Les producteurs se sentent souvent à l’aise avec leur ordinateur et ont l’impression de ne pas en avoir assez, alors ils décident d’investir dans du matériel (ou hardware).

Une fois que vous maîtrisez quelque chose, il est tout à fait naturel de vouloir passer au niveau supérieur. Vous pouvez avoir le sentiment que vous n’en tirez pas assez, ou que le support est limité d’une certaine manière. Pour mes étudiants, ce sentiment se traduit souvent par le passage d’un DAW comme Ableton à une configuration basée sur le matériel.

Ils pensent souvent qu’en faisant cela, ils vont débloquer un son plus riche, et une interface plus intuitive et instrumentale. Ils pensent qu’ils seront libérés, qu’ils pourront simplement improviser des compositions sans avoir à se fier à un clic de souris « artificiel » ou à un mapping MIDI dans un DAW.

La vérité est qu’une fois qu’ils ont fait ce saut, et qu’ils ont abandonné Ableton pour un Electron Octatrak et un modulaire, ils se retrouvent souvent encore plus limités par l’interface utilisateur étrangère et le fait que le modulaire n’ait pas de bouton « annuler », ou de sauvegarde de patch.

C’est pourquoi je leur recommande toujours d’utiliser une configuration hybride Ableton-matériel qui incorpore le meilleur des deux mondes, où la nature tactile et plug and play du matériel rencontre la commodité de pouvoir facilement sauvegarder et revenir aux réglages de l’ordinateur.

Au fil des ans, je pense avoir acquis une philosophie assez complète sur la manière d’aborder cette intégration, que je souhaite partager avec vous dans cet article.

Cependant, parlons d’abord du matériel, afin que vous puissiez comprendre ses forces et ses faiblesses.

 

Mythes sur le matériel

Le son est automatiquement meilleur

Ce n’est pas parce qu’il s’agit d’un matériel que le son sera miraculeusement meilleur. Dans certains cas, la somme analogique peut résoudre certains problèmes et améliorer certaines choses, mais elle peut aussi avoir un son différent de celui du numérique et, comme nos oreilles sont habituées au numérique, cela peut être trompeur. Nous ne sommes plus en 2005 ; les instruments virtuels ont progressé à pas de géant au fil des ans. Même pour une oreille aguerrie, il est difficile de faire la différence entre une TB303 émulée et la version Roland Cloud. L’analogique a du charme et une texture spécifique, mais c’est différent du numérique. Certaines personnes s’embrouillent une fois devant certaines machines.

Cependant, il y a des choses qui se produisent avec le son dans le matériel (hardware) qui est difficile à émuler dans le logiciel (software). Par exemple, le « fantôme dans le son » — cette main presque invisible qui crée des accidents aléatoires et heureux hasards dus au fait que vous travaillez avec du courant électrique pur, plutôt qu’avec une représentation binaire de celui-ci.

Cette « main » donne souvent lieu à des sons impossibles à reproduire, qui n’existent que le temps de leur projection par les haut-parleurs. Pour moi, c’est la magie du matériel — cette imprévisibilité qui existe pendant un instant fugace, jusqu’à ce qu’elle disparaisse, pour ne plus jamais être entendue, à moins que vous ne la capturiez.

En d’autres termes, l’analogique a un son que le numérique n’a pas et c’est une esthétique qui plaît à beaucoup de gens. Croyez-le ou non, certaines personnes préfèrent vraiment le son numérique, principalement parce que nos oreilles s’y sont habituées.

Cependant, que vaut cette capacité, si vous ne pouvez pas la capturer correctement? C’est pourquoi il est impératif, lorsque vous achetez du matériel, d’acheter également une interface audio solide pour pouvoir enregistrer le son avec la plus haute fidélité. En effet, au bout du compte, le son de votre matériel sera aussi bon que le maillon le plus faible de la chaîne.

C’est plus intuitif

C’est une autre idée reçue. En fait, le matériel analogique peut créer une nouvelle série de problèmes, le principal étant qu’il est impossible de charger un réglage ou un patch. Il n’est pas non plus possible de revenir à un réglage antérieur si quelque chose se dérègle.

