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Problèmes de mixage et solutions

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En tant qu’ingénieur de mastering, je suis confronté quotidiennement à des mixages et, comme nous le savons, la qualité des masters est directement liée aux points forts des mixages. Au stade du mastering, je travaille avec un fichier stéréo, ce qui signifie que je peux faire des ajustements mais que j’ai aussi des limites. Si tous les problèmes du fichier mixé sont résolus, je peux me concentrer sur la mise en valeur du meilleur de la chanson. D’un autre côté, s’il y a des problèmes, je devrai peut-être les résoudre du mieux que je peux, mais cela brouillera également les meilleures parties de la chanson.

Demander au client de résoudre certains problèmes fait partie de mon travail. Que diriez-vous d’un article de blogue pour couvrir les problèmes les plus courants auxquels je suis confronté?

Avant de commencer, j’aimerais dire que le mixage est un art qui demande des années et des années pour en tirer le meilleur parti. Bien qu’il soit possible de suivre de nombreux cours, la meilleure façon d’apprendre est de pratiquer et de s’exposer à de nombreux autres problèmes. En me les envoyant pour que je les masterise, cela permet de vous former sur comment les tests spécifiques aboutissent.

 

Certains clients m’envoient chaque semaine de la musique à masteriser. Non pas parce qu’ils veulent sortir la chanson, mais parce qu’ils veulent voir à quoi elle ressemblera. Ils s’entraînent constamment, peaufinent leurs chansons, en commencent de nouvelles, et ce sont eux qui apprennent à mixer rapidement.

 

Mais comme me l’a demandé récemment un client, « Devrai-je toujours dépendre de quelqu’un pour apprendre à mixer ? »

Je lui ai répondu : « Non, mais tu dois d’abord apprendre les bases et ensuite le reste sera beaucoup plus facile ».

Avant de lire ce billet, je vous encourage à regarder cette vidéo que j’ai enregistrée pour des clients.

 

 

Les problèmes de mixage les plus courants auxquels je suis confronté lors du mastering

 

En tant que lecteur, vous vous attendez probablement à ce que l’on vous indique facilement ce qui ne va pas dans votre session de mixage, mais certains des problèmes proviennent de facteurs externes. Si ces facteurs ne sont pas pris en compte, vous rencontrerez les mêmes problèmes, quelle que soit l’utilisation que vous ferez de votre logiciel ou de vos plugins. C’est pourquoi, bien souvent, après avoir écouté les 20 premières secondes d’une chanson, je sais déjà dans quel contexte le producteur travaille.

Cela nous amène à la première question la plus problématique à laquelle je suis confronté chaque jour.

 

Manque d’expérience en matière de traduction du mixage

 

Qu’est-ce que la traduction du mixage?

On développe cette compétence lorsqu’on sait comment son son sera projeté dans le monde extérieur au studio. La traduction du mixage nécessite de passer du temps dans le monde extérieur, d’écouter différents types de musique, puis de retourner au studio et d’écouter les mêmes chansons pour voir comment elles sonnent. Vos oreilles finissent par comprendre que si vos basses sont à un certain niveau en studio, elles auront un impact particulier dans un club ou une voiture. Certaines personnes se fient à leur voiture pour savoir si le morceau sonne bien, ce qui est, d’une certaine manière, une forme de traduction du mixage.

Mais il y a une particularité à cela. Si votre studio ne dispose pas de paramètres correctement ajustés, votre monitoring vous induira en erreur. Pire encore, il risque de masquer certains problèmes ou de mettre en valeur des parties qui ne se traduisent pas bien.

 

Cela signifie-t-il que vous avez besoin d’un studio doté d’une gamme complète de traitements acoustiques et d’une correction de la pièce par Sonar Works?

 

La réponse est non.

 

Je ne dirais pas que j’aime le plugin de Sonar Works parce que je préfère m’habituer à un signal imparfait plutôt que d’avoir à gérer un son plat induit par le plugin. Certains l’aiment, et c’est tant mieux pour eux, mais honnêtement, ce n’est pas quelque chose dont vous avez besoin. Vous avez besoin d’un sub ou d’un Subpac pour comprendre vos basses fréquences si vous faites de la musique où les basses fréquences sont essentielles. Procurez-vous une paire d’écouteurs que vous aimez, mais qui ne sont pas de qualité grand public, et apprenez à bien les connaître.

 

Un client me demandait sans cesse de renforcer le sub, et j’ai fini par découvrir qu’il n’avait pas de sub. Il a eu une mauvaise surprise lorsqu’il a joué le morceau dans un club local.

 

Beaucoup de clients ont des mixes avec trop d’une certaine gamme (ex. basses exagérées) ce qui aura pour répercussion de sonner mal dans certains clubs et obligera les DJs à réajuster leur EQ sur la table de mixage pour s’adapter aux autres morceaux qu’ils mixent.

 

Lorsque les clients reçoivent le master de leur morceau, ils l’écoutent dans leur studio et ont parfois l’impression qu’il n’est pas bon. C’est parce qu’ils ont mixé leur morceau pour qu’il corresponde aux défauts du studio, et une fois que ceux-ci sont corrigés, quelque chose ne va pas. La bonne façon d’écouter un master est de le comparer à un morceau d’un tiers dont on sait qu’il sonne bien. Vous pouvez également l’écouter au casque, sans perturbation acoustique extérieure.

 

Solution(s) :

La solution la plus simple consiste à se procurer un large éventail de pistes de référence. Certaines personnes n’aiment pas travailler avec, mais le fait de les utiliser et de les connaître correctement permet de résoudre de nombreux problèmes concernant la présence, l’impact, l’intensité, le ton et l’impression générale. Lorsque je travaille avec un client, je propose généralement un master qui est, selon moi, la meilleure présentation possible. Toutefois, si l’esthétique m’échappe, une référence sera d’une aide précieuse. Elle va au-delà des mots et des explications d’un client, car elle est une démonstration concrète du résultat souhaité.

 

Cette référence ne peut pas être la piste d’un client. Elle doit provenir d’un tiers avec lequel nous sommes d’accord pour dire qu’elle est excellente. Les pistes du client sonneront bien dans son studio parce qu’elles y ont été réalisées.

 

Comme nous l’avons mentionné, la connaissance de votre environnement et les sorties vous aideront à comprendre la traduction des mixes.

