Quel que soit votre niveau de maîtrise d’Ableton Live, vous avez peut-être déjà vu des tutoriels avancés sur YouTube et vous vous êtes demandé s’ils étaient faits pour vous. Bien que je couvre certaines des techniques avancées que j’utilise ci-dessous, je souhaite introduire le sujet de ce que sont les techniques avancées et pourquoi vous aimeriez les utiliser. C’est une chose de s’y intéresser, mais parfois, la simplicité peut être encore plus puissante que quelque chose d’avancé et de compliqué, à moins que vous ne vouliez faire quelque chose de compliqué. Lorsque mes étudiants me posent des questions sur les techniques avancées, nous nous retrouvons toujours dans une conversation sur ce qui est avancé en premier lieu ou sur les raisons pour lesquelles on voudrait utiliser ces techniques. Nous parlons de musique ambiante, d’IDM, d’EDM ou de musique qui semble avancée. Le fait est que les techniques sont toujours divisées en catégories, et c’est là que tout commence.
Performance en live.
Arrangements.
Conception sonore
Mixage.
Alors que la production musicale est une série non linéaire de phases qui se succèdent, vous utilisez d’abord une technique pour reproduire un effet/son spécifique ou résoudre un problème. Pour savoir quelle technique vous voulez ou devez utiliser, vous devez d’abord être capable de nommer le problème auquel vous êtes confronté. Cela peut s’avérer difficile car, parfois, nous ne savons même pas que nous avons un problème.
L’apprentissage circulaire plutôt que linéaire
L’un des problèmes que rencontrent de nombreux étudiants qui travaillent avec moi dans le cadre de l’apprentissage traditionnel ou des cours en ligne est qu’ils utilisent une approche linéaire de l’enseignement et un partage monodirectionnel des leçons. L’approche linéaire s’apparente à la cuisine, où l’on suit les étapes du mode d’emploi et où l’on obtient un résultat à la fin. Dans le domaine de la musique électronique, les expériences ressemblent davantage à un arbre de possibilités qu’à un résultat unique. Imaginez un arbre comme une entité aux racines multiples fusionnant en un noyau et se développant en de multiples branches. C’est la même chose avec la musique : vos racines proviennent de différents espaces, et votre avenir devrait s’orienter vers une large expansion des possibilités plutôt que vers un endroit unidirectionnel. Les leçons monodirectionnelles signifient que vous recevez des informations et que vous les appliquez ensuite. Je ne crois pas tellement à cette méthode parce que je suis curieux et que j’ai toujours envie d’en savoir plus. La curiosité est l’un des traits les plus importants pour apprendre la musique électronique. Je préfère une méthode bidirectionnelle, ce qui signifie que j’apprends à connaître l’élève, ses origines, sa façon d’apprendre et ses objectifs. L’approche que nous utilisons est circulaire lorsqu’il s’agit d’apprendre, et il s’agit principalement de comprendre les obstacles et d’utiliser des stratégies pour les surmonter. Cela conduira à l’exploration de techniques.
Notes d’un cours particulier que j’ai donné. Travailler, apprendre dans un mouvement circulaire.
Comme vous pouvez le constater, nous commençons par maintenir l’élève dans un état de fluidité, mais lorsqu’il rencontre un obstacle, nous disposons d’une stratégie pour trouver des solutions dans le cadre d’une approche. Voyons maintenant comment certaines techniques vont fonctionner pour eux.
Résolution et correction des problèmes
C’est une chose de rencontrer des difficultés techniques, mais c’en est une autre d’être confronté à des limitations techniques. Parfois, on ne sait pas qu’on ne sait pas qu’il y a un problème, et c’est délicat. Dans l’enseignement, transmettre toutes les connaissances à un élève ne s’est jamais avéré efficace. L’une des meilleures façons d’apprendre est de commencer à créer une chanson, une miniature ou une petite expérience en live. Lorsque Live est arrivé en 2024 avec une nouvelle version (12), l’une des premières choses qui a attiré mon attention a été l’évolution de toute la section midi avec l’implémentation directe des patchs max dans les propriétés du clip. Peu de temps après la sortie de la nouvelle version, deux développeurs ont proposé une série d’outils avancés, et je vais expliquer ci-dessous certains des problèmes potentiels qu’ils couvrent.
La première qui a piqué ma curiosité est la collection MIDI Tools de Phillip. Comme son nom l’indique, il s’agit d’une collection d’outils MIDI divisée en deux catégories. Les catégories sont nouvelles dans Live 12. Elles consistent en des conteneurs qui transforment les signaux ou créent de nouvelles idées. Cette approche est similaire à celle des synthés modulaires, où vous avez des sources et des modificateurs. Elle n’est donc pas étrangère à ceux qui viennent de ce monde. C’était déjà le cas dans la version 11, mais ce n’était pas expliqué de cette manière. D’une certaine manière, la nouvelle version de Live revient à ses racines : jouer en live. Les outils proposés par Meyer sont nombreux. Les voici et ce qu’ils font.
Blocks
Blocks
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Principalement utilisé pour la génération de rythmes. Créer des motifs anormaux d’une manière inhabituelle. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Briser ses habitudes de percussion, créer des breakbeats ou des rythmes étranges. Utile pour briser le syndrome de la page blanche. Je pense que celui-ci est mon préféré. Vous dites combien de temps ou de notes vous voulez et vous jouez avec les curseurs. En fonction de la position donnée, les notes seront placées proportionnellement. Il ne s’agit pas d’un séquençage euclidien, mais d’une logique propre.
Phase Pattern
Catégorie : Générateur Ce qu’il fait : Crée des séquences de façon logarithmique. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut créer un effet de balle rebondissante, ce qui signifie que les rythmes peuvent prendre de la vitesse ou changer à mi-chemin. C’est utile pour les pauses, les transitions, les effets et les roulements. Celui-ci est amusant. C’est un bon moyen de créer des motifs élastiques où les choses s’accélèrent, et cela peut aussi être un moyen de changer de rythme au cours d’un morceau.
Turing Machine
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Émule ce que fait la machine de Turing dans le monde modulaire. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver de nouvelles mélodies et de nouveaux motifs. Il est excellent pour briser le syndrome de la page blanche ou pour fournir des idées complémentaires. Si vous ne savez pas ce que fait la machine de Turing, je vous encourage à consulter le site suivant. Il s’agit d’un système inventé par Allan Turing pendant la Seconde Guerre mondiale pour décrypter les codes nazis. Aujourd’hui, nous pouvons l’utiliser pour générer des séquences, des mélodies ou des motifs.
Polyrhythm
Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Crée plusieurs motifs à la fois. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Créer des séquences complexes, percussives ou mélodiques. Si vous n’êtes pas familier avec les polyrythmies, je vous encourage à y jeter un coup d’œil. En gros, les polyrythmies sont un moyen de programmer des motifs qui ne sont pas de la même longueur, ce qui rend la séquence non linéaire et ne tombe pas toujours dans la même boucle. Cela peut avoir un effet hypnotique et dérouter les gens sur le point de départ et d’arrivée d’une idée, comme c’est le cas dans les percussions africaines. Ce générateur utilise des algorithmes euclidiens pour créer ses séquences.
Condition
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une idée et peut proposer des alternatives sous certaines conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver différentes variations pour une séquence. Pourquoi se contenter d’une idée quand on peut avoir un nombre illimité d’alternatives et choisir la meilleure pour ses arrangements? C’est exactement ce que fait ce transformateur.
Develop
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Semblable à Condition, mais lié au temps. Il prend une idée initiale, la développe et l’estompe progressivement. Il s’agit d’un outil intelligent d’amélioration des notes. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut s’agir d’un bon moyen de développer une idée de manière inattendue. Celui-ci est similaire aux conditions. Il fonctionne bien dans la section Arrangement, où vous prenez une idée et voyez ensuite plusieurs idées évoluer à partir d’une idée initiale. Il ne s’agit pas d’une condition, mais plutôt d’un moyen de faire évoluer une idée.
Divs
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une note et la subdivise. Problèmes qu’il peut résoudre : il ne résout pas de problème, mais il permet de faire du cliquetis à partir de n’importe quoi. Cette technique est très populaire dans le Trap ces derniers temps. Elle est conçue comme un compagnon de l’outil Blocks.
Draw
Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Donne une mélodie ou de la vie à un motif de différentes manières. Ce qu’il peut vous aider à faire : Transformer une séquence que vous avez générée en mélodie. Vous pouvez facilement dessiner la hauteur ou d’autres caractéristiques et voir comment cela se passe. C’est un moyen spontané de créer des mélodies et de transformer des motifs rapides en quelque chose d’autre, en leur donnant automatiquement une seconde vie.
Pattern Transform
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et, selon certaines règles, réviser les mélodies et prendre des décisions à votre place. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? De légères modifications à une accroche peuvent vous aider à créer des alternatives pour d’autres sections de votre chanson. Considérez-le comme un assistant de prise de décision basé sur des conditions.
Segments
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Subdiviser une note, mais en fonction de conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Similaire à Divs mais avec une approche similaire à Condition. Idéal pour les motifs micro glitch IDM complexes.
Feel
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : C’est un humanizer. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Rompre avec une séquence robotique et rigide et l’animer d’un swing et d’un sentiment humain.
Shift
Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et le modifier, que ce soit au niveau de la hauteur, de la durée, de la vélocité, etc. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Utile pour avoir des variations sur une séquence ou pour tester la modification de ses caractéristiques à travers une boucle.
Ces outils constituent ce que j’appellerais une bonne sélection d’outils de déblocage. Ils ne sont pas basiques, mais tout le monde peut les utiliser et, avec un peu de patience, ils peuvent fournir des idées solides ou aider à avancer vers des variantes. Je dirais qu’ils font partie de mes indispensables.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/midi-tools-ab.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-29 19:04:062024-04-29 19:04:06Outils MIDI d’Ableton et optimisation du flux de travail
À une époque où peu de gens faisaient de la musique électronique avant que cet art ne se démocratise, il était difficile de rencontrer des gens qui faisaient de la musique, car peu de gens avaient la possibilité d’en produire. On rencontrait quelqu’un qui produisait de la musique, et on avait l’impression d’avoir beaucoup de choses à se dire parce qu’il avait peut-être le même matériel ou la même installation, et on espérait donc pouvoir partager des idées. Aujourd’hui, les logiciels facilitent la production de musique. Grâce à l’IA, les gens peuvent sauter le processus de création et avoir de la musique adaptée à leur imagination. Je constate que les producteurs plus anciens sont blasés par la nouvelle génération. Comme l’a dit un ami et collègue musicien :
Faire de la musique ne vous rend plus spécial. Tout le monde peut le faire.
Parallèlement, les étudiants m’ont demandé comment ils pouvaient élever leur art au-dessus de celui de l’amateur moyen. Pour répondre à cette question, je me suis penché sur le cas de Jean-Michel Basquiat.
Basquiat, un artiste urbain
Basquiat était connu pour sa production prolifique et son style artistique unique, combinant l’art de la rue, les graffitis et les éléments des beaux-arts. Malgré sa courte vie, Basquiat a créé un vaste corpus d’œuvres qui continuent d’influencer l’art contemporain.
L’un des aspects de l’éthique de travail de Basquiat était son dévouement sans faille à son métier. Il était connu pour passer d’innombrables heures dans son studio, travaillant souvent tard dans la nuit ou tôt le matin. Une profonde passion pour l’expression et la créativité était à l’origine de cet engagement envers son art.
L’éthique de travail de Basquiat reflétait également sa concentration et sa détermination intenses. Il abordait chaque œuvre dans l’urgence, canalisant son énergie dans des coups de pinceau spontanés et expressifs. Cette intensité lui permettait de capturer des émotions et des idées brutes sur la toile, ce qui se traduisait par des œuvres d’art visuellement frappantes et intellectuellement stimulantes.
Tout en étant prolifique, il s’est fait un nom auquel nous nous référons encore aujourd’hui. Si vous analysez son œuvre, vous verrez qu’il a utilisé de multiples moyens pour se faire un nom qui peuvent être appliqués à la création musicale. Examinons les points qui lui ont permis d’atteindre le statut qu’il s’est forgé.
Matière première
Dans la vidéo, le narrateur raconte comment Basquiat a trouvé un livre qui lui a servi de base d’inspiration. Basquiat utilise une collection d’icônes, de logos et d’images sur une page spécifique dans un grand nombre de ses œuvres. C’était son vocabulaire, et c’est aussi devenu son moteur. Si ses œuvres s’articulaient autour d’un thème, on verrait ces mêmes icônes omniprésentes. C’est une façon d’avoir toujours une collection d’idées répétitives qui, d’une certaine manière, a établi sa marque.
La façon dont j’enseigne la musique n’est pas très éloignée de cette approche. J’encourage tous les artistes avec lesquels je travaille à se constituer un ensemble de références et à consacrer beaucoup de temps à la recherche de samples qui suscitent l’enthousiasme. Des services tels que Splice proposent de nombreux articles, tels que des échantillons, des générateurs d’esquisses IA, des plugins et d’autres outils. Par rapport au jazz, la musique électronique doit choisir parmi un trop grand nombre de sons, et il est facile de se perdre dans le choix du son à utiliser pour créer une nouvelle chanson. Votre matière première peut être divisée en deux catégories principales :
Sons repères. Ce sont des sons que vous utilisez par défaut dans toutes vos idées initiales. À l’époque, les gens n’avaient d’argent que pour acheter une 909 ou une 303, et c’était le son qu’ils utilisaient de facto. Comme nous avons maintenant accès à tout, il est utile d’avoir un modèle de sons que vous utilisez comme point de départ, et que vous pouvez échanger par la suite.
Identity. These are more about representing you. Some artists have identity sounds that you can immediately recognize in the first minute of listening to their song. These can be a selection of sounds, presets, or specific effects.
Très souvent, les gens achètent du matériel ou des synthés logiciels au hasard. Il est assez pratique d’utiliser une démo pour le tester. Mais si vous utilisez des samples, ils sont souvent étiquetés avec le nom du synthé utilisé pour les créer. Il est également possible de faire de la rétro-ingénierie. Si vous avez l’impression que les samples ne vous conviennent pas, rappelez-vous que tout a été samplé d’une manière ou d’une autre. Le fait d’avoir des échantillons de qualité forme vos oreilles à ce qu’est la qualité. C’est essentiel pour l’apprentissage de la conception sonore. Si vous lisez ce blogue, ces concepts ont été abordés à de nombreuses reprises.
Voler comme un artiste
À un moment de la vidéo, Basquiat explique d’où viennent certaines citations qu’il a écrites et qui sont tirées de livres ou de films. Certaines images sont inspirées d’œuvres d’art qu’il a vues. Il ne les a pas copiées, il les a volées dans un contexte et les a introduites dans son monde.
(L’art) est une question de goût. Vous voulez essentiellement vous exposer à ce que les humains ont fait de mieux et l’appliquer à ce que vous faites. Steve Jobs
C’est vrai pour beaucoup de choses. Pour cuisiner des plats savoureux, il faut manger des plats exceptionnels. Il en va de même pour les sons. Je me sens souvent plus à l’aise avec l’idée que je suis un collectionneur qu’un musicien. Ma musique est une collection d’idées que j’aime et qui proviennent de sources aléatoires. Votre inspiration vient de vos références. Personne n’a jamais rien fait qui n’ait été inspiré par le travail de quelqu’un d’autre. Le fait que vous fassiez un genre vient du fait que vous avez entendu ce genre dans un contexte qui vous a inspiré. Alors, autant commencer une collection de chansons inspirantes. Il peut s’agir d’un son, d’une réverbération, de la façon dont les transitions sont faites ou d’une progression d’accords. S’il y a une chose que vous aimez dans une chanson, mettez-la dans votre dossier de référence. Ensuite, vous analysez vos références. Prenez des tonnes de notes et essayez d’imiter. Demandez à vos amis comment on fait quelque chose. Cherchez dans Splice des sons similaires.
Toutes ces expériences développent votre imagination, ce qui vous permet de trouver des idées fondamentales à conserver. Il faut parfois 50 idées pour en trouver une qui soit exceptionnellement satisfaisante. Essayez d’en faire plusieurs et de vous inspirer ouvertement de partout. Les artistes hip-hop sont plus à l’aise lorsqu’il s’agit de prendre des idées, car ils s’inspirent toujours des autres. Je dois dire que j’ai vu de nombreux clients remixer de la musique pop l’année dernière, de sorte que l’aspect « bootleg » devient une option. Toutefois, n’oubliez pas de respecter le travail de toute personne dont vous vous inspirez directement.
Avoir un message
L’un des messages de Basquiat qui l’a motivé était qu’il n’y avait pas assez d’artistes noirs dans le monde de l’art. Il voulait changer cela et s’impliquer lui-même, en en faisant le centre de son travail. La force d’un message est d’inciter les médias à s’intéresser à ce que vous avez à dire, et de rallier des adeptes qui s’y reconnaissent.
La musique punk a son message anarchiste, et le hip-hop a un message lié aux gangs pour certains artistes, tandis que pour d’autres, il s’agit de la lutte des gens dans le monde actuel. La house music a également toujours représenté un espace sûr pour les personnes homosexuelles qui souhaitent danser. Quel que soit le genre que l’on adopte, il y a une histoire qui le sous-tend et dont on oublie parfois les racines politiques. Il n’est pas obligatoire de connaître l’histoire, mais on peut aussi s’appuyer sur un genre pour y apporter son histoire et ses valeurs.
Avoir un message et une vision vous aidera à donner un sens à votre musique, et dans les moments où vous vous heurtez à un mur d’inspiration, votre message suscitera plus d’inspiration.
La vitesse
Si vous lisez ce blogue ou travaillez avec moi, vous savez que la rapidité est un élément auquel je crois. Les idées vont et viennent, parfois très rapidement, et ne restent pas toujours. La rapidité avec laquelle vous pouvez rassembler vos idées vous aidera à les saisir au vol, peut-être pour les terminer plus tard, mais surtout pour voir si elles ont un sens. C’est une chose d’avoir une idée, c’en est une de la faire fonctionner correctement.
Basquiat, lui, travaillait vite. Très vite. Dans la vidéo, ils racontent que sa rencontre avec Warhol a stimulé sa créativité et qu’à un moment donné, JM a fait un autoportrait d’eux dans un moment rapide, puis l’a rapporté à Andy, qui était stupéfait de sa rapidité. L’une des raisons pour lesquelles les artistes sont lents de nos jours est le manque d’organisation et de méthodologie. Plus on est organisé dans la gestion de son temps et de son art, plus on est rapide. La production musicale est une série de phases, et si vous vous asseyez pour faire de la musique et que vous voulez tout faire en même temps, vous serez frappé par une fatigue décisionnelle.
Le deuxième obstacle est l’ego. Cette partie de vous-même a toujours l’impression d’avoir quelque chose à prouver, à contrôler et à être ce que vous n’êtes pas. Cela conduit à la procrastination et à la distraction. Ma vision de la création musicale est alimentée par le plaisir dans toutes ses composantes. Lorsque le plaisir est présent, vous êtes dans la zone.
La zone est la clé du succès.
Étudier, mémoriser, intérioriser
C’est dans la dernière partie de la vidéo que j’ai vu le parallèle le plus fort avec ce que je fais en tant qu’artiste. Pendant mon temps libre, j’écoute toutes sortes de musiques, de radios et de films et j’étudie de nombreux tutoriels sur YouTube. Je pense que j’en regarde environ 10 par jour. Je prends beaucoup de notes à partir de ces tutoriels et, une fois devant mon ordinateur, je teste de nouvelles découvertes ou je revisite des techniques que je faisais déjà pour leur donner une nouvelle tournure. Pour chaque chanson, j’ai commencé par explorer une technique et j’ai développé de nouvelles idées en pratiquant.
