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Leçons tirées de nombreuses années de musique

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J’ai eu de nombreuses discussions avec des clients, des amis ou d’autres musiciens sur la façon dont les choses se sont passées sur une période de plus de 20 ans. Les personnes qui s’intéressent à la musique trouvent parfois que les premières années sont un peu difficiles et se demandent comment cela se passe lorsqu’on acquiert de l’expérience, comme si cela devenait plus facile.

 

La vérité, qui est mon expérience partagée avec de nombreux pairs, est un peu déstabilisante pour certaines personnes parce que j’aime dire que c’est un peu comme être parent. Cela ne devient pas nécessairement plus facile avec le temps, mais il y a des défis constants au début qui deviennent plus faciles par la suite, tandis que de nouveaux problèmes apparaissent. Cela signifie qu’au cours du développement d’un musicien, on passe par des étapes où l’on cherche à résoudre certains problèmes qui ouvrent la porte à d’autres problèmes dont on ne soupçonnait même pas l’existence.

 

En d’autres termes, lorsque l’on en sait moins, on doit également faire face à moins de problèmes, car on les ignore et on se contente d’avancer. Lorsque j’entends mon fils écouter des chansons qu’il aime sur Spotify, créées par des amateurs évidents, je peux dire qu’elles ont été créées sans aucune connaissance, mais l’auditeur moyen ne le sait pas.

 

Au fil des ans, j’ai rassemblé une multitude de faits que je souhaite partager avec vous. Il ne s’agit là que d’une compréhension factuelle des succès, des échecs, des luttes et des victoires, que j’ai pu constater moi-même et que j’ai pu observer chez les autres. C’est la principale différence entre un jeune producteur et quelqu’un d’expérimenté : le temps vous apprend quelques dures vérités.

 

Fait : Les avantages d’un savoir limité sont réels

 

Je me souviens d’être assis devant mon matériel nouvellement acquis. En allant dans ce magasin de synthétiseurs, je suis devenu un peu fou. J’ai acheté beaucoup de matériel sans rien y connaître. Puis je suis rentré chez moi et j’ai eu du mal à tout connecter correctement, mais j’ai commencé à jouer avec.

 

Tout était excitant. Tout sonnait à merveille. J’ai ressenti une joie pure, car je ne savais pas ce que je faisais, mais c’était vraiment amusant. Je n’avais aucune idée de ce que je faisais et j’essayais simplement de contrôler ce qui en sortait. Il n’y avait pas Youtube pour me donner des instructions et je n’ai jamais été attiré par la lecture de manuels. Tout s’est fait par tâtonnements.

 

Ce que je constate, c’est que lorsqu’on en sait moins, les choses paraissent faciles et cela peut donner beaucoup d’énergie. J’ai vu des gens très novices en musique créer un tube. Ensuite, ils n’ont plus vraiment été capables de faire de la musique. Le nouveau départ est parfois très facile, mais lorsque vous essayez de vous améliorer, vous apprenez davantage, vous vous rendez compte de vos erreurs, vous achetez du matériel adéquat et vous vous rendez compte que vous venez de compliquer votre flux de travail. La courbe pour entrer dans la zone est alors plus difficile.

 

Les choses se compliquent lorsque vous créez des attentes ou que vous vous comparez.

 

CONSEIL : Je recommande toujours aux débutants d’essayer de jouer avec les sons plutôt que de chercher à créer des chansons.

 

CONSEIL 2: Utilisez-en moins pour maximiser votre état de zone et votre capacité à trouver des idées.

 

Fait : La croissance par la pratique et non par le matériel

 

L’un des défis auxquels est confronté un producteur peu expérimenté est de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il a besoin de conditions parfaites pour être inspiré, productif ou performant. C’est l’origine de la procrastination et du syndrome de la page blanche. Les personnes qui achètent trop de choses alors qu’elles ne pratiquent pas n’arrivent généralement à rien.

 

Si vous voulez devenir un bon producteur de musique, faites-en l’élément central de votre vie. Prenez le temps de vous entraîner tous les jours, d’écouter des tonnes de musique, de rechercher des samples, des enregistrements et des idées intéressantes et passez beaucoup de temps à apprendre vos outils avant d’acquérir quoi que ce soit d’autre. Développez le vocabulaire des sons que vous aimez, des outils que vous utilisez et reconnaissez ce que vous entendez dans les chansons des autres.

 

Si vous avez Ableton Live, vous avez déjà tout ce qu’il vous faut. Lancez-vous dans de nouvelles idées, tous les jours, tout le temps, et suivez ce que vous aimez absolument faire. Si vous pratiquez ce que vous aimez faire, vous deviendrez un maître dans ce domaine. Il n’est pas nécessaire de pouvoir tout faire soi-même, en une seule fois.

