Après les deux premiers articles sur jouer de la musique électronique live, nous arrivons à notre dernier sujet : l’arrangement des clips, l’organisation des chansons et la préparation du son.

PRÉPARATION DES CLIPS

J’espère que vous avez fait vos devoirs de la deuxième partie où je vous ai demandé de prendre vos arrangements et de les transformer en une session Ableton Live. Si vous avez fait cela, vous verrez que cette tâche est assez exigeante et peut être déroutante, parce que vous pourriez avoir l’impression que vos chansons ne sont plus les mêmes, ou peut-être qu’elles n’ont plus de sens. Mais croyez-moi, même si vous pensez que vous avez échoué dans l’organisation de vos séances, cela commencera à avoir plus de sens à mesure que nous continuerons. Ce qui importe vraiment, c’est que vous avez maintenant du matériel chargé dans la vue session.

« Et si mon titre est si simple que je n’ai que quelques clips en vue session ? »

Ce n’est pas un problème, l’idée est d’avoir quelque chose. Une partie de la beauté d’un set live est qu’une fois que vous avez tous vos morceaux dans la session, vous les façonnez en un set plus long. Un live set n’est pas comme un DJ set, où l’on se concentre sur les transitions et les sélections de pistes ; il est beaucoup plus flexible et implique une mise en forme constante pour créer un ensemble plus grand.

1ère CHOSE À FAIRE : IMPORTEZ TOUTES VOS PISTES DANS UN SEUL GRAND PROJET

Pour le bien de cet exercice, veuillez commencer par créer un nouveau live set que vous nommerez « My Live Set » où vous aurez 12 pistes pour commencer.

Ensuite, nous allons importer toutes les chansons dans ce projet. Il y a deux façons de le faire et c’est à vous de décider ce qui est le mieux pour vous. J’aime personnellement ouvrir un projet, récupérer tous les clips de la session, copier (Cmd + C), puis ouvrir le projet « My Live Set » et coller. Vous pouvez également copier à travers le navigateur et si vous êtes plus à l’aise avec cette méthode, faites-le de cette façon.

Une des grandes nouveautés d’Ableton 10 est que les groupes apparaissent maintenant dans le navigateur, ce qui pourrait être une bonne façon d’organiser votre travail pour réimporter plus tard.

Vous devriez également penser à copier les restes d’audio de chaque piste. Ces pièces inutilisées sont plus précieuses que vous ne le pensez dans un contexte live. Un reste, c’est tout ce qui a été créé dans votre piste, mais qui n’a pas passé la dernière sélection. Il pourrait s’agir d’une variante, d’un peu de FX bizarre, de voix, peu importe — en gros, n’importe quoi fera l’affaire. L’idée derrière les restes est de créer du matériel pour votre version live afin qu’elle diffère de la chanson originale : cela ajoutera une dimension.

Une fois toutes vos pistes importées, vous avez une meilleure idée de l’ensemble de votre session.

« De combien de morceaux ai-je besoin pour un set d’une heure ? »

La réponse ici est difficile à trouver tant que vous n’avez pas répété et déterminé votre flow naturel. Après des années de pratique et d’enregistrement, je me suis dit que chacune de mes pistes durait en moyenne 6 à 8 minutes dans un contexte live. Cela inclut également les transitions (c’est-à-dire deux chansons qui se chevauchent pendant 1-2 minutes, pour rendre les choses assez fluides comme dans un DJ set).

Le temps total des pistes n’est pas forcément important à déterminer. Si vous êtes créatif, vous pouvez même jouer les morceaux dans un ordre aléatoire.

2e CHOSE À FAIRE : NOMMEZ ET COLOREZ TOUS LES CLIPS CORRECTEMENT

Les gens oublient souvent cette partie, mais faites-moi confiance, meilleure est l’organisation, moins vous aurez de stress en live. N’écoutez pas quand votre esprit vous dit : « oh, je me souviendrai bien de ce clip. » C’est pourquoi les noms sont importants, mais aussi la couleur du clip. Tous les kicks devraient être de la même couleur, les basses et ainsi de suite. Mes couleurs de codage personnelles ont été :

Kicks : rouge (attire mon attention).

Basses fréquences, basse : marron.

Percussions : jaune.

Claps/snare : orange.

Hihats : gris.

Éléments mélodiques : Bleu, en différents tons, car certains sont différents.

Une chose pratique avec les couleurs est que si vous jouez une piste pendant une transition, vous pouvez voir la couleur de l’autre clip alors que vous ne pouvez pas le voir à l’écran.

