Outils MIDI d’Ableton et optimisation du flux de travail

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Quel que soit votre niveau de maîtrise d’Ableton Live, vous avez peut-être déjà vu des tutoriels avancés sur YouTube et vous vous êtes demandé s’ils étaient faits pour vous. Bien que je couvre certaines des techniques avancées que j’utilise ci-dessous, je souhaite introduire le sujet de ce que sont les techniques avancées et pourquoi vous aimeriez les utiliser. C’est une chose de s’y intéresser, mais parfois, la simplicité peut être encore plus puissante que quelque chose d’avancé et de compliqué, à moins que vous ne vouliez faire quelque chose de compliqué. Lorsque mes étudiants me posent des questions sur les techniques avancées, nous nous retrouvons toujours dans une conversation sur ce qui est avancé en premier lieu ou sur les raisons pour lesquelles on voudrait utiliser ces techniques. Nous parlons de musique ambiante, d’IDM, d’EDM ou de musique qui semble avancée. Le fait est que les techniques sont toujours divisées en catégories, et c’est là que tout commence.

  • Performance en live.
  • Arrangements.
  • Conception sonore
  • Mixage.

Alors que la production musicale est une série non linéaire de phases qui se succèdent, vous utilisez d’abord une technique pour reproduire un effet/son spécifique ou résoudre un problème. Pour savoir quelle technique vous voulez ou devez utiliser, vous devez d’abord être capable de nommer le problème auquel vous êtes confronté. Cela peut s’avérer difficile car, parfois, nous ne savons même pas que nous avons un problème.

 

L’apprentissage circulaire plutôt que linéaire

 

L’un des problèmes que rencontrent de nombreux étudiants qui travaillent avec moi dans le cadre de l’apprentissage traditionnel ou des cours en ligne est qu’ils utilisent une approche linéaire de l’enseignement et un partage monodirectionnel des leçons. L’approche linéaire s’apparente à la cuisine, où l’on suit les étapes du mode d’emploi et où l’on obtient un résultat à la fin. Dans le domaine de la musique électronique, les expériences ressemblent davantage à un arbre de possibilités qu’à un résultat unique. Imaginez un arbre comme une entité aux racines multiples fusionnant en un noyau et se développant en de multiples branches. C’est la même chose avec la musique : vos racines proviennent de différents espaces, et votre avenir devrait s’orienter vers une large expansion des possibilités plutôt que vers un endroit unidirectionnel. Les leçons monodirectionnelles signifient que vous recevez des informations et que vous les appliquez ensuite. Je ne crois pas tellement à cette méthode parce que je suis curieux et que j’ai toujours envie d’en savoir plus. La curiosité est l’un des traits les plus importants pour apprendre la musique électronique. Je préfère une méthode bidirectionnelle, ce qui signifie que j’apprends à connaître l’élève, ses origines, sa façon d’apprendre et ses objectifs. L’approche que nous utilisons est circulaire lorsqu’il s’agit d’apprendre, et il s’agit principalement de comprendre les obstacles et d’utiliser des stratégies pour les surmonter. Cela conduira à l’exploration de techniques.

Notes d’un cours particulier que j’ai donné. Travailler, apprendre dans un mouvement circulaire.

Comme vous pouvez le constater, nous commençons par maintenir l’élève dans un état de fluidité, mais lorsqu’il rencontre un obstacle, nous disposons d’une stratégie pour trouver des solutions dans le cadre d’une approche. Voyons maintenant comment certaines techniques vont fonctionner pour eux.

Résolution et correction des problèmes

 

C’est une chose de rencontrer des difficultés techniques, mais c’en est une autre d’être confronté à des limitations techniques. Parfois, on ne sait pas qu’on ne sait pas qu’il y a un problème, et c’est délicat. Dans l’enseignement, transmettre toutes les connaissances à un élève ne s’est jamais avéré efficace. L’une des meilleures façons d’apprendre est de commencer à créer une chanson, une miniature ou une petite expérience en live. Lorsque Live est arrivé en 2024 avec une nouvelle version (12), l’une des premières choses qui a attiré mon attention a été l’évolution de toute la section midi avec l’implémentation directe des patchs max dans les propriétés du clip. Peu de temps après la sortie de la nouvelle version, deux développeurs ont proposé une série d’outils avancés, et je vais expliquer ci-dessous certains des problèmes potentiels qu’ils couvrent.

