héros méconnu des pistes de club

 

Alors que la diffusion stéréo ajoute de la richesse et de la dimension aux pistes au casque ou sur les systèmes domestiques, le signal mono est très puissant dans un club. Les chansons qui s’appuient trop fortement sur la diffusion stéréo sans tenir compte de leur compatibilité mono perdent souvent de leur puissance sur les systèmes de club. Les principaux éléments de votre mixage doivent être compatibles avec le son mono, de manière à ce qu’ils stimulent la piste sans rendre le son muddy.

Sons qui doivent avoir une certaine présence dans le signal mono : Kick, Bass, Clap/Snare et contenu mélodique entre 200 et 800 Hz.

ASTUCE : Créez une piste de retour, ajoutez un Utility réglé sur mono, puis envoyez vos différents sons vers cette piste. Cela renforcera votre signal mono en doublant ou en améliorant la présence de vos sons.

 

4. Les résonances : Les saboteurs subtils

 

Les résonances élevées peuvent faire des dégâts lorsqu’elles sont jouées sur de grands systèmes de sonorisation, transformant des sons subtils en sons stridents. Je dis souvent qu’en tant qu’ingénieur de mastering, je les chasse. Les résonances peuvent provenir de différentes sources telles que la résonance d’un filtre ou l’utilisation d’ondes sinusoïdales. Je n’entrerai pas dans les détails de ce qu’elles sont exactement, mais c’est une sorte de son, tout comme la distorsion, qui a un son incroyable à la bonne dose.

Il est essentiel de les contrôler et de les apprivoiser, afin que votre piste reste agréable et cohérente à différents niveaux de volume et dans différents systèmes.

J’ajouterais en parallèle, en tant que 4-B, les transitoires (transients). Il faut également être prudent avec ces derniers.

ASTUCE: À l’aide d’un égaliseur, vous pouvez tenter de maîtriser les résonances mais si vous n’arrivez pas à les repérer car ce concept n’est pas évident pour vous, n’hésitez pas à commencer par mettre en solo chaque son et à repérer ceux qui ont un son « iiiiii » (il peut être aigu ou grave). On trouve généralement des résonances dans les synthétiseurs, car ils possèdent souvent un oscillateur sinusoïdal ou un filtre avec résonance.

 

5. La clarté : L’espace

 

Chaque son de votre mixage doit avoir sa place attitrée, à la fois dans le champ stéréo et dans le spectre des fréquences. L’encombrement par des decays trop prolongés ou une réverbération excessive conduit à un mixage confus et peu clair. En veillant à ce que chaque élément ait la possibilité de respirer, votre morceau conservera son punch, sa définition et l’énergie tant convoitée du dance floor.

ASTUCE : Le Gating est votre meilleur allié en matière de mixage. Il permet de supprimer les tails et de réduire le decay des sons, ce qui est très utile.

 

6. La phase : Le saboteur silencieux de la chanson

 

Les problèmes de phase peuvent entraîner la disparition d’éléments essentiels de votre piste, en particulier lors de la lecture mono. Ce phénomène est exacerbé par les effets induisant une phase, tels que les flangers, les phasers, les chorus, les délais et les réverbérations. En comprenant et en gérant le déphasage, vous vous assurez que les éléments essentiels de votre chanson restent cohérents dans tous les scénarios de lecture.

 

Un bon moyen de savoir si un son est en phase dans votre projet est d’utiliser un appareil de mesure de corrélation tel que SPAN (c’est gratuit!). Vous verrez ce vumètre en mouvement et vous voudrez qu’il reste entre 0 et +1. S’il passe en négatif, il y a un déphasage. Une autre méthode consiste à placer un Utility mono sur votre son pour voir s’il perd beaucoup de puissance ou s’il disparaît complètement.

ASTUCE : La manière d’y remédier est un peu délicate, mais vous pouvez commencer par réduire la largeur de la stéréo, supprimer les effets ou les rendre plus dry.

7. Clarté des basses fréquences : Faire danser votre basse

 

La relation entre le kick et la basse s’apparente à une danse. Ces éléments doivent s’intégrer harmonieusement, en se complétant plutôt qu’en s’opposant les uns aux autres. L’utilisation de techniques telles que le gating ou le side-chaining permet de s’assurer que ces éléments fondamentaux coexistent harmonieusement, en stimulant le rythme sans brouiller le mixage.

Ces dernières années, j’ai apprécié les kicks plus courts que les kicks longs et puissants. L’utilisation des kicks longs pose trop de problèmes et, dans un club, ils prennent trop de place pour être suffisamment intéressants. Les kicks courts soutiennent bien un morceau et laissent beaucoup d’espace pour les notes de la basse.

Le rumble, selon le genre que vous produisez, peut être un problème. Il se peut que vous ayez également un DC Offset, je vous recommande donc vivement de couper (high pass) à 20 Hz pour éliminer les déchets qui se trouvent en dessous. La plupart des clubs fonctionnent de toute façon à 30 Hz, mais couper à 20 Hz est une bonne mesure de protection et permet également d’avoir une marge de manœuvre pour le mixage.

Alignez la phase de votre kick et de votre basse! Une astuce simple qui fait une bonne petite différence dans certains cas.

ASTUCE : Pour les personnes qui s’appuient fortement sur le side-chaining pour faire fonctionner les deux, je dis toujours que les arrangements sont la base du mixage. En d’autres termes, si vous programmez/concevez correctement votre kick et votre basse dès le départ, ils seront plus propres et vous n’aurez pas à les réparer avec des gadgets.

Les clubs posent des défis uniques aux producteurs de musique électronique. En tenant compte de ces sept facteurs essentiels, vous pouvez vous assurer que vos morceaux ne sonnent pas seulement bien en studio, mais qu’ils brillent aussi sur la piste de danse. N’oubliez pas qu’un morceau prêt pour le club est une synergie d’équilibre, de clarté et d’énergie. En visant ces objectifs, vous ferez bouger les gens en un rien de temps.

Le dysfonctionnement de la promotion par courriel dans le domaine musical

À une époque où la technologie a simplifié la communication, il est ironique de constater qu’elle a aussi, parfois, rendu les choses plus compliquées. Prenons l’exemple de la promotion de la musique. L’art de choisir minutieusement les personnes avec lesquelles on partageait son travail s’est perdu dans le déluge de l’ère numérique. Et cela est particulièrement évident dans le monde de la promotion musicale par courrier électronique (email).

Pour un artiste de petite ou moyenne envergure comme moi, ma boîte de réception est perpétuellement inondée de titres promotionnels. En fait, j’ai dû mettre en place une règle de courrier électronique pour canaliser ces promotions dans un dossier séparé, juste pour que ma boîte de réception principale reste gérable. Pour vous donner une idée, ce dossier a récemment franchi la barre des 13 000. C’est accablant et, franchement, dysfonctionnel.

Remettons les choses dans leur contexte. Je ne suis même pas un acteur important de l’industrie musicale. Les artistes majeurs reçoivent probablement 3 à 5 fois le nombre de promos que je reçois. La question qui se pose alors est la suivante : quelle est l’efficacité de cette méthode lorsque même un petit artiste ne peut pas suivre?

L’un des problèmes les plus importants est l’approche dispersée. Je suis inondé de titres de genres et d’artistes qui sont à mille lieues de mes goûts musicaux. C’est comme si le fait d’avoir accès à mon adresse électronique était devenu une invitation ouverte à m’envoyer tout et n’importe quoi. Ce système d’envoi massif de courriels signifie qu’environ 95 % de la musique que je reçois ne me concerne même pas. Cela pose un problème spécifique, non seulement pour moi, mais aussi pour les musiciens. La poignée de titres qui pourraient réellement m’intriguer sont perdus dans la masse.

 

Cette situation reflète étrangement un autre défi : l’achat de musique. Pour chaque pépite que vous trouvez, il est probable que vous passiez au crible une montagne de morceaux qui ne sont pas tout à fait votre style. Avec les promotions par courriel, la botte de foin s’est accrue de façon exponentielle, rendant l’aiguille encore plus difficile à trouver.

Paradoxalement, dans ce vaste monde numérique, les contacts personnels semblent être la forme la plus efficace de promotion de la musique. Lorsque vous rencontrez des artistes en personne, l’échange est direct et spécifique. Mais en réalité, ces possibilités sont limitées.

Bizarrement, c’est difficile à admettre, mais Spotify a été mon outil le plus fiable pour découvrir et sélectionner la musique que j’écoute. J’y trouve généralement de la musique, puis je poursuis mes recherches sur Bandcamp et Soundcloud. Mais même si je n’aime pas l’éthique de Spotify, s’il y a une chose qu’ils font bien, c’est de me tenir au courant de la musique que j’aimerai le plus souvent.

 

Où cela nous mène-t-il?

Tout d’abord, les artistes doivent repenser leur stratégie d’envoi massif de courriels à l’aveuglette. L’objectif ne doit pas être de savoir combien de personnes vous pouvez atteindre, mais plutôt d’atteindre les bonnes personnes.

Deuxièmement, en tant que destinataires, nous avons peut-être besoin de plateformes ou de systèmes pour mieux communiquer nos préférences musicales. Les labels ont traditionnellement joué ce rôle dans une certaine mesure, mais il y a de la place pour l’innovation.

Enfin, si les relations personnelles restent inestimables, l’ère numérique exige de meilleures solutions. Nous avons besoin de plateformes où la spécificité et la personnalisation deviennent primordiales, garantissant que chaque promotion envoyée par un artiste est un succès potentiel, et pas seulement un autre courriel dans un dossier surchargé.

 

Mais j’ai aussi une liste de sites Web qui peuvent aider à la promotion.

  1. SubmitHub : Une plateforme où les artistes et les labels peuvent soumettre leur musique à des blogueurs, des curateurs de playlists, des YouTubers et même des maisons de disques. C’est un excellent moyen d’obtenir une rétroaction et, éventuellement, de faire connaître votre musique.
  2. RepostExchange : Cette plateforme permet aux utilisateurs de SoundCloud d’échanger des reposts. C’est un moyen d’exposer votre musique à un nouveau public en tirant parti de la popularité d’autres artistes.
  3. DistroKid : Bien qu’il s’agisse avant tout d’une plateforme de distribution de musique, DistroKid propose également des outils promotionnels tels que « HyperFollow », qui aide les artistes à maximiser leur nombre de pré-sauvegardes sur des plateformes telles que Spotify.
  4. PlaylistPush : Conçu pour permettre aux artistes de présenter leur musique aux curateurs de listes de lecture de Spotify, Apple Music et Deezer.
  5. Hypeddit : Vous aide à développer votre base de fans sur des plateformes telles que SoundCloud, YouTube, Mixcloud et autres en échangeant des likes, des reposts, des commentaires et des followers.
  6. Feature.fm : Il permet aux artistes d’inclure leur musique dans les listes de lecture des services de diffusion en continu et fournit également des outils pour les pré-sauvegardes et d’autres campagnes promotionnelles.
  7. Groover : À l’instar de SubmitHub, Groover permet aux artistes d’envoyer leurs morceaux à un large éventail de blogueurs, de maisons de disques, de stations de radio et de curateurs de listes de lecture.
  8. Musosoup : Les artistes soumettent leurs titres et les curateurs (blogueurs, playlists, etc.) peuvent parcourir et sélectionner les titres qui les intéressent.
  9. Promo.ly : Un système de promotion musicale pour les artistes, les labels et les agences de relations publiques afin de partager leur musique avec les influenceurs de l’industrie.
  10. Echio : C’est un endroit où vous pouvez suivre des artistes, participer à des ateliers, payer pour des commentaires et plus encore.