Sauvegarder des macros est devenu quelque chose que je fais toujours. J’associe certains paramètres aux boutons de la macro et je m’amuse ensuite à créer des préréglages en les randomisant ou en les manipulant à l’aide d’un contrôleur. La réalisation de ces croquis touche à tout ce qui précède :
elle augmente la vitesse.
Je maîtrise mieux mon vocabulaire et je me rapproche de mon message.
Il est plus facile d’intégrer les idées que je « vole » ou dont je m’inspire.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/basquia.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-24 14:37:202024-04-24 14:37:20L’éthique du travail de Basquiat
Je ne sais pas si vous avez suivi les tendances ces derniers temps, mais il y a eu un retour de bâton contre les sites de streaming. Je sais que c’est nouveau, car le ressentiment à l’égard de ces plateformes a été intense depuis que Spotify est devenu le chef de file, avec un montant ridiculement bas reversé aux artistes, mais il semble qu’il y ait eu un changement dans la narration dernièrement.
Le point de départ
D’après les différentes vidéos que j’ai vues sur YouTube, il semble que cela ait commencé avec le rejet par Kanye West des différentes plateformes sur lesquelles il avait fait de la publicité pendant le Super Bowl, ce qui a entraîné un énorme trafic vers son site.
Après avoir regardé cette vidéo, j’ai vu de plus en plus de nouvelles allant dans ce sens, mais ce n’était pas nouveau. Fin 2023, depuis que je passe du temps sur les forums, Reddit et Facebook, j’ai vu une vague de commentaires d’artistes qui en avaient assez et voulaient vendre leur musique eux-mêmes de plus en plus. La direction prise par les gens était de quitter tous les sites de streaming et de se diriger vers Bandcamp seul avec une boutique personnelle.
Je partagerai quelques réflexions personnelles à ce sujet dans un article un peu plus philosophique que technique.
Les débuts de l’ère Peer 2 Peer
Alors que je faisais de la musique à la fin des années 90, je me souviens d’un jour où certains de mes collègues m’ont dit qu’ils n’écoutaient plus la radio depuis qu’ils téléchargeaient leur musique. Savoir que l’on pouvait accéder gratuitement à toutes les chansons que l’on voulait était à la fois intriguant et choquant. Je me souviens d’avoir cherché de la musique, principalement de la pop, et à peine de la musique électronique que j’aimais en dehors de The Chemical Brothers. Il n’a pas fallu longtemps pour que tous les CD de musique apparaissent. Des mois après ma découverte, cela a alimenté un conflit interne à propos de tout cela. Mais ce qui était clair à l’époque, c’est que tous les geeks et les vrais amateurs de musique que je connaissais gardaient un œil sur les chansons à venir.
Mp3.com
Puis j’ai découvert le site MP3.com, où les artistes postent leur musique et rencontrent d’autres personnes. Voyez-le comme l’ancêtre de Soundcloud, mais vers 1999 ou 2000. Une poignée de personnes faisaient le même genre de musique que moi, et c’était utile pour créer une petite communauté. Peu de temps après mon arrivée sur le site, j’ai reçu un message énigmatique d’un Allemand qui m’expliquait ce qu’étaient les Netlabels et me demandait si je voulais rejoindre le sien sous le nom de Thinner. C’était un petit groupe, et le concept de netlabels était encore en cours d’élaboration. Si vous n’êtes pas familier avec le concept des Netlabels, l’idée était d’utiliser le flux très populaire des téléchargements à l’avantage des artistes en y insérant votre musique fraîchement créée. La logique était la suivante : puisque les gens recevaient tous de la nouvelle musique, nous pouvions bénéficier de l’ajout de la nôtre. Nous étions d’accord pour ne pas faire de ventes ; il s’agissait uniquement de s’assurer que notre musique serait entendue. Et cela a fonctionné.
La vague Thinner
Thinner a été très populaire à un moment donné, atteignant 40 000 téléchargements les premiers jours de sa sortie. Tout était hébergé sur le site Archive.org, où d’autres Netlabels apparaissaient également. Les médias allemands ont commencé à s’y intéresser et à en parler. Comme j’étais le représentant canadien, les médias locaux m’ont contacté pour en savoir plus. Radiohead a fait la même chose peu de temps après avec une sortie gratuite, et les médias en ont fait des tonnes. Ironiquement, lorsque j’ai rejoint Thinner, des DJ locaux m’ont dit que c’était une mauvaise idée, que je ne gagnerais jamais le respect des labels sérieux et que je m’épuiserais. C’est exactement le contraire qui s’est produit. Mes premières tournées européennes étaient directement liées à mes albums Thinner, et lorsque je me produisais, les gens venaient me voir pour me parler de leurs chansons préférées de mes albums. Peu de temps après, j’ai été signé sur le label M_nus de Hawtin. C’était en quelque sorte la première fois que quelqu’un qui s’était fait connaître sur Netlabels passait à un label vinyle plus important. Je pense que c’est à ce moment-là que les gens ont commencé à accorder du crédit au mouvement créé par Thinner. Cette expérience a influencé la façon dont j’ai vu Spotify apparaître. Je me souviens qu’à l’apogée de Thinner, Sebastien Redenz disait déjà que le meilleur moyen de pérenniser l’entreprise était de vendre des chansons pour 1 centime d’euro. C’est ce qu’il avait en tête, et cette observation m’a préparé au modèle Spotify.
Piratage de la musique et Soulseek
Parallèlement aux Netlabels, la plupart des gens téléchargent encore de la musique, principalement par le biais de torrents ou de Soulseek (encore utilisé aujourd’hui). Je pense qu’avec la mentalité de la fin des années 90, les gens téléchargeaient sans honte. Cela a créé une communauté, et en traînant sur Soulseek, je me suis fait des amis à l’étranger qui ont fini par me trouver des concerts localement. Je l’ai utilisé pour partager ma musique. Certaines de mes précieuses sorties ont fuité, et je préférais ne pas le faire puisque c’était un accord avec le label, et j’ai vu la communauté sous un autre angle. Je me souviens que quelqu’un qui a reçu l’album m’a dit que « de toute façon, la musique est faite pour être gratuite ». C’était un peu décevant pour eux, et plus tard, cette même personne a sorti un album et s’est plainte sur Facebook que les gens partageaient leur musique sur Soulseek.
Il y a beaucoup d’émotions ambivalentes à ce sujet et, en fin de compte, je pense que c’est à l’artiste de décider comment sa musique doit être partagée, ce qui est un peu ce que je vois aujourd’hui avec le retour de flamme de Spotify.
Bandcamp et la vente directe
Depuis le début des années 2000, je pense qu’il n’y a qu’une seule boutique qui ait fait les choses correctement : Bandcamp. Je veux dire, en tant que modèle commercial, parce que leur approche antitrust était assez décevante. Cela dit, ce n’est pas parfait, et certaines parties sont un peu frustrantes, mais la plus grande partie correspond parfaitement à ce dont nous avons besoin en tant qu’artistes. Même le partage de l’argent fonctionne. J’ai toujours été frustré par le fait que des boutiques comme Beatport ne vous permettent pas de choisir un prix pour votre sortie, ce que je trouve assez stupide. Si vous êtes un label, il existe de nombreux outils pour vendre, et cela fonctionne bien. J’aimerais qu’il y ait plus de contrôle sur le bootlegging. De temps en temps, on voit quelqu’un revendre la musique d’un artiste sans honte, mais cela suscite généralement beaucoup de haine. La vente de musique à partir d’un site web présente quelques défauts :
Coûts d’un site sécurisé
Un système d’achat qui évolue avec le marché et reste accessible
Mises à jour
Créer du trafic
Marketing
Il s’agit là de petites choses, et vous vous aventurez sur le chemin de l’entrepreneur, ce qui n’est pas facile. Je dis souvent ceci à mes clients : tant que les gens ne vous disent pas qu’ils veulent acheter votre musique, vous n’avez aucune raison de vouloir la vendre. Beaucoup de gens sont déprimés parce que leur musique ne se vend pas…
Alors, cela vaut-il la peine?
Comme je l’ai dit, pas avant qu’il y ait une demande. Vous devez d’abord nourrir votre communauté, vous assurer que les gens autour de vous aiment votre musique et en parlent. Cela demande beaucoup de temps, de dévouement et de patience. Peu de gens peuvent s’offrir une publicité au Super Bowl, c’est pourquoi viser d’abord les petites choses peut faire la différence. Je pense que cela peut valoir la peine pour un label qui réalise des ventes, mais c’est par Bandcamp qu’il faut commencer. Il n’est pas rare de trouver sur Bandcamp des albums qui ne sont pas vendus. Je pense qu’il vaut mieux attendre avant de mettre sa musique sur Bandcamp. Récemment, Deezer a supprimé 26 millions de chansons qui n’avaient jamais été écoutées (ou qui posaient problème), et le trop-plein de musique n’aide personne.
L’autre modèle
Parallèlement à tout cela, j’ai observé un autre nouveau mouvement, d’une certaine manière. Sur un fil de discussion, quelqu’un a fait un commentaire :
Les fans de musique sont fondamentalement abusifs. Vous leur dites que vous êtes exploité, ils disent qu’ils s’en soucient mais continuent à le faire. Ce n’est pas surprenant si vous voyez comment les gens continuent à acheter chez H&M ou à se procurer le dernier téléphone intelligent. Je ne veux pas vraiment donner ma musique à l’étranger, je veux la garder pour mes amis.
La conversation portait sur ce qui se passerait si les musiciens avaient l’autre mentalité de ne pas vouloir partager leur musique avec le monde entier. Au lieu de cela, ils se concentrent sur les contacts immédiats qui veulent écouter et jouer leur musique. Un consensus s’est dégagé sur le fait qu’ils préfèrent donner leur musique à cinq personnes qui veulent l’écouter plutôt que de payer Tunecore ou Distrokid pour que leur musique soit diffusée partout et qu’elle soit écoutée dix fois. C’est la rareté qui crée la valeur, pas l’accessibilité totale.
Pourquoi quelqu’un paierait-il pour quelque chose qu’il peut obtenir en un claquement de doigts ?
Cette conversation s’est poursuivie pendant un certain temps et j’ai remarqué que certains amis et clients allaient dans la même direction. J’ai joué de la musique à l’occasion de l’anniversaire d’un ami et j’ai vérifié le contenu de sa clé USB. Il avait un dossier contenant une cinquantaine de chansons d’un artiste dont je n’avais jamais entendu parler. Elles étaient toutes excellentes. Plus tard, j’ai consulté des sites de streaming ou des magasins, et aucune de ces chansons n’y figurait. Mon ami m’a parlé de quelques artistes qui créent des chansons tous les jours et ne les vendent pas. Au lieu de cela, ils transmettent leur musique à des DJ qu’ils apprécient.
Vous me demanderez quel est le modèle économique là-dedans? Je ne pense pas qu’il y en ait un, ou du moins il n’est pas clair. Certaines personnes ont accepté le fait qu’elles ne feront pas de leur musique une activité commerciale tant que les gens ne seront pas intéressés par l’achat ou qu’ils n’attireront pas l’attention d’un label. Ils savent qu’ils veulent que leur musique soit jouée par des DJ, qui finiront par attirer l’attention de quelqu’un. Je pense que c’est ce qui les motive au-delà de la commercialisation de leur musique. J’aime beaucoup cela. C’est une version moderne des Netlabels, mais qui vise davantage à créer une communauté qu’à vouloir désespérément attirer l’attention de tout le monde. Ce type a marqué un point, et je suis en train de parler de lui. Peut-être qu’en tant que musiciens et artistes, notre approche doit être plus expérimentale. Tenir une boutique en est une, mais je ne pense pas que nous ayons encore trouvé la bonne voie. Nous avons davantage besoin d’une communauté avec des boutiques… C’est ce qu’est Bandcamp. Voyons ce que l’avenir nous réserve.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/sell.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-12 13:20:492024-04-12 13:20:49Arrêter le streaming et vendre directement
Lorsque nous nous plongeons dans la musique électronique, un concept façonne continuellement notre paysage audio, et vous ne savez peut-être même pas de quoi il s’agit : le timbre. Souvent décrit comme la « couleur » ou la « qualité tonale » du son, le timbre est la caractéristique qui distingue un instrument ou une source sonore d’un autre, même s’ils jouent la même hauteur au même volume. Dans cet article, nous allons aborder ce que j’ai appris sur le timbre dans la musique électronique, en nous concentrant sur la façon dont les synthétiseurs et la conception de l’enveloppe jouent un rôle essentiel dans sa création. Pourquoi est-il important de comprendre ce qu’est le timbre ? Si vous vous intéressez à la conception sonore, ceci devrait être votre porte d’entrée dans ce domaine. Si vous savez comment le timbre fonctionne, vous comprendrez comment les sons sont produits. Cela signifie que vous pourrez alors extrapoler les bleeps de votre imagination en bloops de la vie réelle.
À la base, le timbre se situe sur un axe multiple, couvrant les aspects du son. Il comporte divers facteurs tels que les harmoniques, la dynamique, les harmoniques supérieurs, l’attaque, le decay, le sustain et le release. Ces éléments forment collectivement l’empreinte digitale d’un son, ce qui nous permet de distinguer un piano d’une trompette ou d’un synthétiseur. Pour vous donner un exemple, vous pouvez jouer le même C2 sur tous ces instruments, mais votre oreille sera capable d’identifier à la fois les notes et les instruments. C’est parce que l’oreille comprend que les multiples éléments du timbre sont uniques. En détail, les éléments qui déterminent la couleur d’un son sont les suivants :
L’amorce. Le tout début d’un son contient des informations dynamiques qui vous permettent de comprendre de quoi il s’agit. Par exemple, un tambour et un piano sont tous deux des instruments de percussion, mais leur son est complètement différent.
Profil spectral. La composition d’un son est un ensemble de tons, d’harmoniques et d’harmoniques supérieurs différents. Cela implique également le bruit et l’inharmonicité. Ce dernier point, également connu sous le nom de bruit, définit une certaine quantité de composantes non linéaires, qui sont aléatoires et ne suivent pas un modèle précis.
Dynamics. This is how the sound changes over time. Of course, this is related to the envelope of that sound (ADSR).
Synthèse et timbre
Au début de l’année 2024, j’ai décidé de rejoindre la classe de Synthèse de Sarah Belle Reid. J’étais un peu sceptique au début car depuis que j’ai commencé à faire de la musique, au début des années 90, j’ai tout appris par moi-même et je continue d’apprendre chaque jour. Avoir l’impression d’avoir accès à toutes les connaissances vous donne beaucoup d’énergie, mais cela crée aussi une sorte d’aveuglement qui vous permet d’avoir des informations dont vous ne soupçonniez pas l’existence. Voici quelques-unes des raisons pour lesquelles les gens me consultent souvent : manque de vocabulaire, incompréhension de concepts mal expliqués en ligne et remarques sur la sonorité d’un son spécifique. Revenons au cours de Reid. Cela commence par les connaissances de base sur le son lui-même et passe en revue chaque élément lié au son, avant de procéder à une démonstration. Voir, entendre et se faire expliquer ces concepts permet de percevoir le son d’un point de vue très technique. C’est une chose de le comprendre, mais c’en est une autre d’avoir du vocabulaire. Le timbre a été l’un des points les plus importants du cours pour moi. Ce n’est pas avec un simple article de blog que je peux passer en revue tous les éléments principaux concernant le timbre, mais je voudrais souligner que le moment décisif a été de revoir la façon dont j’utilise un spectrogramme. Voir le son sous cet angle m’a aidé à comprendre ce qu’est le timbre. C’est un concept facile à lire, mais pas nécessairement facile à saisir.
Voici mes deux conseils :
Examinez la réponse en fréquence de l’information du début d’un son.
Observez comment le son s’estompe et comment les fréquences se transforment lentement.
Sachant que le début façonne une partie importante de votre son, voici une inspiration directe sur la façon d’utiliser votre enveloppe ADSR pour façonner ou modifier la forme des sons que vous avez. L’amplitude de votre son peut être modelée par une première enveloppe et une seconde enveloppe peut modeler le filtrage ou d’autres éléments.
Pour créer le timbre d’un son, vous devez combiner plusieurs oscillateurs, bruits et modulations pour imiter le contenu spectral.
Approfondissons l’enveloppe et la synthèse du contenu.
Conception de l’enveloppe et techniques dynamiques
Au cœur de la manipulation timbrale se trouve la conception de l’enveloppe, un point important de la formation du son dans la musique électronique. Vous pouvez l’utiliser pour la compression, mais elle est aussi là pour la conception. Les enveloppes dirigent l’évolution d’un son dans le temps, en dictant son amplitude, sa fréquence et son contenu spectral. La compréhension des paramètres d’enveloppe, en particulier l’attaque, le decay, le sustain et le release (ADSR), est cruciale pour créer des sons dynamiques et expressifs.
Attaque : L’attaque d’un son, caractérisée par son transitoire initial, prépare le terrain pour notre perception auditive. Une attaque vive confère au son immédiateté et présence, tandis qu’une attaque graduelle lui confère une qualité plus douce et plus éthérée. Decay (décroissance) : Après l’attaque, la phase de décroissance détermine la vitesse à laquelle l’intensité du son diminue. Une décroissance plus longue soutient le son, tandis qu’une décroissance plus courte lui confère un caractère percussif ou pincé. Sustain (maintien) : Une fois la phase de décroissance terminée, le segment de sustain maintient une amplitude constante jusqu’à ce que le son soit relâché. Le réglage du niveau de sustain permet d’obtenir des articulations soutenues ou staccato. Release (relâchement) : Lorsque le son disparaît dans le silence, la phase de relâchement régit la durée du decay. Un relâchement court produit une fin nette et abrupte, tandis qu’un relâchement plus long confère une décroissance persistante. Les sons du monde réel ou des instruments sont rarement statiques. Ils ne sont souvent jamais la même chose lorsqu’ils sont joués plusieurs fois, mais ils changent aussi un peu sur différents aspects : variation spectrale, modulation d’amplitude, hauteur. Dans le monde modulaire, l’utilisation de LFOs et d’enveloppes est pratique pour modifier ces aspects. Vous voudrez les utiliser pour obtenir de légères variations. Le synthétiseur logiciel Pigments est très bien conçu à cet égard, car il offre de nombreuses possibilités de modulation qui peuvent ensuite être acheminées vers un grand nombre de paramètres différents.
Utilisation et filtre dynamiques
En plus de la conception de l’enveloppe, l’utilisation de la dynamique et le filtrage contribuent de manière significative à la variation timbrale. Les techniques de modulation dynamique, telles que la sensibilité à la vélocité et l’aftertouch, introduisent des nuances expressives dans les performances. Parallèlement, le filtrage – par le biais de filtres passe-bas, passe-haut, passe-bande ou coupe-bande – façonne le contenu spectral d’un son, en accentuant ou en atténuant des fréquences spécifiques pour sculpter davantage son timbre. Une bonne façon de pousser le filtrage est d’utiliser des filtres colorés tels que l’émulation MS20 ou le vactrol. Comprendre le LPG (Low Pass Gate) est aussi une autre option.
Depuis que je me suis procuré un Freak Module de Vult, mon son est passé à un autre niveau. Il dispose d’une émulation de filtres multiples, d’une certaine saturation et d’un mode duplex qui permet d’enchaîner des filtres ou d’avoir différents filtres en mode stéréo. C’est assez puissant.