Au lieu de cela, vous devez travailler à rebours afin de comprendre où cela a mal tourné. Et s’il s’agit d’un système analogique, il y a de fortes chances qu’en raison du « fantôme dans la machine », vous ne puissiez pas revenir à votre point de départ. Il en résulte des heures interminables de bricolage infructueux.

Cela pose également des problèmes pour les performances en live. Je me souviens lorsque je me produisais à MUTEK avec une installation modulaire. J’étais au milieu du soundcheck, en train de jammer sur mon modulaire, me perdant dans les fréquences. Puis, à la fin de la balance, j’ai réalisé que je devais tout remettre au point de départ pour le début du set. C’était frustrant, c’est le moins qu’on puisse dire. Sur un ordinateur, j’aurais pu simplement recharger le projet.

Si vous êtes allergique à la souris et à l’écran, le matériel pourrait peut-être répondre à vos besoins, mais cela ne veut pas dire que ce sera plus facile.

Ce n’est pas un DAW

Qu’est-ce qu’une MPC, Octotrak, Deluge si ce n’est une station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW)? Ils sont numériques, traitent l’audio, et sont un environnement de travail. En fait, vous ne faites que substituer une interface intuitive qui ressemble à un ordinateur portable à une interface compliquée qui ressemble à une boîte avec des boutons (attendez, n’est-ce pas ce qu’est un ordinateur portable, une boîte avec des boutons?)

Si vous ne supportez pas l’esthétique d’un ordinateur portable et que vous voulez quelque chose de plus épuré, c’est votre droit en tant que créatif. Sachez simplement qu’il est beaucoup plus difficile de déposer un échantillon de batterie dans un MPC que dans Ableton assisté d’un Push ou Maschine. Si vous détestez l’aspect d’un ordinateur portable sur scène, dissimulez-le dans un étui.

 

Comment tirer le meilleur parti de votre matériel?

Apprenez un élément à la fois

Les gens achètent souvent beaucoup de matériel d’un seul coup sans comprendre leurs besoins. À moins que vous ne copiiez exactement la configuration de quelqu’un à partir d’une vidéo YouTube, et que vous ne souhaitiez obtenir exactement le même son, il y a de fortes chances que les gens veuillent que leur propre matériel corresponde à leur vision artistique.

Ainsi, les gens se diront souvent « ok, j’ai besoin d’un synthé, d’une drum machine, d’un ensemble d’effets et d’un “cerveau” dans lequel je peux diriger le tout ». Ensuite, ils installent tout cela et se rendent compte qu’ils sont totalement dépassés et qu’ils n’ont aucune idée de la façon de l’utiliser, parce qu’il n’y a pas de recette pour cela.

C’est pourquoi je recommande de commencer par une seule pièce de matériel et de devenir vraiment bon avec celle-ci. Une fois que vous savez comment elle fonctionne, vous pouvez commencer à penser à la partie suivante de la chaîne.

Disons que vous commencez avec un synthé analogique. Tout d’abord, vous devez comprendre où se trouvent tous les filtres et ce qu’ils font. Comprenez comment sonnent les oscillateurs et comment vous pouvez les router. Ensuite, vous pouvez envisager votre prochain ajout.

Donc, si vous avez un synthé, la prochaine chose que vous allez probablement vouloir est un moyen de le séquencer. C’est souvent une boîte à rythmes avec un VC gate qui peut signaler au synthétiseur de jouer (ou non) certains paramètres. Je recommande le Beatstep Pro (Arturia) ou le Pioneer DJ Toraiz Squid. Bien sûr, il y en a beaucoup que vous pourriez ajouter, mais ces deux-là sont très polyvalents et se prennent en main rapidement.

Une fois que vous avez compris cela, peut-être que vous voudrez un effet afin d’obtenir plus de caractère du synthé. Assurez-vous que les effets que vous achetez sont exactement ce que vous voulez en les testant sur le synthétiseur séquencé. S’ils ne créent pas exactement ce que vous voulez, alors achetez-en de nouveaux. Il n’est pas nécessaire de passer à autre chose avant d’avoir trouvé la solution.