 

 

En conclusion, si l’ère numérique a révolutionné le partage de la musique, il est également important d’en reconnaître les pièges. À mesure que nous avançons, il est essentiel de trouver une harmonie entre l’ancien et le nouveau, en veillant à ce que la musique de qualité ne se perde pas dans les méandres du numérique.

L’orientation musicale vient de votre communauté

L’industrie musicale, et plus particulièrement la scène de la musique électronique, a toujours prospéré grâce à la synergie entre ses créateurs et ses auditeurs. En tant que producteur de musique électronique, je me suis rendu compte que pour réussir, il faut souvent savoir prendre le pouls de la communauté. Mais qu’est-ce que cela signifie pour les artistes qui se sentent déconnectés, ou pour ceux qui gravitent autour de genres dont le soutien local est limité? Plongeons au cœur des communautés musicales et voyons comment elles façonnent le parcours d’un artiste.

 

Le rôle de la communauté dans la croissance d’un artiste

 

Après avoir passé beaucoup de temps à produire de la musique et à interagir avec d’autres musiciens, un schéma se dessine. Les producteurs qui font partie d’une communauté musicale active ont tendance à gravir les échelons du succès plus rapidement et de manière plus organique. Il ne s’agit pas seulement d’avoir des contacts, mais aussi de recevoir une rétroaction immédiate, de comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et de s’inspirer de l’énergie commune.

Lorsqu’on est raccordé à une communauté, c’est comme si l’on avait les doigts sur le pouls de la musique que l’on aime. Non seulement vous apprenez les subtilités du genre, mais vous comprenez aussi ce que le public désire. Le partage des connaissances et des idées d’un groupe d’individus partageant les mêmes intérêts peut souvent faire la différence entre une piste qui tombe à plat et une piste qui résonne profondément.

Dans mon cas, j’ai rapidement trouvé ma communauté de personnes aimant la même musique que moi et j’ai eu la chance qu’il y ait des événements où tout le monde pouvait se rencontrer. Il était facile de rentrer en contact et je me suis senti rapidement impliqué. L’une des forces de ce premier tremplin était que je pouvais présenter ma musique facilement et que j’obtenais des bookings de manière organique. Aujourd’hui, je vois des gens qui contactent des lieux pour des bookings, mais si vous n’avez jamais visité le lieu, vous ne connaîtrez pas sa culture et son orientation. Il est très important de s’y rendre afin de voir et de vérifier si la clientèle est dans le même état d’esprit que vous. Il n’y a rien de plus dur que de jouer une gig où les gens ne comprennent pas ce que vous faites.

Au cours de mes tournées, j’ai découvert dans chaque ville des bulles de personnes qui me rappelaient ma communauté locale. Même physiquement, j’ai rencontré quelqu’un qui me rappelait quelqu’un de chez moi.

 

Le défi des genres non locaux

 

Mais qu’en est-il des producteurs qui se passionnent pour un genre qui n’est pas très répandu dans leur environnement local?

De nombreux artistes se tournent vers l’extérieur et se mettent en contact avec des labels ou des groupes en ligne qui partagent leur passion. Si l’internet a permis de combler de nombreux vides, les connexions en ligne manquent souvent de la profondeur et de la chaleur des interactions personnelles. La nature même de la communication numérique peut parfois rendre ces relations impersonnelles.

Certaines personnes vivent dans de petites villes ou ne sont pas proches d’une grande ville, ce qui peut constituer un défi, car localement, il n’y a peut-être aucune chance de créer une communauté. Comment cela fonctionne?

Les artistes peuvent produire des morceaux exceptionnels, mais le vieil adage dit que les gens ont tendance à soutenir ceux qu’ils connaissent. Une communauté peut parfois hésiter à accueillir des nouveaux venus. Cette approche protectrice est naturelle, mais elle peut involontairement fermer la porte à de nouveaux talents qui auraient pu apporter des perspectives et des sons nouveaux. Inutile de penser aux labels qui reçoivent de la musique de personnes dont ils n’ont jamais entendu parler et qui s’attendent à ce qu’ils leur répondent. Dans le meilleur des mondes, c’est ce qui se passerait, mais dans la réalité, cela n’arrive pas souvent. Cela laisse les artistes perplexes.

Ainsi, pour les personnes qui ne bénéficient pas d’un bon soutien musical, plusieurs choix sont possibles. L’une d’entre elles consiste à essayer de se rendre dans l’endroit le plus proche où il y a des événements et une communauté pour en profiter en même temps que de la musique. Vous finirez par trouver votre rôle et votre place dans cette tribu. Ensuite, à l’aide d’outils de communication en ligne, maintenez le contact.

N’oublions pas qu’il est possible de créer son propre réseau local et sa propre communauté, mais que cela peut s’avérer difficile au début.

 

La solution DJ

 

Dans de tels scénarios, une stratégie que j’ai vue fonctionner consiste à s’adresser aux DJ.

Pourquoi les DJs?

Parce qu’ils ont le pouvoir de faire découvrir de nouveaux titres à un public enthousiaste. Les DJ sont toujours à l’affût du prochain titre phare, et ils peuvent contribuer à ce que la musique d’un outsider obtienne la reconnaissance qu’elle mérite. Faire jouer votre musique par un DJ peut être le lien parfait entre l’artiste et une nouvelle communauté. Vous pouvez également faire la même chose avec des restaurants ou des boutiques locales et leur demander de passer votre musique de temps en temps, mais bien sûr, vous devrez le faire en personne après avoir montré que vous vous intéressez à leur lieu et à leurs goûts musicaux.

De plus, les DJ aiment la musique pour les podcasts et c’est un bon moyen de percer auprès d’une nouvelle bulle de personnes.

 

Construire des communautés inclusives pour un avenir dynamique

 

Alors que nous discutons des communautés et de leur importance, il est également essentiel de parler d’inclusion. S’il est nécessaire de protéger l’intégrité d’une communauté, il est tout aussi vital de veiller à ce qu’elle ne devienne pas insulaire. En accueillant de nouveaux membres et en étant réceptive à leur offre musicale unique, une communauté ajoute non seulement à sa diversité, mais assure également sa longévité.

À toutes les communautés musicales : n’oublions pas que l’outsider d’aujourd’hui peut être le précurseur de demain. En étant ouverts aux nouveaux membres et à leurs sons distincts, nous garantissons que notre communauté reste dynamique, fraîche et prête pour l’avenir. Les outsiders apporteront une énergie et des idées nouvelles qui permettront à la musique de ne pas tomber dans l’équivalent d’une chambre d’écho où tout sonne pareil au bout d’un certain temps.

 

Des idées pour découvrir les communautés musicales et entrer en contact avec elles :

  • Magasins de musique et cafés locaux : ces lieux ont souvent des panneaux d’affichage indiquant les événements, les rassemblements ou les ateliers. Même en discutant avec le propriétaire du magasin ou avec les habitués, vous pouvez trouver des groupes de musique locaux.
  • Ateliers de musique et masterclass : En vous inscrivant ou en assistant à ces ateliers, vous pouvez rencontrer des artistes et des instructeurs qui partagent les mêmes idées et qui peuvent vous orienter vers des communautés pertinentes.
  • Festivals de musique et concerts : Participez aux festivals locaux et régionaux. Même les petites gigs peuvent être des mines d’or pour le réseautage. Souvent, ces événements sont organisés ou fréquentés par des personnes qui font partie de communautés musicales.
  • Plateformes en ligne : Les sites web tels que Meetup.com ou les groupes Facebook proposent souvent des groupes musicaux locaux auxquels vous pouvez vous joindre et participer à des discussions ou à des événements.
  • Centres communautaires et universités : Beaucoup d’entre eux proposent des cours de musique et ont souvent des clubs de musique actifs. S’engager auprès d’eux peut ouvrir des portes aux communautés musicales locales.
  • Forums de production musicale : Des sites web tels que Gearslutz ou KVR Audio proposent des forums actifs où des producteurs du monde entier discutent de musique, de matériel et d’événements.
  • Collaborez en ligne : Les plateformes telles que SoundCloud, Bandcamp ou Splice peuvent être d’excellents endroits non seulement pour partager votre musique, mais aussi pour collaborer avec d’autres, ce qui peut vous permettre d’entrer organiquement en contact avec des communautés.
  • Participez aux soirées Open Mic : Ces soirées attirent souvent des musiciens locaux et des passionnés. C’est un environnement détendu qui permet de rencontrer des gens et d’obtenir des commentaires sur sa musique.
  • Visitez des studios d’enregistrement : Les contacts avec les directeurs de studio ou les techniciens peuvent donner des indications sur les musiciens locaux et les communautés avec lesquelles ils travaillent.
  • Entrez en contact avec des DJ : Comme nous l’avons déjà mentionné, les DJ sont à l’écoute des communautés musicales. En établissant des contacts avec eux, il est souvent possible de s’introduire dans ces communautés.

 

Notes de fin : Un appel aux artistes

 

À mes collègues artistes qui se sentent un peu à la dérive, rappelez-vous que toute communauté a commencé à petite échelle. S’il n’existe pas de communauté pour votre genre, envisagez d’en créer une! Et si cela vous semble une tâche monumentale, n’hésitez pas à prendre contact en personne. Assistez à des concerts locaux, à des événements musicaux ou même à des ateliers. L’établissement d’un contact direct peut avoir plus d’impact qu’une douzaine d’interactions en ligne.

Dans le paysage en constante évolution de la musique électronique, une chose reste constante : la valeur de la connexion. Ainsi, que vous soyez un artiste à la recherche de votre tribu ou un membre de la communauté s’interrogeant sur la prochaine étape, n’oubliez pas que c’est grâce à l’inclusion, à la compréhension et aux interactions personnelles que nous continuerons à prospérer et à créer des symphonies harmonieuses dont le monde entier pourra profiter.

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L’esprit du débutant en production musicale

Dans le monde de la production musicale, le concept de « chance du débutant » est quelque chose que beaucoup de gens ne connaissent pas. Il ne s’agit pas seulement de hasard ou de sérendipité. Il s’agit de la créativité débridée qui naît lorsqu’un nouveau venu, dépourvu d’idées préconçues, plonge sans crainte dans le monde de la création musicale. J’y ai toujours vu la preuve que parfois, il ne s’agit pas de faire quelque chose à la perfection, mais plutôt de faire preuve de spontanéité. Plus vous en savez, plus vous vous enfermez dans votre esprit en essayant de contrôler tous les petits détails que vous connaissez, ce qui anéantit l’idée initiale. Il est très fréquent que des personnes me contactent pour me demander de l’aide parce qu’elles ont gâché une belle idée initiale en essayant de « l’améliorer ».

Comme je l’ai dit dans mon précédent article, les gens se souviennent des idées, pas de la perfection technique. Par ailleurs, les chansons techniquement parfaites ne vieillissent pas toujours bien, car elles peuvent facilement sonner cliniques, froides, sans âme.

