Le guide de Pheek pour faire du Dub Techno

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Je pense que faire du Dub Techno est l’un des articles de blogue les plus demandés, et pendant des années, j’ai résisté. Je pense qu’il y avait une sorte de timidité et peut-être un manque de vocabulaire technique pour commencer à enseigner aux autres comment faire du Dub Techno. Mais je pense qu’il est temps de prendre une chance et d’ouvrir toutes les idées que j’ai compilées sur mon Dub Techno bien-aimé.

Ce billet n’expliquera pas nécessairement comment faire du dub techno traditionnel. J’aborderai certaines des questions les plus fréquemment posées à ce sujet, mais je tiens à développer la philosophie et l’esthétique elles-mêmes afin que vous puissiez en tirer le meilleur parti et l’intégrer à votre façon de travailler.

Les origines du Dub Techno

Avant d’aborder la façon de faire du dub techno, il est très important pour moi d’honorer les artistes qui sont à l’origine du genre et de parler de ses débuts. Pour cela, il y a quelques vidéos intéressantes de Dub Monitor. Ces deux vidéos expliquent mieux que moi les origines de la dub techno et son évolution.

Le dub techno est un sous-genre né de la fusion de deux styles musicaux influents : le dub et la techno. La musique dub elle-même trouve ses origines en Jamaïque à la fin des années 1960, avec des pionniers comme King Tubby et Lee « Scratch » Perry. La musique dub se caractérise par un usage intensif des effets, de l’écho, de la réverbération et de la manipulation des pistes existantes, en supprimant souvent les voix pour mettre l’accent sur le rythme et les éléments instrumentaux.

 

The Techno Connection : La techno, quant à elle, a vu le jour à Détroit au début des années 1980, avec des artistes comme Juan Atkins, Derrick May et Kevin Saunderson. La techno est connue pour ses rythmes répétitifs, ses sons synthétiques et son esthétique futuriste, souvent industrielle.

 

L’émergence du dub techno : Le dub techno a commencé à prendre forme au début des années 1990, lorsque des musiciens électroniques ont commencé à expérimenter la fusion des paysages sonores spacieux et chargés d’échos du dub avec les motifs rythmiques et les textures synthétiques de la techno, donnant ainsi naissance au dub techno. Le résultat est un genre qui conserve les rythmes hypnotiques de la techno tout en incorporant des éléments atmosphériques et dub.

 

Caractéristiques de base à prendre en compte lors de la création de dub techno : Le dub techno se caractérise par quelques éléments clés :

  • Paysages sonores de réverbération : Les producteurs de Dub techno utilisent de nombreux effets de réverbération et de delay pour créer des environnements sonores profonds et immersifs. Ces effets donnent à la musique une impression d’espace et de profondeur.
  • Minimalisme : À l’instar de la techno, le dub techno s’appuie souvent sur des compositions minimalistes qui mettent l’accent sur la répétition. L’utilisation d’éléments minimalistes permet d’obtenir une qualité méditative et induisant la transe.
  • Rythmes modérés : Alors que la techno peut avoir un rythme martelant et implacable, la dub techno a tendance à avoir des rythmes plus doux et plus calmes. Le rythme est souvent plus détendu et plus groovy.
  • Incorporation des techniques dub : Le dub techno incorpore les techniques caractéristiques du dub telles que l’écho, les dropouts et le déphasage pour créer un sentiment de mouvement et d’exploration au sein de la musique.

 

Pionniers notables : Parmi les premiers pionniers du dub techno, on peut citer Basic Channel, un duo allemand composé de Moritz von Oswald et Mark Ernestus, et leurs différents pseudonymes tels que Maurizio et Quadrant. Ces artistes ont contribué à façonner le genre et à créer un son distinctif.

 

Influence mondiale : L’influence du dub techno s’est rapidement étendue au-delà de l’Allemagne, avec des artistes et des labels du monde entier qui ont adopté le genre. Des labels comme Chain Reaction et Echocord ont joué un rôle important dans la promotion du dub techno, et des artistes de pays comme la Suède, la Finlande et le Japon ont contribué à son attrait mondial.

 

L’obsession du « comment faire » en faisant du Dub Techno

Au cours des 25 dernières années, j’ai assisté à d’innombrables discussions en ligne sur la façon dont le genre est créé. Les gens discutaient de l’équipement utilisé et étaient obsédés par l’idée de recréer le son original. Bien que je comprenne parfaitement cet état d’esprit, car je suis également obsédé par la façon dont certains sons sont produits, je ne peux m’empêcher de me demander pourquoi vous voudriez refaire exactement les mêmes choses. D’une certaine manière, cela explique pourquoi le genre n’est jamais mort au cours des dernières décennies. Il y a toujours des gens qui continuent à faire du dub techno.

Je pense qu’il y a différentes motivations pour rejoindre l’esthétique du son dub techno. D’une part, je le vois comme une expérience d’apaisement et d’autre part, par passion, pour rejoindre d’autres personnes qui en font aussi.

Mais je pense que les gens sont perplexes quant au fait qu’une chose qui semble si simple puisse être si déroutante à réaliser.

Les principaux aspects de la création de Dub Techno

J’aimerais couvrir plusieurs techniques et stratégies pour infuser votre musique avec une approche dub techno tout en m’assurant que nous appliquons certains réglages qui peuvent donner à votre musique une esthétique similaire.

La première chose à expliquer est qu’il y a 3 catégories principales à prendre en compte lors de la création de dub techno :

  1. La conception sonore (Sound design)
  2. La modulation
  3. La couleur.

Le dub techno a sa propre touche et son propre son qui seront explorés ci-dessous.

Conception sonore du Dub Techno

L’une des principales caractéristiques du dub techno réside dans les pads et les stabs qui sont flous, mélancoliques et énigmatiques. En soi, ces pads ne sont pas nécessairement très complexes à réaliser. J’ai trouvé de nombreux tutoriels sur YouTube et voici 3 de ceux que je préfère. Je trouve qu’ils sont bien expliqués et qu’ils montrent de manière similaire comment les reproduire.

 



Comment faire des accords Dub Techno

Comme vous le voyez dans ces tutoriels, la façon dont le synthé est configuré est plutôt simple : c’est généralement un accord qui se répète, mais il a une modulation et une couleur spécifiques, comme je l’ai expliqué plus tôt. Une fois que vous aurez commencé à expérimenter avec ce pad, vous serez déjà dans le coup et aurez les bases pour faire du dub techno.

Mais honnêtement, lorsque j’ai découvert comment faire, j’ai pensé qu’il serait plus logique de s’inspirer de ces techniques mais d’aller un peu plus loin dans la conception du son.

Dans mes précédents albums dub Tones of Void, Intra, et White Raven, j’ai essentiellement utilisé un tas de synthétiseurs mais je les ai gardés très sombres (par exemple, des notes basses autour de 1-3 octaves) avec peu d’harmoniques (filtrées). Une fois que vous aurez compris que n’importe quel synthé peut faire cela, vous ne serez pas limité au son classique de la dub techno.

Comment créer des mélodies dub techno

Lorsqu’il s’agit de créer des mélodies, les approches sont multiples. Il y a le classique une note (oui, une note) de la dub techno old school (Basic Channel, Chain Reaction) et il y a aussi une approche plus structurée (Pablo Bolivar, Yagya), une dub techno presque orientée vers la pop. Les deux fonctionnent, mais la nature harmonique des mélodies est souvent dans une tonalité mineure, la tonalité de base en ré étant souvent un choix populaire.

Comment créer une basse dub techno

Dans le dub techno, la basse est souvent très simple, avec une seule note. Le simple fait d’utiliser des oscillateurs sinusoïdaux et de les pousser vers l’avant dans le mixage constitue souvent l’esthétique du dub.

Options de synthés Dub Techno

Comme nous l’avons vu dans les 3 vidéos, le dub peut facilement être créé dans n’importe quel contexte avec n’importe quel synthétiseur logiciel. Au fil des ans, j’en ai essayé et testé un grand nombre. Bien que les plugins natifs d’Ableton puissent faire le travail, VCV a été mon terrain de jeu mais ce n’est pas pour tout le monde même si c’est gratuit et qu’il y a tellement de tutoriels. Voici quelques-uns des synthétiseurs logiciels que les gens adorent.

  • Diva : De nombreuses pistes que j’entends en mastering utilisent Diva. Il a une sonorité distincte, mais dans le bon sens du terme. Le son est chaud et riche, et il est proche de certaines options matérielles. Le prix est élevé, mais vous obtenez le son que nous aimons.
  • Pigments : Pigments est polyvalent, ouvert, puissant et extrêmement créatif. Le terrain de jeu est immense, avec l’option d’un magasin de presets dans le synthé lui-même. Il faut travailler un peu pour obtenir le son dub, mais il est agréable.
  • TAL-U-NO-LX Synth : Le Juno a été utilisé au fil des ans comme synthé par défaut pour la dub techno, principalement pour les accords. Cette option de synthé fonctionne bien et est proche de la réalité.
  • Go2 : Bon marché, mais avec de grands résultats. Même les préréglages vous offrent quelques options intéressantes pour commencer. J’aime beaucoup celui-ci.
  • Bleu-III : Rob Papen à nouveau et celui-ci est profond. Ce n’est pas pour les débutants, car on peut facilement s’y perdre, mais les sons que l’on obtient sont très impressionnants.
  • Prophet VS-V : Peu de gens le savent, mais il a été dit que le Prophet VS était ce que les premiers gars de Chain Reaction utilisaient. Quand il y a eu une version VST, nous avons tous salivé. Bien qu’il soit très puissant et agréable, il n’est pas le plus facile à programmer. Mais le son est très impressionnant.
  • Prophet 5 : c’est un synthé que nous avons tous utilisé pendant des années au début des années 2000 lorsque nous voulions un son dub. Il a si bien vieilli et il est agréable à utiliser. Vous disposez de nombreuses options pour les synthés, les pads et les stabs. Recommandé et souvent en promotion.
  • Orange Vocoder : Ce n’est pas un synthé à proprement parler, puisqu’il s’agit bien sûr d’un vocodeur, mais il a été utilisé par de nombreuses personnes, car vous pouvez y mettre n’importe quel son et ce plugin le transformera en un son de synthé sophistiqué. Vraiment puissant et une bonne alternative aux synthés.

 

Le dub est une vibration et une esthétique, pas une bible. Vous prenez l’esthétique et l’appliquez à n’importe quel son.

Une fois que vous avez choisi votre esthétique, vous pouvez appliquer le concept à tous les synthés que vous possédez.

Ce dont vous avez besoin, c’est de créer et d’amplifier vos harmoniques avec de la saturation (les tubes et les bandes font très bien l’affaire), puis d’avoir un filtre coloré et d’envoyer le tout dans un délai et une réverbération pour l’aspect cosmétique. Cela signifie que si vous avez n’importe quel synthé, vous pouvez le rendre sale avec une saturation et ensuite le filtrer. La réverbération fera alors son travail.

Ce qui fera la différence, c’est de jongler avec les différents genres de saturation : distorsion, amp et saturation elle-même. L’utilisation d’une combinaison des trois permet d’obtenir de très belles couleurs, mais veillez à ne pas trop exagérer. Gardez à l’esprit que lors du mastering, le son sera amplifié, de sorte que ce qui semble être une distorsion agréable peut devenir écrasant par la suite.

Vous trouverez ci-dessous quelques-uns de mes outils de saturation.

Plugins de saturation utilisés dans le dub techno

  • Surge XT : (GRATUIT !) Il s’agit d’un collectif de développeurs qui ont réussi à créer un synthétiseur impressionnant et des effets gratuits de haute qualité. Leur Chow Tape est tout à fait étonnant, de même que tous les autres outils de distorsion/saturation. Un must, et en plus, c’est gratuit.
  • RC-20 : Celui-ci est devenu populaire dans la communauté hip-hop lofi en tant que plugin incontournable. Il ajoute des accents lofi, mais c’est un élément que le dub techno possède également, et l’utilisation croisée est donc tout à fait pertinente.
  • Reamp : Les gars derrière ce produit sont très solides et celui-ci a une belle série de plugins qui sont tous très bien conçus. J’aime la couleur de celui-ci.
  • Saturne 2 : Tout Fabfilter est une référence dans son domaine. Saturne ne fait pas exception, car il est très efficace dans ce qu’il fait, c’est-à-dire rendre tout ce qui est trop beau, un peu plus laid, plus sale.
  • PSP Saturator : PSP est l’une de mes sociétés préférées pour ses plugins. J’adore leurs égaliseurs et compresseurs et ce saturateur fait un excellent travail sur les pads.
  • Satin : C’est un outil très pratique. Il s’agit d’une saturation/simulation de tape, mais aussi d’un tape delay qui peut créer des réverbérations bizarres et des signaux wobbly. Une fois que vous aurez commencé à l’utiliser, vous l’utiliserez en permanence.

Plugins de réverbération pour le dub techno

Bien que l’option de réverbération d’Ableton puisse faire l’affaire, je m’en remets toujours à des VST tiers pour cette partie. Il est difficile de ne pas mentionner les plugins Valhalla. Le Supermassive est gratuit et la Digital Reverb est en quelque sorte le complément parfait pour le dub. Si vous devez choisir, je vous recommanderais d’expérimenter les modèles à « plaques » et d’utiliser également un « hall » pour les notes soutenues.

Quoi qu’il en soit, pour moi, la Dub Techno commence par une utilisation intensive de la réverbération, qui doit être modulée, filtrée et distordue. Comprendre comment utiliser votre réverbération et la combiner avec un délai vous permettra d’obtenir une bonne ambiance de dub. Si vous choisissez la réverbération correctement, vous pouvez presque dire que vous avez fait 50 % de votre travail. Le reste est la somme d’un grand nombre de détails, mais lorsque votre réverbération est bien réglée, vous avez automatiquement l’impression de faire du dub.

Tous ceux qui me connaissent ont entendu parler de ma passion pour les réverbérations. J’ai compilé quelques-uns de mes favoris pour le Dub Techno.

 

Les outils de saturation natifs d’Ableton ne sont pas trop mauvais mais sont facilement reconnaissables par une oreille avertie.

  • Lexicon 224 : Je suis un grand fan de Lexicon. Il a un caractère et un ton que j’adore. Je ne sais pas exactement ce que c’est, mais le grain et la sensation qu’il procure me conviennent parfaitement.
  • Springs : La réverbération à ressort est un type de réverbération qui fait sonner les sons envoyés à travers lui comme des liquides. Cela fonctionne bien avec les sons percussifs et vous aurez l’impression d’une ambiance dub classique.
  • Fabfilter Pro-R : Ce filtre est extraordinaire pour les espaces. Il s’agit d’un outil puissant qui permet de façonner des halls grandioses et d’offrir un espace considérable.
  • Adaptiverb : Il y a différents outils sur celui-ci, ce qui le rend unique. Il dispose d’un large éventail de préréglages accordés sur une tonalité fondamentale, ce qui permet de créer des pads à partir de sons inhabituels. Tout à fait unique.
  • SP2016 : Je l’appelle la Cadillac des reverbs. Elle est élégante, chaleureuse, très agréable à l’oreille et très visuelle. Je me sens immergé lorsque je l’utilise.
  • bx_rooms : Extrêmement polyvalent, mais l’interface peut être intimidante. Il offre de belles options pour différents types de pièces.
  • Blackhole : Celui-ci est effrayant, profond, puissant. C’est une réverbération qui vous fait voyager dans l’espace, car elle a un son assez scientifique, riche et gigantesque parfois.

 

Les réverbérations pour le dub sont essentielles, mais vous aurez également besoin de delays. Vous pouvez utiliser des délais longs ou courts. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix, mais l’utilisation des délais permet de prendre des sons très simples et de créer des répétitions, ce qui transforme un motif simple en équations psychédéliques. Les délais, combinés à la réverbération, créent un arrière-plan épais et font en sorte que n’importe quel son – qui semble vide au départ – se remplit d’un tapis de velour onirique. Je pense que pour beaucoup de fans du genre, c’est une qualité qu’ils recherchent.

Echo et Reverb hybride dans Ableton. Ils peuvent faire le travail si vous ne voulez pas casser votre tirelire.

Plugins supplémentaires pour faire de la dub techno (delays, pitch modulators, etc).