Conclusion
Dans le monde en constante évolution de la musique électronique, le timbre est quelque chose qu’il faut comprendre si l’on veut définir son son et sa signature personnelle. En comprenant la puissance des synthétiseurs, en maîtrisant la conception des enveloppes et en employant des techniques dynamiques et de filtrage, les musiciens et les producteurs peuvent débloquer de nouvelles possibilités créatives. Cet article nous a permis de pénétrer au cœur de l’exploration timbrale dans la musique électronique, en mettant en lumière l’interaction complexe entre la synthèse, la conception d’enveloppe, la dynamique et le filtrage. Grâce à ces connaissances, vous pourrez définir vos compétences en matière de conception sonore, en sculptant des sonorités timbrales qui redéfiniront qui vous êtes. Continuez vos recherches pour plus de détails et faites-moi savoir si vous avez des questions.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/04/timbre.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-04-04 11:17:562024-04-04 11:17:56L’essentiel du timbre en musique
Il m’arrive parfois de trouver de superbes vidéos avec des techniques de production que j’adore. Après les avoir pratiquées, j’ai pensé les partager avec vous pour que vous puissiez bénéficier de cette découverte. Dans ce cas-ci, il s’agit du concept de miniatures et de la façon dont il est associé à certains principes de conception sonore que j’ai appliqués. Récemment, j’ai rejoint le programme Sound and Synthesis de Sarah Belle Reid, qui s’est avéré très instructif. Une fois que j’ai commencé à me plonger dans la conception sonore et ses mécanismes, j’ai non seulement commencé à comprendre l’ADN du son sous un angle différent, mais aussi dans le contexte d’une chanson.
Qu’est-ce qu’une miniature?
En parcourant YouTube récemment, j’ai trouvé cette vidéo qui m’a emballé. La miniature est un pas en arrière par rapport à la création de chansons et a la perspective d’utiliser un son dans un concept de bulle minuscule. Il s’agit d’une idée de 10 secondes à 1 minute. Rien de plus. Il ne s’agit pas d’essayer d’intégrer autant d’éléments que possible, mais plutôt de prendre un son et de voir comment en tirer le meilleur parti. Lorsque j’enseigne la production musicale, il y a un autre exercice que j’aime suggérer aux étudiants : prendre un son très basique (sample) et le transformer en « idée principale ». Pour ce faire, je suggère de choisir d’abord un son aléatoire, de préférence quelque chose que vous considérez comme ennuyeux, puis de le jouer de façon répétée pour en tirer un motif. Modifiez éventuellement la hauteur du son, mais parfois, il suffit de le laisser à sa hauteur d’origine. Voyez comment vous pouvez en tirer une phrase et composez une chanson (1 à 2 minutes) à partir de ce seul élément. Parfois, je vois un sourcil se lever en signe de doute, mais j’explique alors que n’importe quel son, en soi, peut être une chanson. Par exemple, John Cage a créé une chanson pour les taper dans les mains :
Revenons donc aux miniatures. Pensez à de petites idées qui fonctionnent, idéalement avec 1 ou 2 sons. Regardez la vidéo ci-dessous :
Le titre un peu « piège à clics » m’a d’abord fait lever les yeux au ciel, mais je l’ai ensuite consulté pour y trouver quelque chose d’assez amusant. Pour résumer, il suggère d’écrire des idées sur une carte, ce qui créera un petit défi, comme une idée miniature. Ces idées ont certains critères :
En voici un exemple :
On oublie souvent que les chansons sont une collection de sons et de sonorités qui évoluent d’elles-mêmes, que ce soit pendant un court laps de temps ou pendant toute la durée de la chanson. L’idée de créer des miniatures devient utile parce que vous créez des idées qui peuvent être incluses plus tard dans une chanson. Envisager la production musicale de manière modulaire (pas au sens de synthétiseur modulaire) peut vous aider à travailler sur différents éléments de vos chansons avant de vous plonger dans les arrangements. L’une de mes principales sources de plaisir coupable est de trouver des boucles amusantes sur Splice comme point de départ, donc construire mes boucles est utile pour créer des chansons plus tard.
Enveloppes et macro-enveloppes
L’un des éléments que nous avons abordés dans la conception sonore est la façon dont les enveloppes façonnent les sons en fonction de leur forme. Mais lorsque l’on pense à des miniatures ou à des chansons, il peut être utile de penser à une macro-enveloppe. Ce que je veux dire ici, c’est qu’il y a une évolution dans l’ensemble de la chanson. Un exercice que Sarah nous a donné pour une performance consiste à dessiner la forme de l’évolution de votre chanson ou de votre motif pendant toute la durée de l’expérience. Il pourrait commencer brusquement, s’estomper, puis devenir de plus en plus fort jusqu’à la fin. Si vous êtes un utilisateur de Shaperbox comme moi, vous savez que vous pouvez utiliser ses enveloppes internes pour modeler l’amplitude ou le filtre sur une longue période. Cela devient pratique si vous voulez une modulation lente et répétitive.
Si vous voulez des idées de miniatures, je vous encourage à regarder la vidéo plus haut. J’y ai trouvé une inspiration immédiate pour mes sons.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/03/Blue-Magazine-Cover-Intro-Instagram-Post.jpg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-03-22 15:45:182024-03-22 15:45:18Concept de miniatures en musique
Il m’arrive d’être déconcerté par deux choses lorsque je travaille avec des clients :
Ils repartent de zéro à chaque fois qu’ils créent une nouvelle chanson.
Ils laissent dormir les projets terminés (et ne les réutilisent jamais).
Dans les deux cas, il s’agit d’une énorme perte de temps et d’énergie. Mais lorsque je leur explique que chacun de leurs projets est une mine d’or d’opportunités qui dorment sur leur disque dur, je vois leur visage s’illuminer. Si vous y réfléchissez, une chanson contient souvent beaucoup de matériel résiduel qui ne sera pas utilisé. Pensez à tous les éléments communs à toutes vos chansons, alors pourquoi ne pas créer un moyen de permettre à l’ordinateur d’utiliser les ressources pour créer ce matériel.
En fin de compte, la façon dont j’aborde la création musicale consiste à trouver une idée très originale, puis à la replacer rapidement en contexte afin de pouvoir lui donner un cadre temporel.
Pourquoi accélérer votre flux de travail?
Il est intéressant de noter qu’en tant qu’artiste et coach, j’enseigne souvent que la créativité est un processus très lent et qu’essayer de précipiter les choses n’est pas forcément une bonne idée. Mais paradoxalement, il est important de saisir une idée et d’en tirer le meilleur parti, puis de passer à autre chose. L’idée d’accélérer votre processus est de faciliter votre expression afin de ne pas vous perdre dans les détails techniques. L’un des points sur lesquels de nombreuses personnes perdent du temps est celui des détails, de la clarification des détails techniques, etc.
Si une chanson est une idée, placée sur une ligne de temps, il est également facile de s’éloigner de cette idée si l’on est plus technique qu’artistique.
Les stratégies ci-dessous visent à faciliter la partie technique en se concentrant sur l’organisation.
Stratégies
La première façon d’accélérer votre processus est de penser à l’avenir. À l’instar de ce mouvement qui consiste à payer un café à un futur client qui serait à court d’argent, le meilleur moyen d’accélérer la prochaine session est de l’organiser dans celle sur laquelle vous êtes en train de travailler. Je vous expliquerai les habitudes et les stratégies qui vous seront utiles par la suite.
Une méthode efficace consiste à utiliser la fonction d’importation du navigateur Ableton Live. Par exemple, si vous avez développé une chaîne d’effets captivante dans un projet précédent, enregistrez-la en tant que macro. Ces macros peuvent ensuite être facilement importées dans de nouveaux projets, ce qui vous donne une longueur d’avance avec des sons testés et éprouvés.
Création de modèles
Au-delà de l’importation d’éléments spécifiques, envisagez de créer des modèles basés sur vos projets les plus réussis. Ces modèles peuvent inclure votre routage préféré, des chaînes d’effets par défaut et même des instruments provisoires. En commençant un nouveau projet avec ces modèles, vous pouvez réduire considérablement le temps de configuration et vous plonger directement dans le processus de création.
Si vous remarquez une routine ou une habitude, transformez-la en un modèle où vous pourrez importer ce qui est nécessaire.
Les arrangements judicieux ou les modèles de mixage sont essentiels.
Les modèles sont en fait comme une recette que vous pouvez réimporter en tant que chaîne ou section d’arrangement, ajuster à votre goût et enregistrer à nouveau en tant que nouveau modèle.
Il s’agit de « Presets généraux ».
CONSEIL : Il existe différents types de modèles pour commencer. Analysez vos 10 derniers projets pour voir ce qui y est toujours présent de facto.
Création d’une chaîne de « restes »
Une autre méthode innovante consiste à créer un canal spécial dans votre DAW pour les « restes » ou « reliquats », c’est-à-dire les morceaux de projets antérieurs qui n’ont pas été retenus mais qui ont encore du potentiel. Il peut s’agir d’une mélodie à moitié terminée, d’un effet sonore intéressant, d’un motif vocal abandonné ou d’un motif de batterie unique. En sauvegardant ces restes, vous créez une bibliothèque sonore personnelle qui est non seulement originale, mais aussi imprégnée de votre style. Chaque fois que vous êtes bloqué ou que vous avez besoin d’inspiration, plongez dans cette piste et découvrez des éléments qui peuvent susciter de nouvelles idées.
Il y a toujours eu une règle tacite selon laquelle il ne faut pas utiliser de préréglages (presets) et qu’il faut se réinventer pour chaque projet. Bien que cela réponde au besoin de toujours avoir des idées non répétitives d’une chanson à l’autre, cela peut aussi prendre beaucoup de temps. Une bonne façon de procéder consiste à utiliser les restes comme point de départ d’un projet futur.
Les restes sont essentiellement ce que vous voulez qu’ils soient. J’ai tendance à accumuler tout ce qui n’est pas utilisé. Vous seriez surpris des utilisations que j’ai trouvées pour certains sons.
L’inspiration instantanée vient d’idées que vous pensiez ridicules : re-pitcher, étirer, découper, filtrer, égaliser sauvagement… ou traiter lourdement ces idées.
Décidez de vos propres règles internes concernant le nombre de fois où vous utilisez un son. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix.
ASTUCE : exportez vos restes normalisés afin qu’ils sonnent pleinement et qu’ils soient prêts pour de futurs projets.
Remixer ses propres morceaux
Parfois, la meilleure façon de recycler est de revisiter ses propres morceaux. Remixer un morceau que vous avez déjà produit peut être une expérience enrichissante. Isolez les éléments individuels qui se sont démarqués et réimaginez-les dans un nouveau contexte. Cela permet non seulement de donner un nouveau souffle à votre travail existant, mais aussi de repousser vos limites créatives.
Je souris toujours lorsqu’un client me dit qu’il n’arrive pas à décider si une décision vaut mieux qu’une autre en ce qui concerne son morceau. Peut-être que les deux idées sont bonnes, alors pourquoi ne pas faire deux versions?
Vous pouvez avoir autant de versions que vous le souhaitez de vos chansons. Dans les années 80 et 90, certaines chansons avaient parfois 3 ou 4 variations, ce qui était très amusant pour les DJ, qui pouvaient ainsi utiliser et réutiliser une chanson.
Voici quelques idées de nouveaux remixes :
Instrumental ou avec une voix
Changement de gamme
Sans batterie ou avec des percussions différentes.
Collaborer avec un musicien pour ajouter un enregistrement live.
CONSEIL : Essayez de combiner 3 à 4 chansons en une seule.
Séances de conception sonore systématique
Consacrez des séances spécifiques à la conception sonore, distinctes de celles consacrées à l’écriture ou à l’élaboration des morceaux. Au cours de ces séances, vous vous concentrerez sur la création de sons, de textures ou de rythmes uniques sans avoir à les intégrer dans un projet en cours. Conservez ces créations dans une bibliothèque organisée.
Passer du temps à organiser vos sons est également un moyen utile de faciliter les choses par la suite.
Lorsque vous travaillez sur une nouvelle musique, vous pouvez puiser dans cette bibliothèque pour trouver l’inspiration ou des éléments à incorporer, ce qui accélère considérablement le processus de création.
Prenez le temps de comprendre les préréglages complexes des sons que vous aimez.
Croisez les paramètres prédéfinis d’un synthétiseur avec ceux d’un autre synthétiseur.
Testez les démos d’un synthétiseur que vous aimeriez acquérir et enregistrez vos tests en audio.
Flux de travail collaboratif
Encouragez la collaboration avec d’autres artistes ou concepteurs sonores. Parfois, une nouvelle vision peut conduire à des résultats inattendus et inspirants. Les collaborations peuvent déboucher sur une bibliothèque commune de sons et d’idées, offrant ainsi une plus grande palette d’éléments dans laquelle puiser pour lancer de nouveaux projets.
J’aime partager un dossier Dropbox. Comme nous pouvons tous deux y partager des projets, vous pouvez les voir mis à jour de part et d’autre.
Demandez à une personne ayant des connaissances musicales de réviser et de réinterpréter une de vos mélodies à l’aide d’un instrument acoustique.
Liez-vous d’amitié avec des producteurs d’autres genres et voyez quels commentaires ils peuvent vous donner.
ASTUCE : Partagez une Dropbox ou un Google Drive avec vos amis.
Examen régulier et conservation des projets existants
Planifiez des séances régulières pour passer en revue vos projets antérieurs qui n’ont pas encore été publiés. Il ne s’agit pas seulement de se remémorer, mais de rechercher activement des éléments réutilisables, qu’il s’agisse d’une accroche, d’un son de synthétiseur unique ou d’un motif de batterie efficace. Ce faisant, non seulement vous vous rappelez vos travaux antérieurs, mais vous constituez également un répertoire d’idées et de sons facilement accessible.
Les personnes qui travaillent avec moi savent que j’aime mener tous mes projets à 90 % d’achèvement plutôt qu’à 100 %. La logique derrière cela est simple : j’aime rassembler un tas de chansons un jour donné ou pour répondre à un besoin, puis les finaliser en une seule fois. Cela permet de résoudre de nombreux problèmes : la cohérence des morceaux du même release, l’absence de structures répétitives, une meilleure originalité, etc.
Révisez le kick d’un projet pour une toute nouvelle approche de la direction d’une chanson : plus intense, plus douce.
Mettez en sourdine toutes les pistes qui ne font pas partie de l’accroche pour éviter l’encombrement. Cela est plus facile à faire si vous êtes émotionnellement éloigné de votre projet.
Essayez une version plus courte de votre chanson pour aller droit à l’essentiel (par exemple, les mixages prêts pour la radio durent 3 minutes).
Incorporation d’enregistrements de terrain et de sources sonores non conventionnelles
Parfois, les sons les plus inspirants proviennent du monde qui nous entoure. Enregistrez régulièrement des sons de votre environnement, qu’il s’agisse de bruits de la rue ou d’ambiances naturelles. Ces sons uniques peuvent susciter de nouvelles idées ou ajouter une saveur originale à votre musique. Il existe un magnifique plugin appelé Life qui est accompagné d’une application mobile qui se synchronise avec le logiciel sur votre ordinateur. Non seulement vous pouvez prendre des sons de partout, mais le logiciel va les découper, tout en leur donnant une structure. Les résultats sont impressionnants.
Lorsque vous êtes dans un lieu public, comme un restaurant, prêtez attention à la musique de fond. Qu’entendez-vous lorsque vous vous trouvez dans un nouveau contexte? Pensez à la façon dont votre musique se traduirait.
Essayez d’écouter les mélodies de votre environnement. Les mélodies cachées peuvent provenir d’un artiste de rue, des gens qui parlent autour de vous ou d’une voiture qui passe.
Explorez le bruit et donnez-lui la forme d’une percussion.
Exploration régulière de nouveaux outils et habitudes
S’il est important de disposer d’une boîte à outils familière, l’expérimentation régulière de nouveaux plugins, instruments ou logiciels peut apporter une perspective nouvelle à votre travail. Cela ne signifie pas qu’il faut toujours acheter le matériel le plus récent, mais plutôt explorer différents outils, éventuellement par le biais de démos ou de versions gratuites, afin de maintenir une approche créative dynamique.
Explorer de nouveaux outils signifie, par exemple, explorer des applications mobiles capables de produire des sons. Il y a un grand mythe autour de ce type de produits, car beaucoup pensent qu’ils ne sont pas assez bons. Mais vous seriez surpris de voir combien d’entre eux sont extrêmement solides et suffisants pour donner naissance à des idées. Non seulement l’interface est agréable, mais le fait de ne pas être devant son ordinateur donne une vision différente de ce que l’on fait. Vous pouvez explorer votre boutique mobile pour découvrir les applications qui sont étiquetées comme étant liées à la musique et vous verrez des synthétiseurs, des boîtes à rythmes ou des DAW insolites. Vous pouvez également consulter les casques VR pour le même type d’outils à explorer.
Cartographie mentale et flux de travail conceptuel
Parfois, le blocage ne se situe pas au niveau de la production, mais dans la phase conceptuelle. Utilisez des techniques telles que la cartographie mentale pour définir les thèmes, les émotions ou les histoires que vous souhaitez transmettre dans votre musique. Cette étape de préproduction peut fournir une orientation claire et aider à choisir ou à créer des éléments qui correspondent à votre vision.
Cette année, la cartographie de l’esprit fait fureur. J’ai commencé à transposer en concepts imagés la manière dont je travaille dans le domaine de l’audio. Parfois, le fait de schématiser ce que vous faites vous donne des idées auxquelles vous ne pouvez pas penser lorsque vous ne faites que de la musique en tant que telle.
L’une des méthodes que j’ai apprises s’appelle « Sticky Steps » . Fondamentalement, vous commencez par la fin, puis vous revenez en arrière avec de petites étapes pour y parvenir. J’aime à penser qu’il s’agit d’une méthode d’ingénierie inverse. Il est possible qu’à certaines étapes, vous manquiez de connaissances pour expliquer ou savoir comment faire, c’est pourquoi vous pouvez me contacter par exemple, ou demander à des amis.
J’espère que cela vous permettra de démarrer l’année en beauté. N’hésitez pas à laisser des commentaires ou des questions ci-dessous.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2024/01/recycle.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2024-01-09 12:08:342024-01-09 12:08:34Recycler vos anciens projets
Une chose que j’ai remarquée chez les personnes qui veulent apprendre à faire de la musique électronique, c’est qu’elles sont confrontées à un manque d’informations sur la façon de commencer. Je suis tombé récemment sur une interview de Mr. Beast qui suggérait que si vous voulez apprendre à faire des vidéos virales, vous devez commencer par vous entraîner à faire des vidéos. Ses suggestions recoupent en quelque sorte la manière dont j’enseigne la musique, où l’importance de la pratique est plus grande que, disons, le fait de terminer parfaitement les chansons. Il suggère que l’on pourrait tenter de réaliser 100 vidéos en pratiquant un élément dans chacune d’entre elles, en essayant de s’améliorer de 1 % à chaque fois, au lieu de d’entreprendre quelque chose d’énorme au départ. Mais surtout, il faut rester un peu discret jusqu’à ce que l’on devienne plus solide dans ce que l’on fait.
Les chansons sont des histoires basées sur une découverte personnelle. Si vous vous imaginez en train de raconter une histoire personnelle à un ami, vous concentrerez votre récit sur un seul élément et vous pourriez, dans votre narration, lui donner un grand dénouement. La musique est un peu similaire, mais pour de nombreuses personnes qui commencent à faire de la musique, elles ne veulent pas décevoir ou passer pour des débutants. Dans la plupart des cas, ils en font trop.
Au fur et à mesure que vous progressez dans l’apprentissage de la production musicale, vous ne savez pas qu’il existe de nombreuses techniques différentes, à moins que vous ne les trouviez en faisant des recherches ou que quelqu’un vous en parle. Vous pourriez ne pas savoir que votre musique présente différents problèmes si elle n’est pas examinée par un mentor expérimenté. Cela peut donc être assez déroutant.
C’est pourquoi j’ai décidé de reprendre l’idée de M. Beast de 100 projets et d’en faire une liste pour vous ici.
Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de l’utiliser. Il s’agit en fait de 100 idées que vous pouvez exploiter. La plupart d’entre elles sont accompagnées d’une vidéo YouTube que vous pouvez regarder pour apprendre la technique à pratiquer. En ce qui concerne les projets ou les chansons, je dirais qu’il faut essayer de faire des chansons qui durent entre 1 et 5 minutes. Il ne s’agit pas d’impressionner, mais de vous perfectionner. J’ai ajouté suffisamment de vidéos et de liens par projet pour que vous puissiez pratiquer une technique. Faites de votre mieux pour l’utiliser, mais vous pouvez bien sûr partir d’un point et aboutir à un résultat totalement différent. Il n’y a pas de règles.
Ce projet est directement lié à mon programme Patreon. Il y a le tiers « Road Map » qui vous permet d’adhérer à un soutien constant.
Bâtir les bases – Projets 1 à 10
Boucles, MIDI, et arrangements
La création de musique électronique commence généralement par l’utilisation d’échantillons (samples), de boucles (loops) et de MIDI. Commençons par la base.
Round 1 : Boucles et arrangements de base (Projets 1-3)
Je vous encourage à vous abonner à Splice pour obtenir des boucles et des sons. Vous pouvez également visiter le site Freesounds.org pour obtenir des idées gratuites, mais la qualité peut parfois être discutable.
Si la tonalité et la gamme d’une chanson vous déroutent, cet article vous aidera. Également cette video.
Projet 1 – Exploration des boucles
Titre : « Loop Groove »
BPM : 100
Durée : 1-2 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importer, dupliquer et arranger des boucles pré-fabriquées de manière efficace. Il s’agit ici d’importer quelques boucles différentes et de les jouer dans la section arrangement. Voyez comment vous pouvez les placer pour créer une trame temporelle. Il s’agit de l’introduction la plus élémentaire.
Projet 2 – Transformation des boucles
Titre : « Loop Evolution »
BPM : 110
Durée : 1-2 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Modifier les boucles, ajouter des fondus et créer des variations. Essayez de couper les boucles et de les réorganiser en différentes versions d’elles-mêmes.
Projet 3 – Arrangement de base
Titre : « Simple Structure »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Construire la structure d’un morceau avec des boucles, y compris les motifs, les sections et les accroches (hooks). Essayez d’avoir des sections distinctes telles que le couplet, le refrain, le pont et l’outro.
Round 2 : Notions de base sur le MIDI (Projets 4-6)
Jetez un coup d’œil à ce tutoriel et pratiquez les principes fondamentaux du midi pour vos prochains projets.
Projet 4 – Introduction au MIDI
Titre : « MIDI Essentials »
BPM : 95
Durée : 2 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Comprendre le MIDI, l’entrée des notes et l’édition MIDI de base. Utilisez un synthétiseur virtuel comme Operator pour recevoir des notes et commencer à faire des mélodies en utilisant une clé et une gamme.
Projet 5 – Mélodies avec MIDI
Titre : « Melodic MIDI »
BPM : 130
Durée : 2 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de mélodies à l’aide du MIDI, exploration des notes et des gammes. Ouvrez une boucle qui est une mélodie et vous pouvez soit essayer de la reproduire (un peu plus avancé) soit de la compléter. Assurez-vous de connaître la tonalité de base de cette boucle. Extraire une mélodie d’une boucle.
Round 3 : Plongée dans les arrangements (Projets 7-10)
Si vous avez suivi mon tutoriel initial, j’en explique les fondements. Il existe d’innombrables tutoriels sur les arrangements sur YouTube. En voici un à consulter.
Projet 7 – Arrangement avancé
Titre : « Arrangement Intro »
BPM : 115
Durée : 2-3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à mettre en pratique : Ajout de variations, de silences et de motifs dynamiques (introduction de l’appel et de la réponse). Apprenez à jouer avec les automations.
Projet 8 – Motifs et accroches MIDI
Titre : « MIDI Patterns »
BPM : 105
Durée : 2-3 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Créer des motifs (patterns) MIDI et des accroches (hooks) pour vos morceaux. Écoutez une chanson que vous connaissez et essayez de comprendre ce qu’est l’accroche.
Élément à pratiquer : Appliquez tout ce que vous avez appris pour créer votre première chanson complète.
Ces 10 premiers projets fourniront une base solide en matière de boucles, de MIDI et d’arrangements de base. Après avoir suivi ces cours, l’étudiant aura acquis les compétences nécessaires pour créer une piste complète.
Bâtir les bases – Projets 11 à 20
Boucles, MIDI, arrangements et références
Round 4 : Boucles et arrangements avancés avec références (projets 11-13)
Il existe de nombreuses vidéos sur la manière d’utiliser les références et celle-ci est une excellente vidéo.
Pour cet exercice de travail avec une piste de référence, je vous encourage à obtenir des échantillons de Splice et à essayer de les faire correspondre à la chanson que vous avez choisie.
Projet 11 – Expérimentation de boucles avec références
Titre : « Reference Grooves »
BPM : Analyser et faire correspondre l’intro de référence
Élément à pratiquer : Importer des boucles, analyser des pistes de référence et appliquer des arrangements similaires. Utilisez le swing et les grooves.
Projet 12 – Hachage et découpage de boucles avec références
Titre : « Chopped References »
BPM : Analyser et faire correspondre la percussion de la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Découper et réarranger des boucles en se référant à un morceau pour recréer une accroche similaire.
Projet 13 – Arrangements avancés avec des références
Titre : « Reference Arrangements »
BPM : Analyser et faire correspondre les sections et les transitions de la piste de référence.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Round 6 : Application du MIDI et des arrangements avec références (projets 17-20)
L’idée ici est de prendre votre référence dans la section arrangement, essayez de jouer quelques notes midi en même temps que la référence pour reproduire des notes, des percussions ou n’importe quoi d’autre, à jouer en même temps.
Projet 17 – Combinaison de MIDI et de boucles avec des références
Titre : « Hybrid References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Combinez des éléments MIDI avec des boucles inspirées par la basse du morceau de référence.
Projet 18 – Superposition (layering) et texture avec références
Titre : « Textural References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Création de textures et de couches à l’aide de références. Apprenez à utiliser des enregistrements de terrain pour les fonds sonores.
Projet 19 – Techniques d’arrangement avancées avec références
Titre : « Reference more »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Concentrez-vous sur les hits et les sons spontanés qui se produisent de temps à autre.
Projet 20 – Jalon : Piste avancée avec références
Titre : « Elevated Creations »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une piste avancée avec influence de la piste de référence.
Bâtir les bases – Projets 21 à 30
Boucles, MIDI, arrangements, références et effets
Round 7 : Boucles et MIDI avec effets (Projets 21-23)
Projet 21 – Manipulation de boucles avec délai (delay)
Titre : « Delay Loops »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importation de boucles, application d’effets de délai et arrangement créatif. Concentrez-vous sur les différents types de plugins de délai et amusez-vous à régler les paramètres.
Projet 22 – Effets MIDI : Arpèges et Phaser
Titre : « Arpeggiated Phases »
BPM : 110
Durée : 4 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : L’utilisation du MIDI pour les arpèges et l’application d’effets de phaser.
Projet 23 – Arrangements basés sur les effets
Title: « Effects Arrangements »
BPM : 120
Durée : 4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Créer des arrangements avec des transitions basées sur des effets, où vous utilisez l’automation pour modifier les paramètres du délai au fur et à mesure de l’évolution du morceau.
Round 8 : Maîtrise du MIDI avec effets (projets 24-26)
Projet 24 – MIDI et réverbération pour l’atmosphère
Titre : « Reverberant Atmosphere »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation du MIDI pour créer des sons atmosphériques avec réverbération.
Projet 25 – MIDI et délai pour la texture
Titre : « Delayed Textures »
BPM : 130
Durée : 4 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores texturés à l’aide de mélodies MIDI et d’effets de délai/réverbération.
Projet 26 – MIDI et Flanger pour le mouvement
Titre : « Flanged Movement »
BPM : 85
Durée : 3-4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Ajouter du mouvement aux éléments percussifs MIDI en utilisant l’effet flanger.
Round 9 : Arrangements avancés avec effets (projets 27-29)
Projet 27 – Arrangement et balayages de filtres
Titre : « Filter Swept Arrangements »
BPM : 115
Durée : 4 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Création d’arrangements avec des balayages de filtre. Jouez avec le filtre sur différents éléments pour vous entraîner aux fréquences d’ouverture et de fermeture.
Projet 28 – Arrangement et panoramique stéréo
Titre : « Panned Arrangements »
BPM : 105
Durée : 3-4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur et du mouvement aux arrangements grâce au panoramique stéréo (auto-pan). Transformez l’auto-pan en trémolo.
Projet 29 – Jalon : Piste avancée avec effets
Titre : « Effects-Driven Mastery »
BPM : 125
Durée : 4 min
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Appliquez tous les concepts appris pour créer une piste avancée en mettant l’accent sur les effets. Explorez l’utilisation de Chorus.
Projet 30 – Remix et effets
Titre : « Remix and Effects Showcase »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Remixer un morceau en intégrant les techniques d’effets Beat-repeat.
Ces projets permettront aux étudiants d’explorer les possibilités créatives des effets tout en améliorant leurs compétences en matière de boucles, de MIDI, d’arrangements et de références. Si vous souhaitez mettre l’accent sur des effets ou des outils spécifiques dans l’un de ces projets, n’hésitez pas à m’en faire part, et nous pourrons les adapter en conséquence.
Bâtir les bases – Projets 31 à 35
Boucles, MIDI, arrangements, références, effets et modulation
Round 10 : Les bases de la modulation (projets 31-35)
Projet 31 – Modulation LFO sur un synthé
Titre : « Synth LFO Groove »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Utilisation de la modulation LFO pour ajouter du mouvement à un son de synthétiseur
Projet 32 – Enveloppes pour un MIDI dynamique
Titre : « Dynamic MIDI Envelopes »
BPM : 110
Durée : 4 min
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Appliquer des enveloppes pour façonner la dynamique des éléments MIDI
Projet 33 – Effets et enveloppes pour le traitement de la voix
Titre : « Vocal Envelope Processing »
BPM : 120
Durée : 4 min
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Utilisation d’enveloppes en combinaison avec des effets pour la manipulation de la voix. Apprenez à utiliser Shifter. Vous pourriez utiliser les filtres ou la réverbération comme éléments à modifier.
Projet 34 – Techniques avancées de LFO sur les effets
Titre : « LFO x LFO »
BPM : 95
Durée : 4 min
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Appliquer la modulation d’un LFO à un autre paramètre LFO pour une conception sonore créative. Utilisez l’outil Shaper.
Projet 35 – Modulation et jalon
Titre : « Modulation Mastery »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : votre choix.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez à entendre la modulation dans les chansons que vous connaissez. Essayez de reproduire un effet sonore. Explorez les effets sur Splice.
Bâtir les bases – Projets 36 à 40
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres et Compression
Round 11 : Techniques d’égalisation, de filtrage et de compression (projets 36-40)
Projet 36 – Égalisation de base pour clarté du mixage
Projet 49 – Mixage de synthétiseurs et de voix principaux
Titre : « Lead Mixing »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : À l’aide de groupes, apprenez à appliquer le side-chain afin d’ouvrir l’espace pour un lead.
Projet 50 – Traitement avancé des bus
Titre : « Bus Driver »
BPM : 85
Durée : 4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Utiliser des bus et des groupes pour le mixage.
Projet 51 – Pistes de retour et réverbération
Titre : « Return Channel Reverb »
BPM : 115
Durée : 3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Incorporer des pistes de retour et de la réverbération pour les effets spatiaux. Utilisez deux pistes de retour, dont l’une est réglée sur Hall et l’autre sur une réverbération courte. Envoyer différents canaux vers ces pistes de retour.
Projet 52 – Mixer avec des pistes de référence
Titre : « Mixing References »
BPM : 105
Durée : 4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Apprenez ce qu’est le Gain staging (étalonnage du gain) et adaptez le niveau de votre chaîne à cet étalonnage.
Projet 53 – Effets et mixage
Titre : « Dynamic EQ »
BPM : 125
Durée : 3 min.
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Element to Practice: Learn how to use dynamic EQ in ableton.
Projet 54 – Production vocale et harmonies
Titre : « Vocal Production Excellence »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez les principaux effets utilisés pour le traitement de la voix : Shifter, Delay, Reverb, Chorus/ensemble.
Projet 55 – Jalon : Mixage et routage en action
Titre : « Mix and Routing Exercice »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer un mixage avancé avec un routage et un traitement complexes.
Conception sonore – Projets 56 à 65
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Buses, Canaux de retour, et Sound Design
La tendance est au modulaire depuis quelques années et le concept a pris de l’ampleur avec l’arrivée de VCV Rack. L’une des meilleures façons d’apprendre les techniques modulaires est d’installer VCV, qui est gratuit en tant que DAW autonome. Il m’a permis d’en apprendre plus sur la conception sonore que des années d’études.
Élément à pratiquer : Utilisation d’oscillateurs complexes et de sources de modulation pour créer des paysages sonores complexes à l’aide de Drift et Wavetable.
Projet 64 – Techniques de bruit créatives
Titre : « Noise Sculpting »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce de conception sonore avancée.
Ces projets permettront aux étudiants d’explorer le monde fascinant de la conception sonore, des concepts modulaires et des techniques de synthèse, ce qui leur permettra de créer des textures sonores uniques et expressives.
Niveau supérieur – Projets 66 à 70
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Resampling, Enregistrement et Manipulation de la voix.
Round 15 : Resampling, enregistrement et manipulation de la voix (projets 66-70)
Pour ces projets, la durée n’a pas d’importance tant que vous pouvez construire des idées en quelques minutes. À partir d’ici, essayez de toujours avoir une introduction, un milieu et une fin.
Vous devez essayer d’avoir une accroche par chanson ainsi que des idées complémentaires. Vous en savez assez pour être capable de créer des chansons et vous devriez maintenant mettre un peu plus d’énergie pour les réaliser le mieux possible.
Projet 66 – Techniques créatives de rééchantillonnage (resampling)
Projet 67 – Enregistrement de terrain et échantillonnage (sampling)
Titre : « Field to Sound »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Capturer et incorporer des enregistrements de terrain dans la production musicale. Apprenez à utiliser simplement votre téléphone intelligent pour enregistrer des sons et les importer.
Projet 68 – Enregistrement et traitement des voix
Titre : « Vocal Doctor »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Enregistrement et traitement des voix avec rééchantillonnage.
Projet 69 – Manipulation et échantillonnage de la voix
Titre : « Voice Transformation »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Manipulation et rééchantillonnage d’enregistrements vocaux pour obtenir des textures uniques à partir du mode « warp » du clip.
Projet 70 – Paysages sonores rééchantillonnés
Title : « Resampled Soundscapes »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores complexes grâce au rééchantillonnage et à la manipulation.
Plus de conception sonore – Projets 71 à 75
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation de la voix, Réverbération, Délais, Résonances et Synthèse Granulaire
Round 16 : Effets spatiaux et synthèse granulaire (projets 71-75)
Projet 71 – Réverbération et conception de l’espace
Titre : « Spatial Reverb Design »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Créer des effets spatiaux immersifs avec la « Convolution reverb« .
Projet 72 – Techniques de délai et échos
Titre : « Echo Exploration »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Exploration de diverses techniques de délai pour créer des échos et des motifs rythmiques.
Projet 73 – Manipulation de la résonance
Titre : « Resonance Magic »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Manipuler les résonances pour obtenir un caractère sonore unique
Projet 74 – Synthèse granulaire et texture
Titre : « Granular Textures »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Créer des textures à l’aide de techniques de synthèse granulaire
Projet 75 – Paysages sonores granulaires et jalon
Titre : « Granular Soundscapes Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer de la folie de l’espace!
L’espace, ultime frontière – Projets 76 à 80
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, et Mouvement spatial.
Round 17 : Panning, Depth, and Spatial Movement (Projects 76-80)
Projet 76 – Notions de panoramique et d’image stéréo
Titre : « Stereo Magic »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Exploration des techniques de base du panoramique, de la largeur (width) et de l’image stéréo sans phasing.
Projet 77 – Profondeur et effets spatiaux
Titre : « Creating Depth »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur aux mixages à l’aide d’effets et de techniques spatiaux.
Projet 78 – Automatiser les panoramiques et les mouvements
Titre : « Automated Movement »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Automatiser les panoramiques et créer des mouvements spatiaux dynamiques, avec doppler.
Projet 79 – Audio 3D et son ambiophonique
Titre : « 3D Audio Adventure »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Exploration des concepts audio 3D et des techniques de son surround.
Projet 80 – Jalon : Conception spatiale avancée
Titre : « Spatial Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce conçue spatialement.
Mixage ludique – Projets 81 à 85
Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transitoires et Sustain.
Exercices sur les transients et le sustain (projets 81-85)
Projet 81 – Principes de base sur la forme des transitoires (Transient Shaping)
Projet 100 – Jalon : Musique générative et projet final
– Titre : « Final Project »
– BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
– Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
– Élément à pratiquer : Générer des idées aléatoires à l’aide des techniques apprises, puis en faire une chanson complète.
Félicitations si vous êtes allé jusqu’au bout des exercices. Vous devriez maintenant disposer d’une base solide pour savoir comment créer une chanson. Il y a tant de sujets qui auraient pu être abordés. Si vous avez des suggestions à ajouter, faites-le moi savoir dans les commentaires.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/begin-ableton.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-29 20:18:042023-11-29 20:18:04Feuille de route de l’apprentissage de la production musicale
Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.
Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».
Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.
Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.
(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).
Articulation en musique pour enrichir vos idées
En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.
Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.
Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.
Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
Celui-ci serait à 127 en vélocité.
En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.
Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.
Exemples
Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.
Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.
Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.
Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.
Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.
Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.
Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer
Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.
Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.
Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.
Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.
Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.
Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).
Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon
Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.
Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.
Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.
Exercices et applications
Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.
En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/articulation.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-16 20:04:522023-11-16 20:04:52Amélioration des mélodies grâce à l’articulation
De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.
La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.
La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.
La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).
Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.
Comprendre le son
Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).
Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.
Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.
Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.
Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.
Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.
Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.
Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.
Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses. Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.
Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.
Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.
Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.
Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.
Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).
Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.
Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.
Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.
La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.
Reproduire le son
Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?
C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.
L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.
Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.
Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.
Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.
L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.
L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.
Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.
Traitement du son
Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.
Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.
Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.
Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.
Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.
Ajustements itératifs
Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.
Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.
Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.
Comparaison finale et ajustements
Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.
Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.
Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.
L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/11/reverse.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-11-08 17:20:142023-11-08 17:20:14Ingénierie inverse du son
Je ne sais pas ce qu’il en est pour vous, mais lorsque vous êtes passionné de musique, c’est à la fois une bénédiction et une malédiction. D’une part, cela occupe beaucoup d’espace mentalement et peut devenir une obsession, et d’autre part, cela crée un besoin d’entrer en contact avec d’autres personnes (pour savoir si l’on n’est pas fou). Si je regarde la situation actuelle, pour entrer en contact et rencontrer d’autres musiciens dans le monde réel, nous sommes confrontés à des limites quant à l’endroit où les rencontrer. Vous pourrez peut-être les rencontrer dans un café ou un disquaire, mais ce n’est pas certain. De manière concrète, vous dépendrez des clubs et des festivals pour avoir la plupart des discussions relatives à la musique.
Mais soyons réalistes, les options sont limitées. Les raves et les clubs sont amusants, mais ce sont aussi des récréations où les discussions risquent d’être faussées par la musique forte, l’atmosphère bruyante et, peut-être, par les substances qui altèrent l’esprit.
Il fut un temps où j’ai eu la chance d’avoir accès à une riche communauté à Montréal, bien avant les médias sociaux, où nous nous retrouvions après des événements (pas des after-parties) pour préparer un repas et discuter. Nous faisions des séances en studio, collaborions et échangions des conseils. Aujourd’hui, c’est encore possible et bien que les médias sociaux puissent vous donner accès à n’importe qui, ils ne vous garantissent pas que vous serez en mesure de connecter correctement par la suite.