Je trouve que les personnes qui ont moins de connaissances techniques et qui se concentrent sur une idée, sortent souvent une chanson simple qui fonctionne. J’ai vu des gens sortir de nulle part, composer une chanson qui fonctionne sans vraiment savoir ce qu’ils font. Puis, pendant des années, ils ont essayé d’apprendre tout ce qu’ils pouvaient pour sonner comme des « pros », mais ils ont parfois perdu cette étincelle magique en cours de route. L’esprit du débutant est une pratique abordée dans le cadre de la méditation de pleine conscience. J’ai remarqué qu’il s’agit d’une approche bénéfique pour les personnes qui luttent contre le désintérêt et le manque d’inspiration.

Dans cet article, nous explorons l’importance de cultiver et d’entretenir l’esprit du débutant dans la production musicale, en nous inspirant de l’approche de la pleine conscience prônée par Jon Kabat-Zinn.

La chance du débutant en production musicale

Les gens veulent naturellement écouter de la nouvelle musique et parfois aussi se rattacher à la musique qu’ils connaissent. Mais il y a incontestablement un certain nombre de personnes qui veulent s’informer sur la prochaine grande nouveauté. Par conséquent, les nouveaux venus sont pris dans cette zone étrange où il leur est difficile d’émerger alors que d’autres, dans la même position qu’eux, se démarqueront. Néanmoins, si vous êtes novice en matière de musique, vous avez de la chance pour des raisons évidentes : tout ce qui concerne la musique est nouveau et peut sembler fascinant. Cet état d’esprit est propice à la création, car vous ne portez pas de jugement sur certains sons du fait qu’on vous a dit que certains n’étaient pas assez bons pour un genre spécifique.

Voici quelques points et atouts :

1. Une créativité débridée : Lorsque les débutants entrent dans le domaine de la production musicale, ils sont principalement guidés par leur passion et leur intuition. Ne maîtrisant pas les techniques complexes, ils s’appuient sur leur talent brut et leur instinct pour créer leur musique. Cette approche donne souvent lieu à des morceaux non conventionnels, frais et innovants qui captivent le public. C’est quelque chose qui, personnellement, m’intéresse toujours dans la musique des débutants, parce qu’ils utilisent des techniques de base, parfois mal utilisées, mais qui se révèlent agréables. Dans le monde de la peinture, il existe un équivalent appelé « art naïf« , où l’artiste réalise un portrait d’une manière inhabituelle. J’ai également remarqué que Midjourney, qui est un générateur d’art basé sur l’IA, était similaire, car la première version avait du mal à créer des mains, ce qui donnait des résultats très bizarres, mais néanmoins époustouflants.

Credits : Bootcamp

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2. L’expérimentation sans crainte : Les novices ne sont pas freinés par la peur de l’échec ou par les contraintes des normes établies. Ils explorent des sons, des genres et des techniques variés sans avoir à répondre à des attentes. Cette expérimentation audacieuse peut conduire à des découvertes accidentelles et à la création d’une musique qui défie toute catégorisation. J’ai parfois remarqué que les nouveaux compositeurs qui n’ont aucune expérience en tant que DJ créent des morceaux avec des arrangements très étranges sans savoir qu’ils risquent de faire rager les DJ lorsqu’ils essaieront de mixer leur musique, mais cela a aussi un certain charme.

 

3. Expression authentique : Les débutants créent souvent de la musique comme un moyen d’expression personnelle plutôt que de viser le succès commercial. Cette authenticité trouve un écho auprès des auditeurs, qui sont attirés par les émotions et les histoires authentiques contenues dans la musique. Plus quelqu’un fait de la musique pendant longtemps, plus il peut être tenté de tomber dans des routines, des habitudes ou de se conformer à l’esthétique d’un genre afin de « rester pertinent ».

Récemment, quelqu’un a partagé cette remarque sur Facebook :

Ce à quoi j’ai répondu :

 

Signes d’un changement dans l’esprit du débutant

Peut-on déterminer le moment où quelqu’un perd son esprit de débutant?

Oui et non. Il ne s’agit certainement pas d’un processus linéaire ni d’une perte définitive. Mais lorsqu’un client vient pour une consultation, j’imagine une échelle « esprit de débutant » et je tente de repérer les signes avant-coureurs d’un état négatif.

Il y aura des signes indiquant que l’effet vous quitte sur la base de quelques points. Au fur et à mesure que vous le verrez cet état d’esprit partir, certains problèmes apparaîtront.

 

1. L’attrait de la perfection :

 

Lorsque les artistes débutants connaissent le succès, ils ont tendance à rechercher la perfection. La définition du succès est très différente d’une personne à l’autre, ce qui rend la chose un peu délicate. Mais chaque fois qu’il y a une obsession ou une grande préoccupation pour les détails techniques, quelque chose me dit qu’il y a un désir d’être impeccable, avant de sonner authentique. Certains peuvent commencer à être obsédés par des détails techniques (par exemple, rechercher sans cesse un échantillon spécifique, ajuster les niveaux de 0,5 dB, se fatiguer à prendre des décisions sur les arrangements, etc.), la surproduction, ou la conformité aux normes de l’industrie. Ce faisant, ils risquent de perdre l’essence distinctive qui a rendu leurs créations initiales si attrayantes.

Symptôme 1 : La partie technique prend le pas sur la partie artistique, tant en importance qu’en temps investi.

CONSEIL : consacrez plus de temps à la spontanéité, enregistrez vos idées en temps réel, limitez le nombre d’itérations d’une chanson ou limitez le temps passé sur une chanson spécifique en une journée.

 

2. Réflexions excessives et doute de soi :

Avec l’expérience, on a tendance à trop réfléchir. Les artistes peuvent devenir trop critiques à l’égard de leur travail, étouffant leur flux créatif par le doute et les limites qu’ils s’imposent. Cette conscience de soi les empêche de puiser dans la créativité naturelle qui caractérisait leurs premiers travaux.

Symptôme 2 : Les inquiétudes prennent le pas sur l’excitation. La plupart du processus de réflexion est axé sur l’expérience de l’auditeur plutôt que sur le sujet de la chanson. Imaginez que vous soyez dans une conversation et que vous soyez plus préoccupé par la façon dont l’auditeur vous entend que par ce que vous voulez dire, alors il y a de fortes chances que vous ne fassiez aucun sens.

CONSEIL : Concentrez-vous sur le sujet de la chanson et mettez-le en valeur.

 

3. Stagnation créative :

S’accrocher à une formule qui a fait ses preuves peut conduire à une stagnation créative. La répétition des mêmes modèles et techniques, même s’ils ont été couronnés de succès dans le passé, peut entraîner un manque d’innovation et de croissance artistique.

Symptôme 3 : Toutes vos chansons sonnent de la même manière. Elles finissent toutes par ressembler à une version différente d’une chanson précédente (réussie).

CONSEIL : Changez vos chansons de référence, explorez de nouvelles musiques qui sortent de votre zone de confort.

L’esprit du débutant et la pleine conscience

Une chose qu’il est important de comprendre à propos de la chance du débutant est que les gens sont naturellement attirés par la nouveauté. Ou du moins, c’est le cas pour de nombreuses personnes. Je me souviens qu’à l’époque où j’ai commencé à faire de la musique et à jouer sur scène, on m’offrait beaucoup d’opportunités comparé à aujourd’hui. Même si je suis toujours considéré comme un artiste émergent, parce que je ne suis pas célèbre, je suis également considéré comme vieux, et donc peut-être moins pertinent. Mais encore une fois, c’est très différent de celui qui m’écoute. Certaines personnes qui ont eu un bon départ recherchent la première sensation et essaient de la recréer en changeant leur façon de travailler ou en compensant par de nombreuses nouvelles acquisitions pour leur studio.

C’est là qu’intervient la sagesse de la pleine conscience, telle qu’elle est partagée par Jon Kabat-Zinn. À la base, la pleine conscience encourage à être pleinement présent dans le moment présent, sans jugement. Voici comment les artistes peuvent appliquer cette approche à la production musicale :

1. Se défaire des idées préconçues :

Abordez chaque nouveau morceau avec un esprit ouvert, sans idées préconçues sur le son qu’il devrait avoir. Laissez la musique évoluer naturellement, en acceptant la direction qu’elle prend.

Cela signifie que lorsque vous lancez de nouvelles idées, vous devez être moins pointilleux sur la manière dont la session doit commencer. Peut-être qu’un jour vous serez intéressé par les pads ou qu’un autre jour, vous ferez des boucles de percussion bizarres. Ne vous enfermez pas dans un mode opératoire qui a déjà fonctionné et laissez-vous toujours tenter par la nouveauté.

CONSEIL : divisez vos séances de musique en deux catégories : l’une liée à la création musicale (trouver de nouvelles idées, jouer, improviser) et l’autre purement technique. Lorsque ces deux éléments se chevauchent, l’esprit peut avoir du mal à s’ouvrir à de nouvelles idées.

 

2. Ne pas s’attacher aux résultats :

Au lieu de se focaliser sur le résultat final ou de rechercher une validation externe, il faut se concentrer sur le processus de création lui-même. Ce détachement des résultats libère la créativité et encourage la prise de risques.

Cela signifie-t-il que le laisser-aller est toléré?

Il s’agit plutôt de la manière dont vous gérez vos arrangements. Il s’agit également de ne pas penser aux résultats finaux et d’être ouvert à tout ce qui émerge.

CONSEIL : je dis souvent que je m’efforce d’achever la musique à près de 90 % et que je reviens plus tard avec la possibilité de la réviser complètement.

 

3. Accepter l’imperfection :

Comprendre que les défauts et les imperfections font partie intégrante du processus créatif. Accepter ces imperfections favorise l’authenticité et évite un polissage excessif qui pourrait ôter l’âme de la piste.

Lorsque je suis proche de la phase finale d’une chanson, je remarque parfois que mon esprit traque les imperfections, voulant toutes les couvrir. Je trouve que le fait d’en laisser délibérément laisse une touche humaine et je jure que des années plus tard, je ne les vois même pas comme des erreurs mais comme une partie de l’identité de la chanson elle-même. Plus souvent qu’autrement, toutes les choses que j’ai réparées finissent par être de trop.

CONSEIL : trouvez un ami qui peut écouter votre idée finale et demandez-lui de l’écouter une fois, puis de vous faire part de ses commentaires. S’ils n’ont rien remarqué, vous êtes sauvés.

 

 

4. Apprentissage continu :

Tout comme un débutant est désireux d’apprendre et d’explorer, maintenez une attitude d’apprentissage permanent. Tenez-vous au courant des nouvelles techniques, des nouveaux sons et des nouveaux outils afin d’insuffler de la fraîcheur à vos créations.

Comme je l’ai déjà dit, dans mon cas, je cherche des tutoriels tous les jours et je commence généralement une nouvelle chanson en essayant une nouvelle technique. C’est très utile tout en étant créatif.