 

Si vous réglez ce premier point, de nombreux problèmes seront résolus. Mais je rencontre d’autres problèmes, peu importe si vous respectez ce point, alors continuons.

 

Clarté des basses fréquences

 

Une bonne compréhension des basses fréquences est la clé de nombreuses musiques électroniques liées à la danse. La façon dont le sub, la basse et le kick se comportent dans un club ou un festival anime la foule et maintient l’énergie. J’ai récemment emmené mon fils à un festival local où il a écouté de la musique électronique à plein volume. Il a été tellement impressionné par la sensation des basses qu’il a compris pourquoi j’aime ce genre musical et pourquoi les gens se mettent à danser.

À l’inverse, si les basses fréquences manquent de clarté, elles auront un effet léthargique sur les auditeurs, principalement parce qu’elles perdront de leur puissance et de leur punch.

 

Qu’est-ce que la clarté des basses fréquences?

Les basses fréquences se rapportent à la gamme de fréquences d’environ 150 Hz et en dessous. Cela couvre le kick, une partie de la basse et le sub. Les basses peuvent commencer à environ 250 Hz et descendre jusqu’à 30 Hz. Le kick peut commencer très haut, autour de 1,5 kHz (pour le transitoire) jusqu’à 20 Hz. Mais son punch se situera entre 200Hz et 20Hz, en fonction des genres, qui ont tous une recette différente pour gérer le kick. Le sub est plutôt en dessous de 30hz.

Compte tenu de la façon dont ces trois sons principaux couvrent et partagent la présence dans cette gamme, ils peuvent facilement se chevaucher, ce qui entraîne une certaine confusion. Une fois qu’un son est masterisé, il peut facilement être perturbé si l’un d’entre eux en masque un autre.

 

Solutions :

On peut faire plusieurs choses, mais la première solution est de s’en occuper dès le début, au moment de l’arrangement et du sound design.

  • Ajustez la longueur de vos sons afin qu’ils ne se chevauchent pas. C’est dans l’ADSR, où vous pouvez couper la fin d’un son pour qu’il n’en heurte pas un autre.
  • La modulation d’amplitude est une autre option si vous avez des difficultés avec la longueur. Cela signifie que vous pouvez utiliser la compression side-chaining ou un outil comme Trackspacer pour faire en sorte qu’un son soit le leader et force les autres à se baisser lorsqu’il est joué. Bien que Trackspacer soit le plus facile à utiliser, il est également possible de le faire avec Pro-Q, Fuser, Shaperbox, mais ces derniers nécessitent un peu plus de réglages pour obtenir un résultat satisfaisant.
  • Vous pouvez également clarifier vos basses fréquences en apprenant à utiliser un Gate. Le gate permet de créer de l’espace, en coupant tout ce qui se trouve en dessous d’un certain seuil. Cela signifie qu’il fait taire la fin de certains sons. Mon Gate préféré est inclus dans la suite Neutron.
  • Compte tenu de l’espace limité du bas du spectre, envisagez d’avoir un kick plus court si vous avez une basse plus longue ou vice versa.
  • Couper les fréquences inutiles pour chaque son peut également aider, mais il faut d’abord s’attaquer à l’amplitude.

 

Étalonnage du gain (Gain Staging)

 

Pour beaucoup, cet aspect de la production et du mixage de la musique reste un peu ésotérique. Même pour moi, cela a été déroutant pendant des années, principalement parce que personne ne me l’expliquait correctement. J’ai fini par le comprendre par moi-même, ce qui est une bonne chose car je peux maintenant le décrire facilement à n’importe qui.

 

Qu’est-ce que le gain staging?

Résumons cela à l’essentiel : il s’agit de donner suffisamment de volume sonore pendant la phase de mixage pour qu’une fois le mastering effectué, je n’aie pas à le compenser et à l’amplifier trop fortement. Cela ne concerne pas seulement le volume général de la piste, mais aussi les sections de fréquence, telles que les graves ou les médiums.

 

Pourquoi est-ce un problème?

Une fois que je l’ai masterisé, il ne me reste que quelques options pour compenser l’intensité sonore du mixage afin d’atteindre les niveaux commerciaux dont le marché a besoin. Si le mixage donné a une sonorité de -19 LUFS, je dois compenser en ajoutant 9 à 10 LUFS, ce qui est beaucoup. Cela signifie que les différences de niveau entre les sons et la profondeur, le bruit de fond et la relation entre tous les sons seront radicalement modifiés, ce qui causera un choc à mon client.

Il arrive aussi que le volume sonore soit presque parfait, mais que les basses n’aient pas la densité requise. Je dois me concentrer sur cette seule zone, ce qui peut modifier l’orientation de la piste.

 

Solutions :

Le gain staging est une série d’actions différentes que l’on peut effectuer dès le début, une fois que les échantillons sont sélectionnés. Lorsque vous chargez un son, il est essentiel de le normaliser pour qu’il atteigne l’unité zéro, puis de vérifier son niveau RMS pour voir quelle est sa puissance. Il y a une différence entre le niveau sonore maximal et le niveau efficace. Le dernier point concerne la densité. Vous pouvez stimuler la densité avec de la distorsion sous l’une de ses nombreuses formes : compression, distorsion, saturation.

Cela signifie que les plugins tels que les préamplis, les émulations de matériel, l’overdrive et le waveshaping, pour n’en citer que quelques-uns, peuvent aider un son à ressortir du mixage parce qu’il est plus épais. C’est comme si vous mettiez le son en gras, où il est dense et épais par rapport à une police standard.

Une erreur que je constate souvent dans les mixages de mes clients est d’appliquer une compression en fin de chaîne, soit sur les bus, soit sur le master. Bien que cela puisse être utile pour coller plusieurs sons simultanément, cela réduit également de manière significative votre plage dynamique, tuant le punch si ce n’est pas utilisé correctement.

 

Rugosité (Harshness), résonances et transitoires

 

Ce point couvre trois questions à la fois parce qu’elles sont liées entre elles. Le chapeau qui les couvre tous en même temps s’appellerait la rugosité (harshness en anglais).

Nous savons tous quand une chanson a une sonorité désagréable, mais quelle en est la cause?

 

D’une manière générale, la rugosité signifie que lorsque vous écoutez la chanson, elle vous met mal à l’aise ou, pire encore, qu’elle vous fait légèrement mal aux oreilles. C’est une évidence dans 99 % des contextes, car on veut que les gens écoutent une expérience agréable. Le dernier 1% concerne la musique noise, punk et lofi, où la sensation d’inconfort est appréciée parce qu’elle crée une tension. Mais même dans ces genres, il y a un seuil à ne pas dépasser pour les oreilles humaines.