  • Diffuse : Ces gars-là sont des amateurs de dub et cet outil est un incontournable pour la réverbération/délai car il s’agit d’une émulation du célèbre Roland Space Echo qui se trouvait dans de nombreux studios.
  • Modnetic : Les mêmes que ci-dessus. Celui-ci est une combinaison de tout ce dont vous avez besoin en un seul endroit pour transformer un simple son ennuyeux en une musique dub.
  • Echorec : Les gars de Pulsar sont très compétents pour recréer des jouets matériels et ils ont créé un delay à bande avec des champs magnétiques auto-oscillants et tout ce que l’on peut souhaiter dans un delay sale.
  • Galaxy Tape Echo : Il s’agit de la recréation par UAD du Roland Space Echo et elle est vraiment bien faite.
  • Tal Dub-X : Comme son nom l’indique, il s’agit d’une station dotée de toutes les options permettant de transformer un simple délai en un délai modulé.
  • Echo Cat : Une autre belle émulation d’un délai à bande. Mais une émulation vraiment solide.
  • PSP 42 : popularisé par Richie Hawtin au début des années 2000, où il mettait les sons en boucle et les pitchait vers le haut ou vers le bas, le PSP42 a été utilisé de manière abusive dans tous ses sets pendant des années. Rich utilisait essentiellement les techniques dub à sa manière.

 

La modulation dans le dub techno

Si vous prenez n’importe quel son de synthétiseur et que vous l’envoyez dans vos chaînes d’effets, vous avez fait la première étape, mais elle ne sera pas complète tant que vous ne l’aurez pas fait bouger, réagir et évoluer en modulations. Il y a beaucoup de choses à assimiler dans cette section car c’est aussi l’un des sujets les plus discutés sur mon blogue – j’en ai déjà parlé en long, en large et en travers mais vous savez maintenant pourquoi, parce que la Dub Techno est une affaire de modulations. Une fois que vous aurez plongé dans cet univers, vous vous enthousiasmerez pour cette méthode et l’appliquerez partout.

Si vous avez regardé ces tutoriels sur la façon dont ils créent les pads et les accords dub, vous verrez qu’ils utilisent la modulation sur le filtre. Une enveloppe et un LFO sont utilisés pour moduler la fréquence du filtre, mais aussi sa résonance. Pour moi, ce n’est que la partie émergée de l’iceberg. S’il y a un paramètre sur un plugin, j’aime à penser qu’il ne doit pas rester statique et qu’il doit bouger, même un tout petit peu.

Mais bien sûr, tout cela peut être géré par mon « couteau suisse » préféré, Shaperbox, qui est conçu pour la modulation à tous les niveaux. Un indispensable.

Quand utiliser des enveloppes et LFO pour faire du dub techno?

S’il s’agit d’une modulation qui réagit à un signal entrant, par exemple lorsqu’un son arrive et que je veux que le filtre réagisse, vous utiliserez une enveloppe. Ce type de modulation est excellent pour accentuer ou atténuer les sons, créant ainsi une sensation plus organique au son traité.

Si vous souhaitez un mouvement constant, les LFO sont excellents pour cela. Ils suivent ou non le tempo. Ils donnent l’illusion que les choses sont constamment en mouvement et contribuent à brouiller les lignes des arrangements linéaires.

Il y a un pack précieux que j’adore de Make Noiss qui contient tellement de petits outils, parfaits pour la modulation et le traitement des signaux midi. Sans oublier mes amis de Manifest Audio et leur large éventail de patches Max qui sont parfaits pour la modulation, mais ils ont aussi créé de nombreux racks pour le dub.

Les 3 Amigos sont là pour transformer une idée statique en une figure animée.

Couleurs du Dub Techno

Je sais que vous pouvez être dérouté par la couleur, car nous avons parlé de la saturation comme d’une forme de couleur, mais il s’agit de la dernière touche. Les couleurs proviennent ici de sources différentes, autres que la saturation, et sont également très complémentaires. Je fais référence aux effets du chorus, du phaser, du flanger, du trémolo, du vibrato, de l’auto-pan, de l’harmonisateur, du wobbler et de l’un des éléments les plus importants, le sifflement (hiss). A part le dernier, tous ces effets sont souvent utilisés dans le dub et c’est une touche agréable d’en utiliser un ou deux sur vos sons.

Ces trucs-là sont très amusants et sonnent très bien.

Chorus, phaser, et vibrato

Le chorus, le phaser et le vibrato fonctionnent très bien avec les synthés, les pads, les stabs et les accords. Ils donnent cet effet stéréo captivant et trippant qui, bien souvent, fait ressortir un son terne du mixage. Veillez à ce qu’il n’y ait pas de problèmes de phase, ce qui correspondrait à une utilisation excessive de l’un de ces effets. Le phénomène de phase est assez courant dans le dub et je corrige souvent ces problèmes au moment du mastering. Il est préférable de le contrôler lors de la décoration du mixage.

Flanger

Le flanger donne une impression de jet à tout ce que l’on veut. Il apporte un son pfshhh aux sons métalliques ou bruyants et peut être assez psychédélique s’il est utilisé à faible niveau. Je l’aime sur les cymbales et les délais.

Tremolo

Les trémolos sont une sorte de sauce secrète que tout le monde sous-estime. Il s’agit essentiellement d’une modulation lente ou rapide de l’amplitude d’un son. Il s’agit d’un superbe outil pour créer des impressions en 3D où vous sentez que les sons s’éloignent de vous et reviennent. Il transforme tout ce qui est linéaire en un mouvement vivant et sensible. A une vitesse plus élevée, il peut même être utilisé comme swing/vélocité pour la percussion. Combinez cela avec un auto-pan et vous obtiendrez des séquences vertigineuses.

Le sifflement (hiss) est également très important. Le bruit de fond est un élément profondément ancré dans l’ADN du dub. Il y a de nombreux générateurs de bruit. Vous pouvez rechercher sur internet des sources de bruit, des enregistrements ou des outils de fabrication de bruit (RC-20). Satin a un sifflement agréable que vous pouvez également utiliser.

Conclusion

Faire du dub techno devrait être un terrain d’expérimentation. C’est un genre que j’aborde avec un esprit très ouvert, comme beaucoup d’autres fans. Si les gens ont souvent l’impression qu’ils ne font que répéter les clichés et que rien de nouveau n’en sort, je leur dirais alors de creuser davantage. Il y a quelques perles de personnes qui repoussent les limites du genre.

Leçons tirées de l’organisation d’une retraite pour producteurs de musique

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Je ne sais pas ce qu’il en est pour vous, mais lorsque vous êtes passionné de musique, c’est à la fois une bénédiction et une malédiction. D’une part, cela occupe beaucoup d’espace mentalement et peut devenir une obsession, et d’autre part, cela crée un besoin d’entrer en contact avec d’autres personnes (pour savoir si l’on n’est pas fou). Si je regarde la situation actuelle, pour entrer en contact et rencontrer d’autres musiciens dans le monde réel, nous sommes confrontés à des limites quant à l’endroit où les rencontrer. Vous pourrez peut-être les rencontrer dans un café ou un disquaire, mais ce n’est pas certain. De manière concrète, vous dépendrez des clubs et des festivals pour avoir la plupart des discussions relatives à la musique.

Mais soyons réalistes, les options sont limitées. Les raves et les clubs sont amusants, mais ce sont aussi des récréations où les discussions risquent d’être faussées par la musique forte, l’atmosphère bruyante et, peut-être, par les substances qui altèrent l’esprit.

Il fut un temps où j’ai eu la chance d’avoir accès à une riche communauté à Montréal, bien avant les médias sociaux, où nous nous retrouvions après des événements (pas des after-parties) pour préparer un repas et discuter. Nous faisions des séances en studio, collaborions et échangions des conseils. Aujourd’hui, c’est encore possible et bien que les médias sociaux puissent vous donner accès à n’importe qui, ils ne vous garantissent pas que vous serez en mesure de connecter correctement par la suite.

L’idée de faire des retraites est venue à un ami nommé Fred et moi, il y a des années, lorsque nous voulions quitter la ville avec des amis et faire un week-end d’immersion musicale intense. Nous avons organisé deux événements qui ont été couronnés de succès. Nous avons dû arrêter à cause de la pandémie, mais depuis que j’ai déménagé à la campagne, il m’est apparu évident que je devais continuer à les faire, mais chez moi. L’idée était de donner accès à ma maison, d’y accueillir des gens pour un week-end, d’organiser des ateliers, de partager, de découvrir la musique d’amis et de voir où cela nous mènerait.

J’ai beaucoup appris lors des deux dernières retraites que j’ai organisées et j’aimerais partager avec vous quelques idées, mais aussi quelques conseils si vous souhaitez en organiser une avec vos amis.

 

Leçon n°1 : le fait de se trouver au même endroit que d’autres musiciens pendant un moment ouvre des perspectives musicales et suscite la curiosité.

Pourquoi organiser une retraite pour les producteurs de musique?

 

Il y a de multiples raisons de vouloir en organiser une. La première consiste à échapper à la routine et à vous plonger dans une connexion avec votre musique, ce qui vous permet de commencer des projets ou de les terminer. Je dirais que les personnes qui viennent à la retraite seront surtout motivées par le fait d’être dans un espace où d’autres travaillent sur la musique. Il n’est pas étonnant que le fait d’être entouré d’autres personnes qui font de la musique vous donne l’envie d’en faire autant.

La collaboration et la découverte de la musique sont d’autres raisons d’organiser une retraite.

Mais quoi que vous choisissiez de faire, je rappelle aux participants qu’il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Il est également possible de ne pas faire grand-chose d’autre que d’être entouré de gens. Cependant, si vous mettez votre temps à profit, cela aura un impact plus tard.

 

Leçon n°2 : La raison pour laquelle je fais des retraites est de me connecter avec des personnes qui ont les mêmes intentions que moi, c’est-à-dire partager une passion.

 

La solitude du musicien

Ce n’est pas nouveau, mais être seul dans le studio est souvent une situation difficile. Il y a quelque chose de frustrant à découvrir de nouvelles idées mais à n’avoir personne autour de soi pour les entendre ou les valider. Les musiciens électroniques modernes s’orientent souvent vers ce genre parce qu’ils peuvent être un homme-orchestre et obtenir des résultats rapidement, mais cela signifie que le succès, ou les échecs, seront également vécus en solitaire. Il est important d’avoir des amis et une communauté pour aller loin à long terme, car votre réseau vous présentera de nouvelles idées et opportunités, et passer du temps dans un endroit pendant un week-end, partager des moments agréables, de la nourriture et des discussions est un excellent moyen de construire une communauté.

Leçon n°3 : mon syndrome de la page blanche et ma tendance à me laisser distraire disparaissent lors d’une retraite.

 

Validation technique et diversité

Le fait d’être entouré d’autres musiciens permet de voir comment ils travaillent, quels outils ils utilisent et quels plugins permettent de résoudre certains problèmes. C’est aussi un moment où le matériel peut être partagé, et où l’on peut voir comment chacun le gère, ce qui lui donne une nouvelle perspective.

Paradoxalement, ces dernières années, j’ai vu certains producteurs très discrets sur leur façon de travailler et sur le matériel qu’ils utilisent. Je trouve cela ridicule.

Personne n’est propriétaire des nouvelles techniques et rien n’est fait qui ne soit pas déjà connu. Presque tout et n’importe quoi est couvert en ligne, que ce soit dans un blogue, un forum ou simplement sur YouTube. Cacher sa façon de travailler révèle, à mon avis, une bonne dose d’anxiété et d’insécurité. On nous explique que garder des secrets pour conserver une image mystérieuse est une chose, ce à quoi je réponds qu’il suffit de quelques ingénieurs du son pour faire de l’ingénierie inverse. La seule chose que personne ne peut vous enlever, c’est votre âme, votre identité. Les outils et les techniques sont simplement là pour permettre à cette partie de vous-même de s’exprimer. Plus vous vous ouvrirez aux autres, partagerez ce que vous savez et créerez des dialogues, plus vous serez récompensé par la rencontre de personnes qui consolideront ce que vous savez avec des idées auxquelles vous n’avez pas pensé… parce que vous étiez centré sur vous-même.

Cela dit, les personnes qui m’entourent lors d’une retraite sont toujours un peu surprises et heureuses de découvrir que je n’ai pas de secrets et que la seule chose que je veux, c’est voir les autres réussir. L’état d’esprit de l’enseignant va au-delà du succès immédiat. Je veux planter des graines dans l’esprit des gens pour voir ce qui émergera plus tard. Il est arrivé si souvent que des personnes que j’ai encadrées reviennent vers moi plus tard avec des idées qui m’ont inspiré alors que je luttais contre le syndrome de la page blanche.

Leçon n°4 : expliquer des concepts aux autres m’aide à comprendre ce que je fais.

L’impact sur la créativité

 

Une chose que j’ai remarquée chez les participants, c’est qu’un sentiment de fluidité émerge le dernier jour. La « zone » est un état mental dans lequel les gens entrent dans un état où ils créent librement, où tout se met en place, où les limites techniques semblent disparaître et, bien sûr, où l’on s’amuse beaucoup.

Cet état de zone semble être la façon idéale de créer. Bien qu’un état de zone continu soit trop beau pour être vrai, si nous pouvons atteindre cet état de temps en temps, c’est, à mon avis, l’un des véritables objectifs de la retraite. Parce qu’une fois que vous avez fait l’expérience de cet état et de la façon dont vous y êtes arrivé, vous savez que vous pouvez ramener avec vous cette façon d’être en tant que musicien.

Proposer des ateliers, c’est alors donner un coup de pouce pour débloquer les frustrations. Je m’assure que ces ateliers correspondent au niveau technique des participants et que je peux leur donner des conseils sur les points qui leur posent problème.

Alors que nous recherchons souvent des impacts importants pour sentir que nous avons changé en tant qu’artiste, je remarque que la somme de nombreux petits ajustements donne des résultats plus durables.

Leçon n°5 : Paradoxalement, la plupart d’entre nous font de la musique pour se rapprocher des autres, alors que nous n’organisons pas assez d’événements communautaires. Une fois réunis, les objectifs de finalisation des chansons ou d’autres tâches de validation connexes deviennent plus que secondaires.

Où organiser une retraite pour un producteur de musique?

Techniquement, n’importe quel endroit peut convenir pour accueillir une retraite de producteurs de musique, mais j’insiste sur le fait qu’il doit se trouver à au moins une heure de chez soi et, idéalement, à la campagne. Il y a de nombreux avantages à pouvoir faire une pause, à sortir se promener et à prendre du recul par rapport à tout ce qui est trop influencé par l’homme (routes, béton, asphalte, bâtiments, etc.). Dans mon cas, je suis à la campagne, avec beaucoup de terrain où l’on peut facilement marcher pendant une heure avant d’en voir la plus grande partie. C’est comme un grand parc, plus ou moins, mais sauvage et ouvert. Bien sûr, vous pouvez enregistrer des sons, mais l’un des éléments importants est de pouvoir respirer de l’air frais.

Une option consiste à louer un chalet avec des amis. Je vous encourage à vous entourer de personnes qui sont dans le même état d’esprit que vous. Vous pouvez ainsi disposer d’un espace pour faire de la musique et d’un autre pour manger et vous détendre.

L’espace est important et le fait d’avoir un endroit où l’on se sent à l’aise et inspiré est crucial pour l’ambiance.

Leçon n° 6 : L’endroit idéal est celui que l’on connaît. Si vous pouvez trouver un endroit que vous avez déjà visité et que vous aimez, ce sera une réussite.

Intention et engagement lors d’une retraite pour producteurs de musique

Il est facile de se tromper sur ce point, mais c’est probablement le plus important. Une chose que nous clarifions avec cette retraite, c’est qu’il ne s’agit pas d’un espace et d’un temps pour faire la fête. Il s’agit de quelque chose d’accessible par d’autres moyens et la retraite est un engagement à faire avancer les choses. C’est pourquoi nous avons une politique d’interdiction de l’alcool et un couvre-feu à une certaine heure. Non seulement je n’ai rencontré aucune résistance de la part des participants, mais tout le monde était extrêmement content que nous ayons fait cela une fois le week-end terminé.

Au début du week-end, nous avons pris un repas au cours duquel nous avons tous discuté de nos besoins, de nos objectifs et des choses que nous aimerions faire. Au fur et à mesure que les gens parlaient, j’ai remarqué qu’il y avait une certaine timidité au début, mais comme nous avons eu de nombreux entretiens au cours des repas, à la fin du week-end, les gens étaient de plus en plus ouverts à partager leurs idées, leurs difficultés ou leurs découvertes passionnantes. Nous rencontrons tous les mêmes difficultés en fin de compte, c’est pourquoi si l’un d’entre eux s’ouvre, d’autres s’en inspireront et suivront.

Leçon n°7 : La présence d’un modérateur, d’un leader ou d’un musicien expérimenté est le meilleur moyen de faire face aux difficultés tout en veillant à ce que les intentions restent réelles.