Dans le domaine de la production musicale, le concept de chance du débutant est plus qu’un simple coup de chance éphémère. C’est un état d’esprit qui, lorsqu’il est adopté intentionnellement, peut conduire à une créativité durable et à une identité artistique distincte. En appliquant les principes de la pleine conscience, les artistes peuvent maintenir la créativité brute et non filtrée qui a rendu leurs premières œuvres si captivantes. Ainsi, que vous soyez un producteur chevronné ou un nouveau venu, n’oubliez pas d’adopter l’état d’esprit du débutant, qui est la porte d’entrée vers une musique qui résonne profondément chez le créateur et l’auditeur.

Rituels, routines et habitudes en production musicale

Pour nous, musiciens, où la créativité rencontre la discipline, la symphonie secrète réside dans l’art des rituels, des routines et des habitudes. Comme les notes complexes d’une mélodie, ces éléments s’entremêlent pour créer un processus harmonieux amenant les musiciens du statut de novices à celui de virtuoses. De la recherche de l’accroche parfaite à l’élaboration d’arrangements complexes, ces rituels servent de baguette de chef d’orchestre, guidant les musiciens dans le labyrinthe de la création. Dans cette exploration mélodique, nous nous penchons sur les points communs qui unissent ces pratiques et découvrons leur impact transformateur sur le parcours de la production musicale.

 

Je constate que les personnes que je connais et avec lesquelles je travaille manquent d’organisation et de temps pour faire la musique qu’elles veulent faire. Il est important de prendre le temps de s’occuper de soi pour que les séances soient plus satisfaisantes. C’est ce qui nous motive tous, non? Alors pourquoi ne pas s’autoriser des pratiques plus saines?

La plupart du temps, il semble que de nombreux artistes aient l’impression, ou la superstition, que leur méthode malsaine donne de meilleurs résultats. Qu’il s’agisse d’automédication ou d’entêtement, on peut s’y tenir jusqu’à ce que cela ne fonctionne plus ou parce qu’on est entré dans une phase d’autodestruction.

Parlons donc d’améliorer vos séances.

Définissons ce que chacun de ces termes signifie.

1. Rituel : Un rituel est un ensemble d’actions, de comportements ou de pratiques qui sont accomplis avec un but, une intention et souvent une signification plus profonde. Les rituels sont généralement associés au symbolisme, à la signification et à un sens accru de la conscience. Ils sont exécutés pour marquer un événement, une transition ou un moment spécifique et ont souvent une signification culturelle, spirituelle ou personnelle. Dans le contexte de la production musicale, un rituel peut impliquer une méditation spécifique avant l’enregistrement, la mise en place d’une disposition particulière de l’espace de travail, ou même un geste symbolique avant d’entamer le processus créatif. Les rituels peuvent contribuer à créer un état d’esprit concentré et intentionnel, en apportant un sentiment de révérence et d’attention à l’effort créatif.

Rituals sont des pratiques intentionnelles dotées d’une signification symbolique, souvent utilisées pour apporter de la vigilance, de la concentration et une signification plus profonde à une activité ou à un événement spécifique.

2. Routine : Une routine est une séquence de tâches ou d’activités qui sont suivies régulièrement dans un ordre spécifique. Les routines apportent une structure et une prévisibilité à la vie quotidienne. Contrairement aux rituels, les routines n’ont pas toujours la même signification symbolique ou spirituelle. Au contraire, les routines servent des objectifs pratiques et peuvent englober toute une série d’activités, depuis les tâches banales de l’hygiène quotidienne jusqu’à des processus plus complexes tels que la routine d’un musicien pour installer son matériel avant une séance d’enregistrement. Les routines donnent un sentiment d’organisation, aident à gérer efficacement le temps et établissent un modèle cohérent pour l’accomplissement des tâches.

Routines sont des séquences de tâches qui structurent et organisent la vie quotidienne, en aidant à gérer le temps et à accomplir diverses activités de manière systématique.

3. Habitude : Les habitudes sont des comportements automatiques qui ont été répétés de manière cohérente au fil du temps jusqu’à ce qu’ils soient ancrés dans notre vie quotidienne. Elles nécessitent un minimum de réflexion et d’effort conscient. Les habitudes peuvent être positives ou négatives et se développent souvent par la répétition. Dans le contexte de la production musicale, une habitude peut être un planning régulier de pratique d’un instrument, un rituel quotidien d’écoute de musique pour trouver l’inspiration, ou même la tendance à commencer chaque séance d’enregistrement par une tasse de café. Les habitudes sont puissantes parce qu’elles façonnent notre comportement à long terme, qu’il s’agisse d’efforts créatifs ou de routines quotidiennes.

Les habitudes sont des comportements automatiques qui se développent par la répétition et s’ancrent dans nos routines, façonnant nos actions et nos comportements à long terme.

Rituels, routines et habitudes : Une symphonie collective

 

1. Le prélude : Préparer le terrain

Les rituels, les routines et les habitudes ont tous un objectif commun : préparer le terrain pour une créativité productive. Tout comme un orchestre bien préparé accorde ses instruments avant une représentation, les musiciens accordent leur esprit et leur environnement par des pratiques régulières. Ces pratiques créent un cadre mental, signalant au cerveau qu’il est temps d’entrer dans la zone créative.

Il existe de nombreuses petites choses que vous pouvez faire pour améliorer votre studio, le rendre plus chaleureux et en faire une source d’inspiration.

 

1. Un éclairage réfléchi : L’utilisation de lampes DEL (LED) dont vous pouvez changer les couleurs est un excellent moyen de changer l’ambiance à la volée. L’utilisation de bougies est également très agréable.

2. Un mobilier confortable : Investissez dans un mobilier confortable, tel qu’un fauteuil ou un canapé confortable où vous pourrez faire des pauses et écouter votre travail. Également utile pour les visiteurs.

3. Touches personnelles : Décorez le studio avec des objets qui vous inspirent, tels que des œuvres d’art, des affiches ou des souvenirs liés à vos musiciens ou groupes préférés. Les touches personnelles peuvent rendre l’espace unique et stimuler votre créativité. Le fait de voir des personnes qui m’inspirent à créer m’aide, mais il a été démontré que le fait d’avoir une photo de personnes qui vous sont chères et qui vous regardent peut augmenter votre efficacité.

4. Traitement acoustique : Incorporez des panneaux acoustiques, des diffuseurs et des bass traps pour améliorer la qualité sonore de votre studio. Non seulement ces traitements améliorent l’acoustique, mais ils contribuent également à créer une atmosphère plus professionnelle et plus accueillante. En général, ce point est incontournable.

5. Éléments naturels : Intégrez des éléments naturels tels que des plantes d’intérieur, des fleurs ou même une petite fontaine de table. La verdure apporte une touche de fraîcheur au studio et peut créer une ambiance apaisante.

6. Des couleurs inspirantes : Choisissez des couleurs qui évoquent les bonnes émotions pour votre processus créatif. Les tons doux et feutrés peuvent favoriser une atmosphère détendue, tandis que les couleurs vives peuvent dynamiser votre espace. Expérimentez des combinaisons de couleurs qui vous correspondent.

7. Citations inspirantes : Accrochez des citations motivantes ou inspirantes sur les murs pour rester inspiré et concentré dans les moments difficiles. Elles peuvent vous rappeler votre parcours créatif.

8. Une bonne organisation : Gardez votre studio bien rangé et organisé. Utilisez des étagères, des bacs de rangement et des solutions de gestion des câbles pour réduire le désordre et créer un espace de travail ordonné. Un environnement organisé permet d’avoir l’esprit plus clair et de travailler plus efficacement.

9. Paysages sonores personnels : Diffusez des sons ambiants, comme une pluie fine ou le crépitement d’une cheminée, pour créer une atmosphère confortable pendant que vous travaillez. Ces sons peuvent contribuer à réduire le stress et à améliorer la concentration.

10. Expérience multisensorielle : Faites appel à plusieurs sens en utilisant des bougies parfumées, de l’encens ou des diffuseurs d’huiles essentielles. Un arôme agréable peut contribuer à créer un environnement relaxant et inspirant.

11. Un sol confortable : Choisissez un revêtement de sol confortable, tel qu’un tapis ou une moquette, pour assurer l’isolation et le confort pendant les longues heures passées debout ou assis. Les tapis peuvent également améliorer l’acoustique.

12. Espaces de pause créative : Aménagez un coin confortable pour la détente et le brainstorming. Un pouf, des coussins de sol ou même un hamac peuvent constituer un espace confortable pour s’éloigner de son poste de travail et laisser libre cours à ses idées.

13. Des instruments inspirants : Gardez vos instruments à portée de main pour encourager la créativité spontanée. Mettez en évidence vos guitares, claviers ou autres instruments, afin qu’ils vous rappellent constamment vos activités musicales.

 

2. Trouver le motif : inspirer la créativité

 

Qu’il s’agisse d’une méditation préenregistrée ou d’une promenade quotidienne dans la nature, les rituels stimulent l’inspiration en encourageant l’attention et la présence. Des études suggèrent que ces pratiques activent le centre créatif du cerveau, améliorant la capacité à établir des connexions et à générer des idées nouvelles : un atout précieux dans la recherche d’accroches musicales.

1. La méditation de pleine conscience : La méditation de pleine conscience consiste à concentrer son attention sur le moment présent, sans jugement. Vous pouvez commencer par vous concentrer sur votre respiration, en élargissant progressivement votre conscience aux sensations, aux pensées et aux émotions. Une pratique régulière peut améliorer votre capacité à rester présent et concentré dans diverses situations.

2. La méditation guidée : La méditation guidée consiste à suivre les instructions d’une voix enregistrée ou d’une application de méditation. Il peut vous guider à travers des visualisations, des balayages corporels ou des techniques de relaxation, vous aidant ainsi à rester engagé et centré.

3. Conscience de la respiration : Se concentrer sur sa respiration est une technique simple mais efficace. Observez chaque inspiration et chaque expiration, en notant les sensations que vous éprouvez en inspirant et en expirant. Cette pratique peut aider à ancrer votre attention et à calmer votre esprit.

4. Méditation par balayage du corps : Dans cette pratique, vous vous concentrez systématiquement sur différentes parties de votre corps, ce qui vous permet de prendre conscience de vos sensations physiques et de relâcher les tensions. C’est un moyen de cultiver la conscience corporelle et de rester concentré.

5. Méditation par mantra : L’utilisation d’un mot, d’une phrase ou d’un son répétitif (mantra) peut aider à diriger l’attention et à calmer l’esprit. La répétition peut être apaisante et aider à éviter les distractions.

6. La visualisation : La visualisation consiste à imaginer une scène paisible ou un objectif à atteindre. Le fait de se concentrer sur cette image mentale peut vous aider à vous concentrer et à développer un sentiment de positivité.

7. Méditation en marchant : Au lieu de vous asseoir, vous pouvez pratiquer la méditation en marchant lentement et en pleine conscience. Soyez attentif à chaque pas, au mouvement de votre corps et à votre environnement.

8. Relaxation musculaire progressive : Cette technique consiste à tendre puis à relâcher différents groupes de muscles du corps. Cela peut réduire la tension physique et améliorer votre capacité à vous concentrer.

9. Yoga : le yoga associe le mouvement physique, le contrôle de la respiration et la pleine conscience. La combinaison de ces éléments peut vous aider à améliorer votre concentration, votre flexibilité et votre bien-être général.