 

MIDI Tools de Phillip Meyer

La première qui a piqué ma curiosité est la collection MIDI Tools de Phillip. Comme son nom l’indique, il s’agit d’une collection d’outils MIDI divisée en deux catégories. Les catégories sont nouvelles dans Live 12. Elles consistent en des conteneurs qui transforment les signaux ou créent de nouvelles idées. Cette approche est similaire à celle des synthés modulaires, où vous avez des sources et des modificateurs. Elle n’est donc pas étrangère à ceux qui viennent de ce monde. C’était déjà le cas dans la version 11, mais ce n’était pas expliqué de cette manière. D’une certaine manière, la nouvelle version de Live revient à ses racines : jouer en live. Les outils proposés par Meyer sont nombreux. Les voici et ce qu’ils font.

 

Blocks

Blocks

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Principalement utilisé pour la génération de rythmes. Créer des motifs anormaux d’une manière inhabituelle. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Briser ses habitudes de percussion, créer des breakbeats ou des rythmes étranges. Utile pour briser le syndrome de la page blanche. Je pense que celui-ci est mon préféré. Vous dites combien de temps ou de notes vous voulez et vous jouez avec les curseurs. En fonction de la position donnée, les notes seront placées proportionnellement. Il ne s’agit pas d’un séquençage euclidien, mais d’une logique propre.

 

 

 

Phase Pattern

Catégorie : Générateur Ce qu’il fait : Crée des séquences de façon logarithmique. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut créer un effet de balle rebondissante, ce qui signifie que les rythmes peuvent prendre de la vitesse ou changer à mi-chemin. C’est utile pour les pauses, les transitions, les effets et les roulements. Celui-ci est amusant. C’est un bon moyen de créer des motifs élastiques où les choses s’accélèrent, et cela peut aussi être un moyen de changer de rythme au cours d’un morceau.

 

 

 

 

 

Turing Machine

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Émule ce que fait la machine de Turing dans le monde modulaire. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver de nouvelles mélodies et de nouveaux motifs. Il est excellent pour briser le syndrome de la page blanche ou pour fournir des idées complémentaires. Si vous ne savez pas ce que fait la machine de Turing, je vous encourage à consulter le site suivant. Il s’agit d’un système inventé par Allan Turing pendant la Seconde Guerre mondiale pour décrypter les codes nazis. Aujourd’hui, nous pouvons l’utiliser pour générer des séquences, des mélodies ou des motifs.

 

 

 

Polyrhythm

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Crée plusieurs motifs à la fois. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Créer des séquences complexes, percussives ou mélodiques. Si vous n’êtes pas familier avec les polyrythmies, je vous encourage à y jeter un coup d’œil. En gros, les polyrythmies sont un moyen de programmer des motifs qui ne sont pas de la même longueur, ce qui rend la séquence non linéaire et ne tombe pas toujours dans la même boucle. Cela peut avoir un effet hypnotique et dérouter les gens sur le point de départ et d’arrivée d’une idée, comme c’est le cas dans les percussions africaines. Ce générateur utilise des algorithmes euclidiens pour créer ses séquences.

 

 

 

 

Condition

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une idée et peut proposer des alternatives sous certaines conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver différentes variations pour une séquence. Pourquoi se contenter d’une idée quand on peut avoir un nombre illimité d’alternatives et choisir la meilleure pour ses arrangements? C’est exactement ce que fait ce transformateur.

 

 

Develop

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Semblable à Condition, mais lié au temps. Il prend une idée initiale, la développe et l’estompe progressivement. Il s’agit d’un outil intelligent d’amélioration des notes. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut s’agir d’un bon moyen de développer une idée de manière inattendue. Celui-ci est similaire aux conditions. Il fonctionne bien dans la section Arrangement, où vous prenez une idée et voyez ensuite plusieurs idées évoluer à partir d’une idée initiale. Il ne s’agit pas d’une condition, mais plutôt d’un moyen de faire évoluer une idée.