Si vous passez à autre chose trop tôt, vous risquez de vous empêtrer dans votre nouvelle configuration et de ne pas savoir comment l’utiliser. Vous vous retrouvez alors avec un mal de tête à 5 000 $, et vous n’êtes ni plus ni moins créatif.

Cependant, si vous comprenez bien vos pièces avant d’étendre la chaîne, vous rencontrerez moins d’obstacles.

Enregistrez tout

Rappelez-vous, souvent avec du matériel analogique, ce que vous avez fait n’existera qu’à ce moment-là. Il se peut que vous ne puissiez plus jamais l’enregistrer. Par conséquent, assurez-vous que vous disposez de beaucoup d’espace sur le périphérique sur lequel vous enregistrez, car vous devriez enregistrer presque tout.

Cela fonctionne particulièrement bien si votre processus créatif consiste à créer un tas de boucles, puis à assembler ces boucles pour en faire un morceau.

À vrai dire, le matériel ne nécessite pas de mappings MIDI sans fin ni de clics, et est plus instrumental, à bien des égards. Les boutons sont bien adaptés aux circuits et les touches sont pondérées pour interagir avec le synthétiseur d’une manière qui n’est pas forcément celle d’un contrôleur MIDI standard. Par conséquent, les boucles que vous créez peuvent très bien être plus intéressantes que tout ce que vous auriez pu faire avec un synthé logiciel.

Assurez-vous que votre enregistrement est propre

Comme je l’ai déjà mentionné, vous avez besoin d’une bonne interface audio. Je recommande la Focusrite Scarlett ou la SSL2. Elles enregistrent à une fréquence d’échantillonnage élevée et captureront la représentation la plus pure de ce qui sort de votre installation.

En outre, vous devez enregistrer correctement. Par conséquent, le signal doit être aussi proche que possible de 0 dB, car le plancher sonore sera toujours le même sur le matériel. Ainsi, si vous enregistrez à -6 dB comme vous le feriez avec des instruments numériques, lorsque votre enregistrement matériel est chargé dans votre « cerveau », il ne semblera pas assez fort dans de nombreux cas.

C’est parce que -6 dB dans le monde physique est silencieux. Donc, naturellement, vous allez augmenter le volume. Cependant, lorsque vous montez le son, vous ajoutez 6 dB de bruit à l’enregistrement. Vous voulez peut-être ce bruit, mais il ne sera pas parfaitement fidèle à la réalité de votre enregistrement original. Par conséquent, assurez-vous toujours, lors de l’enregistrement, qu’il est aussi proche de 0 dB que possible.  

Avoir conscience que vous serez à nouveau un noob

Ce n’est pas parce que vous étiez un utilisateur compétent d’Ableton que vous serez un utilisateur compétent de matériel. Vous devrez reprendre le manuel de l’utilisateur et regarder de nombreuses vidéos YouTube pour vous remettre à niveau.

Vos premiers trucs auront probablement un son horrible. Cela peut être décourageant, mais c’est la réalité que vous devrez accepter. Ce n’est pas parce que vous avez fait de la musique électronique « dans la boîte » que vous serez capable de la faire « hors de la boîte ».

Comment tirer le meilleur parti d’une configuration hybride Ableton-matériel

 

Dans le cadre de cet article, nous allons supposer que vous maîtrisez votre DAW; nous utiliserons Ableton comme principal exemple.

Jouer sur les forces de l’autre

L’objectif d’une configuration hybride est d’acheter ce que l’ordinateur ne peut pas vous donner, et/ou de compléter ce que vous faites sur l’ordinateur avec du matériel.

Comme vous le savez, le processus dans Ableton est assez intuitif et n’est pas de nature destructive. Si vous faites une erreur, vous pouvez toujours annuler ou revenir à une version précédente du projet.

Il est également beaucoup plus facile de visualiser l’arrangement d’un morceau sur Ableton que sur une MPC.