10. Le tai chi : Le tai chi est une pratique de mouvements lents et fluides qui favorise la relaxation et la pleine conscience. Cela permet d’améliorer l’équilibre, la coordination et la clarté mentale.

11. Rythmes binauraux : Les battements binauraux sont des illusions auditives créées par la diffusion de deux fréquences légèrement différentes dans chaque oreille. On pense qu’ils influencent les ondes cérébrales et peuvent aider à atteindre différents états de concentration et de relaxation.

12. Colorier ou dessiner : Les activités créatives telles que le coloriage ou le dessin de motifs complexes peuvent avoir des effets méditatifs, car elles exigent une concentration soutenue sur la tâche à accomplir.

3. Le crescendo : S’engager dans la routine

 

La routine, souvent synonyme de discipline, joue un rôle crucial dans la production musicale. De même qu’un musicien fait ses gammes quotidiennement pour affiner sa technique, l’établissement d’une routine peut aider à affiner des compétences telles que l’enregistrement, l’édition et l’arrangement. La recherche indique que des routines régulières améliorent la concentration, la mémoire et les capacités cognitives générales, qui font toutes partie intégrante du processus complexe de production musicale.

Si vous suivez mon blogue, vous savez que j’encourage fortement certaines choses dans la routine, telles que :

  • Diviser votre séance de studio en différentes phases (brainstorming, test de concept, édition, modèles de loops, arrangements, mixage) et les aborder une à la fois.
  • Travailler sur une chanson pendant 30 minutes, puis travailler sur une autre. Travailler sur plusieurs morceaux à la fois est utile pour l’auto-validation.
  • Faire des pauses de quelques minutes toutes les 10 minutes.

Tous ces éléments seront utiles pour développer une routine, car ils vous fourniront les éléments nécessaires pour vous sentir plus satisfait de ce que vous faites.

 

4. Harmoniser les éléments : Rituels pour l’arrangement

L’arrangement d’une composition musicale peut s’apparenter à une symphonie complexe. Ici, les rituels fournissent la structure nécessaire pour tisser différents éléments musicaux en un tout cohérent. Les études soulignent que les rituels favorisent un sentiment de contrôle et réduisent l’anxiété. Autant d’ingrédients essentiels pour s’attaquer à la tâche complexe qui consiste à agencer divers éléments en une composition homogène.

Les arrangements sont à la musique ce que le scénario est au film. Les histoires se construisent de tant de manières différentes que pour se plonger dans la manière de le faire, il est important de s’inspirer des conteurs que l’on aime. Personnellement, j’adore David Lynch et voici quelques-uns des points qu’il utilise pour ses histoires.

Son style se caractérise par le surréalisme, des séquences oniriques et un mélange de banalité et de mystère. Voici quelques aspects clés de l’approche de David Lynch en matière de narration :

1. Accueillir le subconscient : Lynch plonge souvent dans le subconscient et explore les profondeurs de la psychologie humaine. Ses récits intègrent souvent des éléments oniriques, brouillant les frontières entre la réalité et le fonctionnement interne de l’esprit. Cette approche lui permet de puiser dans les émotions et les peurs universelles qui résonnent à un niveau émotionnel profond.

2. Atmosphère sombre et mystique : Les récits de Lynch présentent souvent des atmosphères sombres et mystérieuses qui créent un sentiment de malaise et de suspense. Il mêle l’ordinaire à l’étrange, insufflant au quotidien un air de mystère qui maintient l’attention et l’intrigue des spectateurs.

3. Symbolisme visuel : Le symbolisme joue un rôle important dans l’œuvre de Lynch. Il utilise souvent des symboles visuels et des métaphores pour transmettre des thèmes et des émotions complexes. Ces symboles peuvent être des motifs récurrents ou des objets qui ont une signification plus profonde dans le contexte de ses histoires.

4. Structures narratives non conventionnelles : Lynch est connu pour subvertir les structures narratives traditionnelles. Ses histoires ne suivent pas forcément un chemin linéaire et il est prêt à laisser certains aspects ouverts à l’interprétation. Cette approche non conventionnelle invite les spectateurs à s’engager avec la matière à un niveau plus contemplatif, suscitant souvent des discussions et des théories sur les significations qui se cachent derrière son travail.

5. Exploration de thèmes sombres : Les histoires de Lynch explorent fréquemment des thèmes sombres et tabous, tels que la violence, la crise d’identité et la dualité de la nature humaine. Il n’a pas peur de se confronter à des sujets inconfortables et de les présenter d’une manière qui remet en question les perceptions du public.

6. Utilisation du son et de la musique : Lynch accorde une attention méticuleuse au son et à la musique dans sa narration. Les éléments auditifs de ses films contribuent à l’atmosphère et à l’ambiance générales, améliorant l’expérience du spectateur et ajoutant une couche supplémentaire de profondeur.

7. Profondeur des personnages et ambiguïté : Les personnages de Lynch ont souvent des profondeurs cachées et leurs motivations peuvent rester ambiguës. Cette approche invite les spectateurs à s’engager activement avec les personnages et leurs parcours, encourageant l’introspection et l’analyse.

8. Approche collaborative : Lynch collabore souvent étroitement avec des artistes, des musiciens et d’autres créateurs pour donner vie à ses histoires. Cette approche collaborative donne lieu à des œuvres multidimensionnelles qui intègrent diverses formes artistiques.

Peut-être cela suscitera-t-il quelques idées.

Créer sa propre ouverture musicale : Élaborer des rituels et des routines personnels

 

1. Identifiez vos objectifs :

Avant d’élaborer vos rituels et routines, définissez les aspects de la production musicale que vous souhaitez améliorer. Recherchez-vous une plus grande inspiration, une meilleure concentration ou une approche plus organisée de l’arrangement?

 

2. Exploitez le pouvoir de la constance :

Choisissez des rituels et des routines qui vous correspondent et qui s’alignent sur votre processus créatif. La constance est essentielle : la répétition permet de consolider le lien entre la pratique et le résultat souhaité.

1. Fixez des objectifs clairs : Définissez des objectifs spécifiques et réalisables pour votre pratique et vos performances musicales. Le fait d’avoir des objectifs clairs vous donne un sentiment de direction et de finalité, ce qui vous permet de rester motivé et cohérent.

2. Établir un emploi du temps : Établissez un programme de pratique régulier et respectez-le. La constance repose sur la routine. Que ce soit sur une base quotidienne, hebdomadaire ou mensuelle, le fait de consacrer du temps à la pratique permet de créer une dynamique.

3. Commencez modestement : évitez de vous laisser submerger par des objectifs trop ambitieux. Commencez par des séances d’entraînement raisonnables, en augmentant progressivement la durée et la complexité au fur et à mesure que vous gagnez en régularité.

4. Décomposez : divisez vos séances de pratique en segments plus petits et plus ciblés. Cette approche permet d’éviter l’épuisement et de travailler sur des domaines d’amélioration spécifiques.

5. Pratiquer en pleine conscience : La qualité importe plus que la quantité. Concentrez-vous pleinement sur votre pratique sans vous laisser distraire. Engagez-vous dans une pratique délibérée en identifiant les domaines à améliorer et en y travaillant de manière ciblée.

6. Utilisez un journal de bord : Tenez un journal de pratique pour suivre vos progrès, vos difficultés et vos domaines d’amélioration. Cette réflexion vous permet d’identifier des tendances, de célébrer des étapes importantes et de rester vigilant.

7. Adopter la répétition : La constance se construit par la répétition. La pratique répétée des gammes, des exercices et des chansons permet de développer la mémoire musculaire et de maîtriser les techniques au fil du temps.

8. Privilégier la régularité à l’intensité : Des séances de pratique régulières et plus courtes sont souvent plus efficaces que des séances intenses et sporadiques. La constance permet de progresser régulièrement, tandis que l’intensité peut conduire à l’épuisement.

9. Se responsabiliser : Partagez vos objectifs et votre routine d’entraînement avec un ami, un professeur ou un collègue musicien. La responsabilisation peut vous motiver à rester cohérent et à suivre vos progrès.

10. Récompensez-vous : Célébrez vos réussites, aussi petites soient-elles. Faites-vous plaisir après avoir atteint des étapes importantes pour renforcer un comportement positif.

11. Accepter l’imperfection : Le perfectionnisme peut nuire à la constance. Acceptez que le progrès implique de faire des erreurs et d’en tirer des leçons. Privilégiez l’amélioration plutôt que l’exécution sans faille.

12. Restez inspiré : Cherchez à vous inspirer d’autres musiciens, d’autres genres et d’autres styles. L’exploration de nouveaux territoires musicaux peut raviver votre passion et rendre votre pratique attrayante.

13. Soyez patient : La constance prend du temps pour donner des résultats notables. Ne vous découragez pas si les progrès sont lents. Gardez à l’esprit la perspective à long terme.

14. Variez les plaisirs : Variez votre routine de pratique pour éviter la monotonie. Expérimentez des techniques, des styles et des genres différents pour renouveler vos séances.

15. Repos et récupération : Intégrez des jours de repos dans votre routine. Le repos est essentiel pour prévenir l’épuisement professionnel et maintenir le bien-être physique et mental.

16. Adaptez-vous et ajustez : La vie peut être imprévisible. Si vous manquez une séance de pratique, ne soyez pas trop dur avec vous-même. Au lieu de cela, adaptez votre emploi du temps et reprenez le cours de votre vie dès que possible.

3. Pleine conscience et présence :

Intégrez la pleine conscience dans vos rituels. Qu’il s’agisse d’un exercice de respiration avant l’enregistrement ou d’un moment de calme avant l’arrangement, cultiver la pleine conscience peut amplifier votre présence créative.

Mon livre préféré sur cette pratique est « Wherever you go, there you are » de Jon Kabat-Zinn.

4. Documentez votre parcours :

Tenez un journal pour suivre l’impact de vos rituels et routines sur votre processus de production musicale. Réfléchissez aux moments de percée, de concentration accrue ou d’inspiration renforcée.

Personnellement, j’adore les mémos vocaux de mon iPhone pour prendre des notes.

 

5. La science au service de la symphonie : les enseignements tirés des études

  • Une étude publiée dans le « Creativity Research Journal » a montré que le fait de s’engager dans des rituels créatifs cohérents améliore la créativité et donne un sentiment de contrôle sur le processus créatif.
  • Des recherches menées dans le « Journal of Neuroscience » révèlent que les pratiques de pleine conscience, souvent intégrées dans des rituels créatifs, stimulent le réseau du mode par défaut du cerveau, favorisant ainsi la pensée divergente et les idées novatrices.
  • Le « Journal of Experimental Psychology » suggère que les routines peuvent stimuler les performances cognitives et améliorer la mémoire, facilitant ainsi l’efficacité des tâches d’édition et d’arrangement.

 

En conclusion : La symphonie de la productivité et de la créativité

Lorsque les musiciens composent leurs fresques sonores, l’interaction des rituels, des routines et des habitudes crée une symphonie qui fait écho à la discipline et à l’inspiration. Tout comme un chef d’orchestre symphonique dirige méticuleusement chaque note, l’élaboration de votre propre ensemble de pratiques peut transformer votre parcours de production musicale en un chef-d’œuvre harmonieux. En comprenant les points communs qui unissent ces pratiques et en adoptant leur impact transformateur, vous trouverez non seulement les accroches et les arrangements qui résonnent, mais vous débloquerez également tout le potentiel de votre symphonie créative.