 

Divs

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une note et la subdivise. Problèmes qu’il peut résoudre : il ne résout pas de problème, mais il permet de faire du cliquetis à partir de n’importe quoi. Cette technique est très populaire dans le Trap ces derniers temps. Elle est conçue comme un compagnon de l’outil Blocks.

 

 

Draw

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Donne une mélodie ou de la vie à un motif de différentes manières. Ce qu’il peut vous aider à faire : Transformer une séquence que vous avez générée en mélodie. Vous pouvez facilement dessiner la hauteur ou d’autres caractéristiques et voir comment cela se passe. C’est un moyen spontané de créer des mélodies et de transformer des motifs rapides en quelque chose d’autre, en leur donnant automatiquement une seconde vie.

 

 

 

 

 

 

Pattern Transform

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et, selon certaines règles, réviser les mélodies et prendre des décisions à votre place. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? De légères modifications à une accroche peuvent vous aider à créer des alternatives pour d’autres sections de votre chanson. Considérez-le comme un assistant de prise de décision basé sur des conditions.

 

Segments

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Subdiviser une note, mais en fonction de conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Similaire à Divs mais avec une approche similaire à Condition. Idéal pour les motifs micro glitch IDM complexes.

 

 

Feel

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : C’est un humanizer. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Rompre avec une séquence robotique et rigide et l’animer d’un swing et d’un sentiment humain.

 

 

Shift

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et le modifier, que ce soit au niveau de la hauteur, de la durée, de la vélocité, etc. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Utile pour avoir des variations sur une séquence ou pour tester la modification de ses caractéristiques à travers une boucle.

 

 

 

 

 

Ces outils constituent ce que j’appellerais une bonne sélection d’outils de déblocage. Ils ne sont pas basiques, mais tout le monde peut les utiliser et, avec un peu de patience, ils peuvent fournir des idées solides ou aider à avancer vers des variantes. Je dirais qu’ils font partie de mes indispensables.

L’éthique du travail de Basquiat

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À une époque où peu de gens faisaient de la musique électronique avant que cet art ne se démocratise, il était difficile de rencontrer des gens qui faisaient de la musique, car peu de gens avaient la possibilité d’en produire. On rencontrait quelqu’un qui produisait de la musique, et on avait l’impression d’avoir beaucoup de choses à se dire parce qu’il avait peut-être le même matériel ou la même installation, et on espérait donc pouvoir partager des idées. Aujourd’hui, les logiciels facilitent la production de musique. Grâce à l’IA, les gens peuvent sauter le processus de création et avoir de la musique adaptée à leur imagination. Je constate que les producteurs plus anciens sont blasés par la nouvelle génération. Comme l’a dit un ami et collègue musicien :

Faire de la musique ne vous rend plus spécial. Tout le monde peut le faire.

 

Parallèlement, les étudiants m’ont demandé comment ils pouvaient élever leur art au-dessus de celui de l’amateur moyen. Pour répondre à cette question, je me suis penché sur le cas de Jean-Michel Basquiat.

 

Basquiat, un artiste urbain

 

Basquiat était connu pour sa production prolifique et son style artistique unique, combinant l’art de la rue, les graffitis et les éléments des beaux-arts. Malgré sa courte vie, Basquiat a créé un vaste corpus d’œuvres qui continuent d’influencer l’art contemporain.

L’un des aspects de l’éthique de travail de Basquiat était son dévouement sans faille à son métier. Il était connu pour passer d’innombrables heures dans son studio, travaillant souvent tard dans la nuit ou tôt le matin. Une profonde passion pour l’expression et la créativité était à l’origine de cet engagement envers son art.

L’éthique de travail de Basquiat reflétait également sa concentration et sa détermination intenses. Il abordait chaque œuvre dans l’urgence, canalisant son énergie dans des coups de pinceau spontanés et expressifs. Cette intensité lui permettait de capturer des émotions et des idées brutes sur la toile, ce qui se traduisait par des œuvres d’art visuellement frappantes et intellectuellement stimulantes.

 

Tout en étant prolifique, il s’est fait un nom auquel nous nous référons encore aujourd’hui. Si vous analysez son œuvre, vous verrez qu’il a utilisé de multiples moyens pour se faire un nom qui peuvent être appliqués à la création musicale. Examinons les points qui lui ont permis d’atteindre le statut qu’il s’est forgé.