 

La rugosité d’un morceau est liée à l’une ou l’autre ou à la combinaison de différentes caractéristiques. L’une d’entre elles est une mauvaise gestion des transitoires, qui donnent l’impression d’un coup de poignard dans le tympan. Les transitoires proviennent de l’ADSR d’un son dont l’attaque peut être trop vive, associée à des fréquences gênantes. Certaines personnes pensent, de facto, que 3 kHz est automatiquement inconfortable, mais parfois, cette fréquence peut être agréable à l’oreille si elle est amplifiée. L’enveloppe du son est nette, et la concentration/densité à un endroit spécifique peut être affectée. C’est comme mettre en gras quelque chose de laid.

 

Dans le domaine de la conception sonore, différentes sources sonores permettent de reproduire des instruments réels. Par exemple, le bruit ou le contenu inharmonique peut reproduire un hihat ou une caisse claire. Un bruit mal géré, tel que le bruit blanc, qui couvre une gamme complète, peut être aigu. Le choix d’un filtre et l’application d’une enveloppe ADSR peuvent aider à gérer cela.

D’autres sources, telles que l’effet Larsen, qui peut être utile pour la conception de sons non linéaires, peuvent être magnifiques mais peuvent créer des résonances. Ce type de son, s’il est géré correctement, peut ajouter une sensation organique à votre son, mais si vous l’exagérez, il sera inconfortable. C’est pourquoi la résonance d’un filtre peut être agréable à l’oreille à un certain niveau, et il en va de même pour le filtre de l’égaliseur.

 

Lorsque je travaille sur un master, je me considère comme l’avocat de l’oreille générale. Je suis le mur entre le grand public et la chanson du client. J’ai ajusté la chanson pour qu’elle convienne au commun des mortels. Il est parfois choquant pour un client d’entendre sa chanson corrigée, où j’ai supprimé tous les points gênants.

 

Solution :

 

Très souvent, les clients ou les personnes que je coache me demandent quel formateur d’oreille en ligne ils devraient essayer pour être en mesure de repérer les problèmes dans leur musique. Ma réponse vous déroute car je vous suggère de n’en utiliser aucun puisque, à mon humble avis, ils ne vous formeront pas pour cela. Le vrai problème est que de nombreux clients ne comprennent pas la rugosité pour de multiples raisons.

  • Vous perdrez votre capacité critique si votre équipement de monitoring masque la rugosité de votre chanson. C’est pourquoi les casques grand public ou, parfois, la hi-fi donnent un son parfait.
  • Vos oreilles finissent par s’adapter aux imperfections si vous les surexposez à quelque chose. En d’autres termes, si vous écoutez une chanson moche en boucle, votre cerveau vous trompera. C’est bien parce que c’est la seule option pour ne pas devenir fou en écoutant cette boucle.
  • La comparaison de votre musique avec une musique bien ajustée est un système de validation croisée qui révèle les imperfections. Si vous faites une comparaison AB avec votre musique, vous pouvez sentir que quelque chose ne va pas avec vos sons. Que faire alors?

 

Aucun outil ne vous enseigne directement ce qu’est la résonance, mais certains vous donnent des indices. Un plugin comme Soothe est un bon révélateur car il vous montre les résonances potentielles et les contrôle de manière dynamique. D’autres alternatives sont moins chères. Mais honnêtement, une bonne façon de vous éduquer sur la rugosité et les mixages approximatifs est de faire confiance à votre intuition que quelque chose ne va pas et de suivre cette routine :

  • À l’aide d’un EQ à 3 bandes, isolez l’une des trois bandes primaires (basses, moyennes, hautes) afin de localiser approximativement le problème.
  • Pendant que vous déterminez la bande, prêtez attention aux sons qui sont joués.
  • Mettez en sourdine certaines pistes pour trouver celle qui est à l’origine du problème. Une fois que vous avez coupé le son d’une piste qui semble avoir un impact sur le confort de l’oreille, vous savez que vous avez trouvé le problème.
  • Parfois, le problème vient de la combinaison de plusieurs sons jouant simultanément. Si vous jouez le son en solo, vous n’aurez pas de problème, mais le fait de jouer avec d’autres sons crée une concentration de fréquences qui fait mal aux oreilles. Vous pouvez regrouper ces canaux et appliquer une coupure d’égalisation à la fréquence qui vous fait mal. La méthodologie est la même : appliquez une baisse d’égalisation de 6 dB pour commencer, puis examinez la zone pour voir si une position la rend plus confortable. Une fois que vous l’avez trouvée, réglez-la à -3 dB pour voir si cela fonctionne. Ajustez ensuite en fonction de vos goûts.

 

Envisagez de supprimer un échantillon si vous devez égaliser 3-4 points à 3-5 dB. Cela signifie généralement que l’échantillon n’a aucune valeur (pour votre morceau).

Vous pouvez également gérer les transitoires avec un transient shaper ou utiliser un compresseur avec une attaque courte pour contrôler l’enveloppe problématique de certains sons.

 

Largeur et profondeur stéréo

 

Les mixages larges sont impressionnants – je le comprends – mais cela peut aussi être un problème dans certains contextes d’écoute. Ces problèmes se traduisent par une perte de punch et de puissance ; certains sons deviennent des fantômes en disparaissant ou en perdant beaucoup d’intensité. Dans un signal stéréo, il y a la gauche et la droite (LR), mais il y a aussi le signal mono et les côtés (MS).

Le signal mono est distribué dans les deux enceintes. Si vous vous approchez d’un haut-parleur et que vous n’entendez que celui-ci, vous devriez entendre distinctement le signal mono et le signal panoramique. Lorsque les deux enceintes sont positionnées, le signal mono apparaît juste devant vous (au centre), de sorte que vos oreilles perçoivent une représentation stéréo. Avec un casque, le signal mono est perçu au niveau de votre nez ou au milieu de votre tête.

Les signaux droit et gauche sont codés dans le signal spécifique, qui est le même pour les écouteurs.

Le signal Side, une fois isolé, sera perçu sur chaque signal, mais le signal mono sera coupé. Il est difficile à décrire. Au casque, on peut avoir l’impression d’entendre l’ambiance d’un espace seul, en trompant presque ses oreilles sur le fait qu’on peut écouter derrière et autour de sa tête.