Le bruit en musique

 

Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.

 

Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.

 

Le bruit dans la musique peut être nostalgique.

 

Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.

 

Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.

 

Le bruit blanc – Une fondation sifflante :

 

Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.

 

J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.

 

Le bruit rose – Une alternative plus douce :

 

Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.

 

Il existe également diverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.

 

Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :

 

Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.

 

Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.

 

 

 

Bruit numérique – Possibilités infinies

Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.

Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :

  • Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
  • Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
  • Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
  • Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
  • Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.

En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.

 

Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs

 

Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.

Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.

 

Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels

 

Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.

 

Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité

Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.

  1. Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
  2. Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
  3. Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
  4. Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
  5. Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
  6. Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
  7. Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.

 

Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.

 

Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

L’importance de la pratique d’une musique ambient et expérimentale

 

Dans le vaste domaine de la création musicale, il existe un territoire inconnu où les frontières s’estompent et où les paysages sonores deviennent une toile à explorer. C’est dans ce genre que la musique expérimentale et les compositions ambient trouvent leur essence, brouillant parfois les pistes. Ces formes de musique ne repoussent pas seulement les limites de la musique traditionnelle, mais servent également de passerelle pour développer des compétences en matière de narrativité dans les compositions musicales, car chaque chanson définit ses propres règles.

Si vous avez suivi ma carrière musicale ou lu ce blogue, vous savez que l’exploration et la rupture avec la norme sont des valeurs importantes pour moi. Après avoir fait de la musique pendant des années, je me suis heurté à quelques murs de frustration. À chaque fois, c’était le sentiment d’avoir tout vu, tout dit. Jusqu’à quel point peut-on se réinventer au sein d’un genre?

Si la musique est un moyen de s’amuser, l’idée de faire la même chanson encore et encore me paraissait aliénante. L’exploration des techniques de l’ambient et la plongée dans l’expérimental m’ont beaucoup aidé dans mon désir d’évoluer, de grandir.

 

 

Musique ambient ou expérimentale

 

Pour comprendre l’importance de la musique ambient et de la musique expérimentale, il est essentiel d’élucider leurs origines et leurs intentions. La musique ambiante, dont les pionniers sont des visionnaires tels que Brian Eno et Tangerine Dream, cherche à détourner l’attention des schémas conventionnels pour aborder la musique comme un outil permettant de créer des ambiances. La musique devient alors un outil, une tapisserie. La musique ambient invite les auditeurs à écouter, attentivement ou non, une musique qui a ou non une destination ou un but. En adoptant des compositions ambient, les créateurs de musique développent un sens aigu de l’espace, de la dynamique et de l’art de capturer des idées évolutives.

Comprendre comment faire de la musique ambient ouvre de nombreuses possibilités pour tous les autres genres que vous souhaitez créer. En particulier pour la musique de danse, si l’on supprime les parties rythmiques, on obtient une musique ambient.

 

La musique ambient est destinée à induire le calme et à créer un espace de réflexion« , explique Eno dans les notes de pochette du disque. « Elle doit être capable de s’adapter à plusieurs niveaux d’attention sans en imposer un en particulier. Elle doit être aussi ignorable qu’intéressante. » Brian Eno

 

D’autre part, la musique expérimentale est née des racines de la musique concrète, un genre qui pousse à l’exploration des techniques et des frontières. L’approche expérimentale de la musique consiste à comprendre les limites et les règles d’un genre, ses structures traditionnelles, en invitant les artistes à repousser les limites de leurs outils et à s’aventurer à proposer une nouvelle approche. Elle encourage les musiciens à remettre en question la norme, à accepter l’imprévisible et à trouver l’harmonie dans le chaos. Dans ce paysage en constante évolution, la musique expérimentale favorise un environnement propice à l’innovation et à la découverte de nouvelles possibilités.

Si vous travaillez sur le même genre depuis un certain temps, vous êtes tout à fait prêt à explorer la musique expérimentale. Je vous encourage à commencer par composer sans autre but que de briser vos routines.

Étant donné qu’une grande partie de la musique qui arrive à être reconnue implique souvent de revisiter une idée, les artistes commencent souvent par briser les règles tout en gardant une base. La même chose mais différente est une bonne façon de la décrire. Ce que je considère souvent comme de la musique expérimentale, ce sont toutes ces tentatives de prendre des risques, sans filtre. Il n’y a ni bien ni mal. Si vous essayez quelque chose de nouveau, vous êtes sur la bonne voie.

 

Il existe différents axes d’exploration :

    • Déconstruire les arrangements ou examiner les motifs. Si un genre a un modèle de percussion spécifique, essayez de déplacer les rythmes.
    • Utiliser des outils d’une manière qui n’a pas été prévue à l’origine.
    • Prendre une idée et la mélanger pour en voir toutes les possibilités.
    • Apprendre les techniques génératives pour la création musicale. Cela peut être fait dans Ableton Live et VCV, mais aussi dans Bitwig.
    • Passez du temps dans la nature et écoutez les sons qui vous parviennent. J’aime écouter le chant des oiseaux et j’essaie de comprendre le motif et la conception sonore de leur chant. Il m’arrive de les enregistrer et de les utiliser dans Ableton comme séquenceur.

 

« Le son est le vocabulaire de la nature. Le moment où la musique révèle sa véritable nature est contenu dans l’exercice ancien du thème avec variations. Tout le mystère de la musique s’explique là ». Pierre Schaeffer

 

Brian Eno a créé un jeu de cartes appelé « Oblique Strategies » dans lequel vous tirez une carte pour obtenir une inspiration ou une solution aléatoire face à un problème. Je trouve que c’est un outil à explorer et vous pouvez utiliser une version en ligne ici.

Relier des concepts étrangers

 

L’un des aspects les plus convaincants de la musique expérimentale et des compositions ambient réside dans leur capacité à relier des concepts sans rapport entre eux, en cherchant l’inspiration au-delà de la musique. Comme le suggère le livre de Rick Ruben, l’exercice consistant à relier des concepts sans rapport entre eux peut donner lieu à des points de départ inattendus. En s’inspirant de différents genres musicaux, ainsi que d’autres formes d’art telles que les arts visuels, la littérature ou le cinéma, les musiciens peuvent insuffler à leurs compositions un sentiment de profondeur et d’unicité.

Quelques suggestions :

  • Prenez une scène d’un film et ajoutez-y des sons, puis ne gardez que l’audio. Les images guideront les arrangements.
  • Lisez un livre, prêtez attention à l’histoire et imaginez une bande sonore.
  • Inspirez-vous de l’architecture. Voyez comment l’importance des mathématiques joue un rôle crucial dans la structure d’un ouvrage. Comme vous le savez, la musique, c’est des mathématiques, et peut-être pouvez-vous appliquer certaines observations à votre musique.
  • Apprendre à danser. J’ai suivi de nombreux cours de danse dans ma vie et lorsque je bouge, je comprends l’expérience des danseurs.

 

Traduire des idées issues de différents domaines en éléments musicaux peut donner des résultats étonnants. Par exemple, en empruntant la palette de couleurs d’une peinture, un musicien peut évoquer des émotions spécifiques ou créer des sons vifs, tandis que des couleurs plus sombres peuvent évoquer des tons plus profonds et plus graves. De même, l’intégration d’éléments de narration dans les compositions musicales ajoute une dimension narrative qui captive les auditeurs. En adoptant cette approche, les artistes peuvent créer des paysages sonores qui transportent le public dans des voyages transformateurs, brouillant ainsi la frontière entre la musique et la narration.

 

La fabrication de rythmes revisitée

 

La musique électronique met souvent l’accent sur le rythme et la création de rythmes. Toutefois, en perfectionnant leurs compétences en matière de composition mélodique et ambiante, les musiciens peuvent développer une base solide qui s’intègre harmonieusement aux éléments rythmiques. La musique ambient et les compositions expérimentales permettent aux créateurs de se concentrer sur la construction de mélodies, l’exploration de progressions harmoniques et l’élaboration d’une conception sonore complexe. Ces points forts, lorsqu’ils sont maîtrisés, constituent une plateforme solide sur laquelle les éléments rythmiques peuvent se fondre et s’épanouir sans effort.

L’une des façons dont j’aime travailler est de générer des idées, des compositions et des moments mélodiques aléatoires qui seront ensuite utilisés lors des séances au cours desquelles je produirai des rythmes. En d’autres termes, je divise souvent mes séances de musique en deux catégories :

  • Contenu mélodique, accroches, échantillonnage. Trouver des idées et en générer. Organiser des idées aléatoires en une accroche cohérente.
  • Rythmes, rythmes, rythmes. Travail sur la création de grooves, de rythmes, de conception sonore, de boucles simples ou complexes.

Ensuite, deux autres catégories :

  • Innover. Essayer d’inventer de nouvelles idées.
  • Imiter. Essayer d’émuler ou de reproduire les idées que j’aime dans la musique des autres.

 

L’expérimentation dans le domaine de la musique ambient et expérimentale ouvre la voie à des découvertes inattendues. Ces expériences peuvent se faire de multiples façons, par exemple en trouvant de nouveaux outils gratuits, de nouveaux tutoriels Youtube sur des genres ou des techniques que nous n’avons pas encore explorés ou simplement en explorant la randomisation dans Ableton. En s’éloignant des schémas rythmiques conventionnels et en explorant des sons qui peuvent être déstabilisants, les musiciens peuvent ouvrir de nouvelles possibilités de création de rythmes qui sortent de leur zone de confort.

 

ASTUCE : je trouve qu’une fois que vous avez des séquences, vous pouvez les découper en détail et les réorganiser selon vos goûts.

 

En tant que créateurs de musique, il est essentiel d’embrasser le vaste domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, car elles offrent des possibilités inégalées d’épanouissement personnel et artistique. En nous immergeant dans les paysages sonores qu’offrent ces genres, nous acquérons une compréhension profonde de l’espace, de l’atmosphère et de l’interaction délicate entre les éléments. En outre, en reliant des concepts sans lien entre eux et en puisant notre inspiration dans diverses sources, nous insufflons à nos compositions une richesse et une profondeur qui transcendent les frontières traditionnelles.

 

Dans le domaine de la musique électronique, où le rythme a souvent la priorité, le développement de compétences fondamentales en matière de composition ambiante et mélodique jette les bases d’une intégration harmonieuse avec la création de rythmes. En nous engageant dans la création musicale expérimentale, nous libérons notre véritable potentiel créatif et nous embarquons pour un voyage de découverte de soi, d’innovation et d’imagination sans limites.

Alors, aventurons-nous dans le domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, où les territoires inexplorés de la créativité nous attendent, prêts à être explorés, expérimentés et partagés avec le monde.

 

Leçons tirées de nombreuses années de musique

J’ai eu de nombreuses discussions avec des clients, des amis ou d’autres musiciens sur la façon dont les choses se sont passées sur une période de plus de 20 ans. Les personnes qui s’intéressent à la musique trouvent parfois que les premières années sont un peu difficiles et se demandent comment cela se passe lorsqu’on acquiert de l’expérience, comme si cela devenait plus facile.