L’idée de faire des retraites est venue à un ami nommé Fred et moi, il y a des années, lorsque nous voulions quitter la ville avec des amis et faire un week-end d’immersion musicale intense. Nous avons organisé deux événements qui ont été couronnés de succès. Nous avons dû arrêter à cause de la pandémie, mais depuis que j’ai déménagé à la campagne, il m’est apparu évident que je devais continuer à les faire, mais chez moi. L’idée était de donner accès à ma maison, d’y accueillir des gens pour un week-end, d’organiser des ateliers, de partager, de découvrir la musique d’amis et de voir où cela nous mènerait.
J’ai beaucoup appris lors des deux dernières retraites que j’ai organisées et j’aimerais partager avec vous quelques idées, mais aussi quelques conseils si vous souhaitez en organiser une avec vos amis.
Leçon n°1 : le fait de se trouver au même endroit que d’autres musiciens pendant un moment ouvre des perspectives musicales et suscite la curiosité.
Pourquoi organiser une retraite pour les producteurs de musique?
Il y a de multiples raisons de vouloir en organiser une. La première consiste à échapper à la routine et à vous plonger dans une connexion avec votre musique, ce qui vous permet de commencer des projets ou de les terminer. Je dirais que les personnes qui viennent à la retraite seront surtout motivées par le fait d’être dans un espace où d’autres travaillent sur la musique. Il n’est pas étonnant que le fait d’être entouré d’autres personnes qui font de la musique vous donne l’envie d’en faire autant.
La collaboration et la découverte de la musique sont d’autres raisons d’organiser une retraite.
Mais quoi que vous choisissiez de faire, je rappelle aux participants qu’il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Il est également possible de ne pas faire grand-chose d’autre que d’être entouré de gens. Cependant, si vous mettez votre temps à profit, cela aura un impact plus tard.
Leçon n°2 : La raison pour laquelle je fais des retraites est de me connecter avec des personnes qui ont les mêmes intentions que moi, c’est-à-dire partager une passion.
La solitude du musicien
Ce n’est pas nouveau, mais être seul dans le studio est souvent une situation difficile. Il y a quelque chose de frustrant à découvrir de nouvelles idées mais à n’avoir personne autour de soi pour les entendre ou les valider. Les musiciens électroniques modernes s’orientent souvent vers ce genre parce qu’ils peuvent être un homme-orchestre et obtenir des résultats rapidement, mais cela signifie que le succès, ou les échecs, seront également vécus en solitaire. Il est important d’avoir des amis et une communauté pour aller loin à long terme, car votre réseau vous présentera de nouvelles idées et opportunités, et passer du temps dans un endroit pendant un week-end, partager des moments agréables, de la nourriture et des discussions est un excellent moyen de construire une communauté.
Leçon n°3 : mon syndrome de la page blanche et ma tendance à me laisser distraire disparaissent lors d’une retraite.
Validation technique et diversité
Le fait d’être entouré d’autres musiciens permet de voir comment ils travaillent, quels outils ils utilisent et quels plugins permettent de résoudre certains problèmes. C’est aussi un moment où le matériel peut être partagé, et où l’on peut voir comment chacun le gère, ce qui lui donne une nouvelle perspective.
Paradoxalement, ces dernières années, j’ai vu certains producteurs très discrets sur leur façon de travailler et sur le matériel qu’ils utilisent. Je trouve cela ridicule.
Personne n’est propriétaire des nouvelles techniques et rien n’est fait qui ne soit pas déjà connu. Presque tout et n’importe quoi est couvert en ligne, que ce soit dans un blogue, un forum ou simplement sur YouTube. Cacher sa façon de travailler révèle, à mon avis, une bonne dose d’anxiété et d’insécurité. On nous explique que garder des secrets pour conserver une image mystérieuse est une chose, ce à quoi je réponds qu’il suffit de quelques ingénieurs du son pour faire de l’ingénierie inverse. La seule chose que personne ne peut vous enlever, c’est votre âme, votre identité. Les outils et les techniques sont simplement là pour permettre à cette partie de vous-même de s’exprimer. Plus vous vous ouvrirez aux autres, partagerez ce que vous savez et créerez des dialogues, plus vous serez récompensé par la rencontre de personnes qui consolideront ce que vous savez avec des idées auxquelles vous n’avez pas pensé… parce que vous étiez centré sur vous-même.
Cela dit, les personnes qui m’entourent lors d’une retraite sont toujours un peu surprises et heureuses de découvrir que je n’ai pas de secrets et que la seule chose que je veux, c’est voir les autres réussir. L’état d’esprit de l’enseignant va au-delà du succès immédiat. Je veux planter des graines dans l’esprit des gens pour voir ce qui émergera plus tard. Il est arrivé si souvent que des personnes que j’ai encadrées reviennent vers moi plus tard avec des idées qui m’ont inspiré alors que je luttais contre le syndrome de la page blanche.
Leçon n°4 : expliquer des concepts aux autres m’aide à comprendre ce que je fais.
L’impact sur la créativité
Une chose que j’ai remarquée chez les participants, c’est qu’un sentiment de fluidité émerge le dernier jour. La « zone » est un état mental dans lequel les gens entrent dans un état où ils créent librement, où tout se met en place, où les limites techniques semblent disparaître et, bien sûr, où l’on s’amuse beaucoup.
Cet état de zone semble être la façon idéale de créer. Bien qu’un état de zone continu soit trop beau pour être vrai, si nous pouvons atteindre cet état de temps en temps, c’est, à mon avis, l’un des véritables objectifs de la retraite. Parce qu’une fois que vous avez fait l’expérience de cet état et de la façon dont vous y êtes arrivé, vous savez que vous pouvez ramener avec vous cette façon d’être en tant que musicien.
Proposer des ateliers, c’est alors donner un coup de pouce pour débloquer les frustrations. Je m’assure que ces ateliers correspondent au niveau technique des participants et que je peux leur donner des conseils sur les points qui leur posent problème.
Alors que nous recherchons souvent des impacts importants pour sentir que nous avons changé en tant qu’artiste, je remarque que la somme de nombreux petits ajustements donne des résultats plus durables.
Leçon n°5 : Paradoxalement, la plupart d’entre nous font de la musique pour se rapprocher des autres, alors que nous n’organisons pas assez d’événements communautaires. Une fois réunis, les objectifs de finalisation des chansons ou d’autres tâches de validation connexes deviennent plus que secondaires.
Où organiser une retraite pour un producteur de musique?
Techniquement, n’importe quel endroit peut convenir pour accueillir une retraite de producteurs de musique, mais j’insiste sur le fait qu’il doit se trouver à au moins une heure de chez soi et, idéalement, à la campagne. Il y a de nombreux avantages à pouvoir faire une pause, à sortir se promener et à prendre du recul par rapport à tout ce qui est trop influencé par l’homme (routes, béton, asphalte, bâtiments, etc.). Dans mon cas, je suis à la campagne, avec beaucoup de terrain où l’on peut facilement marcher pendant une heure avant d’en voir la plus grande partie. C’est comme un grand parc, plus ou moins, mais sauvage et ouvert. Bien sûr, vous pouvez enregistrer des sons, mais l’un des éléments importants est de pouvoir respirer de l’air frais.
Une option consiste à louer un chalet avec des amis. Je vous encourage à vous entourer de personnes qui sont dans le même état d’esprit que vous. Vous pouvez ainsi disposer d’un espace pour faire de la musique et d’un autre pour manger et vous détendre.
L’espace est important et le fait d’avoir un endroit où l’on se sent à l’aise et inspiré est crucial pour l’ambiance.
Leçon n° 6 : L’endroit idéal est celui que l’on connaît. Si vous pouvez trouver un endroit que vous avez déjà visité et que vous aimez, ce sera une réussite.
Intention et engagement lors d’une retraite pour producteurs de musique
Il est facile de se tromper sur ce point, mais c’est probablement le plus important. Une chose que nous clarifions avec cette retraite, c’est qu’il ne s’agit pas d’un espace et d’un temps pour faire la fête. Il s’agit de quelque chose d’accessible par d’autres moyens et la retraite est un engagement à faire avancer les choses. C’est pourquoi nous avons une politique d’interdiction de l’alcool et un couvre-feu à une certaine heure. Non seulement je n’ai rencontré aucune résistance de la part des participants, mais tout le monde était extrêmement content que nous ayons fait cela une fois le week-end terminé.
Au début du week-end, nous avons pris un repas au cours duquel nous avons tous discuté de nos besoins, de nos objectifs et des choses que nous aimerions faire. Au fur et à mesure que les gens parlaient, j’ai remarqué qu’il y avait une certaine timidité au début, mais comme nous avons eu de nombreux entretiens au cours des repas, à la fin du week-end, les gens étaient de plus en plus ouverts à partager leurs idées, leurs difficultés ou leurs découvertes passionnantes. Nous rencontrons tous les mêmes difficultés en fin de compte, c’est pourquoi si l’un d’entre eux s’ouvre, d’autres s’en inspireront et suivront.
Leçon n°7 : La présence d’un modérateur, d’un leader ou d’un musicien expérimenté est le meilleur moyen de faire face aux difficultés tout en veillant à ce que les intentions restent réelles.
Des victoires inattendues
Pour terminer cet article, j’ai appris que travailler sur une chanson pendant le week-end n’est pas l’approche la plus idéale, je crois. Je pense qu’il y a beaucoup plus à gagner en essayant d’organiser tous vos morceaux, macros et préréglages et de mettre à jour tous ces morceaux endormis dans votre disque dur. Être curieux, essayer de nouvelles techniques et faire face à certains aspects de la musique qui sont difficiles, voilà ce qu’il y a de mieux à faire dans un contexte où l’on est soutenu.
Des sujets qui ont été très utiles et que les participants ont appréciés :
Techniques pour commencer de nouvelles chansons et créer des accroches illimitées.
Des idées solides en matière de conception et d’ingénierie inverse.
Comment organiser une idée en arrangements efficaces.
Mixer une chanson en 20 minutes.
Leçon n°8 : Acceptez toujours qu’il y a quelque chose que vous ne connaissez pas suffisamment ou pas correctement. Rester ouvert est un moyen de grandir en permanence.
Témoignages de participants : Écoutons directement ceux qui ont participé à la retraite :
Marino: « J’ai passé un week-end inoubliable à la retraite de Pheek. J’ai appris beaucoup de choses, j’ai rencontré des personnes merveilleuses d’horizons différents, qui partagent toutes la même passion que moi : la musique. Pheek nous a accueillis avec amour et gentillesse dans un paysage magnifique, toujours là pour nous aider lorsque nous étions confrontés à des obstacles créatifs. Je le recommande à tous ceux qui souhaitent développer leurs compétences tout en quittant leur zone de confort. »
North Motion: « Mon expérience a été tout simplement fantastique. J’ai eu l’occasion de rencontrer de nombreux artistes qui, comme moi, sont passionnés de musique électronique. Au-delà des compétences que j’ai acquises, j’ai noué de grandes amitiés. La retraite de Pheek offre des installations exceptionnelles dans un endroit à couper le souffle, et les connaissances et l’hospitalité de J-P sont inégalées. Je lui donne une note parfaite de 10/10.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/10/retreat.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-10-24 18:33:372023-10-24 18:33:37Leçons tirées de l’organisation d’une retraite pour producteurs de musique
Tout musicien, quel que soit son niveau d’expérience, a déjà ressenti l’excitation d’une inspiration soudaine. C’est une sensation éthérée, qui exige une traduction immédiate dans la réalité audible. Pourtant, combien de fois nous retrouvons-nous à naviguer à partir de zéro dans notre station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW), luttant pour mettre en place les éléments de base alors que tout ce que nous voulons, c’est créer?
C’est là que la puissance des modèles dans les DAW comme Ableton Live devient évidente.
Si vous n’avez pas encore commencé à utiliser des modèles, j’aimerais vous encourager à les intégrer dans votre routine. Au début, cela peut être difficile à maîtriser, mais avec un peu de pratique, cette routine portera ses fruits.
Qu’est-ce qu’un modèle (si vous ne savez pas)?
Il s’agit d’un projet avec ou sans matériel, qui peut être utilisé comme point de départ. Au lieu de commencer par un nouveau projet, qui représenterait 0 % sur une échelle de travail de 100 %, un modèle représenterait plutôt 10 % ou même 40 % du morceau de musique achevé. Cela peut prêter à confusion, car 40% de réalisation signifie généralement qu’il y a beaucoup de matériel dans un projet. Cependant, lorsque tout est bien organisé, vous êtes bien plus avancé que vous ne l’imaginez.
Création d’un modèle Ableton
Pour créer un modèle, il suffit d’ouvrir un projet, d’aller dans le menu Fichier et de sélectionner « Sauvegarder Set Live comme modèle ».
Cela vous permettra d’utiliser votre projet terminé comme point de départ pour de nouveaux projets, ce qui accélérera considérablement le processus et vous permettra d’obtenir un son cohérent.
Deux manières d’organiser un modèle Ableton :
Les deux façons dont j’organise habituellement un modèle consistent à créer un projet dans lequel j’organise à l’avance tout ce dont j’ai besoin, comme des canaux avec des plugins et des paramètres déjà réglés sur ce que je fais habituellement, des macros, des pistes de retour et un bus Master prêt à l’emploi. Une fois tout cela préparé, je l’enregistre en tant que modèle.
L’autre méthode consiste à prendre un projet réussi, à supprimer tous les clips, l’audio et l’automatisation, puis à l’enregistrer en tant que modèle.
Toutefois, il ne s’agit pas d’une science exacte. Il est également amusant de sauvegarder des projets avec des automatisations ou d’autres paramètres bizarres et de les sauvegarder en tant que modèle, comme l’a inspiré le Manifeste de Matthew Herbert.
Nouveau départ ou démarrage rapide avec les modèles d’Ableton
Il y a des avantages et des inconvénients à repartir à zéro ou à démarrer un projet avec un modèle.
De nombreux musiciens recommencent à zéro à chaque fois, peut-être parce qu’ils ne connaissent pas l’idée d’utiliser des modèles ou peut-être parce qu’ils savent tout simplement comment faire. Le fait de repartir à zéro leur permet de s’exercer, de se familiariser avec leurs outils informatiques et d’adopter une approche personnalisée pour chaque projet. Mais il y a un revers à la médaille : cela prend du temps.
Imaginez que vous soyez peintre et que vous deviez fabriquer votre pinceau chaque fois que vous avez envie de peindre. S’il est essentiel de bien connaître ses outils, il est tout aussi crucial d’être prêt lorsque l’inspiration vient à manquer.
La solution? Trouver un équilibre.
N’hésitez pas à repartir à zéro lorsque la situation le permet. Mais armez-vous également de modèles pour accélérer le processus si nécessaire.
Idée de modèle : Créez un projet dans lequel vous ajoutez plusieurs canaux midi, chacun étant équipé de vos synthétiseurs préférés. Pour chaque synthé, appuyez sur cmd+G pour le transformer en macro (groupe) et affectez vos paramètres de synthé préférés à chaque bouton. Cela facilitera la prise en main de l’outil ou permettra d’utiliser la fonction « randomize » (aléatoire) pour trouver une nouvelle inspiration.
CONSEIL : Je vous encourage à vous procurer cette sélection de modulateurs gratuits nommée Mod Squad 2. Il contient de nombreux outils utiles et essentiels à ajouter à votre modèle.
Modèles Ableton : Plus qu’un simple raccourci
À première vue, un modèle peut sembler n’être qu’un préréglage, un moyen de gagner du temps. Mais il n’y a pas de problème avec les préréglages et croyez-moi, ce n’est pas de la triche!
Les modèles permettent certes de gagner du temps, mais c’est bien plus que cela. Considérez un modèle comme un ami musicien, toujours prêt à jammer quand vous l’êtes. Avec les modèles, vous pouvez :
Créer des macros : La création de macros que vous utilisez fréquemment vous permet d’accéder immédiatement à vos paramètres et commandes préférés.
Organiser le routage : Les configurations de routage avancées, une fois définies, peuvent être facilement reproduites dans les différents projets.
Former des groupes : Le regroupement de pistes ou d’instruments qui vont souvent ensemble permet de gagner du temps et d’avoir une vision plus claire de votre projet.
Effets et plugins prédéfinis : Le fait d’avoir vos effets et plugins préférés déjà chargés vous permet de vous plonger directement dans le réglage des sons.
Idée de modèle Ableton : Créez votre propre modèle de mixage en créant 5 groupes qui accueilleront les canaux de votre projet. Vous pouvez ensuite les faire glisser et les déposer dans chaque groupe. Ceux-ci peuvent contenir plusieurs plugins de votre choix. Vous pouvez même créer un modèle de mixage avec plusieurs préréglages de canaux, puis les faire glisser et les déposer à partir de votre navigateur.
L’art d’élaborer des modèles Abelton
Il ne s’agit pas seulement d’avoir des modèles, mais d’avoir des modèles efficaces. Un modèle idéal doit inspirer la créativité, et non l’entraver. Voici comment :
Différents modèles pour différents besoins : Au lieu d’adopter une approche unique, envisagez plusieurs modèles pour différents objectifs : mixage, conception sonore, production, voire un modèle complet, comme mon concept de « vaisseau mère« .
Incorporer des éléments de modulation : Ajoutez des outils de modulation préconfigurés qui réagissent et interagissent avec ce que vous introduisez. Des outils tels que les suiveurs d’enveloppe ou les scrubbers audio, comme ceux proposés par Manifest Audio, peuvent détecter et moduler automatiquement les sons, ajoutant ainsi de la profondeur et de la dynamique à votre musique.
Pensez soutien, pas remplacement : Un modèle ne doit jamais donner l’impression de diriger votre musique. Au contraire, il doit être perçu comme une base sur laquelle vous pouvez vous appuyer. Les meilleurs modèles renforcent la créativité et ne la limitent pas.
Quand les modèles Ableton brillent réellement
Le véritable test de l’efficacité d’un modèle réside dans sa capacité à stimuler la créativité. Si l’utilisation d’un modèle vous donne l’impression d’avoir amené une paire de mains supplémentaire dans votre studio, aidant et élevant votre musique, alors vous avez trouvé le bon filon. Il ne s’agit pas de remplacer le processus organique de création musicale, mais de disposer d’outils qui le rationalisent.
Dans le monde de la production musicale numérique, où le paysage est vaste et les outils nombreux, les modèles apparaissent comme un vecteur d’efficacité. Il ne s’agit pas seulement d’accélérer le processus, mais de renforcer l’essence même de la créativité. Ils garantissent que, lorsque l’inspiration vous prend, vous êtes non seulement prêt, mais aussi équipé pour laisser libre cours à vos idées. Adoptez la puissance des modèles et voyez votre processus de production musicale passer de la simple création à l’art pur.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/10/templates.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-10-11 17:25:422023-10-11 17:25:42Transformer l’efficacité en art avec les modèles Ableton
Ce n’est pas un secret que je travaille en tant qu’ingénieur principalement pour des musiciens électroniques. Et pour tous ceux qui viennent me voir pour un mastering, l’une de mes tâches principales est de m’assurer que leur musique sonne bien dans un contexte de club ou de festival. Ces dernières années, il est impressionnant de voir à quel point les producteurs en herbe, et pas seulement les professionnels, font jouer leur musique dans un contexte où la musique est forte. Cela s’explique par le nombre croissant de personnes qui se lancent en tant que DJ, ce qui leur ouvre les portes d’un pub, d’une fête ou d’un club local.