 

Il existe de nombreux élargisseurs qui jouent avec la psycho-acoustique pour tromper vos oreilles. Le signal est plus large, mais cela peut brouiller vos sons au point de les mettre en phase. Ce que nous appelons les problèmes de phase, c’est que le son s’annule lui-même parce qu’il ne peut pas être correctement représenté dans l’image stéréo. Je pourrais aller plus loin dans la description, mais il faut que vous le sachiez.

L’un des problèmes que je rencontre souvent est que le signal mono est trop faible par rapport aux signaux latéraux. Parfois, le signal latéral, mais seulement une fréquence spécifique, est plus fort que le signal mono. Dans le cas contraire, les côtés sont trop faibles et j’essaie de les ouvrir pour leur donner un peu de présence. Si je fais cela, je ne l’exagérerai jamais.

 

Solution :

Il s’agit d’un point délicat. Le mieux est d’utiliser un outil qui montre l’équilibre MS de votre mixage. Vous pouvez également apprendre à repérer si les sons sont en phase avec un spectromètre. Je vous encourage à vous procurer le logiciel gratuit Span de Voxengo.

 

Recommandations générales pour améliorer vos mixes

 

Certaines habitudes saines que vous pouvez prendre lorsque vous faites de la musique auront un impact direct sur la qualité de votre mix. Je vais en partager quelques-unes ici en tant que contenu bonus. Ces conseils ne répondent pas nécessairement à un problème spécifique, mais ils vous aideront à obtenir une cohérence et de meilleurs résultats après le mastering.

 

Mixage plat/Utilisation d’un FFT

Le fait de garder un lecteur FFT sur votre bus master, tel que SPAN, vous donnera une idée de l’inclinaison ou de l’aplatissement de la tonalité de votre chanson. Pour le mastering, il est plus facile de traiter un mixage plat qu’un mixage incliné (sombre ou brillant). Le fait d’avoir un mixage plat me permet de proposer au client une direction spécifique qui conviendra le mieux à la chanson en question. Si la chanson a un ton exagéré et que je dois corriger le ton, le client croira automatiquement que j’ai gâché la chanson.

 

Tester en Mono

 

Je vous encourage à tester votre chanson en mono pendant la phase de mixage. De nombreux plugins, dont le plugin Utility d’Ableton, peuvent convertir une stéréo en mono. Lorsque votre chanson est en mono, essayez de voir comment certains sons sont entendus par rapport à la stéréo. Si les sons en signal mono s’atténuent drastiquement, vous devez accentuer leur présence pour solidifier leur niveau. Vous avez peut-être abusé de certains plugins induisant une phase, et il serait bon d’adoucir cela.

 

Faire une comparaison A/B

Déposez quelques chansons directement dans votre section d’arrangement pour les utiliser comme référence. Vous pouvez ensuite comparer votre chanson avec celle-ci et comparer la tonalité, les niveaux et la largeur. Vous pouvez également vérifier les arrangements, qui révèlent parfois des faiblesses dans le vôtre.

 

Apprendre à DJ et à utiliser Rekordbox

Cela peut sembler étrange si vous ne faites que de la production, mais si vous apprenez à DJ, cela vous aidera à préparer vos morceaux. Lorsque vous jouez de la musique que vous aimez en tant que DJ et que vous jouez la vôtre, cela vous semble-t-il correct ? Y a-t-il un décalage ? Le DJing n’est pas seulement un passe-temps amusant, c’est aussi une activité qui vous aidera considérablement dans votre travail de mixage et d’arrangement. Je considère que c’est essentiel si vous aspirez à faire de la musique de danse. C’est une façon de se mettre dans la peau d’un DJ.

 

Photo par Tobias Tullius sur Unsplash

 

Le piège du succès

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Je suis allé dans un club local pour écouter un ami roumain en visite pour une nuit entière de musique qui correspondait davantage à mes goûts, et alors que le DJ qui l’avait précédé était un peu linéaire et prévisible, mon ami a ouvert le bal avec de la musique aux sonorités fraîches. Il n’a pas lancé le top 10 de Beatport ou quoi que ce soit de directement lié au DJ précédent, pas même une introduction pour plaire à la foule. Il a lancé une techno obscure, ce qui était un peu audacieux, et il a rapidement enchaîné avec un morceau des années 90. L’idée principale de ce morceau était une voix disant « Get House », une chanson de Caliesto. Un beau contraste.

 

 

Rien qu’en entendant le sample, j’ai eu des flashbacks de raves, de lasers, de bracelets lumineux, de gens qui dansaient et transpiraient, juste à partir d’un simple sample que j’ai entendu, ce qui m’a ramené à une époque spécifique. Contrairement au DJ précédent, où toutes les chansons s’harmonisaient parfaitement, il n’y avait malheureusement rien de mémorable ou de tangible à en tirer. Je ne me souviens pas d’un seul moment, une semaine après. Il ne s’agit pas de critiquer la musique de quelqu’un, mais plutôt de dire que les idées solides vieillissent bien parce qu’elles créent des moments intenses. Si vous écoutez la chanson de Caliesto, vous vous rendrez compte qu’elle est relativement simple. Néanmoins, l’accroche est suffisamment captivante pour que tout le monde parle plus tard à ses amis de l’échantillon principal, dont les autres se souviennent probablement facilement.

Il m’est apparu que la définition du succès avait changé depuis les années 1990. Bien sûr.

 

Retour aux DJ

 

Comme je me suis remis au DJing, j’explore les options, car de nombreux outils sont maintenant disponibles. Par exemple, j’ai obtenu un compte professionnel sur Rekordbox et je l’ai associé à un compte sur Beatport. Cela me permet de synchroniser ma liste de lecture du magasin directement sur Rekordbox, d’ajouter les chansons que je veux et d’avoir ce catalogue infini à portée de main. C’est un peu comme Spotify, où votre limite est votre connaissance de la musique ou votre culture. Mais même si vous êtes novice ou limité, il existe des outils de découverte pour vous aider à rechercher ce que les autres aiment et jouent.

Après avoir synchronisé Beatport avec Rekordbox et ouvert la section musicale correspondante, j’ai été submergé. Si vous me connaissez, vous savez que la technologie me submerge rarement. Il m’a fallu beaucoup de temps pour y arriver, mais je regardais fixement la sélection et me sentais perdu. Je n’étais pas submergé par les possibilités; j’étais déconcerté par la quantité de déchets qui se trouvaient là.