 

La vérité, qui est mon expérience partagée avec de nombreux pairs, est un peu déstabilisante pour certaines personnes parce que j’aime dire que c’est un peu comme être parent. Cela ne devient pas nécessairement plus facile avec le temps, mais il y a des défis constants au début qui deviennent plus faciles par la suite, tandis que de nouveaux problèmes apparaissent. Cela signifie qu’au cours du développement d’un musicien, on passe par des étapes où l’on cherche à résoudre certains problèmes qui ouvrent la porte à d’autres problèmes dont on ne soupçonnait même pas l’existence.

 

En d’autres termes, lorsque l’on en sait moins, on doit également faire face à moins de problèmes, car on les ignore et on se contente d’avancer. Lorsque j’entends mon fils écouter des chansons qu’il aime sur Spotify, créées par des amateurs évidents, je peux dire qu’elles ont été créées sans aucune connaissance, mais l’auditeur moyen ne le sait pas.

 

Au fil des ans, j’ai rassemblé une multitude de faits que je souhaite partager avec vous. Il ne s’agit là que d’une compréhension factuelle des succès, des échecs, des luttes et des victoires, que j’ai pu constater moi-même et que j’ai pu observer chez les autres. C’est la principale différence entre un jeune producteur et quelqu’un d’expérimenté : le temps vous apprend quelques dures vérités.

 

Fait : Les avantages d’un savoir limité sont réels

 

Je me souviens d’être assis devant mon matériel nouvellement acquis. En allant dans ce magasin de synthétiseurs, je suis devenu un peu fou. J’ai acheté beaucoup de matériel sans rien y connaître. Puis je suis rentré chez moi et j’ai eu du mal à tout connecter correctement, mais j’ai commencé à jouer avec.

 

Tout était excitant. Tout sonnait à merveille. J’ai ressenti une joie pure, car je ne savais pas ce que je faisais, mais c’était vraiment amusant. Je n’avais aucune idée de ce que je faisais et j’essayais simplement de contrôler ce qui en sortait. Il n’y avait pas Youtube pour me donner des instructions et je n’ai jamais été attiré par la lecture de manuels. Tout s’est fait par tâtonnements.

 

Ce que je constate, c’est que lorsqu’on en sait moins, les choses paraissent faciles et cela peut donner beaucoup d’énergie. J’ai vu des gens très novices en musique créer un tube. Ensuite, ils n’ont plus vraiment été capables de faire de la musique. Le nouveau départ est parfois très facile, mais lorsque vous essayez de vous améliorer, vous apprenez davantage, vous vous rendez compte de vos erreurs, vous achetez du matériel adéquat et vous vous rendez compte que vous venez de compliquer votre flux de travail. La courbe pour entrer dans la zone est alors plus difficile.

 

Les choses se compliquent lorsque vous créez des attentes ou que vous vous comparez.

 

CONSEIL : Je recommande toujours aux débutants d’essayer de jouer avec les sons plutôt que de chercher à créer des chansons.

 

CONSEIL 2: Utilisez-en moins pour maximiser votre état de zone et votre capacité à trouver des idées.

 

Fait : La croissance par la pratique et non par le matériel

 

L’un des défis auxquels est confronté un producteur peu expérimenté est de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il a besoin de conditions parfaites pour être inspiré, productif ou performant. C’est l’origine de la procrastination et du syndrome de la page blanche. Les personnes qui achètent trop de choses alors qu’elles ne pratiquent pas n’arrivent généralement à rien.

 

Si vous voulez devenir un bon producteur de musique, faites-en l’élément central de votre vie. Prenez le temps de vous entraîner tous les jours, d’écouter des tonnes de musique, de rechercher des samples, des enregistrements et des idées intéressantes et passez beaucoup de temps à apprendre vos outils avant d’acquérir quoi que ce soit d’autre. Développez le vocabulaire des sons que vous aimez, des outils que vous utilisez et reconnaissez ce que vous entendez dans les chansons des autres.

 

Si vous avez Ableton Live, vous avez déjà tout ce qu’il vous faut. Lancez-vous dans de nouvelles idées, tous les jours, tout le temps, et suivez ce que vous aimez absolument faire. Si vous pratiquez ce que vous aimez faire, vous deviendrez un maître dans ce domaine. Il n’est pas nécessaire de pouvoir tout faire soi-même, en une seule fois.

 

Fait : L’achèvement d’une chanson ne garantit pas sa sortie

 

Imaginons que nous comparions la musique à des photos. Toutes les photos que vous avez prises sur votre téléphone intelligent méritent-elles d’être publiées dans un livre?

 

Si vous terminez une chanson, la dure réalité est qu’elle n’intéressera qu’un certain nombre de personnes et que, parmi elles, une poignée sera intéressée par le fait de payer pour l’écouter. Mais nous sommes tellement inondés de musique chaque jour que nous choisissons avec soin ce dans quoi nous voulons investir.

 

Cela signifie que plus vous ferez de la musique, plus vous la terminerez, plus elle s’améliorera et plus elle intéressera de gens. Plus vous faites de la musique pour être publié ou pour plaire aux autres, plus vous vous éloignez de ce que vous êtes.

 

Cela veut-il dire qu’il ne vaut pas la peine de terminer sa musique?

 

Non. Il est important que vous alliez au bout de ce que vous faites, comme vous le feriez pour un repas.

 

ASTUCE: Adoptez l’idée que tout ce que vous faites n’est important que pour vous. Partagez humblement avec les bonnes personnes.

 

Remarque : J’ajouterais également que le fait de sortir une chanson ne signifie pas que vous aurez du succès.

 

Fait : La recherche de validation peut conduire à une rétroaction trompeuse

 

Il s’agit d’une proportion ÉNORME de personnes qui fréquentent les forums de production, les groupes Facebook et tout autre débat en ligne. Leur logique est souvent la somme de plusieurs lectures, de quelques expériences personnelles et ils cherchent des réponses, mais ils partageront aussi certaines de leurs opinions, en les imposant comme des faits.

 

Je suis très exigeant quant aux personnes à qui je fais confiance lorsqu’il s’agit d’obtenir des explications. Tout ce qui relève du domaine non technique est toujours une zone grise. L’histoire d’une personne peut être vraie pour elle-même, mais peut-être pas pour vous.

 

Quand on m’explique quelque chose, je n’applique pas ce qui est dit. J’essaie de le comprendre, d’en saisir la logique, puis de le tester. Je suis allergique à ceux qui me disent que la musique doit être faite d’une certaine manière ou non. Les commentaires sur ma musique portent toujours sur des points techniques et neutres. Si j’ai besoin de l’appréciation de quelqu’un, je le lui demande directement et je choisis également les personnes à qui partager.

 

CONSEIL: C’est en posant les bonnes questions que l’on obtient des renseignements utiles.

 

Fait : Des idées solides l’emportent sur une production solide

 

Je pense que cette question sera controversée, mais je suis assez ferme sur ce point. Pour prouver ce que j’avance, je peux vous dire que n’importe quelle idée géniale vous restera à l’esprit pendant des jours, mais une très belle snare ou un très beau kick, pas vraiment.

 

On ne se souvient pas d’une belle production comparée à une accroche de 4 secondes, mais cela donne une bonne impression. Je vois malheureusement beaucoup d’idées médiocres cachées par une production impeccable. Cela fait avaler la mauvaise idée mais ne vieillira pas bien. J’ai entendu des accroches incroyables avec une production merdique et, honnêtement, il arrive que l’on pense que l’approche technique médiocre était intentionnelle.

 

C’est ainsi que certaines productions lofi ont pris de l’ampleur, car je pense que certaines ont été réalisées au départ par des personnes qui ne savaient pas ce qu’elles faisaient. Mais elles sont ensuite imitées et copiées. Quand je vois des gens qui essaient de faire sonner leur musique comme dans les années 90, ils ne comprennent pas qu’à l’époque, nous étions frustrés par nos limites et nous essayions de sonner futuriste.

 

L’acid house était minimaliste parce que les gens n’avaient le budget que pour une 808 et une 303.

 

Trouver de bonnes accroches est un mélange de chance et d’expérimentation, de curiosité et d’ouverture d’esprit.

 

ASTUCE: Quelle que soit l’étape de la création musicale dans laquelle vous vous trouvez actuellement, c’est suffisant. Si vous acceptez vos limites, vous serez en mesure d’accomplir plus que vous ne le pensez.

 

Fait : Le pouvoir du réseautage et de la communauté change la donne

 

Vous pouvez être le meilleur producteur de musique, mais si vous n’avez pas de communauté pour le soutenir ou de réseau pour le partager, il y a beaucoup de chances que votre musique ne soit jamais écoutée. C’est un sujet dont j’ai beaucoup parlé dans ce blogue, mais l’importance de connaître les bonnes personnes vous mènera à des opportunités que votre musique seule ne pourra pas vous offrir.

Il existe un mythe selon lequel si vous composez la chanson parfaite, toutes les portes s’ouvriront devant vous. Je n’ai jamais vu cela. Jamais. Il y a beaucoup plus de chansons extraordinaires qui n’ont jamais été publiées à cause du manque de contacts de l’artiste.

 

Fait : Succès, cycles et libération de la concurrence illusoire

 

Courir après le succès est une chose à laquelle nous sommes tous confrontés à un moment ou à un autre. Voir les autres réussir peut déclencher le sentiment que nous ne sommes pas sur la bonne voie, que nous avons manqué quelque chose d’important, que nous méritons la même chose (pour n’importe quelle raison idiote). La définition du succès est très personnelle. Il existe différents types de succès et si nous les poursuivons tous, nous aurons toujours l’impression de manquer quelque chose.

 

Les différents types de succès associés à la production musicale pourraient être organisés en différentes sphères. Certains le voient dans les personnes avec lesquelles ils travaillent, d’autres dans leur responsabilité sociale, dans les personnes avec lesquelles ils communiquent, dans le nombre de ventes, de bookings, etc.

 

Si vous persistez dans ce que vous faites, vous connaîtrez des hauts et des bas, comme n’importe qui d’autre. Il n’est pas possible d’être toujours au sommet de son art ou d’être toujours présent dans les médias et les cercles sociaux. La réussite d’une personne ne vous laisse pas dans son ombre. Cela pourrait même vous ouvrir des portes si vous vous y engagez.

 

CONSEIL : Personne ne vous vole votre attention, vos gigs ou votre succès. La seule personne avec laquelle vous êtes en compétition, c’est vous-même, et c’est un choix.

 

 

Fait : La nature insaisissable des tubes

 

Je me souviens d’avoir participé à une table ronde lors de la réunion LOOP d’Ableton avec Young Guru, un célèbre producteur de Los Angeles. Il a partagé son point de vue sur ce qu’est un tube et je suis tout à fait d’accord avec lui.

 

« Un tube est une chanson qui touche la bonne idée, au bon moment et qui est reprise par les bonnes personnes. »

 

On ne contrôle pas le fait que sa chanson soit un succès ou non. Dès que vous comprenez qu’il s’agit d’une situation indépendante de votre volonté, vous pouvez vous sentir à la fois libre et déprimé. Si vous courez après le succès et voulez faire des tubes, cela peut sembler décourageant parce que vous comprendrez que c’est comme une loterie. Et c’est vraiment le cas.