Des victoires inattendues

Pour terminer cet article, j’ai appris que travailler sur une chanson pendant le week-end n’est pas l’approche la plus idéale, je crois. Je pense qu’il y a beaucoup plus à gagner en essayant d’organiser tous vos morceaux, macros et préréglages et de mettre à jour tous ces morceaux endormis dans votre disque dur. Être curieux, essayer de nouvelles techniques et faire face à certains aspects de la musique qui sont difficiles, voilà ce qu’il y a de mieux à faire dans un contexte où l’on est soutenu.

Des sujets qui ont été très utiles et que les participants ont appréciés :

  • Techniques pour commencer de nouvelles chansons et créer des accroches illimitées.
  • Des idées solides en matière de conception et d’ingénierie inverse.
  • Comment organiser une idée en arrangements efficaces.
  • Mixer une chanson en 20 minutes.

Leçon n°8 : Acceptez toujours qu’il y a quelque chose que vous ne connaissez pas suffisamment ou pas correctement. Rester ouvert est un moyen de grandir en permanence.

 

Témoignages de participants : Écoutons directement ceux qui ont participé à la retraite :

  • Marino: « J’ai passé un week-end inoubliable à la retraite de Pheek. J’ai appris beaucoup de choses, j’ai rencontré des personnes merveilleuses d’horizons différents, qui partagent toutes la même passion que moi : la musique. Pheek nous a accueillis avec amour et gentillesse dans un paysage magnifique, toujours là pour nous aider lorsque nous étions confrontés à des obstacles créatifs. Je le recommande à tous ceux qui souhaitent développer leurs compétences tout en quittant leur zone de confort. »
  • North Motion: « Mon expérience a été tout simplement fantastique. J’ai eu l’occasion de rencontrer de nombreux artistes qui, comme moi, sont passionnés de musique électronique. Au-delà des compétences que j’ai acquises, j’ai noué de grandes amitiés. La retraite de Pheek offre des installations exceptionnelles dans un endroit à couper le souffle, et les connaissances et l’hospitalité de J-P sont inégalées. Je lui donne une note parfaite de 10/10.

Transformer l’efficacité en art avec les modèles Ableton

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Tout musicien, quel que soit son niveau d’expérience, a déjà ressenti l’excitation d’une inspiration soudaine. C’est une sensation éthérée, qui exige une traduction immédiate dans la réalité audible. Pourtant, combien de fois nous retrouvons-nous à naviguer à partir de zéro dans notre station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW), luttant pour mettre en place les éléments de base alors que tout ce que nous voulons, c’est créer?

C’est là que la puissance des modèles dans les DAW comme Ableton Live devient évidente.

Si vous n’avez pas encore commencé à utiliser des modèles, j’aimerais vous encourager à les intégrer dans votre routine. Au début, cela peut être difficile à maîtriser, mais avec un peu de pratique, cette routine portera ses fruits.

 

Qu’est-ce qu’un modèle (si vous ne savez pas)?

Il s’agit d’un projet avec ou sans matériel, qui peut être utilisé comme point de départ. Au lieu de commencer par un nouveau projet, qui représenterait 0 % sur une échelle de travail de 100 %, un modèle représenterait plutôt 10 % ou même 40 % du morceau de musique achevé. Cela peut prêter à confusion, car 40% de réalisation signifie généralement qu’il y a beaucoup de matériel dans un projet. Cependant, lorsque tout est bien organisé, vous êtes bien plus avancé que vous ne l’imaginez.

Création d’un modèle Ableton

Pour créer un modèle, il suffit d’ouvrir un projet, d’aller dans le menu Fichier et de sélectionner « Sauvegarder Set Live comme modèle ».

Cela vous permettra d’utiliser votre projet terminé comme point de départ pour de nouveaux projets, ce qui accélérera considérablement le processus et vous permettra d’obtenir un son cohérent.

Deux manières d’organiser un modèle Ableton :

Les deux façons dont j’organise habituellement un modèle consistent à créer un projet dans lequel j’organise à l’avance tout ce dont j’ai besoin, comme des canaux avec des plugins et des paramètres déjà réglés sur ce que je fais habituellement, des macros, des pistes de retour et un bus Master prêt à l’emploi. Une fois tout cela préparé, je l’enregistre en tant que modèle.

L’autre méthode consiste à prendre un projet réussi, à supprimer tous les clips, l’audio et l’automatisation, puis à l’enregistrer en tant que modèle.

Toutefois, il ne s’agit pas d’une science exacte. Il est également amusant de sauvegarder des projets avec des automatisations ou d’autres paramètres bizarres et de les sauvegarder en tant que modèle, comme l’a inspiré le Manifeste de Matthew Herbert.

Nouveau départ ou démarrage rapide avec les modèles d’Ableton

 

Il y a des avantages et des inconvénients à repartir à zéro ou à démarrer un projet avec un modèle.

De nombreux musiciens recommencent à zéro à chaque fois, peut-être parce qu’ils ne connaissent pas l’idée d’utiliser des modèles ou peut-être parce qu’ils savent tout simplement comment faire. Le fait de repartir à zéro leur permet de s’exercer, de se familiariser avec leurs outils informatiques et d’adopter une approche personnalisée pour chaque projet. Mais il y a un revers à la médaille : cela prend du temps.

Imaginez que vous soyez peintre et que vous deviez fabriquer votre pinceau chaque fois que vous avez envie de peindre. S’il est essentiel de bien connaître ses outils, il est tout aussi crucial d’être prêt lorsque l’inspiration vient à manquer.

La solution? Trouver un équilibre.

N’hésitez pas à repartir à zéro lorsque la situation le permet. Mais armez-vous également de modèles pour accélérer le processus si nécessaire.

Idée de modèle : Créez un projet dans lequel vous ajoutez plusieurs canaux midi, chacun étant équipé de vos synthétiseurs préférés. Pour chaque synthé, appuyez sur cmd+G pour le transformer en macro (groupe) et affectez vos paramètres de synthé préférés à chaque bouton. Cela facilitera la prise en main de l’outil ou permettra d’utiliser la fonction « randomize » (aléatoire) pour trouver une nouvelle inspiration.

CONSEIL : Je vous encourage à vous procurer cette sélection de modulateurs gratuits nommée Mod Squad 2. Il contient de nombreux outils utiles et essentiels à ajouter à votre modèle.

 

Modèles Ableton : Plus qu’un simple raccourci

 

À première vue, un modèle peut sembler n’être qu’un préréglage, un moyen de gagner du temps. Mais il n’y a pas de problème avec les préréglages et croyez-moi, ce n’est pas de la triche!

Les modèles permettent certes de gagner du temps, mais c’est bien plus que cela. Considérez un modèle comme un ami musicien, toujours prêt à jammer quand vous l’êtes. Avec les modèles, vous pouvez :

  • Créer des macros : La création de macros que vous utilisez fréquemment vous permet d’accéder immédiatement à vos paramètres et commandes préférés.
  • Organiser le routage : Les configurations de routage avancées, une fois définies, peuvent être facilement reproduites dans les différents projets.
  • Former des groupes : Le regroupement de pistes ou d’instruments qui vont souvent ensemble permet de gagner du temps et d’avoir une vision plus claire de votre projet.
  • Effets et plugins prédéfinis : Le fait d’avoir vos effets et plugins préférés déjà chargés vous permet de vous plonger directement dans le réglage des sons.

Idée de modèle Ableton : Créez votre propre modèle de mixage en créant 5 groupes qui accueilleront les canaux de votre projet. Vous pouvez ensuite les faire glisser et les déposer dans chaque groupe. Ceux-ci peuvent contenir plusieurs plugins de votre choix. Vous pouvez même créer un modèle de mixage avec plusieurs préréglages de canaux, puis les faire glisser et les déposer à partir de votre navigateur.

L’art d’élaborer des modèles Abelton

Il ne s’agit pas seulement d’avoir des modèles, mais d’avoir des modèles efficaces. Un modèle idéal doit inspirer la créativité, et non l’entraver. Voici comment :

  • Différents modèles pour différents besoins : Au lieu d’adopter une approche unique, envisagez plusieurs modèles pour différents objectifs : mixage, conception sonore, production, voire un modèle complet, comme mon concept de « vaisseau mère« .
  • Incorporer des éléments de modulation : Ajoutez des outils de modulation préconfigurés qui réagissent et interagissent avec ce que vous introduisez. Des outils tels que les suiveurs d’enveloppe ou les scrubbers audio, comme ceux proposés par Manifest Audio, peuvent détecter et moduler automatiquement les sons, ajoutant ainsi de la profondeur et de la dynamique à votre musique.
  • Pensez soutien, pas remplacement : Un modèle ne doit jamais donner l’impression de diriger votre musique. Au contraire, il doit être perçu comme une base sur laquelle vous pouvez vous appuyer. Les meilleurs modèles renforcent la créativité et ne la limitent pas.

Quand les modèles Ableton brillent réellement

Le véritable test de l’efficacité d’un modèle réside dans sa capacité à stimuler la créativité. Si l’utilisation d’un modèle vous donne l’impression d’avoir amené une paire de mains supplémentaire dans votre studio, aidant et élevant votre musique, alors vous avez trouvé le bon filon. Il ne s’agit pas de remplacer le processus organique de création musicale, mais de disposer d’outils qui le rationalisent.

Dans le monde de la production musicale numérique, où le paysage est vaste et les outils nombreux, les modèles apparaissent comme un vecteur d’efficacité. Il ne s’agit pas seulement d’accélérer le processus, mais de renforcer l’essence même de la créativité. Ils garantissent que, lorsque l’inspiration vous prend, vous êtes non seulement prêt, mais aussi équipé pour laisser libre cours à vos idées. Adoptez la puissance des modèles et voyez votre processus de production musicale passer de la simple création à l’art pur.

 

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Exploration technique des arpèges

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Dans le vaste monde de la musique, les arpèges font partie intégrante de la composition, comblant le fossé entre l’harmonie et la mélodie. En comprenant leurs racines, il est possible d’apprécier l’effet profond qu’ils ont eu sur la musique électronique moderne.

Origine des arpèges

Un arpège, dérivé du mot italien « arpeggiare« , qui signifie « jouer sur une harpe », désigne le fait de jouer les notes individuelles d’un accord de manière consécutive plutôt que simultanée. Historiquement, les arpèges trouvent leur origine dans la musique classique. Les guitaristes, pianistes et harpistes classiques les utilisent fréquemment pour exprimer mélodieusement les progressions d’accords.

D’un point de vue fonctionnel, un arpège peut transmettre l’essence d’un accord tout en apportant du mouvement. Il sert de pont entre l’harmonie, où les notes sont jouées simultanément, et la mélodie, où les notes sont jouées de manière séquentielle. Cet effet de pont confère une texture plus riche aux compositions, permettant une transition plus douce entre les sections harmoniques et mélodiques.

 

Arpèges dans la musique électronique

 

Avec l’évolution de la musique électronique, les arpèges ont trouvé une nouvelle plateforme d’exploration. Lorsque les synthétiseurs ont commencé à être commercialisés, ils comprenaient le plus souvent un arpégiateur interne. Même les options plus petites comme les Casios en avaient un simple. Les synthétiseurs, avec leur capacité à façonner et à moduler le son, constituaient l’outil idéal pour repousser les limites des arpèges traditionnels.

 

  1. Synthétiseurs et arpégiation : De nombreux synthétiseurs, qu’ils soient matériels ou logiciels, sont dotés d’arpégiateurs intégrés. Ces outils créent automatiquement des arpèges en fonction des notes jouées et des paramètres définis par l’utilisateur. Des paramètres tels que la direction (haut, bas, haut-bas), la gamme (nombre d’octaves couvertes) et le motif (la séquence rythmique de l’arpège) peuvent être réglés pour obtenir des effets tonaux spécifiques.
  2. Plug-ins d’arpège : Au-delà des capacités intégrées du synthétiseur, il existe des plug-ins logiciels autonomes dédiés à l’arpégation avancée. Ces outils offrent un contrôle étendu sur le comportement de l’arpège et peuvent être intégrés dans des stations de travail audio numériques (DAW). Ils sont souvent fournis avec des bibliothèques de modèles, ce qui donne aux producteurs un point de départ qu’ils peuvent ensuite peaufiner.
  3. Séquencement d’arpèges : Les séquenceurs, que l’on trouve généralement dans les boîtes à rythmes et les DAW, permettent de programmer des notes dans une séquence spécifique. Cette technique offre une approche manuelle de l’arpégiation, ce qui permet d’obtenir des motifs uniques et complexes qui dépassent les capacités des arpégiateurs traditionnels.

Lorsque les musiciens essaient un synthé pour la première fois, ils testent à un moment donné l’arpégiateur. Dans les années 70 à 90, la musique électronique utilisait plus souvent qu’à son tour des arpèges. Il pouvait s’agir de la basse ou de l’accroche principale.

L’impact sur la musique électronique

 

Dans la musique électronique, les arpèges apportent souvent une dynamique rythmique et une structure mélodique, en particulier dans des genres tels que la trance, la techno et la synthwave. La nature répétitive de ces genres se marie bien avec les motifs cycliques des arpèges.

 

En outre, grâce aux capacités d’élaboration du son des synthétiseurs, la qualité tonale des arpèges peut être manipulée. En modulant des aspects tels que les filtres, la résonance et les paramètres d’enveloppe en temps réel, les arpèges peuvent évoluer et se transformer tout au long d’une piste, ajoutant ainsi un intérêt dynamique.

Un aspect fascinant de la musique électronique réside dans le fait que nombre de ses mélodies sont construites à partir de séquences qui peuvent être reproduites efficacement à l’aide d’un arpégiateur. Il ne s’agit pas d’une simple coïncidence. La musique électronique, avec ses structures répétitives et l’accent mis sur l’évolution timbrale, privilégie souvent les motifs mélodiques linéaires et cycliques. Un arpégiateur excelle dans ce domaine, offrant une approche systématique de la création de ces mélodies.

Prenons l’exemple des morceaux électroniques classiques : nombre d’entre eux présentent des mélodies qui tournent autour d’un schéma de notes défini, évoluant davantage par la manipulation du son (comme les balayages de filtre ou les changements de résonance) que par la variation des notes. Cette approche fournit une base cohérente sur laquelle le reste de la piste peut évoluer, permettant à d’autres éléments, comme le rythme et l’harmonie, de jouer un rôle plus dynamique.

Motifs parallèles et modulés

 

1. Arpèges parallèles :

  • Méthode : Commencez par régler deux arpégiateurs avec la même entrée de note, mais réglez l’un d’eux pour qu’il fonctionne dans une plage d’octave plus élevée que l’autre. Vous obtiendrez un motif mélodique harmonisé où les deux arpèges joueront en tandem, produisant un son plus riche.
  • Expérience : Modifiez légèrement le rythme ou la longueur du gate d’un arpégiateur. Cela introduit un effet de déphasage, où les deux arpèges se synchronisent et se désynchronisent, créant une tension et un relâchement rythmiques. Une autre expérience amusante consisterait à créer une macro à partir d’un arpège, ce qui permettrait de disposer d’un outil parallèle. Assurez-vous que votre instrument de réception est polyphonique, car il y aura beaucoup de notes. Je recommande d’essayer les arpèges à différentes vitesses avec un modificateur de hauteur/octave pour qu’ils jouent des notes de différentes octaves.

 

2. Arpèges côte à côte se modulant l’un l’autre :

  • Méthode : Utilisez la sortie d’un arpégiateur pour moduler les paramètres d’un second arpégiateur ou de son synthétiseur associé. Par exemple, vous pouvez régler la sortie de vélocité de l’Arpégiateur A pour contrôler la coupure du filtre ou la résonance du synthé de l’Arpégiateur B.
  • Expérience : Introduisez un LFO (Low-Frequency Oscillator) lent pour moduler un paramètre de l’arpégiateur A (comme son taux/vitesse). Les modulations affectant l’Arpégiateur B changeront au fil du temps, introduisant une dynamique évolutive dans le morceau. J’aime que le premier Arp soit lent et aléatoire et que le second soit plus rapide, avec des notes plus aiguës.

Power user super combo

 

 

 

 

 

 

CONSEIL : les arpégiateurs deviennent très puissants si vous utilisez l’outil Expression Control afin de pouvoir moduler le gate, les pas, la vitesse et la distance. Cette méthode permet d’obtenir des idées d’accroches en quelques minutes.

Plug-ins

Il existe de nombreux plugins qui peuvent être de bonnes alternatives à l’arpège habituel de votre DAW. Il est toujours bon d’avoir des plug-ins tiers pour sortir du son générique du DAW.