Je ne suis pas là pour critiquer à nouveau la musique, mais plutôt à un niveau méta, en prenant du recul pour avoir une vue d’ensemble.

Le nombre de chansons qui sonnent exactement comme la précédente était flagrant. Certains de mes artistes préférés créent soudain des chansons avec des sons ou des préréglages douteux, et de nombreux nouveaux artistes créent de la musique avec des arrangements étranges et inutilisables.

Suis-je trop vieux pour cela ?

Non, ne vous inquiétez pas. Lorsque je commence à creuser, je trouve encore beaucoup de musique fantastique. Alors, que s’est-il passé exactement ?

 

Démocratisation de la musique et ouverture des opportunités commerciales

 

Dans les années 90, les logiciels de musique électronique visaient à permettre à un plus grand nombre de personnes de faire de la musique en la rendant plus accessible et plus abordable. Cela a ouvert la voie à d’innombrables mélomanes désireux de faire de la musique. Je serais hypocrite de me plaindre, car je faisais partie de ces gens qui n’avaient aucune formation musicale ; la technologie a été mon sauveur. Trente ans plus tard, ajoutez YouTube pour le partage des connaissances (alimenté par la motivation de la popularité des likes), et ajoutez des agrégateurs qui permettent à toute personne ayant une chanson terminée d’accéder à tous les magasins en ligne et à toutes les plateformes d’écoute en continu. Vous obtiendrez des albums de chiens qui aboient, des EP de techno réalisés par des enfants de huit ans, de la musique de drone alimentée par des pets et tout ce à quoi vous pouvez penser, vous pouvez probablement le trouver.

Est-ce une mauvaise chose?

Ce n’est pas à moi d’en juger, mais l’avantage des gens qui sont de solides sélectionneurs est probablement ce qui peut permettre à un DJ de se démarquer de ses collègues. Mais en tant que producteur, je pense que la question est de savoir si l’on peut échapper à l’attrait de la vague de similitude de la musique de masse et, peut-être, ne pas être pertinent.

Absolument, mais il s’agit d’un sujet un peu compliqué à traiter car il est défini par de multiples aspects, tels que votre définition du fin (Definition of Done, DoD), votre culture, votre communauté et ce que vous considérez comme une réussite.

 

Le piège du succès

 

Tout ce que vous voyez ou identifiez comme un « problème » est directement lié à une micro-culture d’habitudes qui a créé cette situation. Par exemple, si votre chambre à coucher est en désordre, c’est que vous avez la terrible habitude de ne pas la ranger. Si vous voulez la nettoyer, une fois que vous l’aurez fait, elle restera dans cet état pendant un jour ou deux, jusqu’à ce qu’elle soit en désordre à nouveau. Le véritable objectif n’est pas d’organiser votre chambre, mais de développer des habitudes de propreté pour qu’elle reste propre.

Nous pouvons également transposer ce principe au secteur de la musique. Un nombre considérable de personnes qui me consultent en privé souhaitent terminer plus de musique parce que leur objectif est d’avoir du succès, ce qu’ils traduisent par :

  • La musique est terminée
  • La musique est signée sur un label

Les labels voient le succès en sortant de la musique qui finit par attirer l’attention et les ventes. Les DJs voient le succès dans les concerts et dans les vidéos Instagram avec des tonnes de likes.

Bien qu’il n’y ait rien de mal à cela, l’accent est mis sur quelque chose qui définit le succès d’une partie externe. Vous n’aurez peut-être jamais l’impression que c’est suffisant parce qu’il y aura toujours des options pour faire mieux, et bien que cela puisse devenir une dépendance, cela peut aussi être déprimant. Mais l’attrait de voir des personnes ayant beaucoup de likes, jouant sur la grande scène et ayant beaucoup de streams est une image que nous pouvons tous désirer; je peux le comprendre.

Considérer le succès des autres comme un objectif final est un piège, car cela ne met pas l’accent sur les habitudes que les artistes qui réussissent ont construites.

 

Derrière le succès d’un DJ, il y a la recherche quotidienne de musique ancienne et nouvelle, les répétitions et la recherche, mais aussi de nombreux échecs. Le succès d’un album tient à l’habitude qu’a le producteur de faire de la musique tous les jours et de créer 23 versions différentes de chaque chanson. Derrière le label à succès, il y a une équipe qui passe quotidiennement du temps à travailler en réseau avec les médias, les DJ et les festivals. Derrière chaque modèle, il y a beaucoup de choses cachées, et c’est là que réside le succès.

Alors que tout le monde débat des outils de génération de musique (ou d’images) par l’IA, je vois rarement quelqu’un parler de la façon dont cela vise les résultats et contourne les processus de création et la formation d’habitudes.

Si vous vous efforcez d’avoir de bonnes habitudes, les résultats suivront. Cela commence par ranger votre chambre, faire votre lit tous les jours et laver les draps une fois par semaine. Au final, votre chambre sera propre et le restera.

Il ne s’agit pas d’une invention pure et simple. Elle est tirée d’un livre intitulé Atomic Habits. J’ai découvert ce livre il y a des années, et il a eu un grand impact.

Briser les normes

 

Dans mon dernier article, où je donnais des conseils pour accélérer votre processus de travail, quelqu’un m’a demandé comment cela pouvait inonder le marché avec plus de musique copiée inutilement lorsque je l’ai publié sur les médias sociaux. Je lui ai demandé si ma musique l’était, et il m’a répondu que non (je connais cette personne, c’était donc une bonne discussion). Tout dépend de la manière dont vous utilisez votre vitesse et de vos intentions. Mais oui, si vous travaillez vite et sans but, vous risquez de vous retrouver dans la file d’attente pour faire une autre version du best-seller de Beatport, qui a probablement déjà existé 200 fois.

Mais comment briser les normes, les routines, les clichés?

 

Créer des habitudes basées sur l’originalité

 

C’est là que tout doit commencer. Cela implique de reconnaître ce qui rend une chanson originale, unique et mémorable.