 

Matière première

 

Dans la vidéo, le narrateur raconte comment Basquiat a trouvé un livre qui lui a servi de base d’inspiration. Basquiat utilise une collection d’icônes, de logos et d’images sur une page spécifique dans un grand nombre de ses œuvres. C’était son vocabulaire, et c’est aussi devenu son moteur. Si ses œuvres s’articulaient autour d’un thème, on verrait ces mêmes icônes omniprésentes. C’est une façon d’avoir toujours une collection d’idées répétitives qui, d’une certaine manière, a établi sa marque.

 

La façon dont j’enseigne la musique n’est pas très éloignée de cette approche. J’encourage tous les artistes avec lesquels je travaille à se constituer un ensemble de références et à consacrer beaucoup de temps à la recherche de samples qui suscitent l’enthousiasme. Des services tels que Splice proposent de nombreux articles, tels que des échantillons, des générateurs d’esquisses IA, des plugins et d’autres outils. Par rapport au jazz, la musique électronique doit choisir parmi un trop grand nombre de sons, et il est facile de se perdre dans le choix du son à utiliser pour créer une nouvelle chanson. Votre matière première peut être divisée en deux catégories principales :

  • Sons repères. Ce sont des sons que vous utilisez par défaut dans toutes vos idées initiales. À l’époque, les gens n’avaient d’argent que pour acheter une 909 ou une 303, et c’était le son qu’ils utilisaient de facto. Comme nous avons maintenant accès à tout, il est utile d’avoir un modèle de sons que vous utilisez comme point de départ, et que vous pouvez échanger par la suite.
  • Identity. These are more about representing you. Some artists have identity sounds that you can immediately recognize in the first minute of listening to their song. These can be a selection of sounds, presets, or specific effects.

 

Très souvent, les gens achètent du matériel ou des synthés logiciels au hasard. Il est assez pratique d’utiliser une démo pour le tester. Mais si vous utilisez des samples, ils sont souvent étiquetés avec le nom du synthé utilisé pour les créer. Il est également possible de faire de la rétro-ingénierie. Si vous avez l’impression que les samples ne vous conviennent pas, rappelez-vous que tout a été samplé d’une manière ou d’une autre. Le fait d’avoir des échantillons de qualité forme vos oreilles à ce qu’est la qualité. C’est essentiel pour l’apprentissage de la conception sonore. Si vous lisez ce blogue, ces concepts ont été abordés à de nombreuses reprises.

 

Voler comme un artiste

 

À un moment de la vidéo, Basquiat explique d’où viennent certaines citations qu’il a écrites et qui sont tirées de livres ou de films. Certaines images sont inspirées d’œuvres d’art qu’il a vues. Il ne les a pas copiées, il les a volées dans un contexte et les a introduites dans son monde.

(L’art) est une question de goût. Vous voulez essentiellement vous exposer à ce que les humains ont fait de mieux et l’appliquer à ce que vous faites. Steve Jobs

C’est vrai pour beaucoup de choses. Pour cuisiner des plats savoureux, il faut manger des plats exceptionnels. Il en va de même pour les sons. Je me sens souvent plus à l’aise avec l’idée que je suis un collectionneur qu’un musicien. Ma musique est une collection d’idées que j’aime et qui proviennent de sources aléatoires. Votre inspiration vient de vos références. Personne n’a jamais rien fait qui n’ait été inspiré par le travail de quelqu’un d’autre. Le fait que vous fassiez un genre vient du fait que vous avez entendu ce genre dans un contexte qui vous a inspiré. Alors, autant commencer une collection de chansons inspirantes. Il peut s’agir d’un son, d’une réverbération, de la façon dont les transitions sont faites ou d’une progression d’accords. S’il y a une chose que vous aimez dans une chanson, mettez-la dans votre dossier de référence. Ensuite, vous analysez vos références. Prenez des tonnes de notes et essayez d’imiter. Demandez à vos amis comment on fait quelque chose. Cherchez dans Splice des sons similaires.