Stepic

Il s’inspire des différentes options modulaires existantes. Elles sont toutes regroupées dans un plug-in qui fait un peu ce que de nombreux outils gratuits font comme Snake, mais bien sûr, la note de base jouée influencera la séquence, ce qu’un outil comme Snake ne fait pas. Stepic est souvent utilisé en ligne dans les tutoriels de création de musique Ambient. Il est idéal pour créer des mélodies génératives et psychédéliques.

 

Cthulhu

Tout ce que font les gars de Xfer est toujours solide et bien pensé. Celui-ci ne déroge pas à la règle. Grâce aux nombreux presets existants, vous pouvez également modifier votre propre séquence de manière aléatoire et rapide.

 

Seqund

AlexKid a créé de nombreux outils pour Ableton Live et chacun d’entre eux a trouvé sa place dans le flux de travail de nombreuses personnes, que ce soit pour commencer une idée ou en arranger une. Celui-ci est similaire à Stepic d’une certaine manière, mais avec un flux de travail différent. L’interface est plus propre et plus facile à lire que Stepic, ce qui en fait un outil rapide pour ajouter des mélodies décoratives ou des lignes de basse simples. Le randomiseur dispose d’options intéressantes pour contrôler ses résultats.

 

Conclusion

Depuis leurs origines dans les expressions classiques jusqu’à leurs applications modernes dans la musique électronique, les arpèges sont restés un outil incontournable pour les musiciens. Grâce aux synthétiseurs et aux plug-ins, les producteurs de musique électronique disposent d’une vaste palette pour expérimenter et innover. Au fur et à mesure que la technologie progresse, il est certain que l’utilisation et l’évolution des arpèges dans les paysages électroniques continueront à captiver et à inspirer.

Chambres d’écho associées à la musique

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Dans la tapisserie complexe de la production musicale, il y a un fil sous-jacent qui se tisse silencieusement depuis des années : le phénomène de la chambre d’écho. Tout comme la politique est parfois piégée dans ces chambres, le monde de la production musicale n’est pas à l’abri. Bien qu’elles puissent offrir l’illusion réconfortante de l’unité et de l’harmonie, ces chambres d’écho peuvent devenir un piège pour la créativité, l’authenticité et la croissance.

En outre, les plateformes de médias sociaux et les services de diffusion de musique en continu, avec leurs algorithmes, peuvent créer une boucle de feedback croissante. Un artiste peut gagner en popularité grâce à un son particulier, qui devient soudain la référence. Les nouveaux artistes qui visent le succès ont tendance à s’en inspirer, ce qui conduit à une saturation de titres aux sonorités similaires. Si l’artiste initial a pu être révolutionnaire, le raz-de-marée qui s’ensuit peut noyer l’innovation.

Dans le monde politique, les chambres d’écho apparaissent lorsque les individus ne s’entourent que de voix et d’opinions qui s’alignent sur les leurs. En musique, un phénomène similaire se produit. Si les artistes et les producteurs ne s’exposent qu’à un groupe restreint d’influences, cela limite leur croissance et étouffe l’innovation. Dans les deux sphères, ces chambres d’écho peuvent conduire à une stagnation des idées et à une résistance au changement ou à l’évolution.

Pour que les artistes se développent, il est essentiel de sortir de leur zone de confort. Collaborer avec des personnes de genres différents, participer à des ateliers qui ne correspondent pas directement à leurs intérêts musicaux, ou même rechercher activement les commentaires de personnes extérieures peut s’avérer inestimable. Un producteur de hip-hop peut acquérir une nouvelle perspective en travaillant avec un musicien classique, ou un artiste techno peut s’inspirer de mélodies folkloriques. Ce sont ces croisements d’idées diverses qui donnent naissance à la musique la plus révolutionnaire.

Guti a récemment fait un grand tapage sur le nombre de faux sets fabriqués par certains artistes depuis un certain temps et, à mon avis, il s’agit d’un pur effet secondaire d’une chambre d’écho. Les artistes ont été encouragés par l’industrie à opter pour un spectacle préenregistré auquel toute personne qui s’y confronterait serait écartée.

Je pense que la responsabilité incombe à la fois aux vétérans du secteur et aux débutants. Les vétérans doivent encadrer et guider les nouveaux venus, en les encourageant à apprendre le métier correctement et à ne pas se fier uniquement aux outils. Les nouveaux artistes doivent être avides de connaissances, repousser les limites et ne pas se contenter de suivre les sentiers battus.

Masterclass de Mr. Bill @ KMGLife Inc. Vidéo Youtube

 

Cette semaine, j’ai regardé une vieille vidéo de M. Bill, qui est un Youtuber solide au contenu créatif, et j’ai remarqué quelque chose chez lui qui m’a en quelque sorte irrité. Dans sa vidéo, il explique toutes sortes d’approches sur la façon de sonner fort tout en étant cool. Bien que j’aie abandonné le débat sur le fait que sonner fort, c’est cool, il y a une chose qui m’agace précisément, c’est lorsque quelqu’un passe du temps à montrer que son son est plus cool que le mien.

Comme Deadmau5 l’a dit récemment : « Who the F_ are you? (T’es qui?) The sound police? (La police du son?) »

Je comprends que si l’on veut sonner comme lui, et puisqu’il est convaincu d’être cool,c’est logique. Mais dans un monde où les tendances vont si vite, je pense que M. Bill regarde probablement ses vidéos du début de l’année passée et pense que ses nouveaux sons sont plus cool. Ne vous méprenez pas, je n’essaie pas de le dénigrer parce que j’aime ses sons et ses techniques, mais pas au point de dénigrer d’autres genres ou d’autres conceptions sonores. Je veux rester loin d’un esprit de compétition et son point de vue pourrait encourager cet état d’esprit.

Si vous avez lu ce blogue, vous savez que je préfère avoir une approche beaucoup plus modérée de la compréhension du son. Je préfère rester ouvert.

Le fait de qualifier certains sons de « cool » et d’autres de « pas cool » crée une dualité. Cela crée des chambres d’écho, une hiérarchie, un renforcement de l’ego. Je préfère donc le nondualisme (advaita).

Au fond, la non-dualité met l’accent sur l’interconnexion et l’unicité de toute chose. Transposé au domaine de la musique, ce concept suggère que les genres, les styles et les techniques font tous partie d’un vaste réseau interconnecté d’expression musicale. Plutôt que de s’enfermer dans un seul genre ou style, une approche non dualiste encourage l’exploration des paysages musicaux. En considérant toute la musique comme interconnectée, les producteurs peuvent croiser les idées, les techniques et les inspirations de différents genres, ce qui permet d’obtenir des sons novateurs et rafraîchissants.

L’ego peut constituer un obstacle important à l’innovation et à la croissance dans le domaine de la musique. Un ego surdimensionné peut rendre une personne réfractaire aux commentaires, réticente à l’idée d’explorer des genres peu familiers, voire dédaigneuse des nouvelles techniques. Une philosophie qui prône l’altruisme peut contribuer à dissoudre l’ego, ce qui permet à l’artiste d’être plus réceptif aux influences extérieures, aux commentaires et aux collaborations.

 

1. L’attrait de la chambre d’écho

 

À première vue, il est indéniable qu’il est intéressant de s’entourer de passionnés partageant les mêmes idées, en particulier lorsqu’on se lance dans la production musicale. La phase initiale est pleine d’incertitudes et de questions. Dans ces moments-là, le fait d’avoir une communauté qui se fait l’écho de vos goûts et de vos préférences est indéniablement réconfortant. Les conversations sont fluides, la validation n’est souvent qu’à un signe de tête, et une bulle d’enthousiasme et d’aspirations partagées se forme.

Cependant, sous cette surface de sympathie, un inconvénient subtil émerge. Lorsque nous nous isolons dans un genre ou un style particulier, les nuances de ce style deviennent notre univers. S’il est essentiel de comprendre et de maîtriser une niche, le danger est de s’y immerger au point de manquer la symphonie des diverses expressions musicales à l’extérieur.

 

2. Les inconvénients de l’autoréférence

 

En tant que propriétaire d’un label et ingénieur du son ayant plus de vingt ans d’expérience, j’ai observé une tendance intéressante. Les artistes et les producteurs, en particulier lorsqu’ils débutent, ont tendance à s’appuyer fortement sur des références qui reflètent leurs propres aspirations. C’est tout à fait naturel. Toutefois, lorsque ces références sont imparfaites ou limitées dans leur portée, l’art qui en résulte peut manquer de la profondeur et de la qualité qu’il aurait pu atteindre.

Un exemple concret : j’ai récemment masterisé des pistes pour un artiste techno. Ses pistes de référence, bien que populaires, présentaient de nombreux problèmes inhérents. Cet artiste, qui a toujours été dans sa chambre d’écho, n’a pas réalisé les failles potentielles. Mais une fois que je lui ai fait découvrir des références plus diverses et de qualité, ce fut comme une révélation. Soudain, il a pu percevoir la richesse et la profondeur que ses morceaux pouvaient atteindre, et la différence était palpable lorsqu’ils ont été joués dans un club doté d’un système son de premier ordre.

 

3. Découvrir de nouveaux outils

 

Le monde de la production musicale est en constante évolution, et des outils tels que la version Ozone d’Izotope, récemment sortie, offrent de nouvelles perspectives. De telles innovations sont une aubaine, non seulement pour leurs prouesses techniques, mais aussi parce qu’elles peuvent servir de porte pour sortir de ces chambres d’écho. En tirant parti des nouvelles fonctions et capacités qu’ils apportent, les producteurs peuvent explorer des territoires inexplorés, en remettant en question leurs idées reçues et leurs préjugés.

Il était intéressant de voir comment des outils comme Ozone (la version 11 est sortie cette semaine et elle est vraiment bien faite – je ne comprends même pas comment ils arrivent à l’améliorer !), bien qu’ils soient conçus pour améliorer le processus de mixage et de masterisation, peuvent aussi perpétuer involontairement ces chambres d’écho. Entre les mains d’un novice, les préréglages et les chaînes de masterisation populaires peuvent rapidement devenir une béquille. Au lieu d’apprendre les principes fondamentaux du mixage et du mastering, de nombreux jeunes producteurs se contentent de coller un preset, pensant qu’il s’agit de la « norme de l’industrie ». Ces outils, s’ils sont utilisés sans être bien compris, peuvent contribuer à l’homogénéisation du son dans l’industrie.

 

Il est indéniable que la familiarité d’une chambre d’écho offre un réconfort. Mais pour une forme d’art aussi dynamique et changeante que la musique, ces chambres peuvent parfois étouffer la créativité qu’elles visent à encourager. Il est impératif de reconnaître lorsque nous nous trouvons dans ce phénomène et de trouver le courage d’en sortir. Ce n’est qu’à cette condition que nous pouvons vraiment entendre les mélodies infinies que le monde de la musique a à offrir.

L’orientation musicale vient de votre communauté

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L’industrie musicale, et plus particulièrement la scène de la musique électronique, a toujours prospéré grâce à la synergie entre ses créateurs et ses auditeurs. En tant que producteur de musique électronique, je me suis rendu compte que pour réussir, il faut souvent savoir prendre le pouls de la communauté. Mais qu’est-ce que cela signifie pour les artistes qui se sentent déconnectés, ou pour ceux qui gravitent autour de genres dont le soutien local est limité? Plongeons au cœur des communautés musicales et voyons comment elles façonnent le parcours d’un artiste.

 

Le rôle de la communauté dans la croissance d’un artiste

 

Après avoir passé beaucoup de temps à produire de la musique et à interagir avec d’autres musiciens, un schéma se dessine. Les producteurs qui font partie d’une communauté musicale active ont tendance à gravir les échelons du succès plus rapidement et de manière plus organique. Il ne s’agit pas seulement d’avoir des contacts, mais aussi de recevoir une rétroaction immédiate, de comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et de s’inspirer de l’énergie commune.

Lorsqu’on est raccordé à une communauté, c’est comme si l’on avait les doigts sur le pouls de la musique que l’on aime. Non seulement vous apprenez les subtilités du genre, mais vous comprenez aussi ce que le public désire. Le partage des connaissances et des idées d’un groupe d’individus partageant les mêmes intérêts peut souvent faire la différence entre une piste qui tombe à plat et une piste qui résonne profondément.

Dans mon cas, j’ai rapidement trouvé ma communauté de personnes aimant la même musique que moi et j’ai eu la chance qu’il y ait des événements où tout le monde pouvait se rencontrer. Il était facile de rentrer en contact et je me suis senti rapidement impliqué. L’une des forces de ce premier tremplin était que je pouvais présenter ma musique facilement et que j’obtenais des bookings de manière organique. Aujourd’hui, je vois des gens qui contactent des lieux pour des bookings, mais si vous n’avez jamais visité le lieu, vous ne connaîtrez pas sa culture et son orientation. Il est très important de s’y rendre afin de voir et de vérifier si la clientèle est dans le même état d’esprit que vous. Il n’y a rien de plus dur que de jouer une gig où les gens ne comprennent pas ce que vous faites.

Au cours de mes tournées, j’ai découvert dans chaque ville des bulles de personnes qui me rappelaient ma communauté locale. Même physiquement, j’ai rencontré quelqu’un qui me rappelait quelqu’un de chez moi.

 

Le défi des genres non locaux

 

Mais qu’en est-il des producteurs qui se passionnent pour un genre qui n’est pas très répandu dans leur environnement local?

De nombreux artistes se tournent vers l’extérieur et se mettent en contact avec des labels ou des groupes en ligne qui partagent leur passion. Si l’internet a permis de combler de nombreux vides, les connexions en ligne manquent souvent de la profondeur et de la chaleur des interactions personnelles. La nature même de la communication numérique peut parfois rendre ces relations impersonnelles.

Certaines personnes vivent dans de petites villes ou ne sont pas proches d’une grande ville, ce qui peut constituer un défi, car localement, il n’y a peut-être aucune chance de créer une communauté. Comment cela fonctionne?

Les artistes peuvent produire des morceaux exceptionnels, mais le vieil adage dit que les gens ont tendance à soutenir ceux qu’ils connaissent. Une communauté peut parfois hésiter à accueillir des nouveaux venus. Cette approche protectrice est naturelle, mais elle peut involontairement fermer la porte à de nouveaux talents qui auraient pu apporter des perspectives et des sons nouveaux. Inutile de penser aux labels qui reçoivent de la musique de personnes dont ils n’ont jamais entendu parler et qui s’attendent à ce qu’ils leur répondent. Dans le meilleur des mondes, c’est ce qui se passerait, mais dans la réalité, cela n’arrive pas souvent. Cela laisse les artistes perplexes.

Ainsi, pour les personnes qui ne bénéficient pas d’un bon soutien musical, plusieurs choix sont possibles. L’une d’entre elles consiste à essayer de se rendre dans l’endroit le plus proche où il y a des événements et une communauté pour en profiter en même temps que de la musique. Vous finirez par trouver votre rôle et votre place dans cette tribu. Ensuite, à l’aide d’outils de communication en ligne, maintenez le contact.

N’oublions pas qu’il est possible de créer son propre réseau local et sa propre communauté, mais que cela peut s’avérer difficile au début.

 

La solution DJ

 

Dans de tels scénarios, une stratégie que j’ai vue fonctionner consiste à s’adresser aux DJ.

Pourquoi les DJs?

Parce qu’ils ont le pouvoir de faire découvrir de nouveaux titres à un public enthousiaste. Les DJ sont toujours à l’affût du prochain titre phare, et ils peuvent contribuer à ce que la musique d’un outsider obtienne la reconnaissance qu’elle mérite. Faire jouer votre musique par un DJ peut être le lien parfait entre l’artiste et une nouvelle communauté. Vous pouvez également faire la même chose avec des restaurants ou des boutiques locales et leur demander de passer votre musique de temps en temps, mais bien sûr, vous devrez le faire en personne après avoir montré que vous vous intéressez à leur lieu et à leurs goûts musicaux.

De plus, les DJ aiment la musique pour les podcasts et c’est un bon moyen de percer auprès d’une nouvelle bulle de personnes.

 

Construire des communautés inclusives pour un avenir dynamique

 

Alors que nous discutons des communautés et de leur importance, il est également essentiel de parler d’inclusion. S’il est nécessaire de protéger l’intégrité d’une communauté, il est tout aussi vital de veiller à ce qu’elle ne devienne pas insulaire. En accueillant de nouveaux membres et en étant réceptive à leur offre musicale unique, une communauté ajoute non seulement à sa diversité, mais assure également sa longévité.

À toutes les communautés musicales : n’oublions pas que l’outsider d’aujourd’hui peut être le précurseur de demain. En étant ouverts aux nouveaux membres et à leurs sons distincts, nous garantissons que notre communauté reste dynamique, fraîche et prête pour l’avenir. Les outsiders apporteront une énergie et des idées nouvelles qui permettront à la musique de ne pas tomber dans l’équivalent d’une chambre d’écho où tout sonne pareil au bout d’un certain temps.