 

Mais cela peut aussi vous libérer. Créer avec un objectif absolu, c’est souvent créer de grands angles morts où l’on passe à côté de beaux résultats que l’on rejette parce que l’on se concentre sur quelque chose que l’on ne contrôle pas.

 

Le jour où vous ferez un tube, il est possible que vous ne vous en rendiez même pas compte. Cela se produit, ou non. Vous n’avez pas de contrôle là-dessus. Mais plus vous cherchez à faire des chansons réussies, plus vous risquez de tomber dans le perfectionnisme.

 

Le parcours d’un musicien est fait de défis, d’échecs, de triomphes et de croissance personnelle. À travers mes propres expériences et observations, j’ai partagé plusieurs connaissances factuelles sur la réussite, les limites, la créativité et la communauté. Profitez de la joie de l’exploration, persévérez dans la pratique et n’oubliez pas que l’impact de votre musique va au-delà du succès commercial. Cherchez à obtenir un retour d’information sincère, donnez la priorité à des idées solides plutôt qu’à une production impeccable et tissez des liens significatifs au sein de la communauté musicale. Le succès n’est peut-être pas constant, mais l’épanouissement réside dans la poursuite de l’expression artistique et l’évolution continue de votre art.

 

Les outils pour comprendre vos références

 

Nous sommes tous passés par là : nous nous efforçons de composer la mélodie parfaite ou d’écrire des paroles captivantes, mais nous sommes freinés par la recherche incessante de l’originalité. Et si nous vous disions qu’il existe un moyen de sortir de cette impasse créative et de découvrir une toute nouvelle dimension d’idées musicales?

 

Quel que soit le nombre de fois où je me mets devant mon ordinateur pour faire de la musique, je me trouve souvent dans deux modes : essayer de faire de la musique qui sera complètement originale ou essayer d’émuler des idées que j’aime (c’est à dire le contraire d’être original). Dans la plupart des cas, j’oublie que je m’amuse jusqu’à ce que j’atteigne la zone. Heureusement, il existe de nombreuses techniques qui peuvent être comprises à partir de la musique que nous aimons et il existe également de nombreux outils facilitant la compréhension de la magie derrière certaines chansons. Je vais vous proposer quelques outils que j’utilise lorsque je fais de la production pour des clients.

 

Récemment, j’ai lu le livre d’Austin Kleon, « Steal Like an Artist » (Volez comme un artiste), où j’ai découvert cinq idées précieuses pour lancer votre exploration musicale. J’ai eu le sentiment que cela pouvait s’appliquer à la musique.

La révolution des remixes :

 

Dans un monde débordant de musique, trouver l’originalité absolue peut ressembler à chercher une aiguille dans une botte de foin. Mais n’ayez crainte! Kleon suggère d’adopter le concept de remix : un collage créatif d’idées et d’influences existantes. N’oubliez pas que même les musiciens les plus renommés ont été inspirés par les sons d’antan. Alors, plongez dans les archives, explorez différents genres et laissez la magie de la pollinisation croisée libérer vos prouesses musicales!

Le premier exercice que je propose à tout client qui se trouve confronté au syndrome de la page blanche, c’est de se procurer un tas de boucles et de commencer à les remixer, sans aucun objectif. Bien qu’il s’agisse du meilleur remède dans la plupart des cas, certains ont l’impression qu’il s’agit d’un vol de samples, de copie etc. Mais quand l’esprit est bloqué, c’est surtout parce qu’on réfléchit trop. Le fait de commencer par un simple exercice consistant à jouer avec des idées toutes faites n’est qu’une porte ouverte qui permet de revenir en arrière et de développer ensuite ce qui nous semble le plus pertinent.

 

Astuce: Il est difficile de ne pas s’amuser en utilisant la grande quantité de boucles de qualité que vous trouverez surSplice. Il offre également la possibilité de louer des synthés, des plugins ou d’avoir des presets pour les genres que vous aimez. Il dispose également d’une application de bureau qui vous permet de prévisualiser les boucles, puis de les importer dans votre DAW. J’apprécie également le fait que vous puissiez synchroniser l’application avec le tempo de votre projet en utilisant le VST Splice.

 

Une autre alternative consiste à utiliser Loopcloud, qui ressemble un peu à Splice, mais qui propose également des outils tels qu’une boîte à rythmes très agréable où vous pouvez importer n’importe quel son de la bibliothèque.

 

Astuce 2: J’aime utiliserSoundsnap pour les samples. Il contient de nombreux sons naturels, des enregistrements de terrain et des enregistrements aléatoires. Il est utilisé dans les films et peut l’être également dans vos chansons.

 

Échangez les idées, pas votre identité :

En tant que musiciens, il est naturel d’aspirer à un son unique qui nous distingue. Cependant, essayer de forcer l’originalité conduit souvent à une paralysie créative. Au lieu de cela, prenez exemple sur Kleon (littéralement!) et volez des idées sans vergogne. Mais voici l’astuce : concentrez-vous sur les éléments que vous admirez et retravaillez-les pour en faire quelque chose de tout à fait personnel. Reconnaissez les mérites, mais n’ayez pas peur d’y mettre votre grain de sel. Après tout, le monde n’a pas besoin d’un autre copycat, il a besoin du mélange extraordinaire que vous seul pouvez créer!

Toutefois, l’art du remixage peut s’avérer plus subtil. Vous pouvez écouter Keith Jarrett, un vieux dub de Studio One, du classique moderne et prêter attention aux sons utilisés, à la façon dont ils sont exprimés (mélodie) et à l’espace créé.

 

Que remarquez-vous? Les notes sont-elles lentes ou rapides? Le son est-il dense ou aéré? Quelle est la signature temporelle?

 

Écrivez les notes, puis appliquez le concept à tout ce que vous faites. C’est la pollinisation croisée.

ASTUCE : Vous pouvez acheter des packs MIDI ou des mélodies MIDI un peu partout et chercher des idées qui ne sont pas dans les genres que vous faites. Les notes MIDI ne produisent pas de son, ce ne sont que des mélodies. Vous pouvez utiliser des sons harmoniques aléatoires ou des synthétiseurs de votre choix afin d’extraire des mélodies qui sortent de votre routine.

ASTUCE 2 : De nombreux clients ne réalisent pas qu’une des mesures à prendre pour que leurs chansons paraissent plus professionnelles est d’utiliser une tonalité de base avec une gamme. J’aime les nombreux outils de Captain Plugins. Ils ont des plugins de studio qui vous permettent de comprendre la tonalité et la gamme des idées importantes ou de vos propres mélodies (par exemple, certains clients improvisent des mélodies pour découvrir plus tard qu’elles sont dans une gamme spécifique sans le savoir!) Vous pouvez également jeter un œil à Tonic pour ce type d’analyse.

 

Cultivez vos influences :

Avez-vous déjà entendu le dicton « Vous êtes ce que vous mangez »? Dans le monde de la musique, « Vous êtes ce que vous écoutez ». Entourez-vous d’un large éventail d’influences musicales. Des compositions classiques aux expériences d’avant-garde, absorbez tout comme une éponge musicale. En créant une tapisserie unique d’influences, vous développerez une riche palette de sons dans laquelle vous pourrez puiser. N’ayez donc pas peur de vous lancer dans une aventure sonore, vous pourriez bien trouver l’étincelle qui enflammera votre génie musical!

 

Pour faire de la musique de qualité, il faut être exposé à des chansons de qualité.

 

Cela signifie que vous devez écouter de la musique autant que vous en faites. À partir de ce que vous écoutez, essayez de diversifier votre répertoire autant que possible. Lorsque vous découvrez un artiste que vous aimez, fouillez ses racines, ses premières œuvres et ses œuvres récentes.

 

Faites-vous des amis qui aiment profondément la musique et demandez-leur des recommandations. On ne demande pas assez aux gens quels sont leurs favoris, mais c’est un sujet très apprécié si vous aimez la musique.

 

J’adore ce patch max qui ouvre le répertoire de tous les sons de Freesound.org. J’aime ce site parce qu’il est gratuit, mais aussi parce qu’il permet de demander des samples au hasard. J’aime aussi cette page qui me donne des vidéos Youtube à regarder au hasard…

 

TIP: Elphnt a fait un patch sympa qui vous propose des idées pour démarrer de nouvelles idées ou si vous manquez d’idées à un moment donné.

 

Les contraintes vous libèrent :

 

Contrairement aux idées reçues, les contraintes peuvent être le meilleur ami du musicien. Kleon souligne l’importance de fixer des limites pour libérer sa créativité. En vous imposant des limites spécifiques, telles que des restrictions de temps, des instruments limités ou même des structures de chansons inhabituelles, vous obligez votre esprit à sortir des sentiers battus. Ces défis auto-imposés deviennent le catalyseur de l’innovation, ouvrant la voie à des percées musicales que vous n’auriez jamais crues possibles.

 

ASTUCE : faites-vous un kit de batterie et quelques échantillons pour créer vos chansons. Choisissez une chanson au hasard et utilisez-la comme modèle pour la vôtre (BPM, section, ambiance, tonalité, gamme, etc.). J’adore l’outil de Decoda parce qu’il peut vraiment aider à extraire une mélodie ou à comprendre comment une chanson est arrangée.

 

Profitez du voyage :

 

Créer une musique remarquable n’est pas un sprint, c’est un marathon qui dure toute une vie. Alors que vous vous embarquez dans votre odyssée musicale, n’oubliez pas d’apprécier le voyage. Kleon encourage les artistes à embrasser le processus plutôt que d’être obstinés par le résultat final. Chaque composition, chaque séance d’entraînement et chaque faux pas constituent une partie essentielle de votre développement en tant que musicien. Alors, attachez votre ceinture et savourez l’aventure, car c’est le voyage lui-même qui fait de vous l’artiste que vous êtes censé être.

 

Mais que se passe-t-il lorsque l’on est père ou que l’on a un travail exigeant et que l’on ne peut pas consacrer beaucoup de temps à son passe-temps favori? Le voyage se complique un peu. Pouvez-vous encore vous réjouir des résultats sans avoir le temps de faire ce qu’il faut pour lancer votre projet?

 

Voilà pour les musiciens intrépides! Armé des précieux conseils d’Austin Kleon tirés de « Steal Like an Artist », vous possédez désormais les armes secrètes pour vous libérer du carcan des blocages créatifs. Embrassez la révolution du remix, piochez des idées avec fierté, cultivez vos influences, épanouissez-vous dans les contraintes et, par-dessus tout, savourez le voyage.

N’oubliez pas que le monde de la musique est votre univers. Alors plongez sans crainte, créez sans complexe et laissez vos mélodies volées remodeler le tissu même de l’innovation musicale.

 

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

 

La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

 

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

 

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

 

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

 

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

 

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

 

Adopter la rétroaction externe comme approbation

 

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

 

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

 

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

 

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

 

Exploration collaborative :

 

  • Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

 

Mentorat et modèles :

 

  • Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

 

Le pouvoir des réseaux musicaux :

 

  • Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

 

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

  • Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
  • Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
  • Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

 

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

 

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

 

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

 

Avantages des séances de production en personne

Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.