 

Toutes ces expériences développent votre imagination, ce qui vous permet de trouver des idées fondamentales à conserver. Il faut parfois 50 idées pour en trouver une qui soit exceptionnellement satisfaisante. Essayez d’en faire plusieurs et de vous inspirer ouvertement de partout. Les artistes hip-hop sont plus à l’aise lorsqu’il s’agit de prendre des idées, car ils s’inspirent toujours des autres. Je dois dire que j’ai vu de nombreux clients remixer de la musique pop l’année dernière, de sorte que l’aspect « bootleg » devient une option. Toutefois, n’oubliez pas de respecter le travail de toute personne dont vous vous inspirez directement.

 

Avoir un message

 

L’un des messages de Basquiat qui l’a motivé était qu’il n’y avait pas assez d’artistes noirs dans le monde de l’art. Il voulait changer cela et s’impliquer lui-même, en en faisant le centre de son travail. La force d’un message est d’inciter les médias à s’intéresser à ce que vous avez à dire, et de rallier des adeptes qui s’y reconnaissent.

 

La musique punk a son message anarchiste, et le hip-hop a un message lié aux gangs pour certains artistes, tandis que pour d’autres, il s’agit de la lutte des gens dans le monde actuel. La house music a également toujours représenté un espace sûr pour les personnes homosexuelles qui souhaitent danser. Quel que soit le genre que l’on adopte, il y a une histoire qui le sous-tend et dont on oublie parfois les racines politiques. Il n’est pas obligatoire de connaître l’histoire, mais on peut aussi s’appuyer sur un genre pour y apporter son histoire et ses valeurs.

 

Avoir un message et une vision vous aidera à donner un sens à votre musique, et dans les moments où vous vous heurtez à un mur d’inspiration, votre message suscitera plus d’inspiration.

 

La vitesse

 

Si vous lisez ce blogue ou travaillez avec moi, vous savez que la rapidité est un élément auquel je crois. Les idées vont et viennent, parfois très rapidement, et ne restent pas toujours. La rapidité avec laquelle vous pouvez rassembler vos idées vous aidera à les saisir au vol, peut-être pour les terminer plus tard, mais surtout pour voir si elles ont un sens. C’est une chose d’avoir une idée, c’en est une de la faire fonctionner correctement.

 

Basquiat, lui, travaillait vite. Très vite. Dans la vidéo, ils racontent que sa rencontre avec Warhol a stimulé sa créativité et qu’à un moment donné, JM a fait un autoportrait d’eux dans un moment rapide, puis l’a rapporté à Andy, qui était stupéfait de sa rapidité. L’une des raisons pour lesquelles les artistes sont lents de nos jours est le manque d’organisation et de méthodologie. Plus on est organisé dans la gestion de son temps et de son art, plus on est rapide. La production musicale est une série de phases, et si vous vous asseyez pour faire de la musique et que vous voulez tout faire en même temps, vous serez frappé par une fatigue décisionnelle.

 

Le deuxième obstacle est l’ego. Cette partie de vous-même a toujours l’impression d’avoir quelque chose à prouver, à contrôler et à être ce que vous n’êtes pas. Cela conduit à la procrastination et à la distraction. Ma vision de la création musicale est alimentée par le plaisir dans toutes ses composantes. Lorsque le plaisir est présent, vous êtes dans la zone.

 

La zone est la clé du succès.

Étudier, mémoriser, intérioriser

 

C’est dans la dernière partie de la vidéo que j’ai vu le parallèle le plus fort avec ce que je fais en tant qu’artiste. Pendant mon temps libre, j’écoute toutes sortes de musiques, de radios et de films et j’étudie de nombreux tutoriels sur YouTube. Je pense que j’en regarde environ 10 par jour. Je prends beaucoup de notes à partir de ces tutoriels et, une fois devant mon ordinateur, je teste de nouvelles découvertes ou je revisite des techniques que je faisais déjà pour leur donner une nouvelle tournure. Pour chaque chanson, j’ai commencé par explorer une technique et j’ai développé de nouvelles idées en pratiquant.

 

Sauvegarder des macros est devenu quelque chose que je fais toujours. J’associe certains paramètres aux boutons de la macro et je m’amuse ensuite à créer des préréglages en les randomisant ou en les manipulant à l’aide d’un contrôleur. La réalisation de ces croquis touche à tout ce qui précède :

  • elle augmente la vitesse.
  • Je maîtrise mieux mon vocabulaire et je me rapproche de mon message.
  • Il est plus facile d’intégrer les idées que je « vole » ou dont je m’inspire.