Il en va de même pour les producteurs. Il y a de plus en plus de gens qui font de la musique et pour beaucoup d’entre eux, leur espoir est d’être joués par des DJ, pas seulement dans un podcast, mais à un moment où ils peuvent être entendus par plus qu’une poignée de personnes. Cela devient un test de la qualité de leur production et de leur mixage.
Mais cela peut aussi tomber à plat si la piste ne respecte pas certaines normes de base.
On m’a demandé de passer en revue une liste de points pour aider les producteurs à ne pas se sentir frustrés par leur musique.
1. Le ton : la base du son
Lorsque l’on prépare de la musique pour le club, le ton est primordial. De nombreux producteurs mettent trop l’accent sur certaines fréquences parce que cela sonne bien chez eux, ce qui conduit à des mixages trop aigus ou muddy. Avoir les mauvaises références musicales, ou ne pas comprendre que tous les clubs sont différents peut conduire les artistes à prendre de mauvaises décisions.
Visez un ton plus équilibré et plus plat.
Bien qu’il y ait de la place pour l’expérimentation, évitez les aigus excessifs, qui peuvent sonner aggressifs, et les graves trop prononcés, qui peuvent donner à votre piste un son creux ou muddy. Un ton équilibré garantit que votre morceau fonctionnera dans différents systèmes de sonorisation et environnements de club. Cela s’applique également à l’écoute à la maison.
CONSEIL : J’aime placer un égaliseur sur le bus principal pour voir le ton de ma piste. S’il y a une section plus haute que les autres, ce n’est pas toujours bon signe. S’il y a des pics au-dessus de 10k, cela peut être assez aggressif sur un grand système de son. Si vos graves sont plus forts que vos médiums, de plus de 4 dB, vous pouvez vous attendre à ce que votre chanson manque de présence dans un club. Les mélodies sonneront en arrière.
2. Intensité sonore (loudness) et densité : La puissance sans la surpuissance
Le volume sonore est indéniablement crucial dans un club, mais il s’agit d’un équilibre et d’une arme à double tranchant. Tout en veillant à ce que votre morceau ait du punch, n’oubliez pas que les DJ ont besoin d’une certaine marge de manœuvre pour le gain staging pendant les transitions. L’objectif n’est pas seulement le volume brut, mais plutôt la densité dans des zones de fréquences spécifiques, en particulier dans les graves. Si une piste légèrement moins forte n’est pas un problème, elle doit avoir l’énergie et le poids adéquats dans les zones de fréquences cruciales.
Les DJ savent comment faire du gain staging. Lorsqu’ils se plaignent que la piste n’est pas assez forte parce qu’ils ont dû augmenter le gain, j’imagine qu’ils savent qu’il est tout à fait normal d’avoir des différences. Les pistes qui ne sont pas aussi fortes ont une gamme dynamique plus étendue, ce qui donne à la piste plus de détails, de punch et, en fin de compte, de vie.
Pour atteindre un certain niveau sonore, le mixage devra être bien équilibré en termes de gain, puis, lors du mastering, compressé et limité davantage. La musique forte signifie que les sons se fondent les uns dans les autres.
CONSEIL : Après des années et des années de mastering, de pratique et de présence, je trouve que -10LUFS est en quelque sorte le point idéal. Certains diront que la musique devrait être plus forte, mais je ne crois pas.
3. Le signal mono : Le héros méconnu des pistes de club
Alors que la diffusion stéréo ajoute de la richesse et de la dimension aux pistes au casque ou sur les systèmes domestiques, le signal mono est très puissant dans un club. Les chansons qui s’appuient trop fortement sur la diffusion stéréo sans tenir compte de leur compatibilité mono perdent souvent de leur puissance sur les systèmes de club. Les principaux éléments de votre mixage doivent être compatibles avec le son mono, de manière à ce qu’ils stimulent la piste sans rendre le son muddy.
Sons qui doivent avoir une certaine présence dans le signal mono : Kick, Bass, Clap/Snare et contenu mélodique entre 200 et 800 Hz.
ASTUCE : Créez une piste de retour, ajoutez un Utility réglé sur mono, puis envoyez vos différents sons vers cette piste. Cela renforcera votre signal mono en doublant ou en améliorant la présence de vos sons.
4. Les résonances : Les saboteurs subtils
Les résonances élevées peuvent faire des dégâts lorsqu’elles sont jouées sur de grands systèmes de sonorisation, transformant des sons subtils en sons stridents. Je dis souvent qu’en tant qu’ingénieur de mastering, je les chasse. Les résonances peuvent provenir de différentes sources telles que la résonance d’un filtre ou l’utilisation d’ondes sinusoïdales. Je n’entrerai pas dans les détails de ce qu’elles sont exactement, mais c’est une sorte de son, tout comme la distorsion, qui a un son incroyable à la bonne dose.
Il est essentiel de les contrôler et de les apprivoiser, afin que votre piste reste agréable et cohérente à différents niveaux de volume et dans différents systèmes.
J’ajouterais en parallèle, en tant que 4-B, les transitoires (transients). Il faut également être prudent avec ces derniers.
ASTUCE: À l’aide d’un égaliseur, vous pouvez tenter de maîtriser les résonances mais si vous n’arrivez pas à les repérer car ce concept n’est pas évident pour vous, n’hésitez pas à commencer par mettre en solo chaque son et à repérer ceux qui ont un son « iiiiii » (il peut être aigu ou grave). On trouve généralement des résonances dans les synthétiseurs, car ils possèdent souvent un oscillateur sinusoïdal ou un filtre avec résonance.
5. La clarté : L’espace
Chaque son de votre mixage doit avoir sa place attitrée, à la fois dans le champ stéréo et dans le spectre des fréquences. L’encombrement par des decays trop prolongés ou une réverbération excessive conduit à un mixage confus et peu clair. En veillant à ce que chaque élément ait la possibilité de respirer, votre morceau conservera son punch, sa définition et l’énergie tant convoitée du dance floor.
ASTUCE : Le Gating est votre meilleur allié en matière de mixage. Il permet de supprimer les tails et de réduire le decay des sons, ce qui est très utile.
6. La phase : Le saboteur silencieux de la chanson
Les problèmes de phase peuvent entraîner la disparition d’éléments essentiels de votre piste, en particulier lors de la lecture mono. Ce phénomène est exacerbé par les effets induisant une phase, tels que les flangers, les phasers, les chorus, les délais et les réverbérations. En comprenant et en gérant le déphasage, vous vous assurez que les éléments essentiels de votre chanson restent cohérents dans tous les scénarios de lecture.
Un bon moyen de savoir si un son est en phase dans votre projet est d’utiliser un appareil de mesure de corrélation tel que SPAN (c’est gratuit!). Vous verrez ce vumètre en mouvement et vous voudrez qu’il reste entre 0 et +1. S’il passe en négatif, il y a un déphasage. Une autre méthode consiste à placer un Utility mono sur votre son pour voir s’il perd beaucoup de puissance ou s’il disparaît complètement.
ASTUCE : La manière d’y remédier est un peu délicate, mais vous pouvez commencer par réduire la largeur de la stéréo, supprimer les effets ou les rendre plus dry.
7. Clarté des basses fréquences : Faire danser votre basse
La relation entre le kick et la basse s’apparente à une danse. Ces éléments doivent s’intégrer harmonieusement, en se complétant plutôt qu’en s’opposant les uns aux autres. L’utilisation de techniques telles que le gating ou le side-chaining permet de s’assurer que ces éléments fondamentaux coexistent harmonieusement, en stimulant le rythme sans brouiller le mixage.
Ces dernières années, j’ai apprécié les kicks plus courts que les kicks longs et puissants. L’utilisation des kicks longs pose trop de problèmes et, dans un club, ils prennent trop de place pour être suffisamment intéressants. Les kicks courts soutiennent bien un morceau et laissent beaucoup d’espace pour les notes de la basse.
Le rumble, selon le genre que vous produisez, peut être un problème. Il se peut que vous ayez également un DC Offset, je vous recommande donc vivement de couper (high pass) à 20 Hz pour éliminer les déchets qui se trouvent en dessous. La plupart des clubs fonctionnent de toute façon à 30 Hz, mais couper à 20 Hz est une bonne mesure de protection et permet également d’avoir une marge de manœuvre pour le mixage.
Alignez la phase de votre kick et de votre basse! Une astuce simple qui fait une bonne petite différence dans certains cas.
ASTUCE : Pour les personnes qui s’appuient fortement sur le side-chaining pour faire fonctionner les deux, je dis toujours que les arrangements sont la base du mixage. En d’autres termes, si vous programmez/concevez correctement votre kick et votre basse dès le départ, ils seront plus propres et vous n’aurez pas à les réparer avec des gadgets.
Les clubs posent des défis uniques aux producteurs de musique électronique. En tenant compte de ces sept facteurs essentiels, vous pouvez vous assurer que vos morceaux ne sonnent pas seulement bien en studio, mais qu’ils brillent aussi sur la piste de danse. N’oubliez pas qu’un morceau prêt pour le club est une synergie d’équilibre, de clarté et d’énergie. En visant ces objectifs, vous ferez bouger les gens en un rien de temps.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/10/club-ready.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-10-04 11:46:082023-10-04 11:46:08Création de titres adaptés aux clubs
À une époque où la technologie a simplifié la communication, il est ironique de constater qu’elle a aussi, parfois, rendu les choses plus compliquées. Prenons l’exemple de la promotion de la musique. L’art de choisir minutieusement les personnes avec lesquelles on partageait son travail s’est perdu dans le déluge de l’ère numérique. Et cela est particulièrement évident dans le monde de la promotion musicale par courrier électronique (email).
Pour un artiste de petite ou moyenne envergure comme moi, ma boîte de réception est perpétuellement inondée de titres promotionnels. En fait, j’ai dû mettre en place une règle de courrier électronique pour canaliser ces promotions dans un dossier séparé, juste pour que ma boîte de réception principale reste gérable. Pour vous donner une idée, ce dossier a récemment franchi la barre des 13 000. C’est accablant et, franchement, dysfonctionnel.
Remettons les choses dans leur contexte. Je ne suis même pas un acteur important de l’industrie musicale. Les artistes majeurs reçoivent probablement 3 à 5 fois le nombre de promos que je reçois. La question qui se pose alors est la suivante : quelle est l’efficacité de cette méthode lorsque même un petit artiste ne peut pas suivre?
L’un des problèmes les plus importants est l’approche dispersée. Je suis inondé de titres de genres et d’artistes qui sont à mille lieues de mes goûts musicaux. C’est comme si le fait d’avoir accès à mon adresse électronique était devenu une invitation ouverte à m’envoyer tout et n’importe quoi. Ce système d’envoi massif de courriels signifie qu’environ 95 % de la musique que je reçois ne me concerne même pas. Cela pose un problème spécifique, non seulement pour moi, mais aussi pour les musiciens. La poignée de titres qui pourraient réellement m’intriguer sont perdus dans la masse.
Cette situation reflète étrangement un autre défi : l’achat de musique. Pour chaque pépite que vous trouvez, il est probable que vous passiez au crible une montagne de morceaux qui ne sont pas tout à fait votre style. Avec les promotions par courriel, la botte de foin s’est accrue de façon exponentielle, rendant l’aiguille encore plus difficile à trouver.
Paradoxalement, dans ce vaste monde numérique, les contacts personnels semblent être la forme la plus efficace de promotion de la musique. Lorsque vous rencontrez des artistes en personne, l’échange est direct et spécifique. Mais en réalité, ces possibilités sont limitées.
Bizarrement, c’est difficile à admettre, mais Spotify a été mon outil le plus fiable pour découvrir et sélectionner la musique que j’écoute. J’y trouve généralement de la musique, puis je poursuis mes recherches sur Bandcamp et Soundcloud. Mais même si je n’aime pas l’éthique de Spotify, s’il y a une chose qu’ils font bien, c’est de me tenir au courant de la musique que j’aimerai le plus souvent.
Où cela nous mène-t-il?
Tout d’abord, les artistes doivent repenser leur stratégie d’envoi massif de courriels à l’aveuglette. L’objectif ne doit pas être de savoir combien de personnes vous pouvez atteindre, mais plutôt d’atteindre les bonnes personnes.
Deuxièmement, en tant que destinataires, nous avons peut-être besoin de plateformes ou de systèmes pour mieux communiquer nos préférences musicales. Les labels ont traditionnellement joué ce rôle dans une certaine mesure, mais il y a de la place pour l’innovation.
Enfin, si les relations personnelles restent inestimables, l’ère numérique exige de meilleures solutions. Nous avons besoin de plateformes où la spécificité et la personnalisation deviennent primordiales, garantissant que chaque promotion envoyée par un artiste est un succès potentiel, et pas seulement un autre courriel dans un dossier surchargé.
Mais j’ai aussi une liste de sites Web qui peuvent aider à la promotion.
SubmitHub : Une plateforme où les artistes et les labels peuvent soumettre leur musique à des blogueurs, des curateurs de playlists, des YouTubers et même des maisons de disques. C’est un excellent moyen d’obtenir une rétroaction et, éventuellement, de faire connaître votre musique.
RepostExchange : Cette plateforme permet aux utilisateurs de SoundCloud d’échanger des reposts. C’est un moyen d’exposer votre musique à un nouveau public en tirant parti de la popularité d’autres artistes.
DistroKid : Bien qu’il s’agisse avant tout d’une plateforme de distribution de musique, DistroKid propose également des outils promotionnels tels que « HyperFollow », qui aide les artistes à maximiser leur nombre de pré-sauvegardes sur des plateformes telles que Spotify.
PlaylistPush : Conçu pour permettre aux artistes de présenter leur musique aux curateurs de listes de lecture de Spotify, Apple Music et Deezer.
Hypeddit : Vous aide à développer votre base de fans sur des plateformes telles que SoundCloud, YouTube, Mixcloud et autres en échangeant des likes, des reposts, des commentaires et des followers.
Feature.fm : Il permet aux artistes d’inclure leur musique dans les listes de lecture des services de diffusion en continu et fournit également des outils pour les pré-sauvegardes et d’autres campagnes promotionnelles.
Groover : À l’instar de SubmitHub, Groover permet aux artistes d’envoyer leurs morceaux à un large éventail de blogueurs, de maisons de disques, de stations de radio et de curateurs de listes de lecture.
Musosoup : Les artistes soumettent leurs titres et les curateurs (blogueurs, playlists, etc.) peuvent parcourir et sélectionner les titres qui les intéressent.
Promo.ly : Un système de promotion musicale pour les artistes, les labels et les agences de relations publiques afin de partager leur musique avec les influenceurs de l’industrie.
Echio : C’est un endroit où vous pouvez suivre des artistes, participer à des ateliers, payer pour des commentaires et plus encore.
En conclusion, si l’ère numérique a révolutionné le partage de la musique, il est également important d’en reconnaître les pièges. À mesure que nous avançons, il est essentiel de trouver une harmonie entre l’ancien et le nouveau, en veillant à ce que la musique de qualité ne se perde pas dans les méandres du numérique.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/09/emails.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-09-19 14:47:282023-09-19 14:47:28Le dysfonctionnement de la promotion par courriel dans le domaine musical
L’industrie musicale, et plus particulièrement la scène de la musique électronique, a toujours prospéré grâce à la synergie entre ses créateurs et ses auditeurs. En tant que producteur de musique électronique, je me suis rendu compte que pour réussir, il faut souvent savoir prendre le pouls de la communauté. Mais qu’est-ce que cela signifie pour les artistes qui se sentent déconnectés, ou pour ceux qui gravitent autour de genres dont le soutien local est limité? Plongeons au cœur des communautés musicales et voyons comment elles façonnent le parcours d’un artiste.
Le rôle de la communauté dans la croissance d’un artiste
Après avoir passé beaucoup de temps à produire de la musique et à interagir avec d’autres musiciens, un schéma se dessine. Les producteurs qui font partie d’une communauté musicale active ont tendance à gravir les échelons du succès plus rapidement et de manière plus organique. Il ne s’agit pas seulement d’avoir des contacts, mais aussi de recevoir une rétroaction immédiate, de comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et de s’inspirer de l’énergie commune.
Lorsqu’on est raccordé à une communauté, c’est comme si l’on avait les doigts sur le pouls de la musique que l’on aime. Non seulement vous apprenez les subtilités du genre, mais vous comprenez aussi ce que le public désire. Le partage des connaissances et des idées d’un groupe d’individus partageant les mêmes intérêts peut souvent faire la différence entre une piste qui tombe à plat et une piste qui résonne profondément.
Dans mon cas, j’ai rapidement trouvé ma communauté de personnes aimant la même musique que moi et j’ai eu la chance qu’il y ait des événements où tout le monde pouvait se rencontrer. Il était facile de rentrer en contact et je me suis senti rapidement impliqué. L’une des forces de ce premier tremplin était que je pouvais présenter ma musique facilement et que j’obtenais des bookings de manière organique. Aujourd’hui, je vois des gens qui contactent des lieux pour des bookings, mais si vous n’avez jamais visité le lieu, vous ne connaîtrez pas sa culture et son orientation. Il est très important de s’y rendre afin de voir et de vérifier si la clientèle est dans le même état d’esprit que vous. Il n’y a rien de plus dur que de jouer une gig où les gens ne comprennent pas ce que vous faites.
Au cours de mes tournées, j’ai découvert dans chaque ville des bulles de personnes qui me rappelaient ma communauté locale. Même physiquement, j’ai rencontré quelqu’un qui me rappelait quelqu’un de chez moi.
Le défi des genres non locaux
Mais qu’en est-il des producteurs qui se passionnent pour un genre qui n’est pas très répandu dans leur environnement local?
De nombreux artistes se tournent vers l’extérieur et se mettent en contact avec des labels ou des groupes en ligne qui partagent leur passion. Si l’internet a permis de combler de nombreux vides, les connexions en ligne manquent souvent de la profondeur et de la chaleur des interactions personnelles. La nature même de la communication numérique peut parfois rendre ces relations impersonnelles.
Certaines personnes vivent dans de petites villes ou ne sont pas proches d’une grande ville, ce qui peut constituer un défi, car localement, il n’y a peut-être aucune chance de créer une communauté. Comment cela fonctionne?
Les artistes peuvent produire des morceaux exceptionnels, mais le vieil adage dit que les gens ont tendance à soutenir ceux qu’ils connaissent. Une communauté peut parfois hésiter à accueillir des nouveaux venus. Cette approche protectrice est naturelle, mais elle peut involontairement fermer la porte à de nouveaux talents qui auraient pu apporter des perspectives et des sons nouveaux. Inutile de penser aux labels qui reçoivent de la musique de personnes dont ils n’ont jamais entendu parler et qui s’attendent à ce qu’ils leur répondent. Dans le meilleur des mondes, c’est ce qui se passerait, mais dans la réalité, cela n’arrive pas souvent. Cela laisse les artistes perplexes.
Ainsi, pour les personnes qui ne bénéficient pas d’un bon soutien musical, plusieurs choix sont possibles. L’une d’entre elles consiste à essayer de se rendre dans l’endroit le plus proche où il y a des événements et une communauté pour en profiter en même temps que de la musique. Vous finirez par trouver votre rôle et votre place dans cette tribu. Ensuite, à l’aide d’outils de communication en ligne, maintenez le contact.
N’oublions pas qu’il est possible de créer son propre réseau local et sa propre communauté, mais que cela peut s’avérer difficile au début.
La solution DJ
Dans de tels scénarios, une stratégie que j’ai vue fonctionner consiste à s’adresser aux DJ.
Pourquoi les DJs?
Parce qu’ils ont le pouvoir de faire découvrir de nouveaux titres à un public enthousiaste. Les DJ sont toujours à l’affût du prochain titre phare, et ils peuvent contribuer à ce que la musique d’un outsider obtienne la reconnaissance qu’elle mérite. Faire jouer votre musique par un DJ peut être le lien parfait entre l’artiste et une nouvelle communauté. Vous pouvez également faire la même chose avec des restaurants ou des boutiques locales et leur demander de passer votre musique de temps en temps, mais bien sûr, vous devrez le faire en personne après avoir montré que vous vous intéressez à leur lieu et à leurs goûts musicaux.