 

 

S’exprimer de manière plus personnelle

 

Il existe deux types de producteurs populaires : ceux qui veulent ressembler à tout le monde et ceux qui ne veulent pas ressembler aux autres. Chacun d’entre eux est confronté à certains problèmes :

  • Sonner comme tout le monde ne vous élèvera pas au rang de leader. Cependant, cela peut s’avérer payant si vous trouvez d’autres personnes qui aiment rapidement les mêmes sons que vous.
  • Le fait de ne sonner comme personne vous marginalisera et vous aurez du mal à trouver votre communauté. Lorsqu’elle est bien menée, l’originalité peut être saluée et faire de vous un innovateur.

Mais être plus personnel dans sa musique ne signifie pas se transformer en extraterrestre. Cela signifie que vous pouvez prendre des idées connues mais les façonner pour qu’elles correspondent à ce que vous êtes. Par exemple, j’aime qu’il y ait une harmonie mélodique dans ma musique (en utilisant les tonalités fondamentales et les gammes), mais j’ai du mal à suivre les progressions d’accords typiques qui sont populaires dans les chansons (progressive, hip-hop lo-fi, etc.). Lorsque je crée des mélodies, je frappe les touches au hasard en utilisant mon oreille et je finis par organiser mes notes pour qu’elles aient un sens (pour moi). C’est bizarre pour quiconque s’intéresse à la théorie musicale parce que ça ne suit pas les conventions, mais ça a du sens parce que ce n’est pas faux d’un point de vue harmonique.

Mon ami Bryan, un musicien de jazz, m’a dit qu’il préférait mes mélodies bizarres à des chansons trop organisées parce qu’elles « me ressemblaient davantage ».

Un client utilisait sa voix pour chanter des notes qu’il convertissait en midi. Il avait l’impression que sa voix mettait en valeur une mélodie, quelque chose de très personnel.

C’est la même chose pour les percussions. Vous pouvez suivre les conventions ou jouer bizarrement avec ce que vous voulez… tout en restant sur la grille, pour que ce soit jouable par un DJ.

 

Maîtriser une ou plusieurs techniques de production musicale.

 

Plus vous maîtrisez une technique, plus vous pouvez en repousser les limites. Utiliser une méthode à son niveau le plus bas, c’est manquer cette zone où l’on peut extraire des idées totalement différentes de ce que tout le monde fait. Si l’on pense à J Dilla, il a maîtrisé l’échantillonnage et le swing groove, ce qui lui a donné sa signature reconnaissable.

Si vous pensez à la chanson de Caliesto que j’ai mentionnée, il s’agit également de comprendre l’exécution plus que de s’appuyer sur le contenu.

 

 

Croiser l’inspiration des genres.

 

Si vous lisez mon blogue, cette question revient souvent. Les chansons qui attirent l’attention sont généralement innovantes et, récemment, une nouvelle a annoncé que David Guetta avait fait de la musique country, ce qui est un bon exemple. On peut ne pas l’aimer, mais en termes de décisions commerciales, ce type prend toujours des décisions qui montrent la voie. Cela s’applique également à l’utilisation de l’échantillonnage comme moyen d’innover en permanence. Si vous pensez maîtriser cette technique, détrompez-vous.

Splice est également une excellente source d’inspiration. Leur IA qui suggère des idées pour commencer est assez innovante et utile. Elle vous permet de briser la routine et de choisir des échantillons d’autres genres.

 

Évitez les packs d’échantillons et les préréglages populaires

 

Je ne le dirai jamais assez, mais certains genres s’appuient sur les mêmes packs. Contrairement à la drum and bass avec l’amen break, c’est un sample. Nous parlons ici d’un pack de multiples échantillons utilisés et réutilisés au point de briser toute chance de développement en tant que musicien. Compte tenu du nombre d’échantillons auxquels nous avons accès, j’ai du mal à comprendre pourquoi cela se produit.

Utiliser les mêmes packs d’échantillons revient à vouloir sonner comme les autres. L’une des excellentes fonctionnalités d’Ableton Live 12 est la fonction « Find similar samples » (trouver des échantillons similaires) qui, d’un simple clic, propose un large éventail d’options. Ainsi, vous pouvez peut-être commencer avec une base de quelques échantillons, puis plonger dans votre bibliothèque pour obtenir des échantillons aux sonorités similaires.

 

Tout en préconisant les préréglages, principalement pour l’auto-éducation, je vous encourage également à les modifier un peu afin de trouver diverses couleurs que vous ne saviez pas avoir sous le nez. En masterisant et en écoutant la musique d’un client, il m’arrive souvent de me dire « Ah, il a utilisé tel synthé avec tel preset », ce qui n’est pas un problème, mais que je trouve un peu paresseux. Mais c’est moi, ce qui veut dire que d’autres peuvent aussi penser cela. Si vous aspirez à sortir un album, vous ne voudrez peut-être pas qu’un label pense la même chose de votre musique.

Bien qu’il n’y ait pas de « recherche de presets similaires » dans Live, vous pouvez en quelque sorte contourner le problème en créant une macro de votre plugin en associant des paramètres à des boutons (en tant que groupe), puis en créant des instantanés de vos boutons. Si vous vous enregistrez en train de jouer avec vos snapshots, vous verrez que la position du bouton est également enregistrée. Vous pouvez ensuite effectuer un balayage entre les positions. Il y a aussi un patch max qui peut le faire ici.

 

J’espère que cela vous sera utile!

 

Photo par Matthew Moloney sur Unsplash

Leçons tirées de nombreuses années de musique

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J’ai eu de nombreuses discussions avec des clients, des amis ou d’autres musiciens sur la façon dont les choses se sont passées sur une période de plus de 20 ans. Les personnes qui s’intéressent à la musique trouvent parfois que les premières années sont un peu difficiles et se demandent comment cela se passe lorsqu’on acquiert de l’expérience, comme si cela devenait plus facile.

 

La vérité, qui est mon expérience partagée avec de nombreux pairs, est un peu déstabilisante pour certaines personnes parce que j’aime dire que c’est un peu comme être parent. Cela ne devient pas nécessairement plus facile avec le temps, mais il y a des défis constants au début qui deviennent plus faciles par la suite, tandis que de nouveaux problèmes apparaissent. Cela signifie qu’au cours du développement d’un musicien, on passe par des étapes où l’on cherche à résoudre certains problèmes qui ouvrent la porte à d’autres problèmes dont on ne soupçonnait même pas l’existence.