 

Des idées pour découvrir les communautés musicales et entrer en contact avec elles :

  • Magasins de musique et cafés locaux : ces lieux ont souvent des panneaux d’affichage indiquant les événements, les rassemblements ou les ateliers. Même en discutant avec le propriétaire du magasin ou avec les habitués, vous pouvez trouver des groupes de musique locaux.
  • Ateliers de musique et masterclass : En vous inscrivant ou en assistant à ces ateliers, vous pouvez rencontrer des artistes et des instructeurs qui partagent les mêmes idées et qui peuvent vous orienter vers des communautés pertinentes.
  • Festivals de musique et concerts : Participez aux festivals locaux et régionaux. Même les petites gigs peuvent être des mines d’or pour le réseautage. Souvent, ces événements sont organisés ou fréquentés par des personnes qui font partie de communautés musicales.
  • Plateformes en ligne : Les sites web tels que Meetup.com ou les groupes Facebook proposent souvent des groupes musicaux locaux auxquels vous pouvez vous joindre et participer à des discussions ou à des événements.
  • Centres communautaires et universités : Beaucoup d’entre eux proposent des cours de musique et ont souvent des clubs de musique actifs. S’engager auprès d’eux peut ouvrir des portes aux communautés musicales locales.
  • Forums de production musicale : Des sites web tels que Gearslutz ou KVR Audio proposent des forums actifs où des producteurs du monde entier discutent de musique, de matériel et d’événements.
  • Collaborez en ligne : Les plateformes telles que SoundCloud, Bandcamp ou Splice peuvent être d’excellents endroits non seulement pour partager votre musique, mais aussi pour collaborer avec d’autres, ce qui peut vous permettre d’entrer organiquement en contact avec des communautés.
  • Participez aux soirées Open Mic : Ces soirées attirent souvent des musiciens locaux et des passionnés. C’est un environnement détendu qui permet de rencontrer des gens et d’obtenir des commentaires sur sa musique.
  • Visitez des studios d’enregistrement : Les contacts avec les directeurs de studio ou les techniciens peuvent donner des indications sur les musiciens locaux et les communautés avec lesquelles ils travaillent.
  • Entrez en contact avec des DJ : Comme nous l’avons déjà mentionné, les DJ sont à l’écoute des communautés musicales. En établissant des contacts avec eux, il est souvent possible de s’introduire dans ces communautés.

 

Notes de fin : Un appel aux artistes

 

À mes collègues artistes qui se sentent un peu à la dérive, rappelez-vous que toute communauté a commencé à petite échelle. S’il n’existe pas de communauté pour votre genre, envisagez d’en créer une! Et si cela vous semble une tâche monumentale, n’hésitez pas à prendre contact en personne. Assistez à des concerts locaux, à des événements musicaux ou même à des ateliers. L’établissement d’un contact direct peut avoir plus d’impact qu’une douzaine d’interactions en ligne.

Dans le paysage en constante évolution de la musique électronique, une chose reste constante : la valeur de la connexion. Ainsi, que vous soyez un artiste à la recherche de votre tribu ou un membre de la communauté s’interrogeant sur la prochaine étape, n’oubliez pas que c’est grâce à l’inclusion, à la compréhension et aux interactions personnelles que nous continuerons à prospérer et à créer des symphonies harmonieuses dont le monde entier pourra profiter.

Mots-clés : musique électronique, production musicale, communauté, DJ, réseau, inclusion, artistes, concerts locaux, événements musicaux.

Le bruit en musique

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Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.

 

Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.

 

Le bruit dans la musique peut être nostalgique.

 

Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.

 

Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.

 

Le bruit blanc – Une fondation sifflante :

 

Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.

 

J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.

 

Le bruit rose – Une alternative plus douce :

 

Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.

 

Il existe également diverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.

 

Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :

 

Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.

 

Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.

 

 

 

Bruit numérique – Possibilités infinies

Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.

Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :

  • Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
  • Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
  • Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
  • Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
  • Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.

En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.

 

Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs

 

Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.

Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.

 

Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels

 

Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.

 

Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité

Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.

  1. Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
  2. Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
  3. Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
  4. Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
  5. Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
  6. Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
  7. Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.

 

Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.

 

Références de clients et exercices

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Quand il s’agit de faire de la musique ou de mixer, il faut bien commencer quelque part et s’inspirer des autres est souvent un bon moyen de démarrer. Il y a beaucoup d’idées reçues sur la manière d’utiliser les références. J’ai déjà abordé ce sujet dans un article précédent, mais j’ai décidé d’approfondir la question.

 

Bien qu’il n’y ait pas de bonne ou de mauvaise façon d’utiliser les références, je les utilise souvent pour une seule chose. Il peut s’agir d’un son qui m’intrigue, d’un type de séquence, d’un rythme ou d’un concept qui chatouille mon cerveau et l’incite à essayer de le reproduire. Si je peux la plupart du temps comprendre ce qui se passe, cela ne veut pas dire que je peux le reproduire tel quel. Certains clients que j’accompagne sont devenus très doués pour reproduire ce qu’ils entendent, parfois avec mon aide ou non.

 

Mais l’idée est d’essayer quelque chose et d’être ouvert à ce que cela vous apportera ensuite.

 

Bien que je produise beaucoup pour mes clients, les gens se demandent parfois ce que font les autres, quels sont les artistes à suivre, mais aussi quels sont les artistes que je suis personnellement pour ma propre inspiration.

 

Il m’arrive souvent d’avoir des clients qui commencent une idée à partir d’une référence, mais qui ont du mal à la concrétiser comme ils le souhaitent. Je donne ici quelques points à vérifier en premier lieu pour démarrer correctement (en d’autres termes, c’est là que les clients échouent).

 

Chargez votre morceau de référence dans Ableton (ou autre DAW) et mettez-le d’abord en solo pour pouvoir le comparer à votre projet. Je vous conseille de baisser le volume de votre référence car elle est peut-être masterisée alors que la vôtre ne l’est pas.

 

Il y a quelques points initiaux à prendre en considération :

 

  1. Le ton: Utilisez un analyseur FFT (SPAN de Voxengo est gratuit ou Fabfilter ProQ3) sur le master pour voir si le ton est similaire. La courbe est-elle similaire ou différente de la vôtre?

 

  1. Note fondamentale/gamme : Vous pouvez utiliser un détecteur de tonalité sur votre référence pour voir quelle est la tonalité et la gamme de base, puis vérifiez si la vôtre est bien réglée. Bien qu’il ne soit pas nécessaire d’avoir la même que votre référence, certains clients ne se rendent pas compte que leurs différents éléments ne sont pas dans la même tonalité. Cela se traduit souvent par le sentiment que la chanson n’est pas univoque ou qu’elle sonne faux. Notez que le son peut paraître un peu étrange si vous y avez été surexposé et que vous vous y êtes habitué, mais pour une paire d’oreilles fraîches, le son peut devenir gênant.

 

  1. Vitesse et rythme: Trouvez le BPM de votre référence et essayez de le faire correspondre au vôtre. Quelle est la signature rythmique.

 

Dernièrement, j’ai apprécié Decoda en tant que logiciel d’analyse complet. Vous pouvez faire tellement de choses avec, ainsi qu’extraire des mélodies en midi. Je trouve qu’il est essentiel pour travailler avec des clients exigeants.

 

Lorsqu’il s’agit des artistes les plus appréciés par mes clients, j’en ai compilé quelques-uns et je vais vous expliquer en quelques mots pourquoi ils sont appréciés.

 

Ricardo Villalobos

Ce n’est pas une surprise puisque c’est l’un de mes artistes préférés et que beaucoup de gens viennent me voir en sachant que j’ai passé des décennies à comprendre son style peu conventionnel et que je peux expliquer comment certaines de ses chansons sont faites. Qu’on l’aime ou qu’on le déteste, ce type a certainement développé sa propre personnalité en matière de production et ses compositions musicales ouvrent toujours de nouvelles voies à ce que l’on peut faire en musique.

 

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Il peut être amusant de créer des pistes super longues avec plus ou moins de structure.
  • Laisser ses chansons inachevées a un côté plus humain.
  • Combiner des sons vraiment bizarres peut fonctionner si l’on conserve certains éléments auxquels on peut se référer.
  • Il n’a pas peur de sampler des disques obscurs pour en faire l’idée principale de ses chansons.

 

Ricardo est connu pour avoir une énorme collection de synthétiseurs modulaires, mais contrairement à beaucoup de gens qui en ont beaucoup, il enregistre de nouveaux essais chaque semaine afin que vous puissiez voir le large éventail de ses outils.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

– Utilisez VCV pour comprendre la pensée modulaire qu’il utilise et randomisez certains éléments pour obtenir un brin de folie.

– Les polyrythmies sont la clé, avec une signature temporelle irrégulière. Examinez également les rythmes euclidiens.

– Ric utilise beaucoup de synthèse granulaire sur ses instruments ou synthétiseurs de percussion.

 

Vid

 

 

Il s’agit d’un autre artiste qui revient souvent en tant que référence. Les gens aiment la simplicité pourtant complexe de ses chansons. Contrairement à Villalobos, ses chansons sont assez polies et organisées.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • La techno atmosphérique est très amusante à réaliser et est à la fois excitante et méditative.
  • Les pads riches sur les enregistrements de terrain sont hypnotisants.
  • Les tons sombres donnent une impression plus mystérieuse.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Recueillir des enregistrements de terrain et des sons d’ambiance tels que ceux d’un restaurant ou d’une église.
  • Les grooves et les rythmes qui sont groovy valent la peine d’être étudiés et je recommande souvent de rechercher des boucles pré-fabriquées et de les copier. Le fait de supprimer une grande partie du sustain des percussions pour les garder courtes contribue vraiment à donner une impression de house minimale.
  • Il n’a souvent pas d’éléments brillants et le fait de garder les sons dans les basses fréquences lui confère une ambiance mystérieuse.

 

Pablo Bolivar (ou la Dub Techno)

 

Comme j’ai une longue expérience de la dub techno, on me pose beaucoup de questions sur la façon dont ces pads sont fabriqués. Si elle n’est pas forcément compliquée, elle nécessite tout de même quelques ajustements car ce qui rend les pads dub techno captivants, c’est leur côté toujours en mouvement. Cela provient de la modulation ou de l’automatisation. Pablo fait un excellent travail en sélectionnant de beaux sons, des pads et de belles mélodies luxuriantes, ce qui fait de lui une référence pour de nombreux clients.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

  • Beaucoup de classiques dub techno ont des mélodies de 1 ou 2 notes, très minimaliste. Pablo apporte des mélodies simples mais plus complexes que 2 simples notes ce qui lui confère des moments mémorables.
  • Production et mixage super propres. Rien d’inutile n’est jamais ajouté.
  • Tout comme Vid, son approche de l’ambiance dynamique permet de se détendre ou de danser.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

  • Utilisez une fondamentale avec une gamme mineure. Des accords mineurs complètent également la mélodie. La plupart de ses mélodies sont composées de 4 à 5 notes au maximum. Envisagez de faire des progressions d’accords.
  • Utilisez des enregistrements de terrain pour compléter les mélodies.
  • Les percussions sont assez simples et répétitives. Le résultat est satisfaisant.

 

J Dilla

Je ne dirais pas que quelqu’un m’a contacté pour faire de la musique exactement comme lui, mais j’ai quelques clients dans le hip hop lofi qui, à mon avis, est un dérivé de J Dilla. Il est issu de la génération MPC, où les gens échantillonnaient des disques et jouaient avec. Son album « Donuts » est considéré comme un album novateur dans le domaine du hip-hop et mérite d’être écouté.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Sampler de manière flagrante et faire preuve d’audace. Samplez de la musique de n’importe quelle source et utilisez-en de courtes notes, soit pour créer votre accroche, soit pour mettre l’accent sur ce qui se passe.
  • Allez à l’essentiel. Apprenez à composer des chansons de moins de 3 minutes. Un défi pour la techno mais pour la musique électronique en général, c’est un exercice qui vous oblige à aller droit au but.
  • Exagérez le swing de vos percussions. Essayez de le pousser au maximum pour voir ce qui se passe.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Comme indiqué plus haut, ces apprentissages sont aussi des choses à essayer. Mais je recommanderais de dénicher quelques disques dans un magasin d’occasion et de sampler des parties obscures.
  • Utilisez un contrôleur midi comme le PUSH ou avec des pads et essayez d’introduire manuellement vos rythmes.
  • Dans un clip, jouez avec les points de chaîne (warp) pour créer des étirements bizarres et des rythmes élastiques.
  • Découpez des rythmes et reprogrammez-les pour créer de nouveaux motifs.

 

Fred Again

Je me suis désintéressé de la musique pop il y a des années et je me suis toujours tenu à l’écart de la musique électronique commerciale. Mais Fred Again m’a impressionné par sa façon de faire de la musique et, bien sûr, par le résultat final. Le problème avec sa musique, c’est qu’il s’agit en fait de l’approche typique de n’importe quelle musique commerciale, de structure standard, et que ce qui compte ici, c’est le bon goût.

 

Cela signifie que la compréhension des progressions d’accords et le travail avec les tonalités et les gammes seront au centre des préoccupations. L’utilisation de plugins comme Captain Plugins suite fera une énorme différence à moins que vous n’ayez beaucoup de patience pour apprendre la théorie musicale.

 

Il n’y a pas de raccourci pour ce genre de musique. Mais les outils que vous pouvez utiliser vous faciliteront la tâche.

 

C’est son récent album avec Brian Eno qui m’a fait l’apprécier.

 

Daft Punk

 

J’ai suivi le duo depuis 1995 jusqu’à leur séparation. Je ne pense pas qu’il y ait eu beaucoup de groupes musicaux qui aient eu un impact aussi important avec leur carrière que ces deux-là. C’est principalement dû à leur désir d’innover, mais aussi de prendre des idées qui fonctionnent très bien et d’en tirer des idées solides pour leur donner une nouvelle tournure.

 

Dans un article précédent, je disais qu’il y a deux modes principaux lorsqu’il s’agit de travailler sur un projet : vous pouvez vouloir répéter une idée que vous aimez à partir d’une chanson ou d’un artiste, ou vous pouvez vouloir innover par rapport à ce que vous faites.

 

Les choses que j’ai apprises en travaillant avec des clients qui veulent s’inspirer d’eux consistent principalement, une fois de plus, à rechercher des samples et à jouer avec. C’est un peu ce que nous avons repris de Dilla, mais avec un rythme plus rapide et une signature temporelle en 4/4. Il fut un temps où la French Touch House/Disco faisait fureur. Cette musique consistait à utiliser un sample avec un filtrage important et l’effet classique de pompage et d’aspiration (pump/duck). Cette technique est encore utilisée de nos jours mais avec un peu plus de contrôle où on la perçoit moins.

 

Outre le filtrage, voici quelques effets notables qu’ils utilisent et que vous pouvez explorer aujourd’hui : Bit crusher, tape saturation, vocoder, chorus/phaser. Ils aiment aussi un bon kit 909.

 

Et pour finir, qui sont mes références personnelles?

 

Ada Kaleh, Gigi Masin, Jan Jelinek, Rhythm and Sound, Vladislav Delay, Ricardo Villalobos, Matt Dear, Lawrence… et bien d’autres encore.

 

Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

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Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

Les outils pour comprendre vos références

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Nous sommes tous passés par là : nous nous efforçons de composer la mélodie parfaite ou d’écrire des paroles captivantes, mais nous sommes freinés par la recherche incessante de l’originalité. Et si nous vous disions qu’il existe un moyen de sortir de cette impasse créative et de découvrir une toute nouvelle dimension d’idées musicales?

 

Quel que soit le nombre de fois où je me mets devant mon ordinateur pour faire de la musique, je me trouve souvent dans deux modes : essayer de faire de la musique qui sera complètement originale ou essayer d’émuler des idées que j’aime (c’est à dire le contraire d’être original). Dans la plupart des cas, j’oublie que je m’amuse jusqu’à ce que j’atteigne la zone. Heureusement, il existe de nombreuses techniques qui peuvent être comprises à partir de la musique que nous aimons et il existe également de nombreux outils facilitant la compréhension de la magie derrière certaines chansons. Je vais vous proposer quelques outils que j’utilise lorsque je fais de la production pour des clients.

 

Récemment, j’ai lu le livre d’Austin Kleon, « Steal Like an Artist » (Volez comme un artiste), où j’ai découvert cinq idées précieuses pour lancer votre exploration musicale. J’ai eu le sentiment que cela pouvait s’appliquer à la musique.