 

Arrêter le streaming et vendre directement

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Je ne sais pas si vous avez suivi les tendances ces derniers temps, mais il y a eu un retour de bâton contre les sites de streaming. Je sais que c’est nouveau, car le ressentiment à l’égard de ces plateformes a été intense depuis que Spotify est devenu le chef de file, avec un montant ridiculement bas reversé aux artistes, mais il semble qu’il y ait eu un changement dans la narration dernièrement.

Le point de départ

 

D’après les différentes vidéos que j’ai vues sur YouTube, il semble que cela ait commencé avec le rejet par Kanye West des différentes plateformes sur lesquelles il avait fait de la publicité pendant le Super Bowl, ce qui a entraîné un énorme trafic vers son site.

 

 

Après avoir regardé cette vidéo, j’ai vu de plus en plus de nouvelles allant dans ce sens, mais ce n’était pas nouveau. Fin 2023, depuis que je passe du temps sur les forums, Reddit et Facebook, j’ai vu une vague de commentaires d’artistes qui en avaient assez et voulaient vendre leur musique eux-mêmes de plus en plus. La direction prise par les gens était de quitter tous les sites de streaming et de se diriger vers Bandcamp seul avec une boutique personnelle.

 

Je partagerai quelques réflexions personnelles à ce sujet dans un article un peu plus philosophique que technique.

 

Les débuts de l’ère Peer 2 Peer

 

Alors que je faisais de la musique à la fin des années 90, je me souviens d’un jour où certains de mes collègues m’ont dit qu’ils n’écoutaient plus la radio depuis qu’ils téléchargeaient leur musique. Savoir que l’on pouvait accéder gratuitement à toutes les chansons que l’on voulait était à la fois intriguant et choquant. Je me souviens d’avoir cherché de la musique, principalement de la pop, et à peine de la musique électronique que j’aimais en dehors de The Chemical Brothers. Il n’a pas fallu longtemps pour que tous les CD de musique apparaissent. Des mois après ma découverte, cela a alimenté un conflit interne à propos de tout cela. Mais ce qui était clair à l’époque, c’est que tous les geeks et les vrais amateurs de musique que je connaissais gardaient un œil sur les chansons à venir.

 

Mp3.com

 

Puis j’ai découvert le site MP3.com, où les artistes postent leur musique et rencontrent d’autres personnes. Voyez-le comme l’ancêtre de Soundcloud, mais vers 1999 ou 2000. Une poignée de personnes faisaient le même genre de musique que moi, et c’était utile pour créer une petite communauté. Peu de temps après mon arrivée sur le site, j’ai reçu un message énigmatique d’un Allemand qui m’expliquait ce qu’étaient les Netlabels et me demandait si je voulais rejoindre le sien sous le nom de Thinner. C’était un petit groupe, et le concept de netlabels était encore en cours d’élaboration. Si vous n’êtes pas familier avec le concept des Netlabels, l’idée était d’utiliser le flux très populaire des téléchargements à l’avantage des artistes en y insérant votre musique fraîchement créée. La logique était la suivante : puisque les gens recevaient tous de la nouvelle musique, nous pouvions bénéficier de l’ajout de la nôtre. Nous étions d’accord pour ne pas faire de ventes ; il s’agissait uniquement de s’assurer que notre musique serait entendue. Et cela a fonctionné.

 

La vague Thinner

 