 

Fait : L’achèvement d’une chanson ne garantit pas sa sortie

 

Imaginons que nous comparions la musique à des photos. Toutes les photos que vous avez prises sur votre téléphone intelligent méritent-elles d’être publiées dans un livre?

 

Si vous terminez une chanson, la dure réalité est qu’elle n’intéressera qu’un certain nombre de personnes et que, parmi elles, une poignée sera intéressée par le fait de payer pour l’écouter. Mais nous sommes tellement inondés de musique chaque jour que nous choisissons avec soin ce dans quoi nous voulons investir.

 

Cela signifie que plus vous ferez de la musique, plus vous la terminerez, plus elle s’améliorera et plus elle intéressera de gens. Plus vous faites de la musique pour être publié ou pour plaire aux autres, plus vous vous éloignez de ce que vous êtes.

 

Cela veut-il dire qu’il ne vaut pas la peine de terminer sa musique?

 

Non. Il est important que vous alliez au bout de ce que vous faites, comme vous le feriez pour un repas.

 

ASTUCE: Adoptez l’idée que tout ce que vous faites n’est important que pour vous. Partagez humblement avec les bonnes personnes.

 

Remarque : J’ajouterais également que le fait de sortir une chanson ne signifie pas que vous aurez du succès.

 

Fait : La recherche de validation peut conduire à une rétroaction trompeuse

 

Il s’agit d’une proportion ÉNORME de personnes qui fréquentent les forums de production, les groupes Facebook et tout autre débat en ligne. Leur logique est souvent la somme de plusieurs lectures, de quelques expériences personnelles et ils cherchent des réponses, mais ils partageront aussi certaines de leurs opinions, en les imposant comme des faits.

 

Je suis très exigeant quant aux personnes à qui je fais confiance lorsqu’il s’agit d’obtenir des explications. Tout ce qui relève du domaine non technique est toujours une zone grise. L’histoire d’une personne peut être vraie pour elle-même, mais peut-être pas pour vous.

 

Quand on m’explique quelque chose, je n’applique pas ce qui est dit. J’essaie de le comprendre, d’en saisir la logique, puis de le tester. Je suis allergique à ceux qui me disent que la musique doit être faite d’une certaine manière ou non. Les commentaires sur ma musique portent toujours sur des points techniques et neutres. Si j’ai besoin de l’appréciation de quelqu’un, je le lui demande directement et je choisis également les personnes à qui partager.

 

CONSEIL: C’est en posant les bonnes questions que l’on obtient des renseignements utiles.

 

Fait : Des idées solides l’emportent sur une production solide

 

Je pense que cette question sera controversée, mais je suis assez ferme sur ce point. Pour prouver ce que j’avance, je peux vous dire que n’importe quelle idée géniale vous restera à l’esprit pendant des jours, mais une très belle snare ou un très beau kick, pas vraiment.

 

On ne se souvient pas d’une belle production comparée à une accroche de 4 secondes, mais cela donne une bonne impression. Je vois malheureusement beaucoup d’idées médiocres cachées par une production impeccable. Cela fait avaler la mauvaise idée mais ne vieillira pas bien. J’ai entendu des accroches incroyables avec une production merdique et, honnêtement, il arrive que l’on pense que l’approche technique médiocre était intentionnelle.

 

C’est ainsi que certaines productions lofi ont pris de l’ampleur, car je pense que certaines ont été réalisées au départ par des personnes qui ne savaient pas ce qu’elles faisaient. Mais elles sont ensuite imitées et copiées. Quand je vois des gens qui essaient de faire sonner leur musique comme dans les années 90, ils ne comprennent pas qu’à l’époque, nous étions frustrés par nos limites et nous essayions de sonner futuriste.

 

L’acid house était minimaliste parce que les gens n’avaient le budget que pour une 808 et une 303.

 

Trouver de bonnes accroches est un mélange de chance et d’expérimentation, de curiosité et d’ouverture d’esprit.

 

ASTUCE: Quelle que soit l’étape de la création musicale dans laquelle vous vous trouvez actuellement, c’est suffisant. Si vous acceptez vos limites, vous serez en mesure d’accomplir plus que vous ne le pensez.

 

Fait : Le pouvoir du réseautage et de la communauté change la donne

 

Vous pouvez être le meilleur producteur de musique, mais si vous n’avez pas de communauté pour le soutenir ou de réseau pour le partager, il y a beaucoup de chances que votre musique ne soit jamais écoutée. C’est un sujet dont j’ai beaucoup parlé dans ce blogue, mais l’importance de connaître les bonnes personnes vous mènera à des opportunités que votre musique seule ne pourra pas vous offrir.