Veuillez noter que je ne recommande pas nécessairement de mettre tous les mêmes sons dans les mêmes pistes. Vous pouvez mélanger, par exemple, les hihats de la piste A avec ceux de la piste B. Si les hihats des deux tracks sont dans la même piste, vous ne pourrez pas les mixer ensemble, mais l’un après l’autre (un seul clip peut être joué dans une piste à la fois).

ORGANISATION DES SCÈNES

L’organisation de vos scènes prend beaucoup de temps, et ce sera aussi ce que vous retravaillerez le plus. Cela vous permettra de donner à vos chansons une sensation plus vivante. Pour cette section, je vais utiliser un exemple d’un de mes derniers live sets pour expliquer ce que j’ai fait, et pourquoi.

En-têtes des pistes : Comme vous pouvez le voir, les couleurs d’en-tête ne sont pas si importantes pour moi, mais il y a une section tout en blanc. C’est parce que j’utilise deux contrôleurs MIDI pour contrôler les volumes et la deuxième section est dédiée au second contrôleur. C’est aussi pourquoi ils sont numérotés pour que je sache à quel curseur ils se réfèrent sur le contrôleur lui-même.

3e CHOSE À FAIRE : MAPPEZ VOS PISTES AUX ÉLÉMENTS APPROPRIÉS DE VOS CONTRÔLEURS

Pensez à la façon dont vous voulez contrôler votre set sur un niveau de base, qui correspond aux pistes dans la plupart des cas. C’est la partie la plus importante à déterminer, car lorsque vous préparez votre set, vous devrez contrôler les faders de volume. Affectez vos pistes aux éléments appropriés de vos contrôleurs. Si votre contrôleur a des boutons, je les mapperais aussi aux boutons mute. Les mutes sont très importantes.

Lignes de séparation : Comme vous pouvez le voir, les lignes avant et après chaque ligne remplies ont des scènes de clips vides. Vous pouvez aussi voir qu’ils disposent de la case « stop ». Je crée des « lignes de séparation » pour deux raisons : aider à savoir où la chanson commence, mais ils servent aussi de moyen rapide pour faire arrêter de jouer un clip si nécessaire.

4e CHOSE À FAIRE : AJOUTER 1-3 LIGNES DE SÉPARATION ENTRE CHAQUE MORCEAU

La première scène/ligne de chaque piste : La première rangée, pour moi, est la plus importante. Au fil des ans, j’ai opté pour une version super minimaliste de mon live où je joue surtout de la musique en boucle avec des variations qui renforcent vraiment l’importance de la première ligne du set.

La première ligne a différents rôles :

• C’est l’introduction de votre chanson : elle sera utilisée dans la transition du morceau précédent.
• C’est l’idée de base de votre chanson : tous les sons qui sont joués du début à la fin de votre chanson devraient être placés ici, avec rien en dessous. Dans mon cas, le kick sera le même du début à la fin. La longueur du kick sera de 4 mesures et inclura des variations. Certaines personnes aiment ajouter plusieurs clips en dessous comme variations à déclencher, c’est donc toujours une autre option, mais pensez que tout ce qui reste inchangé tout au long devrait être là..
• Relâcher la tension : créez un breakdown improvisé ou commencez à enlever les sons. Vous pouvez utiliser le côté droit pour déclencher tous les sons en même temps pour revenir à l’intensité et à l’idée principale de la chanson. Ce point est très important si vous pensez explorer et improviser, car vous aurez besoin d’une ancre.

5e CHOSE À FAIRE : CRÉER UN NOYAU SOLIDE

Scènes supplémentaires/suivantes : Il y a plusieurs façons d’utiliser les scènes qui suivent votre introduction initiale. Pour « jouer en toute sécurité », vous pouvez simplement faire jouer chaque scène au fur et à mesure que la piste évolue. L’avantage de cette approche est qu’en ayant toutes les scènes à portée de main, vous pouvez déconstruire la ligne du temps de votre chanson en les jouant dans différents ordres. Ma façon préférée de le faire est d’avoir des variations d’une scène, comme une ligne avec des hihats, une sans, une avec deux hats et un clap, etc. et de même pour les mélodies. De cette façon, je peux jouer des variations, mais je peux aussi lancer une ligne entière et en avoir une nouvelle « prête à l’emploi ». Si vous regardez ma capture d’écran live set ci-dessus, vous verrez aussi que sous un échantillon « Tommydrum », j’ai le même clip trois fois en utilisant des variations de timing ou des réglages selon les versions. Je peux basculer entre eux quand j’en ai besoin.

DERNIÈRE CHOSE À FAIRE : PLANIFIEZ VOS LIGNES/SCÈNES SUIVANTES ET DÉCIDEZ CE QUE VOUS UTILISEZ.

Dans le prochain article, nous parlerons de la répétition, de l’étalonnage du son et des réglages avancés des clips !