De plus, les DJ aiment la musique pour les podcasts et c’est un bon moyen de percer auprès d’une nouvelle bulle de personnes.
Construire des communautés inclusives pour un avenir dynamique
Alors que nous discutons des communautés et de leur importance, il est également essentiel de parler d’inclusion. S’il est nécessaire de protéger l’intégrité d’une communauté, il est tout aussi vital de veiller à ce qu’elle ne devienne pas insulaire. En accueillant de nouveaux membres et en étant réceptive à leur offre musicale unique, une communauté ajoute non seulement à sa diversité, mais assure également sa longévité.
À toutes les communautés musicales : n’oublions pas que l’outsider d’aujourd’hui peut être le précurseur de demain. En étant ouverts aux nouveaux membres et à leurs sons distincts, nous garantissons que notre communauté reste dynamique, fraîche et prête pour l’avenir. Les outsiders apporteront une énergie et des idées nouvelles qui permettront à la musique de ne pas tomber dans l’équivalent d’une chambre d’écho où tout sonne pareil au bout d’un certain temps.
Des idées pour découvrir les communautés musicales et entrer en contact avec elles :
Magasins de musique et cafés locaux : ces lieux ont souvent des panneaux d’affichage indiquant les événements, les rassemblements ou les ateliers. Même en discutant avec le propriétaire du magasin ou avec les habitués, vous pouvez trouver des groupes de musique locaux.
Ateliers de musique et masterclass : En vous inscrivant ou en assistant à ces ateliers, vous pouvez rencontrer des artistes et des instructeurs qui partagent les mêmes idées et qui peuvent vous orienter vers des communautés pertinentes.
Festivals de musique et concerts : Participez aux festivals locaux et régionaux. Même les petites gigs peuvent être des mines d’or pour le réseautage. Souvent, ces événements sont organisés ou fréquentés par des personnes qui font partie de communautés musicales.
Plateformes en ligne : Les sites web tels que Meetup.com ou les groupes Facebook proposent souvent des groupes musicaux locaux auxquels vous pouvez vous joindre et participer à des discussions ou à des événements.
Centres communautaires et universités : Beaucoup d’entre eux proposent des cours de musique et ont souvent des clubs de musique actifs. S’engager auprès d’eux peut ouvrir des portes aux communautés musicales locales.
Forums de production musicale : Des sites web tels que Gearslutz ou KVR Audio proposent des forums actifs où des producteurs du monde entier discutent de musique, de matériel et d’événements.
Collaborez en ligne : Les plateformes telles que SoundCloud, Bandcamp ou Splice peuvent être d’excellents endroits non seulement pour partager votre musique, mais aussi pour collaborer avec d’autres, ce qui peut vous permettre d’entrer organiquement en contact avec des communautés.
Participez aux soirées Open Mic : Ces soirées attirent souvent des musiciens locaux et des passionnés. C’est un environnement détendu qui permet de rencontrer des gens et d’obtenir des commentaires sur sa musique.
Visitez des studios d’enregistrement : Les contacts avec les directeurs de studio ou les techniciens peuvent donner des indications sur les musiciens locaux et les communautés avec lesquelles ils travaillent.
Entrez en contact avec des DJ : Comme nous l’avons déjà mentionné, les DJ sont à l’écoute des communautés musicales. En établissant des contacts avec eux, il est souvent possible de s’introduire dans ces communautés.
Notes de fin : Un appel aux artistes
À mes collègues artistes qui se sentent un peu à la dérive, rappelez-vous que toute communauté a commencé à petite échelle. S’il n’existe pas de communauté pour votre genre, envisagez d’en créer une! Et si cela vous semble une tâche monumentale, n’hésitez pas à prendre contact en personne. Assistez à des concerts locaux, à des événements musicaux ou même à des ateliers. L’établissement d’un contact direct peut avoir plus d’impact qu’une douzaine d’interactions en ligne.
Dans le paysage en constante évolution de la musique électronique, une chose reste constante : la valeur de la connexion. Ainsi, que vous soyez un artiste à la recherche de votre tribu ou un membre de la communauté s’interrogeant sur la prochaine étape, n’oubliez pas que c’est grâce à l’inclusion, à la compréhension et aux interactions personnelles que nous continuerons à prospérer et à créer des symphonies harmonieuses dont le monde entier pourra profiter.
Mots-clés : musique électronique, production musicale, communauté, DJ, réseau, inclusion, artistes, concerts locaux, événements musicaux.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/09/community.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-09-05 15:11:432023-09-05 15:11:43L’orientation musicale vient de votre communauté
Dans le monde de la production musicale, le concept de « chance du débutant » est quelque chose que beaucoup de gens ne connaissent pas. Il ne s’agit pas seulement de hasard ou de sérendipité. Il s’agit de la créativité débridée qui naît lorsqu’un nouveau venu, dépourvu d’idées préconçues, plonge sans crainte dans le monde de la création musicale. J’y ai toujours vu la preuve que parfois, il ne s’agit pas de faire quelque chose à la perfection, mais plutôt de faire preuve de spontanéité. Plus vous en savez, plus vous vous enfermez dans votre esprit en essayant de contrôler tous les petits détails que vous connaissez, ce qui anéantit l’idée initiale. Il est très fréquent que des personnes me contactent pour me demander de l’aide parce qu’elles ont gâché une belle idée initiale en essayant de « l’améliorer ».
Comme je l’ai dit dans mon précédent article, les gens se souviennent des idées, pas de la perfection technique. Par ailleurs, les chansons techniquement parfaites ne vieillissent pas toujours bien, car elles peuvent facilement sonner cliniques, froides, sans âme.
Je trouve que les personnes qui ont moins de connaissances techniques et qui se concentrent sur une idée, sortent souvent une chanson simple qui fonctionne. J’ai vu des gens sortir de nulle part, composer une chanson qui fonctionne sans vraiment savoir ce qu’ils font. Puis, pendant des années, ils ont essayé d’apprendre tout ce qu’ils pouvaient pour sonner comme des « pros », mais ils ont parfois perdu cette étincelle magique en cours de route. L’esprit du débutant est une pratique abordée dans le cadre de la méditation de pleine conscience. J’ai remarqué qu’il s’agit d’une approche bénéfique pour les personnes qui luttent contre le désintérêt et le manque d’inspiration.
Dans cet article, nous explorons l’importance de cultiver et d’entretenir l’esprit du débutant dans la production musicale, en nous inspirant de l’approche de la pleine conscience prônée par Jon Kabat-Zinn.
La chance du débutant en production musicale
Les gens veulent naturellement écouter de la nouvelle musique et parfois aussi se rattacher à la musique qu’ils connaissent. Mais il y a incontestablement un certain nombre de personnes qui veulent s’informer sur la prochaine grande nouveauté. Par conséquent, les nouveaux venus sont pris dans cette zone étrange où il leur est difficile d’émerger alors que d’autres, dans la même position qu’eux, se démarqueront. Néanmoins, si vous êtes novice en matière de musique, vous avez de la chance pour des raisons évidentes : tout ce qui concerne la musique est nouveau et peut sembler fascinant. Cet état d’esprit est propice à la création, car vous ne portez pas de jugement sur certains sons du fait qu’on vous a dit que certains n’étaient pas assez bons pour un genre spécifique.
Voici quelques points et atouts :
1. Une créativité débridée : Lorsque les débutants entrent dans le domaine de la production musicale, ils sont principalement guidés par leur passion et leur intuition. Ne maîtrisant pas les techniques complexes, ils s’appuient sur leur talent brut et leur instinct pour créer leur musique. Cette approche donne souvent lieu à des morceaux non conventionnels, frais et innovants qui captivent le public. C’est quelque chose qui, personnellement, m’intéresse toujours dans la musique des débutants, parce qu’ils utilisent des techniques de base, parfois mal utilisées, mais qui se révèlent agréables. Dans le monde de la peinture, il existe un équivalent appelé « art naïf« , où l’artiste réalise un portrait d’une manière inhabituelle. J’ai également remarqué que Midjourney, qui est un générateur d’art basé sur l’IA, était similaire, car la première version avait du mal à créer des mains, ce qui donnait des résultats très bizarres, mais néanmoins époustouflants.
Credits : Bootcamp
2. L’expérimentation sans crainte : Les novices ne sont pas freinés par la peur de l’échec ou par les contraintes des normes établies. Ils explorent des sons, des genres et des techniques variés sans avoir à répondre à des attentes. Cette expérimentation audacieuse peut conduire à des découvertes accidentelles et à la création d’une musique qui défie toute catégorisation. J’ai parfois remarqué que les nouveaux compositeurs qui n’ont aucune expérience en tant que DJ créent des morceaux avec des arrangements très étranges sans savoir qu’ils risquent de faire rager les DJ lorsqu’ils essaieront de mixer leur musique, mais cela a aussi un certain charme.
3. Expression authentique : Les débutants créent souvent de la musique comme un moyen d’expression personnelle plutôt que de viser le succès commercial. Cette authenticité trouve un écho auprès des auditeurs, qui sont attirés par les émotions et les histoires authentiques contenues dans la musique. Plus quelqu’un fait de la musique pendant longtemps, plus il peut être tenté de tomber dans des routines, des habitudes ou de se conformer à l’esthétique d’un genre afin de « rester pertinent ».
Récemment, quelqu’un a partagé cette remarque sur Facebook :
Ce à quoi j’ai répondu :
Signes d’un changement dans l’esprit du débutant
Peut-on déterminer le moment où quelqu’un perd son esprit de débutant?
Oui et non. Il ne s’agit certainement pas d’un processus linéaire ni d’une perte définitive. Mais lorsqu’un client vient pour une consultation, j’imagine une échelle « esprit de débutant » et je tente de repérer les signes avant-coureurs d’un état négatif.
Il y aura des signes indiquant que l’effet vous quitte sur la base de quelques points. Au fur et à mesure que vous le verrez cet état d’esprit partir, certains problèmes apparaîtront.
1. L’attrait de la perfection :
Lorsque les artistes débutants connaissent le succès, ils ont tendance à rechercher la perfection. La définition du succès est très différente d’une personne à l’autre, ce qui rend la chose un peu délicate. Mais chaque fois qu’il y a une obsession ou une grande préoccupation pour les détails techniques, quelque chose me dit qu’il y a un désir d’être impeccable, avant de sonner authentique. Certains peuvent commencer à être obsédés par des détails techniques (par exemple, rechercher sans cesse un échantillon spécifique, ajuster les niveaux de 0,5 dB, se fatiguer à prendre des décisions sur les arrangements, etc.), la surproduction, ou la conformité aux normes de l’industrie. Ce faisant, ils risquent de perdre l’essence distinctive qui a rendu leurs créations initiales si attrayantes.
Symptôme 1 : La partie technique prend le pas sur la partie artistique, tant en importance qu’en temps investi.
CONSEIL : consacrez plus de temps à la spontanéité, enregistrez vos idées en temps réel, limitez le nombre d’itérations d’une chanson ou limitez le temps passé sur une chanson spécifique en une journée.
2. Réflexions excessives et doute de soi :
Avec l’expérience, on a tendance à trop réfléchir. Les artistes peuvent devenir trop critiques à l’égard de leur travail, étouffant leur flux créatif par le doute et les limites qu’ils s’imposent. Cette conscience de soi les empêche de puiser dans la créativité naturelle qui caractérisait leurs premiers travaux.
Symptôme 2 : Les inquiétudes prennent le pas sur l’excitation. La plupart du processus de réflexion est axé sur l’expérience de l’auditeur plutôt que sur le sujet de la chanson. Imaginez que vous soyez dans une conversation et que vous soyez plus préoccupé par la façon dont l’auditeur vous entend que par ce que vous voulez dire, alors il y a de fortes chances que vous ne fassiez aucun sens.
CONSEIL : Concentrez-vous sur le sujet de la chanson et mettez-le en valeur.
3. Stagnation créative :
S’accrocher à une formule qui a fait ses preuves peut conduire à une stagnation créative. La répétition des mêmes modèles et techniques, même s’ils ont été couronnés de succès dans le passé, peut entraîner un manque d’innovation et de croissance artistique.
Symptôme 3 : Toutes vos chansons sonnent de la même manière. Elles finissent toutes par ressembler à une version différente d’une chanson précédente (réussie).
CONSEIL : Changez vos chansons de référence, explorez de nouvelles musiques qui sortent de votre zone de confort.
L’esprit du débutant et la pleine conscience
Une chose qu’il est important de comprendre à propos de la chance du débutant est que les gens sont naturellement attirés par la nouveauté. Ou du moins, c’est le cas pour de nombreuses personnes. Je me souviens qu’à l’époque où j’ai commencé à faire de la musique et à jouer sur scène, on m’offrait beaucoup d’opportunités comparé à aujourd’hui. Même si je suis toujours considéré comme un artiste émergent, parce que je ne suis pas célèbre, je suis également considéré comme vieux, et donc peut-être moins pertinent. Mais encore une fois, c’est très différent de celui qui m’écoute. Certaines personnes qui ont eu un bon départ recherchent la première sensation et essaient de la recréer en changeant leur façon de travailler ou en compensant par de nombreuses nouvelles acquisitions pour leur studio.
Abordez chaque nouveau morceau avec un esprit ouvert, sans idées préconçues sur le son qu’il devrait avoir. Laissez la musique évoluer naturellement, en acceptant la direction qu’elle prend.
Cela signifie que lorsque vous lancez de nouvelles idées, vous devez être moins pointilleux sur la manière dont la session doit commencer. Peut-être qu’un jour vous serez intéressé par les pads ou qu’un autre jour, vous ferez des boucles de percussion bizarres. Ne vous enfermez pas dans un mode opératoire qui a déjà fonctionné et laissez-vous toujours tenter par la nouveauté.
CONSEIL : divisez vos séances de musique en deux catégories : l’une liée à la création musicale (trouver de nouvelles idées, jouer, improviser) et l’autre purement technique. Lorsque ces deux éléments se chevauchent, l’esprit peut avoir du mal à s’ouvrir à de nouvelles idées.
2. Ne pas s’attacher aux résultats :
Au lieu de se focaliser sur le résultat final ou de rechercher une validation externe, il faut se concentrer sur le processus de création lui-même. Ce détachement des résultats libère la créativité et encourage la prise de risques.
Cela signifie-t-il que le laisser-aller est toléré?
Il s’agit plutôt de la manière dont vous gérez vos arrangements. Il s’agit également de ne pas penser aux résultats finaux et d’être ouvert à tout ce qui émerge.
CONSEIL : je dis souvent que je m’efforce d’achever la musique à près de 90 % et que je reviens plus tard avec la possibilité de la réviser complètement.
3. Accepter l’imperfection :
Comprendre que les défauts et les imperfections font partie intégrante du processus créatif. Accepter ces imperfections favorise l’authenticité et évite un polissage excessif qui pourrait ôter l’âme de la piste.
Lorsque je suis proche de la phase finale d’une chanson, je remarque parfois que mon esprit traque les imperfections, voulant toutes les couvrir. Je trouve que le fait d’en laisser délibérément laisse une touche humaine et je jure que des années plus tard, je ne les vois même pas comme des erreurs mais comme une partie de l’identité de la chanson elle-même. Plus souvent qu’autrement, toutes les choses que j’ai réparées finissent par être de trop.
CONSEIL : trouvez un ami qui peut écouter votre idée finale et demandez-lui de l’écouter une fois, puis de vous faire part de ses commentaires. S’ils n’ont rien remarqué, vous êtes sauvés.
4. Apprentissage continu :
Tout comme un débutant est désireux d’apprendre et d’explorer, maintenez une attitude d’apprentissage permanent. Tenez-vous au courant des nouvelles techniques, des nouveaux sons et des nouveaux outils afin d’insuffler de la fraîcheur à vos créations.
Comme je l’ai déjà dit, dans mon cas, je cherche des tutoriels tous les jours et je commence généralement une nouvelle chanson en essayant une nouvelle technique. C’est très utile tout en étant créatif.
Dans le domaine de la production musicale, le concept de chance du débutant est plus qu’un simple coup de chance éphémère. C’est un état d’esprit qui, lorsqu’il est adopté intentionnellement, peut conduire à une créativité durable et à une identité artistique distincte. En appliquant les principes de la pleine conscience, les artistes peuvent maintenir la créativité brute et non filtrée qui a rendu leurs premières œuvres si captivantes. Ainsi, que vous soyez un producteur chevronné ou un nouveau venu, n’oubliez pas d’adopter l’état d’esprit du débutant, qui est la porte d’entrée vers une musique qui résonne profondément chez le créateur et l’auditeur.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/08/luck.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-08-29 18:18:162023-08-29 18:18:16L’esprit du débutant en production musicale
Pour nous, musiciens, où la créativité rencontre la discipline, la symphonie secrète réside dans l’art des rituels, des routines et des habitudes. Comme les notes complexes d’une mélodie, ces éléments s’entremêlent pour créer un processus harmonieux amenant les musiciens du statut de novices à celui de virtuoses. De la recherche de l’accroche parfaite à l’élaboration d’arrangements complexes, ces rituels servent de baguette de chef d’orchestre, guidant les musiciens dans le labyrinthe de la création. Dans cette exploration mélodique, nous nous penchons sur les points communs qui unissent ces pratiques et découvrons leur impact transformateur sur le parcours de la production musicale.
Je constate que les personnes que je connais et avec lesquelles je travaille manquent d’organisation et de temps pour faire la musique qu’elles veulent faire. Il est important de prendre le temps de s’occuper de soi pour que les séances soient plus satisfaisantes. C’est ce qui nous motive tous, non? Alors pourquoi ne pas s’autoriser des pratiques plus saines?
La plupart du temps, il semble que de nombreux artistes aient l’impression, ou la superstition, que leur méthode malsaine donne de meilleurs résultats. Qu’il s’agisse d’automédication ou d’entêtement, on peut s’y tenir jusqu’à ce que cela ne fonctionne plus ou parce qu’on est entré dans une phase d’autodestruction.
Parlons donc d’améliorer vos séances.
Définissons ce que chacun de ces termes signifie.
1. Rituel : Un rituel est un ensemble d’actions, de comportements ou de pratiques qui sont accomplis avec un but, une intention et souvent une signification plus profonde. Les rituels sont généralement associés au symbolisme, à la signification et à un sens accru de la conscience. Ils sont exécutés pour marquer un événement, une transition ou un moment spécifique et ont souvent une signification culturelle, spirituelle ou personnelle. Dans le contexte de la production musicale, un rituel peut impliquer une méditation spécifique avant l’enregistrement, la mise en place d’une disposition particulière de l’espace de travail, ou même un geste symbolique avant d’entamer le processus créatif. Les rituels peuvent contribuer à créer un état d’esprit concentré et intentionnel, en apportant un sentiment de révérence et d’attention à l’effort créatif.
Rituals sont des pratiques intentionnelles dotées d’une signification symbolique, souvent utilisées pour apporter de la vigilance, de la concentration et une signification plus profonde à une activité ou à un événement spécifique.
2. Routine : Une routine est une séquence de tâches ou d’activités qui sont suivies régulièrement dans un ordre spécifique. Les routines apportent une structure et une prévisibilité à la vie quotidienne. Contrairement aux rituels, les routines n’ont pas toujours la même signification symbolique ou spirituelle. Au contraire, les routines servent des objectifs pratiques et peuvent englober toute une série d’activités, depuis les tâches banales de l’hygiène quotidienne jusqu’à des processus plus complexes tels que la routine d’un musicien pour installer son matériel avant une séance d’enregistrement. Les routines donnent un sentiment d’organisation, aident à gérer efficacement le temps et établissent un modèle cohérent pour l’accomplissement des tâches.