 

En d’autres termes, lorsque l’on en sait moins, on doit également faire face à moins de problèmes, car on les ignore et on se contente d’avancer. Lorsque j’entends mon fils écouter des chansons qu’il aime sur Spotify, créées par des amateurs évidents, je peux dire qu’elles ont été créées sans aucune connaissance, mais l’auditeur moyen ne le sait pas.

 

Au fil des ans, j’ai rassemblé une multitude de faits que je souhaite partager avec vous. Il ne s’agit là que d’une compréhension factuelle des succès, des échecs, des luttes et des victoires, que j’ai pu constater moi-même et que j’ai pu observer chez les autres. C’est la principale différence entre un jeune producteur et quelqu’un d’expérimenté : le temps vous apprend quelques dures vérités.

 

Fait : Les avantages d’un savoir limité sont réels

 

Je me souviens d’être assis devant mon matériel nouvellement acquis. En allant dans ce magasin de synthétiseurs, je suis devenu un peu fou. J’ai acheté beaucoup de matériel sans rien y connaître. Puis je suis rentré chez moi et j’ai eu du mal à tout connecter correctement, mais j’ai commencé à jouer avec.

 

Tout était excitant. Tout sonnait à merveille. J’ai ressenti une joie pure, car je ne savais pas ce que je faisais, mais c’était vraiment amusant. Je n’avais aucune idée de ce que je faisais et j’essayais simplement de contrôler ce qui en sortait. Il n’y avait pas Youtube pour me donner des instructions et je n’ai jamais été attiré par la lecture de manuels. Tout s’est fait par tâtonnements.

 

Ce que je constate, c’est que lorsqu’on en sait moins, les choses paraissent faciles et cela peut donner beaucoup d’énergie. J’ai vu des gens très novices en musique créer un tube. Ensuite, ils n’ont plus vraiment été capables de faire de la musique. Le nouveau départ est parfois très facile, mais lorsque vous essayez de vous améliorer, vous apprenez davantage, vous vous rendez compte de vos erreurs, vous achetez du matériel adéquat et vous vous rendez compte que vous venez de compliquer votre flux de travail. La courbe pour entrer dans la zone est alors plus difficile.

 

Les choses se compliquent lorsque vous créez des attentes ou que vous vous comparez.

 

CONSEIL : Je recommande toujours aux débutants d’essayer de jouer avec les sons plutôt que de chercher à créer des chansons.

 

CONSEIL 2: Utilisez-en moins pour maximiser votre état de zone et votre capacité à trouver des idées.

 

Fait : La croissance par la pratique et non par le matériel

 

L’un des défis auxquels est confronté un producteur peu expérimenté est de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il a besoin de conditions parfaites pour être inspiré, productif ou performant. C’est l’origine de la procrastination et du syndrome de la page blanche. Les personnes qui achètent trop de choses alors qu’elles ne pratiquent pas n’arrivent généralement à rien.

 

Si vous voulez devenir un bon producteur de musique, faites-en l’élément central de votre vie. Prenez le temps de vous entraîner tous les jours, d’écouter des tonnes de musique, de rechercher des samples, des enregistrements et des idées intéressantes et passez beaucoup de temps à apprendre vos outils avant d’acquérir quoi que ce soit d’autre. Développez le vocabulaire des sons que vous aimez, des outils que vous utilisez et reconnaissez ce que vous entendez dans les chansons des autres.

 

Si vous avez Ableton Live, vous avez déjà tout ce qu’il vous faut. Lancez-vous dans de nouvelles idées, tous les jours, tout le temps, et suivez ce que vous aimez absolument faire. Si vous pratiquez ce que vous aimez faire, vous deviendrez un maître dans ce domaine. Il n’est pas nécessaire de pouvoir tout faire soi-même, en une seule fois.

 

Fait : L’achèvement d’une chanson ne garantit pas sa sortie

 

Imaginons que nous comparions la musique à des photos. Toutes les photos que vous avez prises sur votre téléphone intelligent méritent-elles d’être publiées dans un livre?

 

Si vous terminez une chanson, la dure réalité est qu’elle n’intéressera qu’un certain nombre de personnes et que, parmi elles, une poignée sera intéressée par le fait de payer pour l’écouter. Mais nous sommes tellement inondés de musique chaque jour que nous choisissons avec soin ce dans quoi nous voulons investir.

 

Cela signifie que plus vous ferez de la musique, plus vous la terminerez, plus elle s’améliorera et plus elle intéressera de gens. Plus vous faites de la musique pour être publié ou pour plaire aux autres, plus vous vous éloignez de ce que vous êtes.

 

Cela veut-il dire qu’il ne vaut pas la peine de terminer sa musique?

 

Non. Il est important que vous alliez au bout de ce que vous faites, comme vous le feriez pour un repas.

 

ASTUCE: Adoptez l’idée que tout ce que vous faites n’est important que pour vous. Partagez humblement avec les bonnes personnes.

 

Remarque : J’ajouterais également que le fait de sortir une chanson ne signifie pas que vous aurez du succès.

 

Fait : La recherche de validation peut conduire à une rétroaction trompeuse

 

Il s’agit d’une proportion ÉNORME de personnes qui fréquentent les forums de production, les groupes Facebook et tout autre débat en ligne. Leur logique est souvent la somme de plusieurs lectures, de quelques expériences personnelles et ils cherchent des réponses, mais ils partageront aussi certaines de leurs opinions, en les imposant comme des faits.

 

Je suis très exigeant quant aux personnes à qui je fais confiance lorsqu’il s’agit d’obtenir des explications. Tout ce qui relève du domaine non technique est toujours une zone grise. L’histoire d’une personne peut être vraie pour elle-même, mais peut-être pas pour vous.

 

Quand on m’explique quelque chose, je n’applique pas ce qui est dit. J’essaie de le comprendre, d’en saisir la logique, puis de le tester. Je suis allergique à ceux qui me disent que la musique doit être faite d’une certaine manière ou non. Les commentaires sur ma musique portent toujours sur des points techniques et neutres. Si j’ai besoin de l’appréciation de quelqu’un, je le lui demande directement et je choisis également les personnes à qui partager.

 

CONSEIL: C’est en posant les bonnes questions que l’on obtient des renseignements utiles.

 

Fait : Des idées solides l’emportent sur une production solide

 

Je pense que cette question sera controversée, mais je suis assez ferme sur ce point. Pour prouver ce que j’avance, je peux vous dire que n’importe quelle idée géniale vous restera à l’esprit pendant des jours, mais une très belle snare ou un très beau kick, pas vraiment.