Cependant, vous préférez peut-être la jouabilité de la MPC. Eh bien, il existe une solution à ce problème — elle s’appelle Ableton Push. Je l’utilise pour pratiquement tout, c’est incroyable. Il ajoute cette instrumentation tactile qui manque lorsqu’on utilise une souris. De plus, tous ses mappings MIDI sont conçus pour être standardisés et intuitifs avec Ableton.

Utiliser Ableton comme membre d’un groupe

Une bonne façon d’utiliser Ableton en conjonction avec votre matériel est de l’utiliser comme un musicien de session/membre de groupe. Écrivez la structure de base d’un morceau sur Ableton, synchronisez-la en MIDI avec votre matériel, puis acheminez votre matériel dans des canaux et commencez à improviser. À l’intérieur d’Ableton, vous pouvez également créer des chaînes d’effets complexes qui peuvent moduler le matériel de manière inattendue, vous donnant ainsi quelque chose d’entièrement nouveau.

Utiliser Ableton pour préserver les sons

Une autre façon d’utiliser Ableton pour compléter votre matériel dans une configuration hybride Ableton-matériel est de pouvoir disposer de plusieurs versions d’un même projet contenant toutes les boucles que vous avez enregistré avec votre matériel. Étant donné que l’environnement d’Ableton ne détruit pas les formes d’onde comme le ferait une MPC en raison de son espace disque limité, vous pouvez modifier les formes d’onde sans avoir à créer plusieurs fichiers volumineux. Au lieu de cela, vous avez simplement des projets individuels pour différentes versions de l’enregistrement.

Divisez votre temps en sessions techniques et créatives

Cela fonctionne que vous soyez purement matériel, ou que vous utilisiez une configuration hybride Ableton-matériel. Le fait est qu’à chaque fois que vous intégrez du matériel analogique, il y a un processus de configuration. Vous ne pouvez pas simplement charger des paramètres. Vous devez donc configurer tous vos patches, vos effets et les bypasser correctement, faire fonctionner votre séquenceur et mettre de l’ordre dans vos patterns. Vous devez ensuite vous assurer que tout est reproduit près de 0 dB pour éviter le bruit tant redouté.

Cela va consommer une bonne quantité de matière grise.

Par conséquent, une fois que tout est prêt, assurez-vous de faire une pause. Allez boire une bière, méditez, faites de l’exercice ou faites ce que vous voulez pour vous remettre les idées en place.

Puis revenez et commencez à jouer et à être créatif avec votre configuration hybride Ableton-matériel.

Les contrôleurs MIDI sont vos amis

Le mapping MIDI est vraiment facile sur Ableton. Bien sûr, cela prend un peu de temps à mettre en place, mais ce n’est souvent rien comparé au temps que vous passerez à régler le matériel pour obtenir un résultat similaire. Par conséquent, procurez-vous des faders et des boutons MIDI pour contrôler certains processus internes d’Ableton.

Le MIDI créera cette sensation tactile que procure le matériel. Le Push est, une fois encore, un excellent moyen d’y parvenir, car il est intuitif avec Ableton. Cependant, certaines personnes ne veulent pas dépenser autant d’argent pour un contrôleur MIDI. Dans ce cas, il existe des dizaines d’excellents contrôleurs qui vous permettent de créer vos propres instruments à la volée.

Quelques suggestions : AKAI midimix, Novation Launch Control

Ces mappings affecteront également votre matériel, puisque vous pouvez les mapper sur différents faders internes qui modifient le son du matériel, comme le volume du canal ou les paramètres d’EQ chirurgicaux.

En fin de compte, faites ce qui fonctionne le mieux pour votre processus créatif. Il ne s’agit là que de recommandations tirées de mon expérience de l’utilisation exclusive des deux systèmes, puis de leur intégration. N’oubliez pas qu’il y a une courbe d’apprentissage pour tout, et que les choses qui étaient vraies pour l’un ne le seront pas pour l’autre. Il n’y a pas de solution miracle lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Le matériel ne vous rendra pas incroyable, le logiciel ne vous rendra pas incroyable. Seuls le talent et le dévouement le feront.

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