Routines sont des séquences de tâches qui structurent et organisent la vie quotidienne, en aidant à gérer le temps et à accomplir diverses activités de manière systématique.
3. Habitude : Les habitudes sont des comportements automatiques qui ont été répétés de manière cohérente au fil du temps jusqu’à ce qu’ils soient ancrés dans notre vie quotidienne. Elles nécessitent un minimum de réflexion et d’effort conscient. Les habitudes peuvent être positives ou négatives et se développent souvent par la répétition. Dans le contexte de la production musicale, une habitude peut être un planning régulier de pratique d’un instrument, un rituel quotidien d’écoute de musique pour trouver l’inspiration, ou même la tendance à commencer chaque séance d’enregistrement par une tasse de café. Les habitudes sont puissantes parce qu’elles façonnent notre comportement à long terme, qu’il s’agisse d’efforts créatifs ou de routines quotidiennes.
Les habitudes sont des comportements automatiques qui se développent par la répétition et s’ancrent dans nos routines, façonnant nos actions et nos comportements à long terme.
Rituels, routines et habitudes : Une symphonie collective
1. Le prélude : Préparer le terrain
Les rituels, les routines et les habitudes ont tous un objectif commun : préparer le terrain pour une créativité productive. Tout comme un orchestre bien préparé accorde ses instruments avant une représentation, les musiciens accordent leur esprit et leur environnement par des pratiques régulières. Ces pratiques créent un cadre mental, signalant au cerveau qu’il est temps d’entrer dans la zone créative.
Il existe de nombreuses petites choses que vous pouvez faire pour améliorer votre studio, le rendre plus chaleureux et en faire une source d’inspiration.
1. Un éclairage réfléchi : L’utilisation de lampes DEL (LED) dont vous pouvez changer les couleurs est un excellent moyen de changer l’ambiance à la volée. L’utilisation de bougies est également très agréable.
2. Un mobilier confortable : Investissez dans un mobilier confortable, tel qu’un fauteuil ou un canapé confortable où vous pourrez faire des pauses et écouter votre travail. Également utile pour les visiteurs.
3. Touches personnelles : Décorez le studio avec des objets qui vous inspirent, tels que des œuvres d’art, des affiches ou des souvenirs liés à vos musiciens ou groupes préférés. Les touches personnelles peuvent rendre l’espace unique et stimuler votre créativité. Le fait de voir des personnes qui m’inspirent à créer m’aide, mais il a été démontré que le fait d’avoir une photo de personnes qui vous sont chères et qui vous regardent peut augmenter votre efficacité.
4. Traitement acoustique : Incorporez des panneaux acoustiques, des diffuseurs et des bass traps pour améliorer la qualité sonore de votre studio. Non seulement ces traitements améliorent l’acoustique, mais ils contribuent également à créer une atmosphère plus professionnelle et plus accueillante. En général, ce point est incontournable.
5. Éléments naturels : Intégrez des éléments naturels tels que des plantes d’intérieur, des fleurs ou même une petite fontaine de table. La verdure apporte une touche de fraîcheur au studio et peut créer une ambiance apaisante.
6. Des couleurs inspirantes : Choisissez des couleurs qui évoquent les bonnes émotions pour votre processus créatif. Les tons doux et feutrés peuvent favoriser une atmosphère détendue, tandis que les couleurs vives peuvent dynamiser votre espace. Expérimentez des combinaisons de couleurs qui vous correspondent.
7. Citations inspirantes : Accrochez des citations motivantes ou inspirantes sur les murs pour rester inspiré et concentré dans les moments difficiles. Elles peuvent vous rappeler votre parcours créatif.
8. Une bonne organisation : Gardez votre studio bien rangé et organisé. Utilisez des étagères, des bacs de rangement et des solutions de gestion des câbles pour réduire le désordre et créer un espace de travail ordonné. Un environnement organisé permet d’avoir l’esprit plus clair et de travailler plus efficacement.
9. Paysages sonores personnels : Diffusez des sons ambiants, comme une pluie fine ou le crépitement d’une cheminée, pour créer une atmosphère confortable pendant que vous travaillez. Ces sons peuvent contribuer à réduire le stress et à améliorer la concentration.
10. Expérience multisensorielle : Faites appel à plusieurs sens en utilisant des bougies parfumées, de l’encens ou des diffuseurs d’huiles essentielles. Un arôme agréable peut contribuer à créer un environnement relaxant et inspirant.
11. Un sol confortable : Choisissez un revêtement de sol confortable, tel qu’un tapis ou une moquette, pour assurer l’isolation et le confort pendant les longues heures passées debout ou assis. Les tapis peuvent également améliorer l’acoustique.
12. Espaces de pause créative : Aménagez un coin confortable pour la détente et le brainstorming. Un pouf, des coussins de sol ou même un hamac peuvent constituer un espace confortable pour s’éloigner de son poste de travail et laisser libre cours à ses idées.
13. Des instruments inspirants : Gardez vos instruments à portée de main pour encourager la créativité spontanée. Mettez en évidence vos guitares, claviers ou autres instruments, afin qu’ils vous rappellent constamment vos activités musicales.
2. Trouver le motif : inspirer la créativité
Qu’il s’agisse d’une méditation préenregistrée ou d’une promenade quotidienne dans la nature, les rituels stimulent l’inspiration en encourageant l’attention et la présence. Des études suggèrent que ces pratiques activent le centre créatif du cerveau, améliorant la capacité à établir des connexions et à générer des idées nouvelles : un atout précieux dans la recherche d’accroches musicales.
1. La méditation de pleine conscience : La méditation de pleine conscience consiste à concentrer son attention sur le moment présent, sans jugement. Vous pouvez commencer par vous concentrer sur votre respiration, en élargissant progressivement votre conscience aux sensations, aux pensées et aux émotions. Une pratique régulière peut améliorer votre capacité à rester présent et concentré dans diverses situations.
2. La méditation guidée : La méditation guidée consiste à suivre les instructions d’une voix enregistrée ou d’une application de méditation. Il peut vous guider à travers des visualisations, des balayages corporels ou des techniques de relaxation, vous aidant ainsi à rester engagé et centré.
3. Conscience de la respiration : Se concentrer sur sa respiration est une technique simple mais efficace. Observez chaque inspiration et chaque expiration, en notant les sensations que vous éprouvez en inspirant et en expirant. Cette pratique peut aider à ancrer votre attention et à calmer votre esprit.
4. Méditation par balayage du corps : Dans cette pratique, vous vous concentrez systématiquement sur différentes parties de votre corps, ce qui vous permet de prendre conscience de vos sensations physiques et de relâcher les tensions. C’est un moyen de cultiver la conscience corporelle et de rester concentré.
5. Méditation par mantra : L’utilisation d’un mot, d’une phrase ou d’un son répétitif (mantra) peut aider à diriger l’attention et à calmer l’esprit. La répétition peut être apaisante et aider à éviter les distractions.
6. La visualisation : La visualisation consiste à imaginer une scène paisible ou un objectif à atteindre. Le fait de se concentrer sur cette image mentale peut vous aider à vous concentrer et à développer un sentiment de positivité.
7. Méditation en marchant : Au lieu de vous asseoir, vous pouvez pratiquer la méditation en marchant lentement et en pleine conscience. Soyez attentif à chaque pas, au mouvement de votre corps et à votre environnement.
8. Relaxation musculaire progressive : Cette technique consiste à tendre puis à relâcher différents groupes de muscles du corps. Cela peut réduire la tension physique et améliorer votre capacité à vous concentrer.
9. Yoga : le yoga associe le mouvement physique, le contrôle de la respiration et la pleine conscience. La combinaison de ces éléments peut vous aider à améliorer votre concentration, votre flexibilité et votre bien-être général.
10. Le tai chi : Le tai chi est une pratique de mouvements lents et fluides qui favorise la relaxation et la pleine conscience. Cela permet d’améliorer l’équilibre, la coordination et la clarté mentale.
11. Rythmes binauraux : Les battements binauraux sont des illusions auditives créées par la diffusion de deux fréquences légèrement différentes dans chaque oreille. On pense qu’ils influencent les ondes cérébrales et peuvent aider à atteindre différents états de concentration et de relaxation.
12. Colorier ou dessiner : Les activités créatives telles que le coloriage ou le dessin de motifs complexes peuvent avoir des effets méditatifs, car elles exigent une concentration soutenue sur la tâche à accomplir.
3. Le crescendo : S’engager dans la routine
La routine, souvent synonyme de discipline, joue un rôle crucial dans la production musicale. De même qu’un musicien fait ses gammes quotidiennement pour affiner sa technique, l’établissement d’une routine peut aider à affiner des compétences telles que l’enregistrement, l’édition et l’arrangement. La recherche indique que des routines régulières améliorent la concentration, la mémoire et les capacités cognitives générales, qui font toutes partie intégrante du processus complexe de production musicale.
Si vous suivez mon blogue, vous savez que j’encourage fortement certaines choses dans la routine, telles que :
Diviser votre séance de studio en différentes phases (brainstorming, test de concept, édition, modèles de loops, arrangements, mixage) et les aborder une à la fois.
Travailler sur une chanson pendant 30 minutes, puis travailler sur une autre. Travailler sur plusieurs morceaux à la fois est utile pour l’auto-validation.
Faire des pauses de quelques minutes toutes les 10 minutes.
Tous ces éléments seront utiles pour développer une routine, car ils vous fourniront les éléments nécessaires pour vous sentir plus satisfait de ce que vous faites.
4. Harmoniser les éléments : Rituels pour l’arrangement
L’arrangement d’une composition musicale peut s’apparenter à une symphonie complexe. Ici, les rituels fournissent la structure nécessaire pour tisser différents éléments musicaux en un tout cohérent. Les études soulignent que les rituels favorisent un sentiment de contrôle et réduisent l’anxiété. Autant d’ingrédients essentiels pour s’attaquer à la tâche complexe qui consiste à agencer divers éléments en une composition homogène.
Les arrangements sont à la musique ce que le scénario est au film. Les histoires se construisent de tant de manières différentes que pour se plonger dans la manière de le faire, il est important de s’inspirer des conteurs que l’on aime. Personnellement, j’adore David Lynch et voici quelques-uns des points qu’il utilise pour ses histoires.
Son style se caractérise par le surréalisme, des séquences oniriques et un mélange de banalité et de mystère. Voici quelques aspects clés de l’approche de David Lynch en matière de narration :
1. Accueillir le subconscient : Lynch plonge souvent dans le subconscient et explore les profondeurs de la psychologie humaine. Ses récits intègrent souvent des éléments oniriques, brouillant les frontières entre la réalité et le fonctionnement interne de l’esprit. Cette approche lui permet de puiser dans les émotions et les peurs universelles qui résonnent à un niveau émotionnel profond.
2. Atmosphère sombre et mystique : Les récits de Lynch présentent souvent des atmosphères sombres et mystérieuses qui créent un sentiment de malaise et de suspense. Il mêle l’ordinaire à l’étrange, insufflant au quotidien un air de mystère qui maintient l’attention et l’intrigue des spectateurs.
3. Symbolisme visuel : Le symbolisme joue un rôle important dans l’œuvre de Lynch. Il utilise souvent des symboles visuels et des métaphores pour transmettre des thèmes et des émotions complexes. Ces symboles peuvent être des motifs récurrents ou des objets qui ont une signification plus profonde dans le contexte de ses histoires.
4. Structures narratives non conventionnelles : Lynch est connu pour subvertir les structures narratives traditionnelles. Ses histoires ne suivent pas forcément un chemin linéaire et il est prêt à laisser certains aspects ouverts à l’interprétation. Cette approche non conventionnelle invite les spectateurs à s’engager avec la matière à un niveau plus contemplatif, suscitant souvent des discussions et des théories sur les significations qui se cachent derrière son travail.
5. Exploration de thèmes sombres : Les histoires de Lynch explorent fréquemment des thèmes sombres et tabous, tels que la violence, la crise d’identité et la dualité de la nature humaine. Il n’a pas peur de se confronter à des sujets inconfortables et de les présenter d’une manière qui remet en question les perceptions du public.
6. Utilisation du son et de la musique : Lynch accorde une attention méticuleuse au son et à la musique dans sa narration. Les éléments auditifs de ses films contribuent à l’atmosphère et à l’ambiance générales, améliorant l’expérience du spectateur et ajoutant une couche supplémentaire de profondeur.
7. Profondeur des personnages et ambiguïté : Les personnages de Lynch ont souvent des profondeurs cachées et leurs motivations peuvent rester ambiguës. Cette approche invite les spectateurs à s’engager activement avec les personnages et leurs parcours, encourageant l’introspection et l’analyse.
8. Approche collaborative : Lynch collabore souvent étroitement avec des artistes, des musiciens et d’autres créateurs pour donner vie à ses histoires. Cette approche collaborative donne lieu à des œuvres multidimensionnelles qui intègrent diverses formes artistiques.
Peut-être cela suscitera-t-il quelques idées.
Créer sa propre ouverture musicale : Élaborer des rituels et des routines personnels
1. Identifiez vos objectifs :
Avant d’élaborer vos rituels et routines, définissez les aspects de la production musicale que vous souhaitez améliorer. Recherchez-vous une plus grande inspiration, une meilleure concentration ou une approche plus organisée de l’arrangement?
2. Exploitez le pouvoir de la constance :
Choisissez des rituels et des routines qui vous correspondent et qui s’alignent sur votre processus créatif. La constance est essentielle : la répétition permet de consolider le lien entre la pratique et le résultat souhaité.
1. Fixez des objectifs clairs : Définissez des objectifs spécifiques et réalisables pour votre pratique et vos performances musicales. Le fait d’avoir des objectifs clairs vous donne un sentiment de direction et de finalité, ce qui vous permet de rester motivé et cohérent.
2. Établir un emploi du temps : Établissez un programme de pratique régulier et respectez-le. La constance repose sur la routine. Que ce soit sur une base quotidienne, hebdomadaire ou mensuelle, le fait de consacrer du temps à la pratique permet de créer une dynamique.
3. Commencez modestement : évitez de vous laisser submerger par des objectifs trop ambitieux. Commencez par des séances d’entraînement raisonnables, en augmentant progressivement la durée et la complexité au fur et à mesure que vous gagnez en régularité.
4. Décomposez : divisez vos séances de pratique en segments plus petits et plus ciblés. Cette approche permet d’éviter l’épuisement et de travailler sur des domaines d’amélioration spécifiques.
5. Pratiquer en pleine conscience : La qualité importe plus que la quantité. Concentrez-vous pleinement sur votre pratique sans vous laisser distraire. Engagez-vous dans une pratique délibérée en identifiant les domaines à améliorer et en y travaillant de manière ciblée.
6. Utilisez un journal de bord : Tenez un journal de pratique pour suivre vos progrès, vos difficultés et vos domaines d’amélioration. Cette réflexion vous permet d’identifier des tendances, de célébrer des étapes importantes et de rester vigilant.
7. Adopter la répétition : La constance se construit par la répétition. La pratique répétée des gammes, des exercices et des chansons permet de développer la mémoire musculaire et de maîtriser les techniques au fil du temps.
8. Privilégier la régularité à l’intensité : Des séances de pratique régulières et plus courtes sont souvent plus efficaces que des séances intenses et sporadiques. La constance permet de progresser régulièrement, tandis que l’intensité peut conduire à l’épuisement.
9. Se responsabiliser : Partagez vos objectifs et votre routine d’entraînement avec un ami, un professeur ou un collègue musicien. La responsabilisation peut vous motiver à rester cohérent et à suivre vos progrès.
10. Récompensez-vous : Célébrez vos réussites, aussi petites soient-elles. Faites-vous plaisir après avoir atteint des étapes importantes pour renforcer un comportement positif.
11. Accepter l’imperfection : Le perfectionnisme peut nuire à la constance. Acceptez que le progrès implique de faire des erreurs et d’en tirer des leçons. Privilégiez l’amélioration plutôt que l’exécution sans faille.
12. Restez inspiré : Cherchez à vous inspirer d’autres musiciens, d’autres genres et d’autres styles. L’exploration de nouveaux territoires musicaux peut raviver votre passion et rendre votre pratique attrayante.
13. Soyez patient : La constance prend du temps pour donner des résultats notables. Ne vous découragez pas si les progrès sont lents. Gardez à l’esprit la perspective à long terme.
14. Variez les plaisirs : Variez votre routine de pratique pour éviter la monotonie. Expérimentez des techniques, des styles et des genres différents pour renouveler vos séances.
15. Repos et récupération : Intégrez des jours de repos dans votre routine. Le repos est essentiel pour prévenir l’épuisement professionnel et maintenir le bien-être physique et mental.
16. Adaptez-vous et ajustez : La vie peut être imprévisible. Si vous manquez une séance de pratique, ne soyez pas trop dur avec vous-même. Au lieu de cela, adaptez votre emploi du temps et reprenez le cours de votre vie dès que possible.
3. Pleine conscience et présence :
Intégrez la pleine conscience dans vos rituels. Qu’il s’agisse d’un exercice de respiration avant l’enregistrement ou d’un moment de calme avant l’arrangement, cultiver la pleine conscience peut amplifier votre présence créative.
Mon livre préféré sur cette pratique est « Wherever you go, there you are » de Jon Kabat-Zinn.
4. Documentez votre parcours :
Tenez un journal pour suivre l’impact de vos rituels et routines sur votre processus de production musicale. Réfléchissez aux moments de percée, de concentration accrue ou d’inspiration renforcée.
Personnellement, j’adore les mémos vocaux de mon iPhone pour prendre des notes.
5. La science au service de la symphonie : les enseignements tirés des études
Une étude publiée dans le « Creativity Research Journal » a montré que le fait de s’engager dans des rituels créatifs cohérents améliore la créativité et donne un sentiment de contrôle sur le processus créatif.
Des recherches menées dans le « Journal of Neuroscience » révèlent que les pratiques de pleine conscience, souvent intégrées dans des rituels créatifs, stimulent le réseau du mode par défaut du cerveau, favorisant ainsi la pensée divergente et les idées novatrices.
Le « Journal of Experimental Psychology » suggère que les routines peuvent stimuler les performances cognitives et améliorer la mémoire, facilitant ainsi l’efficacité des tâches d’édition et d’arrangement.
En conclusion : La symphonie de la productivité et de la créativité
Lorsque les musiciens composent leurs fresques sonores, l’interaction des rituels, des routines et des habitudes crée une symphonie qui fait écho à la discipline et à l’inspiration. Tout comme un chef d’orchestre symphonique dirige méticuleusement chaque note, l’élaboration de votre propre ensemble de pratiques peut transformer votre parcours de production musicale en un chef-d’œuvre harmonieux. En comprenant les points communs qui unissent ces pratiques et en adoptant leur impact transformateur, vous trouverez non seulement les accroches et les arrangements qui résonnent, mais vous débloquerez également tout le potentiel de votre symphonie créative.
https://audioservices.studio/wp-content/uploads/2023/08/spiritism.jpeg10801080pheekhttps://audioservices.studio/wp-content/uploads/2022/07/logo-menu.jpgpheek2023-08-08 18:13:032023-08-08 18:13:03Rituels, routines et habitudes en production musicale
Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.
Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.
Le bruit dans la musique peut être nostalgique.
Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.
Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.
Le bruit blanc – Une fondation sifflante :
Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.
J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.
Le bruit rose – Une alternative plus douce :
Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.
Il existe égalementdiverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.
Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :
Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.
Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.
Bruit numérique – Possibilités infinies
Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.
Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :
Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.
En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.
Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs
Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.
Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.
Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels
Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.
Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité
Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.
Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.
Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.
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Son style se caractérise par le surréalisme, des séquences oniriques et un mélange de banalité et de mystère. Voici quelques aspects clés de l’approche de David Lynch en matière de narration :