 

On ne se souvient pas d’une belle production comparée à une accroche de 4 secondes, mais cela donne une bonne impression. Je vois malheureusement beaucoup d’idées médiocres cachées par une production impeccable. Cela fait avaler la mauvaise idée mais ne vieillira pas bien. J’ai entendu des accroches incroyables avec une production merdique et, honnêtement, il arrive que l’on pense que l’approche technique médiocre était intentionnelle.

 

C’est ainsi que certaines productions lofi ont pris de l’ampleur, car je pense que certaines ont été réalisées au départ par des personnes qui ne savaient pas ce qu’elles faisaient. Mais elles sont ensuite imitées et copiées. Quand je vois des gens qui essaient de faire sonner leur musique comme dans les années 90, ils ne comprennent pas qu’à l’époque, nous étions frustrés par nos limites et nous essayions de sonner futuriste.

 

L’acid house était minimaliste parce que les gens n’avaient le budget que pour une 808 et une 303.

 

Trouver de bonnes accroches est un mélange de chance et d’expérimentation, de curiosité et d’ouverture d’esprit.

 

ASTUCE: Quelle que soit l’étape de la création musicale dans laquelle vous vous trouvez actuellement, c’est suffisant. Si vous acceptez vos limites, vous serez en mesure d’accomplir plus que vous ne le pensez.

 

Fait : Le pouvoir du réseautage et de la communauté change la donne

 

Vous pouvez être le meilleur producteur de musique, mais si vous n’avez pas de communauté pour le soutenir ou de réseau pour le partager, il y a beaucoup de chances que votre musique ne soit jamais écoutée. C’est un sujet dont j’ai beaucoup parlé dans ce blogue, mais l’importance de connaître les bonnes personnes vous mènera à des opportunités que votre musique seule ne pourra pas vous offrir.

Il existe un mythe selon lequel si vous composez la chanson parfaite, toutes les portes s’ouvriront devant vous. Je n’ai jamais vu cela. Jamais. Il y a beaucoup plus de chansons extraordinaires qui n’ont jamais été publiées à cause du manque de contacts de l’artiste.

 

Fait : Succès, cycles et libération de la concurrence illusoire

 

Courir après le succès est une chose à laquelle nous sommes tous confrontés à un moment ou à un autre. Voir les autres réussir peut déclencher le sentiment que nous ne sommes pas sur la bonne voie, que nous avons manqué quelque chose d’important, que nous méritons la même chose (pour n’importe quelle raison idiote). La définition du succès est très personnelle. Il existe différents types de succès et si nous les poursuivons tous, nous aurons toujours l’impression de manquer quelque chose.

 

Les différents types de succès associés à la production musicale pourraient être organisés en différentes sphères. Certains le voient dans les personnes avec lesquelles ils travaillent, d’autres dans leur responsabilité sociale, dans les personnes avec lesquelles ils communiquent, dans le nombre de ventes, de bookings, etc.

 

Si vous persistez dans ce que vous faites, vous connaîtrez des hauts et des bas, comme n’importe qui d’autre. Il n’est pas possible d’être toujours au sommet de son art ou d’être toujours présent dans les médias et les cercles sociaux. La réussite d’une personne ne vous laisse pas dans son ombre. Cela pourrait même vous ouvrir des portes si vous vous y engagez.

 

CONSEIL : Personne ne vous vole votre attention, vos gigs ou votre succès. La seule personne avec laquelle vous êtes en compétition, c’est vous-même, et c’est un choix.

 

 

Fait : La nature insaisissable des tubes

 

Je me souviens d’avoir participé à une table ronde lors de la réunion LOOP d’Ableton avec Young Guru, un célèbre producteur de Los Angeles. Il a partagé son point de vue sur ce qu’est un tube et je suis tout à fait d’accord avec lui.

 

« Un tube est une chanson qui touche la bonne idée, au bon moment et qui est reprise par les bonnes personnes. »

 

On ne contrôle pas le fait que sa chanson soit un succès ou non. Dès que vous comprenez qu’il s’agit d’une situation indépendante de votre volonté, vous pouvez vous sentir à la fois libre et déprimé. Si vous courez après le succès et voulez faire des tubes, cela peut sembler décourageant parce que vous comprendrez que c’est comme une loterie. Et c’est vraiment le cas.

 

Mais cela peut aussi vous libérer. Créer avec un objectif absolu, c’est souvent créer de grands angles morts où l’on passe à côté de beaux résultats que l’on rejette parce que l’on se concentre sur quelque chose que l’on ne contrôle pas.

 

Le jour où vous ferez un tube, il est possible que vous ne vous en rendiez même pas compte. Cela se produit, ou non. Vous n’avez pas de contrôle là-dessus. Mais plus vous cherchez à faire des chansons réussies, plus vous risquez de tomber dans le perfectionnisme.

 

Le parcours d’un musicien est fait de défis, d’échecs, de triomphes et de croissance personnelle. À travers mes propres expériences et observations, j’ai partagé plusieurs connaissances factuelles sur la réussite, les limites, la créativité et la communauté. Profitez de la joie de l’exploration, persévérez dans la pratique et n’oubliez pas que l’impact de votre musique va au-delà du succès commercial. Cherchez à obtenir un retour d’information sincère, donnez la priorité à des idées solides plutôt qu’à une production impeccable et tissez des liens significatifs au sein de la communauté musicale. Le succès n’est peut-être pas constant, mais l’épanouissement réside dans la poursuite de l’expression artistique et l’évolution continue de votre art.

 

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

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La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

 

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

 

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

 

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

 

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

 

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

 

Adopter la rétroaction externe comme approbation

 

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

 

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

 

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

 

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

 

Exploration collaborative :

 

  • Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

 

Mentorat et modèles :

 

  • Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

 

Le pouvoir des réseaux musicaux :

 

  • Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

 

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

  • Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
  • Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
  • Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

 

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

 

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

 

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

 

Avantages des séances de production en personne

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Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.

 

Ralentir la production pour mieux apprendre

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Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

 

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

 

La recherche du succès

 

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

 

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

 

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

 

Descendre de la montagne

 

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

 

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

 

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

 

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

 

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

 

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

 

Comment trouver de nouvelles techniques?

 

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

 

Comment créer un kick sec

 

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

 

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

  • Gain staging (niveaux des gains)
  • Le fonctionnement des enveloppes.
  • Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

 

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.