La révolution des remixes :

 

Dans un monde débordant de musique, trouver l’originalité absolue peut ressembler à chercher une aiguille dans une botte de foin. Mais n’ayez crainte! Kleon suggère d’adopter le concept de remix : un collage créatif d’idées et d’influences existantes. N’oubliez pas que même les musiciens les plus renommés ont été inspirés par les sons d’antan. Alors, plongez dans les archives, explorez différents genres et laissez la magie de la pollinisation croisée libérer vos prouesses musicales!

Le premier exercice que je propose à tout client qui se trouve confronté au syndrome de la page blanche, c’est de se procurer un tas de boucles et de commencer à les remixer, sans aucun objectif. Bien qu’il s’agisse du meilleur remède dans la plupart des cas, certains ont l’impression qu’il s’agit d’un vol de samples, de copie etc. Mais quand l’esprit est bloqué, c’est surtout parce qu’on réfléchit trop. Le fait de commencer par un simple exercice consistant à jouer avec des idées toutes faites n’est qu’une porte ouverte qui permet de revenir en arrière et de développer ensuite ce qui nous semble le plus pertinent.

 

Astuce: Il est difficile de ne pas s’amuser en utilisant la grande quantité de boucles de qualité que vous trouverez surSplice. Il offre également la possibilité de louer des synthés, des plugins ou d’avoir des presets pour les genres que vous aimez. Il dispose également d’une application de bureau qui vous permet de prévisualiser les boucles, puis de les importer dans votre DAW. J’apprécie également le fait que vous puissiez synchroniser l’application avec le tempo de votre projet en utilisant le VST Splice.

 

Une autre alternative consiste à utiliser Loopcloud, qui ressemble un peu à Splice, mais qui propose également des outils tels qu’une boîte à rythmes très agréable où vous pouvez importer n’importe quel son de la bibliothèque.

 

Astuce 2: J’aime utiliserSoundsnap pour les samples. Il contient de nombreux sons naturels, des enregistrements de terrain et des enregistrements aléatoires. Il est utilisé dans les films et peut l’être également dans vos chansons.

 

Échangez les idées, pas votre identité :

En tant que musiciens, il est naturel d’aspirer à un son unique qui nous distingue. Cependant, essayer de forcer l’originalité conduit souvent à une paralysie créative. Au lieu de cela, prenez exemple sur Kleon (littéralement!) et volez des idées sans vergogne. Mais voici l’astuce : concentrez-vous sur les éléments que vous admirez et retravaillez-les pour en faire quelque chose de tout à fait personnel. Reconnaissez les mérites, mais n’ayez pas peur d’y mettre votre grain de sel. Après tout, le monde n’a pas besoin d’un autre copycat, il a besoin du mélange extraordinaire que vous seul pouvez créer!

Toutefois, l’art du remixage peut s’avérer plus subtil. Vous pouvez écouter Keith Jarrett, un vieux dub de Studio One, du classique moderne et prêter attention aux sons utilisés, à la façon dont ils sont exprimés (mélodie) et à l’espace créé.

 

Que remarquez-vous? Les notes sont-elles lentes ou rapides? Le son est-il dense ou aéré? Quelle est la signature temporelle?

 

Écrivez les notes, puis appliquez le concept à tout ce que vous faites. C’est la pollinisation croisée.

ASTUCE : Vous pouvez acheter des packs MIDI ou des mélodies MIDI un peu partout et chercher des idées qui ne sont pas dans les genres que vous faites. Les notes MIDI ne produisent pas de son, ce ne sont que des mélodies. Vous pouvez utiliser des sons harmoniques aléatoires ou des synthétiseurs de votre choix afin d’extraire des mélodies qui sortent de votre routine.

ASTUCE 2 : De nombreux clients ne réalisent pas qu’une des mesures à prendre pour que leurs chansons paraissent plus professionnelles est d’utiliser une tonalité de base avec une gamme. J’aime les nombreux outils de Captain Plugins. Ils ont des plugins de studio qui vous permettent de comprendre la tonalité et la gamme des idées importantes ou de vos propres mélodies (par exemple, certains clients improvisent des mélodies pour découvrir plus tard qu’elles sont dans une gamme spécifique sans le savoir!) Vous pouvez également jeter un œil à Tonic pour ce type d’analyse.

 

Cultivez vos influences :

Avez-vous déjà entendu le dicton « Vous êtes ce que vous mangez »? Dans le monde de la musique, « Vous êtes ce que vous écoutez ». Entourez-vous d’un large éventail d’influences musicales. Des compositions classiques aux expériences d’avant-garde, absorbez tout comme une éponge musicale. En créant une tapisserie unique d’influences, vous développerez une riche palette de sons dans laquelle vous pourrez puiser. N’ayez donc pas peur de vous lancer dans une aventure sonore, vous pourriez bien trouver l’étincelle qui enflammera votre génie musical!

 

Pour faire de la musique de qualité, il faut être exposé à des chansons de qualité.

 

Cela signifie que vous devez écouter de la musique autant que vous en faites. À partir de ce que vous écoutez, essayez de diversifier votre répertoire autant que possible. Lorsque vous découvrez un artiste que vous aimez, fouillez ses racines, ses premières œuvres et ses œuvres récentes.

 

Faites-vous des amis qui aiment profondément la musique et demandez-leur des recommandations. On ne demande pas assez aux gens quels sont leurs favoris, mais c’est un sujet très apprécié si vous aimez la musique.

 

J’adore ce patch max qui ouvre le répertoire de tous les sons de Freesound.org. J’aime ce site parce qu’il est gratuit, mais aussi parce qu’il permet de demander des samples au hasard. J’aime aussi cette page qui me donne des vidéos Youtube à regarder au hasard…

 

TIP: Elphnt a fait un patch sympa qui vous propose des idées pour démarrer de nouvelles idées ou si vous manquez d’idées à un moment donné.

 

Les contraintes vous libèrent :

 

Contrairement aux idées reçues, les contraintes peuvent être le meilleur ami du musicien. Kleon souligne l’importance de fixer des limites pour libérer sa créativité. En vous imposant des limites spécifiques, telles que des restrictions de temps, des instruments limités ou même des structures de chansons inhabituelles, vous obligez votre esprit à sortir des sentiers battus. Ces défis auto-imposés deviennent le catalyseur de l’innovation, ouvrant la voie à des percées musicales que vous n’auriez jamais crues possibles.

 

ASTUCE : faites-vous un kit de batterie et quelques échantillons pour créer vos chansons. Choisissez une chanson au hasard et utilisez-la comme modèle pour la vôtre (BPM, section, ambiance, tonalité, gamme, etc.). J’adore l’outil de Decoda parce qu’il peut vraiment aider à extraire une mélodie ou à comprendre comment une chanson est arrangée.

 

Profitez du voyage :

 

Créer une musique remarquable n’est pas un sprint, c’est un marathon qui dure toute une vie. Alors que vous vous embarquez dans votre odyssée musicale, n’oubliez pas d’apprécier le voyage. Kleon encourage les artistes à embrasser le processus plutôt que d’être obstinés par le résultat final. Chaque composition, chaque séance d’entraînement et chaque faux pas constituent une partie essentielle de votre développement en tant que musicien. Alors, attachez votre ceinture et savourez l’aventure, car c’est le voyage lui-même qui fait de vous l’artiste que vous êtes censé être.

 

Mais que se passe-t-il lorsque l’on est père ou que l’on a un travail exigeant et que l’on ne peut pas consacrer beaucoup de temps à son passe-temps favori? Le voyage se complique un peu. Pouvez-vous encore vous réjouir des résultats sans avoir le temps de faire ce qu’il faut pour lancer votre projet?

 

Voilà pour les musiciens intrépides! Armé des précieux conseils d’Austin Kleon tirés de « Steal Like an Artist », vous possédez désormais les armes secrètes pour vous libérer du carcan des blocages créatifs. Embrassez la révolution du remix, piochez des idées avec fierté, cultivez vos influences, épanouissez-vous dans les contraintes et, par-dessus tout, savourez le voyage.

N’oubliez pas que le monde de la musique est votre univers. Alors plongez sans crainte, créez sans complexe et laissez vos mélodies volées remodeler le tissu même de l’innovation musicale.

 

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!

 

Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.

 

Le minimalisme en production musicale : inspirations d’Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley

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Le minimalisme est une approche qui met l’accent sur la simplicité et la réduction du nombre d’éléments musicaux. Cette approche peut être appliquée à de nombreux genres musicaux, mais elle a été particulièrement influente dans le domaine de la musique électronique, où la technologie et la conception sonore peuvent conduire à une complexité écrasante. À la fin des années 90, la techno minimale a connu un essor considérable. C’était une réaction à la musique maximale comme la trance et la hard techno. C’est à ce moment-là que j’ai commencé à faire de la musique, car j’ai ressenti une forte connexion avec la musique minimaliste.

 

Dans cet article, nous allons explorer comment le minimalisme a été utilisé dans la production musicale, en nous inspirant de trois artistes influents : Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley.

 

Le pouvoir du minimalisme

 

L’essence du minimalisme en production musicale réside dans la capacité à créer un environnement sonore focalisé et spacieux. En utilisant moins de sons, les producteurs peuvent créer une atmosphère claire et épurée qui permet à l’auditeur de se concentrer sur les détails de chaque son. Cette approche fonctionne bien dans la musique électronique, où la conception sonore et la texture sont souvent au centre du processus.

 

Les synthétiseurs modulaires et eurorack, en particulier, sont d’excellents outils pour explorer le minimalisme dans la production musicale. Avec leur nombre limité de modules et leur espace restreint (mais aussi leur coût!), ces instruments obligent le producteur à faire preuve de créativité avec moins de ressources. Cette contrainte peut être une grande source d’inspiration, conduisant à des compositions innovantes et originales.

 

L’une des différences les plus importantes entre aujourd’hui et la fin des années 90 est l’accessibilité des outils de production musicale. À l’époque, vous ne pouviez utiliser que les quelques éléments dont vous disposiez, tels qu’une boîte à rythmes et un sampler. Aujourd’hui, nous avons tellement de choses qu’il est difficile de se concentrer sur ce qu’il faut choisir. Le minimalisme commence par l’acceptation totale des limites que l’on doit s’imposer.

 

Des phrases simples et en constante évolution

 

L’un des principaux défis de la production de musique minimaliste est de créer des variations et des développements à partir d’un matériel musical limité. Un exercice judicieux pour développer cette compétence consiste à se concentrer sur la création de phrases simples mais en constante évolution. Ces phrases peuvent être créées en utilisant un nombre limité de notes, de motifs rythmiques ou de textures sonores.

 

Il me plaît aussi de choisir jusqu’à quatre sons différents que j’aime et j’essaie d’en faire un phrasé.

 

Arthur Russell était passé maître dans l’art de créer des phrases évolutives dans sa musique. Son utilisation de la répétition et de la variation subtile a créé un effet hypnotique et envoûtant. Dans son morceau « Lucky Cloud », par exemple, il utilise une simple ligne de basse de quatre notes qui se répète tout au long du morceau, mais il ajoute progressivement des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix, créant ainsi une texture riche et complexe. Il s’appuyait sur la réverbération, les délais et l’utilisation du panoramique pour créer toute la tension et les variations nécessaires pour susciter l’engagement.

Brian Eno est un autre artiste qui a exploré les possibilités de la musique minimaliste. Son approche se caractérise souvent par l’utilisation de textures ambiantes et de drones, créant une atmosphère méditative et introspective. Dans son album « Music for Airports », il utilise un nombre limité d’accords simples et de fragments mélodiques, qu’il superpose pour créer un paysage sonore en constante évolution. Il est connu pour avoir développé des outils génératifs pour créer sa musique. Il laissait les machines lui proposer des idées et sélectionnait ensuite les moments qu’il aimait.

Terry Riley est un pionnier de la musique minimaliste, connu pour son utilisation innovante de la répétition et de l’improvisation. Son morceau « In C » est une œuvre phare de la musique minimaliste, composée de 53 phrases courtes qui peuvent être répétées et combinées de différentes manières, créant ainsi un nombre virtuellement infini de variations.

 

Exercices pour une production musicale minimaliste

 

Voici trois exercices inspirés par Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley pour vous aider à explorer le minimalisme dans votre production musicale :

  1. Exercice Arthur Russell: Créez une simple ligne de basse de quatre notes et ajoutez des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix pour créer une texture riche et complexe. Concentrez-vous sur les réverbérations et les delays, le panning. Défi : utilisez votre voix (oui, faites-le).
  2. Exercice Brian Eno: Créez un paysage sonore ambiant à l’aide d’un nombre limité d’accords et de fragments mélodiques, en les superposant pour créer une texture en constante évolution. Vous pouvez essayer de générer des mélodies à l’échelle d’une tonalité, puis conserver ce que vous aimez. Défi : enregistrer 30 minutes de musique, sans montage.
  3. Exercice Terry Riley: Créez une courte phrase composée de quelques notes ou d’un rythme simple. Répétez et faites varier cette phrase, en ajoutant progressivement des couches de texture et d’improvisation pour créer une composition complexe et évolutive. Défi : Faire face à la répétition ultime et s’y tenir.

 

Outils à votre disposition :

 

Les synthés que j’aime : Il semble que je revienne toujours à Pigments c’est l’un de mes préférés. Il offre de multiples possibilités de modulation, ce qui en fait un outil très polyvalent. Ce que j’aime, c’est partir d’un preset (il y a une boutique dans le plugin!) et le peaufiner ensuite selon ses goûts. Ceux qui sont inclus sont de jolis canevas de départ qui sont en phase avec les genres actuels. Quanta 2 etDiva ont également leur place ici, en raison de la qualité de leur son.

Quand il s’agit de reverbs et de delays, je suis un grand fan de tout ce qui vient de Valhalla. Leur prix est parfait et leur qualité est reconnue par les plus grands producteurs pour une raison bien précise : leur son est incroyable. Sinon, si vous voulez quelque chose de solide, vous pouvez envisager Fabfilter Reverb etNeoverb pour une option plus abordable. J’utilise souvent les deux de mon côté.

Les outils génératifs sont nombreux dans l’environnement Ableton live. Vous pouvez utiliser de simples patchs max comme Snake ouRozzer et utiliser des LFOs qui les font évoluer dans le temps. Sinon, le bon vieux Riffer s’avère utile. Je recommanderais également Alexkid VST Seqund qui est excellent. Sinon, plongez dans VCV.

 

Conclusion

 

Le minimalisme dans la production musicale est un outil puissant pour créer des environnements sonores focalisés et spacieux. En utilisant un nombre limité de sons et d’éléments musicaux, les producteurs peuvent créer des compositions innovantes et originales. En nous inspirant d’Arthur Russell, de Brian Eno et de Terry Riley, nous pouvons explorer les possibilités de la musique minimaliste et développer nos capacités à créer des phrases musicales simples mais en constante évolution.

 

La recherche du succès est un modèle voué à l’échec

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Il y a quelque chose d’assez trompeur à voir les artistes que l’on aime dans leur studio, surtout lorsqu’il y a tout l’équipement dont on peut rêver. D’une part, vous voyez une personne accomplie avec tout cet équipement et vous pensez peut-être que c’est le succès qui a apporté tout cet équipement ou plutôt que c’est l’équipement qui a engendré le succès. D’autre part, vous vous imaginez dans la même situation, où vous rêvez d’être sous les feux de la rampe. Dans les deux cas, vous pouvez imaginer que le succès est au rendez-vous et que le studio est la clé qui vous permettra d’atteindre vos objectifs.

 

La recherche de la perfection revient à courir après un mirage dans le désert. Cela revient à chasser un fantôme, sans savoir si ce fantôme existe vraiment.

 

Dans des articles précédents, j’ai expliqué quelques défis à relever à cet égard et comment travailler avec une défintion de terminé afin d’avoir une meilleure idée de l’endroit où vous vous dirigez.

 

L’industrie de la musique a connu une transformation importante ces dernières années. Avec l’essor des services de diffusion numérique de musique, des médias sociaux et d’autres plateformes numériques, le modèle traditionnel de recherche du succès dans la production musicale est aujourd’hui dépassé. Dans cet article de blogue, nous discuterons des raisons pour lesquelles la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, et nous proposerons des alternatives aux musiciens pour qu’ils puissent s’épanouir dans leur carrière musicale.

 

L’idée fausse du succès

L’une des plus grandes idées fausses dans l’industrie de la musique est la définition du succès. Pour de nombreux musiciens, le succès est synonyme de célébrité, de richesse et de reconnaissance de leur musique. Toutefois, cette définition est réductrice et incomplète. Tous ces éléments ne peuvent être mesurés. Vous pensez peut-être qu’un certain nombre d’adeptes sur un média social vous apportera une certaine forme de succès, mais une fois que vous aurez atteint ce nombre, vous vous rendrez compte que cela ne vous apportera pas de revenus passifs ou de ventes supplémentaires. Vous devez continuer à travailler dur pour en retirer quelque chose, ce qui vous prendra du temps hors de votre studio. Il en va de même pour les ventes. Vous faites peut-être beaucoup de ventes, mais ensuite? Vous rechercherez quelque chose d’autre. Le succès en musique doit être considéré comme un accomplissement personnel, plutôt que comme une validation extérieure. C’est ce que j’appelle souvent le bonheur.