Il existe un mythe selon lequel si vous composez la chanson parfaite, toutes les portes s’ouvriront devant vous. Je n’ai jamais vu cela. Jamais. Il y a beaucoup plus de chansons extraordinaires qui n’ont jamais été publiées à cause du manque de contacts de l’artiste.

 

Fait : Succès, cycles et libération de la concurrence illusoire

 

Courir après le succès est une chose à laquelle nous sommes tous confrontés à un moment ou à un autre. Voir les autres réussir peut déclencher le sentiment que nous ne sommes pas sur la bonne voie, que nous avons manqué quelque chose d’important, que nous méritons la même chose (pour n’importe quelle raison idiote). La définition du succès est très personnelle. Il existe différents types de succès et si nous les poursuivons tous, nous aurons toujours l’impression de manquer quelque chose.

 

Les différents types de succès associés à la production musicale pourraient être organisés en différentes sphères. Certains le voient dans les personnes avec lesquelles ils travaillent, d’autres dans leur responsabilité sociale, dans les personnes avec lesquelles ils communiquent, dans le nombre de ventes, de bookings, etc.

 

Si vous persistez dans ce que vous faites, vous connaîtrez des hauts et des bas, comme n’importe qui d’autre. Il n’est pas possible d’être toujours au sommet de son art ou d’être toujours présent dans les médias et les cercles sociaux. La réussite d’une personne ne vous laisse pas dans son ombre. Cela pourrait même vous ouvrir des portes si vous vous y engagez.

 

CONSEIL : Personne ne vous vole votre attention, vos gigs ou votre succès. La seule personne avec laquelle vous êtes en compétition, c’est vous-même, et c’est un choix.

 

 

Fait : La nature insaisissable des tubes

 

Je me souviens d’avoir participé à une table ronde lors de la réunion LOOP d’Ableton avec Young Guru, un célèbre producteur de Los Angeles. Il a partagé son point de vue sur ce qu’est un tube et je suis tout à fait d’accord avec lui.

 

« Un tube est une chanson qui touche la bonne idée, au bon moment et qui est reprise par les bonnes personnes. »

 

On ne contrôle pas le fait que sa chanson soit un succès ou non. Dès que vous comprenez qu’il s’agit d’une situation indépendante de votre volonté, vous pouvez vous sentir à la fois libre et déprimé. Si vous courez après le succès et voulez faire des tubes, cela peut sembler décourageant parce que vous comprendrez que c’est comme une loterie. Et c’est vraiment le cas.

 

Mais cela peut aussi vous libérer. Créer avec un objectif absolu, c’est souvent créer de grands angles morts où l’on passe à côté de beaux résultats que l’on rejette parce que l’on se concentre sur quelque chose que l’on ne contrôle pas.

 

Le jour où vous ferez un tube, il est possible que vous ne vous en rendiez même pas compte. Cela se produit, ou non. Vous n’avez pas de contrôle là-dessus. Mais plus vous cherchez à faire des chansons réussies, plus vous risquez de tomber dans le perfectionnisme.

 

Le parcours d’un musicien est fait de défis, d’échecs, de triomphes et de croissance personnelle. À travers mes propres expériences et observations, j’ai partagé plusieurs connaissances factuelles sur la réussite, les limites, la créativité et la communauté. Profitez de la joie de l’exploration, persévérez dans la pratique et n’oubliez pas que l’impact de votre musique va au-delà du succès commercial. Cherchez à obtenir un retour d’information sincère, donnez la priorité à des idées solides plutôt qu’à une production impeccable et tissez des liens significatifs au sein de la communauté musicale. Le succès n’est peut-être pas constant, mais l’épanouissement réside dans la poursuite de l’expression artistique et l’évolution continue de votre art.

 

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

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La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

 

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

 

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

 

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

 

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

 

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

 

Adopter la rétroaction externe comme approbation

 

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

 

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

 

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

 

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

 

Exploration collaborative :

 

  • Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

 

Mentorat et modèles :

 

  • Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

 

Le pouvoir des réseaux musicaux :

 

  • Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

 

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

  • Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
  • Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
  • Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

 

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

 

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

 

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

 

Avantages des séances de production en personne

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Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.

 

Ralentir la production pour mieux apprendre

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Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

 

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

 

La recherche du succès

 

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

 

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

 

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

 

Descendre de la montagne

 

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

 

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

 

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

 

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

 

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

 

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

 

Comment trouver de nouvelles techniques?

 

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

 

Comment créer un kick sec

 

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

 

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

  • Gain staging (niveaux des gains)
  • Le fonctionnement des enveloppes.
  • Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

 

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.