Alan Watts, philosophe britannique, a dit un jour : « Le sens de la vie, c’est simplement d’être en vie. C’est si simple et si évident. Et pourtant, tout le monde se précipite dans une grande panique comme s’il était nécessaire d’atteindre quelque chose qui les dépasse ». Cette citation illustre parfaitement l’importance de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale, plutôt que de rechercher une validation extérieure.

 

Le contexte du succès

Un autre aspect que les musiciens négligent souvent lorsqu’ils courent après le succès est le contexte dans lequel le succès s’est produit. Le succès d’un artiste n’est pas seulement le résultat de son talent, mais aussi le fruit du hasard, de la chance et d’autres facteurs externes. Le film « Searching for Sugarman » raconte l’histoire de Sixto Rodriguez, un musicien qui a été acclamé par la critique en Afrique du Sud dans les années 1970, mais qui est resté inconnu aux États-Unis. Le film souligne l’importance du contexte dans le succès, et la façon dont le succès peut être atteint par des moyens inattendus.

 

Les alternatives à la recherche du succès

Alors, si la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, quelles sont les alternatives? Voici quelques alternatives à envisager :

  1. Se concentrer sur le processus créatif (le voyage)

L’un des meilleurs moyens de s’épanouir dans la production musicale est de se concentrer sur le processus créatif. Plutôt que d’être obsédé par le résultat final, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale. Cette approche vous aidera à rester motivé et inspiré et, en fin de compte, à vivre une expérience musicale plus satisfaisante. Comme c’est plus facile à dire qu’à faire, comment faire? En effet, lorsque l’on se concentre sur le résultat final, on s’agace si quelque chose ne va pas : par exemple, un synthé ne sonne pas comme on l’avait imaginé au départ. Se concentrer sur le processus signifie principalement que vous êtes curieux de la tâche que vous êtes en train d’accomplir et que vous ne recherchez pas la perfection.

CONSEIL : Essayez de consacrer 50 % de vos séances en studio à jammer et à vous amuser plutôt qu’à être productif.

 

  • Développer vos compétences

Un autre moyen de s’épanouir est de se concentrer sur le développement de ses compétences. Plus vous pratiquerez et perfectionnerez votre art, plus vous évoluerez en tant que musicien. Une chose que je dis aux gens, c’est qu’ils apprendront plus en commençant 100 chansons qu’en essayant d’en perfectionner une. Lorsque vous démarrez 100 projets différents, l’objectif est de relever un défi différent à chaque fois. Il peut s’agir d’une nouvelle technique, de l’utilisation d’un nouveau plugin ou d’un son inhabituel. Cela vous apportera non seulement une satisfaction personnelle, mais fera également de vous un musicien plus compétitif et plus compétent dans le secteur.

CONSEIL : Essayez de commencer 100 chansons, puis travaillez-les en alternance.

 

  • Se rapprocher de son public immédiat

L’un des aspects les plus gratifiants de la production musicale est le contact avec le public. L’erreur que commettent la plupart des gens est d’essayer d’atteindre des personnes qui ne s’intéressent pas vraiment. Ce qu’il faut faire, c’est favoriser les personnes proches qui peuvent se sentir concernées, ce que j’appelle (sans mauvais jeu de mots) le cercle des cinq (clin d’œil au cercle des cinquièmes, circle of fifth). Cette approche vous procurera non seulement un sentiment d’accomplissement, mais vous aidera également à construire une carrière musicale durable.

CONSEIL : Engagez-vous à connecter avec 5 personnes et créez une dynamique où chacun peut s’entraider.

 

  • Fixer des objectifs réalistes

S’il est important de se concentrer sur le voyage plutôt que sur la destination, l’établissement d’objectifs réalistes peut vous aider à rester sur la bonne voie et à rester motivé. Plutôt que de vous fixer des objectifs basés sur une validation externe, concentrez-vous sur des objectifs qui ont un sens pour vous et qui correspondent à vos valeurs personnelles. Remettez en question vos objectifs, discutez avec des mentors et des producteurs expérimentés, puis essayez de réduire vos projets au minimum.

Conseil : faites une liste des différents sons que vous aimez ou des chansons que vous écoutez souvent, puis essayez de comprendre ce que vous aimez. Travaillez ensuite à faire de la musique que vous aimez.

 

Conclusion

La recherche du succès dans la production musicale est un modèle dépassé et voué à l’échec. L’industrie musicale s’est considérablement transformée ces dernières années, et le succès ne peut plus être défini par des indicateurs traditionnels tels que les ventes d’albums ou les performances dans les hit-parades. En revanche, les musiciens devraient se concentrer sur la recherche d’un épanouissement personnel dans le processus créatif, le développement de leurs compétences, la connexion avec leur public et l’établissement d’objectifs réalistes.

Comme l’a dit Alan Watts, le sens de la vie est simplement d’être en vie. Il en va de même pour la production musicale. L’aspect le plus important de la production musicale est de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale. Alors, plutôt que de courir après le succès, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale.

 

Méthode pour le classement des projets et fichiers

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Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais il est possible que votre disque dur, après un certain temps, devienne un véritable fouillis. Il y aura des dossiers avec quelques projets dedans, et d’autres dossiers avec des échantillons aléatoires. Sans parler de tous ces projets nommés Nouveau projet…

 

Il existe différentes façons d’organiser vos dossiers et tout votre travail pour y naviguer facilement. La façon dont je classe les projets a aussi pour but d’avoir une vue d’ensemble rapide de celui sur lequel je vais travailler ensuite, des chansons qui devraient aller dans un album, et de ceux qui nécessitent des actions spécifiques.

 

Avant de m’expliquer, parlons des différentes étapes par lesquelles passe un projet et des différentes tâches qui y sont liées.

Remarque : Si vous êtes nouveau sur ce blogue et que vous n’êtes pas familier avec ma technique de production, je vous encourage à lire quelques articles à ce sujet, qui donneront plus de sens à ce que je m’apprête à décrire.

 

Les différentes étaps de la production musicale (et l’étiquetage de vos projets en conséquence)

 

Pour maximiser les résultats, je prends chaque partie de la création musicale et je la désigne comme une phase ou une étape.

 

Les différentes étapes que j’étiquette sont les suivantes :

 

1— Recherche d’idées, concept, test de techniques, recherche d’accroches, etc.

2— Boucle préliminaire faite à partir de l’étape 1 qui pourrait être le cœur de la chanson. Structure de base de la chanson.

3— Arrangements.

4— Mixage.

5— Chanson terminée à 90 % et nécessitant des derniers ajustements mineurs.

 

La raison principale pour laquelle j’accorde une grande priorité à l’état de la chanson est basée sur l’idée que lorsque je veux travailler sur de la musique, je peux me trouver dans un état d’esprit précis. Peut-être qu’un jour je voudrais juste m’amuser en faisant du sound design et une autre fois, je devrais travailler sur un EP et je vérifierais les quelques chansons en incubation. Comme vous le savez peut-être, lorsque je fais de la musique et que je rouvre un projet, je veux savoir rapidement où il en est. En une heure de travail sur la musique, je passe d’une chanson à l’autre, mais j’aime aussi revisiter des projets qui sont restés en dormance pendant des semaines, car ce que je veux, c’est avoir toujours la perspective la plus fraîche sur mon travail. Si vous travaillez sur quelque chose pendant des heures, croyez-moi, à la fin, vous risquez d’avoir perdu toute perspective et votre travail en souffrira.

 

Les étapes 1 et 2 peuvent se chevaucher

 

Je vais vous présenter un de mes cas d’étude pour que nous puissions bien comprendre comment utiliser un projet et son évolution vers une chanson finie. Mais nous allons commencer par les 2 premières étapes.

 

Les projets qui sont au stade 1 sont votre bassin pour pêcher des idées.

Donc l’idée d’un projet au stade 1 est vraiment une question d’idées, pas beaucoup plus que ça. Cela peut être plus si vous le souhaitez, c’est à vous de voir.

 

L’étape 2 est celle où l’on travaille sur une accroche précise ou une idée principale. Il y a de multiples façons de travailler et de trouver des accroches, nous en avons parlé dans des articles précédents.. En général, je dépose une boucle percussive très simple pour définir ce qui sera le rythme de la chanson, son groove, et ses accents, puis je place ce qui serait l’accroche par-dessus. On réfléchit souvent trop à l’accroche. Pourtant, c’est souvent très simple.

 

Habituellement, à l’étape 2, je devrais avoir :

 

  • Une clé de base (tonalité)
  • Une gamme
  • Une accroche, pas plus longue qu’une mesure
  • Un groove rythmique, une signature temporelle

 

Si j’ai tout cela, je sais que le projet est passé à cette nouvelle étape et je le renomme. En général, lorsque je renomme un projet, je m’assure de le sauvegarder et de faire un « tout réunir et sauvegarder » pour m’assurer que je copie tous les fichiers nécessaires dans leur forme précédente. Lorsque vous renommez un projet, il est préférable de faire « Enregistrer le projet sous… » dans le menu Fichier d’Ableton et son étape 1 sera toujours accessible. Vous pourrez décider plus tard si vous archivez le projet original ou si vous le gardez comme incubateur. Habituellement, lorsque je trouve une idée à partir d’un incubateur, je m’assure de sauvegarder les différentes chaînes d’effets en tant que macros afin de pouvoir les réutiliser. Je donne également un code couleur à mes pistes et je les nomme pour pouvoir les récupérer plus tard dans le navigateur de gauche d’Ableton.

 

Cependant, vous pouvez avoir un incubateur au stade 1 qui ne se développera jamais parce que vous pouvez faire muter l’incubateur original au stade 2, il est complètement différent, mais il provient toujours d’un projet parent. Par exemple, j’ai des projets qui sont faits pour créer des sons. Ils n’ont jamais évolué à partir de là et des tonnes de chansons ou même des sets live en sont issus.

 

Les arrangements, l’histoire complète de l’étape 3

 

Je trouve que les arrangements doivent commencer par un travail sur la partie centrale de la chanson, puis déconstruire cette idée jusqu’au début de la chanson. Ainsi, le début de l’étape 3 consisterait à travailler sur la partie centrale, d’une durée d’environ 1 minute.

 

Comme vous pouvez le voir, il s’agit essentiellement de déplacer votre boucle initiale de l’étape 2 et de la faire glisser vers la vue Arrangement, puis de l’étirer. Certaines personnes construisent leur boucle initiale en mode arrangement afin de pouvoir la déplacer du début au milieu. Lorsque je travaille sur des arrangements, j’aime généralement faire un brouillon rapide de la chanson, où je la divise en 3 sections : intro, cœur, outro. Ce brouillon est fait rapidement, parfois en un temps surprenant de 20 minutes seulement. Je reviendrai plus tard avec un regard neuf, j’écouterai depuis le début et réajusterai les arrangements pour qu’ils aient plus de sens.

 

Au stade 3, le mixage n’est pas important. Vous pouvez le niveler pour une écoute agréable, mais je ne m’en soucierais pas trop.

 

Le mixage en tant que 4e étape

 

Pas besoin de beaucoup d’explications ici, mais une chose à préciser est que ce n’est pas quelque chose de rigide non plus. Il se peut que vous remarquiez des problèmes d’arrangement lors du mixage qui vous obligeront à retravailler. Comme je le dis toujours à mes clients, si votre conception sonore et vos arrangements sont solides, il n’y aura pratiquement pas de mixage, ou seulement des retouches.

 

L’étape 5 correspond à votre chanson terminée à 90 %

 

Pour moi, 90 % est ma définition de terminé. Je sais que ça semble bizarre, mais c’est comme ça. Tout d’abord, lorsque vous acceptez qu’une chanson n’est jamais terminée, il est plus facile d’accepter ses imperfections et de passer à autre chose. Deuxièmement, vous voulez amener autant de chansons que possible à 90 % parce que le jour où vous voulez sortir un album ou EP, vous prendrez celles-là et les emballerez toutes d’un coup pour les amener à 100 %. Cela peut sembler déroutant, mais laisser vos chansons dormir à 90 % et emballer plusieurs chansons à la fois signifie que la dernière ligne droite pour toutes les chansons vous donne une chance de les unifier pour les rendre cohérentes en tant que sortie.

 

Alors quelle est la différence entre les étapes 4 et 5?

 

Eh bien, c’est un peu quand vous avez fini l’arrangement que vous passez à l’étape 5. Cela ressemble à : j’en ai fini avec celui-là. De temps en temps, je peux rouvrir l’étape 5 pour faire une petite mise au point, mais pour moi, quand on arrive à l’étape 5, ça veut dire que c’est prêt.

 

En conclusion

 

Lorsque j’ouvre mon dossier avec tous mes projets, je verrai des projets allant de 1 à 5, tous les morceaux étant dans l’ordre. Avec le navigateur de fichiers, je peux aussi les classer de 5 à 1. J’aime bien pouvoir mettre des tags dans mac OS. Cela peut être pour le genre, si c’est signé, ou tout ce qui peut être utile.

Photo par Amy Shamblen sur Unsplash

Les meilleurs égaliseurs pour la musique électronique

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Les gens me demandent souvent quel est mon égaliseur (EQ) préféré pour la musique électronique, et ma réponse est que cela dépend de leur objectif, ainsi que de leur niveau de compétence. Cependant, les EQ que j’aime pour la musique électronique répondent généralement à un certain nombre de critères. Tous les égaliseurs présentés dans cet article ne répondent pas à tous ces critères, mais voici une liste non exhaustive de ce que j’aime voir lorsque j’en achète un nouveau.

Gardez à l’esprit que tous les EQ sont, à la base, de simples filtres, mais certains vont encore plus loin. Les réglages des égaliseurs pour la musique électronique varient en fonction des timbres et des styles, mais chacun de ces éléments fonctionnera de manière universelle pour la musique électronique.

 

CRITÈRES

  1. Ils ont des aperçus du groupe que vous pouvez mettre en solo (vous pouvez appuyer sur le bouton et entendre le groupe seul). Cela vous permet d’entendre les choses de manière plus spécifique.
  2. Le plug-in doit être capable de faire du suréchantillonnage.
  3. Le plug-in doit pouvoir mettre en solo le filtre (bande d’égalisation).
  4. L’égaliseur doit disposer d’un mode mid et side (mode M/S)..
  5. L’égaliseur peut passer d’une approche numérique à une approche analogique. Un égaliseur numérique est très propre, tandis qu’un égaliseur analogique est un peu plus organique et moins précis.
  6. L’égaliseur peut être dynamique. 
  7. Bien que tous n’aient pas cette fonctionnalité, il est intéressant qu’un égaliseur dispose d’un piano roll, afin que vous puissiez voir comment les fréquences sont quantifiées par rapport aux notes (c’est un bon moyen de voir si une note peut s’insérer dans la piste).

 

Fabfilter Pro-Q 3

A picture of one of the best equalizers for electronic music, in my opinion, the Fabfilter Pro Q 3

Le premier sur la liste est le Fabfilter ProQ 3 : un égaliseur abordable et facile à utiliser qui répond à la plupart des critères que je recherche. Il est polyvalent, c’est-à-dire qu’il peut être utilisé aussi bien en mastering qu’en mixage. En plus d’un fonctionnement en phase linéaire de pointe et de la possibilité d’obtenir des lectures sans latence sur votre égaliseur, vous disposez de modes de phase naturelle, d’un traitement mid/side et d’un tas d’autres options intuitives.

 

Une astuce sur le Pro-Q 3

 

L’une de mes fonctions préférées est que si vous avez le ProQ 3 sur plusieurs pistes ou bus, il peut communiquer avec les ProQ 3 sur les autres et vous indiquer s’il y a des conflits de fréquences.

Ensuite, avec le traitement latéral (sidechain), vous pouvez facilement atténuer des fréquences précises, et vous pouvez même mettre ces fréquences en solo pour entendre exactement comment le sidechain affecte la relation entre tous les sons individuels. Parfois, vous n’avez même pas besoin d’un sidechain, et vous pouvez simplement saisir la courbe et baisser la fréquence conflictuelle.

Une autre astuce avec le Fabfilter ProQ 3 est que vous pouvez l’utiliser pour diviser la stéréo, et modifier la même fréquence à différents niveaux d’amplitude sur la stéréo. Par exemple, il arrive que dans un enregistrement vous ayez un son qui se mélange bien sur le panoramique droit, et ne se mélange pas parfaitement sur le gauche, mais devrait être un peu présent sur le panoramique gauche afin de remplir le champ stéréo.

Avec le ProQ 3, vous pouvez laisser le niveau du canal droit tel quel, et sur le canal gauche, modifier l’amplitude afin de s’adapter aux fréquences avec lesquelles il rentre en conflit.

Toutes ces raisons expliquent pourquoi il s’agit d’un égaliseur privilégié pour la musique électronique. Il produit parmi les meilleurs réglages d’égaliseur pour les basses, les médiums et les aigus dans tous les genres.

 

Wavefactory Trackspacer

A photo of Wavefactory's trackspacer, which allows you to have some of the best equalizer settings for electronic music without the hassle.

Il ne s’agit pas nécessairement d’un égaliseur, mais si vous êtes familier avec le Trackspacer de Wavefactory, vous comprendrez pourquoi il a sa place dans cette liste. En fait, il utilise une formule mathématique pour déterminer automatiquement où se trouvent les fréquences conflictuelles entre deux pistes, puis il applique une compression latérale précise aux parties qu’il est nécessaire de compresser pour qu’elles se fondent mieux.

Vous pouvez même appliquer un filtre passe-bas ou passe-haut à chaque extrémité du spectre de fréquences pour isoler la partie des sons que vous souhaitez compresser. Il est ridiculement facile à utiliser.

 

HornetVST Total EQ

a photo of HornetVST's Total EQ. It's one of my favorite equalizers for electronic music.

Tout le monde n’a pas l’argent nécessaire pour investir dans des VST. Cependant, HornetVST fabrique des VST qui sont ridiculement bon marché, et ils font souvent des rabais, donc vous pouvez obtenir des plug-ins décents pour 5 dollars.

Le HornetVST Total EQ est similaire à ProQ 3, sonne vraiment bien, et est facile à utiliser. Personnellement, je pense qu’il est meilleur que l’égaliseur de base d’Ableton parce que vous avez une équipe qui travaille spécifiquement sur le développement du meilleur égaliseur pour la musique électronique (ou toute autre musique d’ailleurs).

Bien qu’il ne dispose pas de tous les gadgets et détails que possède le ProQ 3, il demeure excellent. Par exemple, il dispose de 12 bandes, d’un analyseur de spectre en temps réel, de 17 types de filtres différents pour chaque bande, d’une réponse analogique individuelle et d’une émulation pour chaque bande, d’un solo de bande (comme dans le ProQ 3), d’un mono/stéréo pour chaque bande et d’un tas d’autres fonctions.

 

Melda Productions – MAutoEQ

Image of one of my favorite equalizers for electronic music - the Melda Productions - MAuto EQ

Ce qui rend cet EQ spécial, c’est la technologie MeldaProduction Filter Adaption (MFA) qui utilise une formule pour analyser votre enregistrement et faire des suggestions basées sur votre enregistrement, un autre enregistrement, ou même un spectre que vous pouvez « dessiner » dans l’interface. C’est un peu le Photoshop des égaliseurs, d’une certaine manière. Il peut également être utilisé de manière intensive pour le mixage et le mastering.

MAutoEqualizer peut placer une piste dans un mixage en utilisant la fonction de séparation spectrale, où vous pouvez, comme dans Photoshop, dessiner votre réponse en fréquence préférée. La technologie de MAutoEqualizer recherchera les meilleurs réglages et modifiera les bandes de l’égaliseur paramétrique pour les adapter au mieux.

Avec un égaliseur normal, vous écoutez le spectre, puis vous augmentez ou diminuez l’amplitude de la bande pour l’adapter à ce que vous pensez être le niveau correct, ce qui peut être une corvée. Avec MAutoEqualizer, vos oreilles peuvent se reposer en réglant les choses à des niveaux basés sur ses prédéterminations algorithmiques.

De plus, si vous êtes allergique à la résonance dans votre son, cet égaliseur est fait pour vous. L’une des choses qu’il fait le mieux est d’analyser le signal entrant, où il trouve ensuite des résonances auxquelles il peut appliquer des suggestions de filtrage. Ensuite, avec le bouton dry/wet, vous pouvez déterminer le degré de résonance que vous souhaitez dans les zones qu’il a repérées. C’est vraiment simple, et c’est un des meilleurs égaliseurs pour la musique électronique.



Brainworks’ BX3

A photo of the Brainworks’ BX3, which produces some of the best equalizer settings for electronic music.

Un égaliseur de mastering et de mixage que je recommande est le BX3 de Brainworks. C’est un égaliseur extrêmement puissant et chirurgical que j’utilise beaucoup. Il peut créer de l’espace, nettoyer et vraiment polir les choses. Cet égaliseur n’est pas conçu pour ajouter de la couleur ou du caractère aux mixages, mais plutôt pour s’assurer que tout sonne aussi clair et net que possible. Il est un peu difficile à utiliser si vous n’êtes pas très familier avec le mixage et le mastering, mais il est extrêmement puissant, ce qui en fait un des meilleurs égaliseurs pour la musique électronique.

La fonction Auto Listen de cet égaliseur règle automatiquement les commandes de gain et de Q (résonance) de chaque bande en fonction de leurs réglages respectifs, tout en faisant de même avec le contrôleur de fréquence du canal. En réglant le Gain, le Q et la Fréquence sur un canal individuel (L ou R), la fonction Auto Solo bascule l’écoute sur ce canal.

Vos réglages sont illustrés par des graphiques de réponse en fréquence distincts pour chaque canal. Grâce à cette fonction, vous remarquerez que vos ajustements seront plus visibles et audibles que jamais, car elle permet d’effectuer parmi les meilleurs réglages d’égaliseur pour la musique électronique.

 

Brainworks’ AMEK200

photo of one of my favorite analog emulated EQ's for music, the Brainworks’ AMEK200.

Mon égaliseur d’émulation analogique préféré est l’AMEK200 de Brainworks. Il est modelé d’après les égaliseurs de mastering classiques des années 70 et 80, comme le GML 8200 et les égaliseurs vintage SONTEC, mais avec quelques améliorations spécifiques au plug-in, comme les fonctions Auto-Listen, les filtres passe-haut et passe-bas variables, et le traitement M/S.

Toutes ces caractéristiques permettent d’obtenir un mixage transparent qui offre une très belle finition. Notez que l’AMEK200 n’a pas de lecture spectrale, juste des boutons que vous tournez, ce qui est bon pour apprendre à faire confiance à vos oreilles.

 

Finalement, quel est mon égaliseur préféré pour la musique électronique?

Il n’y en a pas un en particulier. Tous ces plug-ins permettent d’obtenir les meilleurs réglages d’égaliseur pour la musique, qu’il s’agisse de house minimale, de techno, de jazz, de rock, de hip-hop ou de k-pop. Ils permettent tous les meilleurs réglages d’égaliseur pour des basses ondulantes ou des médiums envoûtants, tout dépend de votre niveau d’expérience et de votre désir d’apprendre et d’expérimenter.

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Le paradoxe de signer une musique originale

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Signer une musique originale peut s’avérer difficile si l’artiste est vraiment très original. Récemment, le producteur de techno et propriétaire de label Ramon Tapia a déploré qu’après avoir passé la journée à écouter des démos, « les jeunes aspirants producteurs créent tous des morceaux à peu près identiques. » Pourtant, quand on écoute son label, Say What? Recordings, on se rend compte que tous ses morceaux se ressemblent.

Vous avez donc ce producteur bien connu qui insiste sur le fait que tout ce qu’il reçoit sonne de la même façon, mais quand vous écoutez les sorties de Say What?, les morceaux sonnent presque tous pareil. Donc, naturellement, après que les gens aient écouté son label, ils vont lui envoyer une représentation assez précise de ce qu’ils pensent avoir sa place sur le label, et donc tout ce qu’il reçoit sonnera, plus ou moins, de la même façon. Ceci, mes amis, est ce qu’on appelle un paradoxe. Cependant, il n’est pas le seul dans ce cas. L’industrie est ainsi faite.

 

Catégorisation = Homogénéisation 

De nombreux artistes ont du mal à concilier leur intégrité artistique et la possibilité de faire entendre leur musique. Et tout comme les artistes, les labels qui les signent sont confrontés à cette énigme. De nombreux labels aimeraient pouvoir laisser briller l’intégrité artistique, mais en fin de compte, ils doivent faire des ventes et, honnêtement, la plupart des gens, même les hipsters de la musique, sont assez fermés aux nouveaux sons.

De plus, pour le meilleur ou pour le pire, nous vivons à une époque où le son s’est homogénéisé en un tas de genres et de sous-genres, et où le temps s’est figé (la nostalgie est forte en 2021). Il semble que cela devait à l’origine faciliter la création d’une taxonomie de la musique, et donc ouvrir plus de possibilités aux artistes pour créer des sons plus originaux et uniques, mais à bien des égards, cela a fait le contraire.

Alors qu’à l’époque, tout était considéré comme de la « musique de rave », aujourd’hui, tout a sa propre petite maison, et tout ce qui s’en écarte devient trop différent pour être stratifié, ou se voit simplement attribuer l’étiquette omniprésente d’« expérimental », qui est souvent un signal d’alarme pour « inaccessible ». C’est pourquoi il peut être difficile de signer une musique originale.

Comment cela a rendu difficile de signer une musique unique

Il est donc difficile pour les personnes qui créent de la musique axée sur l’art de trouver un foyer. Bien sûr, certains labels sont plus ouverts d’esprit que d’autres, mais ils sont très peu nombreux. La plupart des labels ont un son et s’y tiennent, car ils savent qu’il se vendra sur leur marché. 

Cependant, de temps en temps, on voit un des responsables de label, comme Ramon, déclarer que toutes les chansons qu’on leur envoie ont toutes le même son, sans se rendre compte qu’ils ont créé leur propre problème en « créant un son ». 

Bien que nous soyons les instigateurs d’un son, Archipel (mon label) fait les choses un peu différemment. C’est pourquoi, dans cet article de blogue, je voulais aborder la façon dont nous équilibrons l’originalité et les possibilités de commercialisation.

Comment la musique est-elle vendue et consommée?

Tout d’abord, parlons de la quantité de musique écoutée et vendue. Il y a trois sphères : les gens qui font de la musique, ceux qui écoutent de la musique et le pont qui relie les deux. Ce pont, ce sont soit les labels, soit les canaux tels que les blogues, les chaînes YouTube et les listes de lecture Spotify.

Cependant, en raison de l’ère algorithmique dans laquelle nous vivons, pour que beaucoup de ces chaînes se développent, elles doivent maintenir l’intérêt des auditeurs, et le fait regrettable est que la plupart des auditeurs ne sont pas très intéressés par la musique nouvelle. Bien sûr, ils peuvent être intéressés par la nouvelle musique dans un genre particulier, mais tout ce qui remet en question ce genre peut pousser l’utilisateur à passer à la chanson suivante. Et chaque fois que vous êtes ignoré, vous êtes dévalorisé dans l’algorithme. Les créateurs de contenu le savent, ils ont donc tout intérêt à ce que les choses restent prévisibles et à se méfier de ceux qui sortent de la musique originale.

a picture of how culture matters while releasing original music

Votre culture est importante

Une autre façon dont les gens consomment la musique est la culture dans laquelle ils vivent. Si elle encourage les gens à être ouverts à de nouveaux sons, alors ils peuvent en découvrir de nouveaux.

Un bon exemple de cela est Montréal, d’où je viens. Nous avons une tonne de musiciens uniques et avant-gardistes qui ne ressemblent à personne d’autre et qui sortent de la musique originale. De bons exemples sont Tim Hecker, Godspeed You! Black Emperor, Arcade Fire, Grimes, Kaytranada et Leonard Cohen.

Bien sûr, il y a des dizaines de musiciens qui ressemblent à Arcade Fire et Leonard Cohen, mais à l’époque où ils ont commencé à sortir une musique originale, ces sons étaient frais et exaltants. Et cette innovation n’était possible que grâce à la culture dans laquelle ils évoluaient. Malheureusement, la plupart des endroits ne sont pas comme Montréal.

Ne négligez pas les petites cultures

En parlant de culture, même si vous ne vivez pas dans un endroit aussi ouvert d’esprit que Montréal, il existe très probablement de petits cercles où vous pouvez vous permettre de sortir une musique originale et de la jouer devant une foule réceptive. Il existe une perception selon laquelle, pour apprécier la musique, il faut en quelque sorte faire partie de la foule mainstream qui la représente. C’est généralement irréaliste pour la plupart des gens, c’est pourquoi je recommande toujours de trouver environ cinq personnes qui peuvent devenir des ambassadeurs de votre musique. Ils en parleront à d’autres, et on ne sait jamais quelles opportunités cela ouvrira, ou quelles autres sous-cultures auxquelles ils appartiennent et dans lesquelles votre son s’inscrit.

a photo of a guy preparing for releasing original music


La culture du label est importante pour signer de la musique originale

J’ai beaucoup écrit à ce sujet, mais une autre chose à propos d’Archipel est que ce n’est pas parce que votre son peut convenir que vous serez signé. En effet, si un label a pour but de créer un portrait sonore, il s’agit également d’une question d’adéquation culturelle, comme la plupart des autres entreprises.

Pensez-y, vous êtes un développeur de logiciels qui postule pour un emploi. Vous avez toutes les qualifications requises, et pouvez coder comme les meilleurs. Cependant, il en va de même pour tous les autres candidats qui se trouvent dans la même série d’entretiens que vous. Alors qu’est-ce qui vous sépare d’eux? Votre personnalité. C’est pourquoi nous ne signons généralement que les personnes avec lesquelles nous avons une relation personnelle ou celles qui se présentent comme culturellement pertinentes.

Par conséquent, avant d’essayer de signer avec Archipel, il est préférable de nous parler un peu. Vous pourriez nous contacter pour du mixing et mastering. Interagissez avec nos articles. Parlez à nos artistes. Mais si vous ne voulez pas faire tout cela, alors, pour l’amour de Dieu, ne vous contentez pas d’envoyer un lien par courriel. Cela s’est produit constamment au cours des dix dernières années, et c’est une perte de temps. Au lieu de cela, écrivez quelque chose sur la façon dont vous seriez un bon candidat et montrez que vous avez fait vos devoirs, comme pour tout entretien d’embauche. Cette attitude se traduira par un taux d’acceptation plus élevé auprès d’autres labels également, même si votre son ne correspond pas forcément.

Les bons labels signent une musique originale dans le cadre d’un récit

Il y a quelque temps, j’étais en train de faire le mastering de la sortie d’un artiste, et j’ai pensé qu’il conviendrait au label. Je l’ai donc contacté pour lui demander s’il voulait le signer. Sa réponse se situait entre la flatterie et le choc. Il était flatté que je pense qu’il devrait figurer sur le label, mais en même temps, il ne pensait pas que cela conviendrait. C’est parce qu’avec Archipel, j’aborde le label comme un album, ou un mix de DJ, où la prochaine sortie est une chanson qui sert de passerelle à la suivante.

Je vois le tout comme un récit, d’une certaine manière. Et cela signifie que même si une chanson avait fonctionné dans le passé sur le label, à ce moment précis ce n’a pas été le cas, à cause de l’histoire élaborée.

Cependant, la sortie de ce type, même si elle n’avait pas eu de sens dans le passé, a eu un sens parfait ici.

La morale de cette histoire est que si vous voulez vraiment être sur un label, et que ce label sélectionne de nombreux genres différents, ne vous inquiétez pas de savoir si votre album sera adapté ou non — envoyez-le simplement. On ne sait jamais vraiment quelles sont les intentions du directeur artistique. Cependant, si vous voulez envoyer de la musique à un label comme Say What? Recordings qui sort presque exclusivement de la techno à 130+ BPM, il n’est probablement pas judicieux de leur envoyer votre morceau d’ambient.

En Conclusion

Les labels sont une chose délicate si vous prévoyez de signer une musique originale. Si elle est trop semblable à tout le reste, elle sera ignorée. Si elle est trop différente de tout le reste, elle sera ignorée. Même si vous trouvez le juste milieu, il y a de fortes chances qu’elle soit également ignorée, puisque vous n’avez pas de relation avec le label. Par conséquent, il est préférable de cultiver les relations et de rejoindre une culture qui vous acceptera tel que vous êtes. N’oubliez pas qu’à un moment donné, tous les genres étaient vraiment originaux. Il fallait juste qu’un diffuseur ait la confiance nécessaire pour le signer sur le marché. Peut-être qu’il serait temps pour les diffuseurs d’avoir plus de confiance?