Thinner a été très populaire à un moment donné, atteignant 40 000 téléchargements les premiers jours de sa sortie. Tout était hébergé sur le site Archive.org, où d’autres Netlabels apparaissaient également. Les médias allemands ont commencé à s’y intéresser et à en parler. Comme j’étais le représentant canadien, les médias locaux m’ont contacté pour en savoir plus. Radiohead a fait la même chose peu de temps après avec une sortie gratuite, et les médias en ont fait des tonnes. Ironiquement, lorsque j’ai rejoint Thinner, des DJ locaux m’ont dit que c’était une mauvaise idée, que je ne gagnerais jamais le respect des labels sérieux et que je m’épuiserais. C’est exactement le contraire qui s’est produit. Mes premières tournées européennes étaient directement liées à mes albums Thinner, et lorsque je me produisais, les gens venaient me voir pour me parler de leurs chansons préférées de mes albums. Peu de temps après, j’ai été signé sur le label M_nus de Hawtin. C’était en quelque sorte la première fois que quelqu’un qui s’était fait connaître sur Netlabels passait à un label vinyle plus important. Je pense que c’est à ce moment-là que les gens ont commencé à accorder du crédit au mouvement créé par Thinner. Cette expérience a influencé la façon dont j’ai vu Spotify apparaître. Je me souviens qu’à l’apogée de Thinner, Sebastien Redenz disait déjà que le meilleur moyen de pérenniser l’entreprise était de vendre des chansons pour 1 centime d’euro. C’est ce qu’il avait en tête, et cette observation m’a préparé au modèle Spotify.

Piratage de la musique et Soulseek

 

Parallèlement aux Netlabels, la plupart des gens téléchargent encore de la musique, principalement par le biais de torrents ou de Soulseek (encore utilisé aujourd’hui). Je pense qu’avec la mentalité de la fin des années 90, les gens téléchargeaient sans honte. Cela a créé une communauté, et en traînant sur Soulseek, je me suis fait des amis à l’étranger qui ont fini par me trouver des concerts localement. Je l’ai utilisé pour partager ma musique. Certaines de mes précieuses sorties ont fuité, et je préférais ne pas le faire puisque c’était un accord avec le label, et j’ai vu la communauté sous un autre angle. Je me souviens que quelqu’un qui a reçu l’album m’a dit que « de toute façon, la musique est faite pour être gratuite ». C’était un peu décevant pour eux, et plus tard, cette même personne a sorti un album et s’est plainte sur Facebook que les gens partageaient leur musique sur Soulseek.

 

Il y a beaucoup d’émotions ambivalentes à ce sujet et, en fin de compte, je pense que c’est à l’artiste de décider comment sa musique doit être partagée, ce qui est un peu ce que je vois aujourd’hui avec le retour de flamme de Spotify.

 

Bandcamp et la vente directe

 

Depuis le début des années 2000, je pense qu’il n’y a qu’une seule boutique qui ait fait les choses correctement : Bandcamp. Je veux dire, en tant que modèle commercial, parce que leur approche antitrust était assez décevante. Cela dit, ce n’est pas parfait, et certaines parties sont un peu frustrantes, mais la plus grande partie correspond parfaitement à ce dont nous avons besoin en tant qu’artistes. Même le partage de l’argent fonctionne. J’ai toujours été frustré par le fait que des boutiques comme Beatport ne vous permettent pas de choisir un prix pour votre sortie, ce que je trouve assez stupide. Si vous êtes un label, il existe de nombreux outils pour vendre, et cela fonctionne bien. J’aimerais qu’il y ait plus de contrôle sur le bootlegging. De temps en temps, on voit quelqu’un revendre la musique d’un artiste sans honte, mais cela suscite généralement beaucoup de haine. La vente de musique à partir d’un site web présente quelques défauts :

  • Coûts d’un site sécurisé
  • Un système d’achat qui évolue avec le marché et reste accessible
  • Mises à jour
  • Créer du trafic
  • Marketing

Il s’agit là de petites choses, et vous vous aventurez sur le chemin de l’entrepreneur, ce qui n’est pas facile. Je dis souvent ceci à mes clients : tant que les gens ne vous disent pas qu’ils veulent acheter votre musique, vous n’avez aucune raison de vouloir la vendre. Beaucoup de gens sont déprimés parce que leur musique ne se vend pas…

 

Alors, cela vaut-il la peine?

Comme je l’ai dit, pas avant qu’il y ait une demande. Vous devez d’abord nourrir votre communauté, vous assurer que les gens autour de vous aiment votre musique et en parlent. Cela demande beaucoup de temps, de dévouement et de patience. Peu de gens peuvent s’offrir une publicité au Super Bowl, c’est pourquoi viser d’abord les petites choses peut faire la différence. Je pense que cela peut valoir la peine pour un label qui réalise des ventes, mais c’est par Bandcamp qu’il faut commencer. Il n’est pas rare de trouver sur Bandcamp des albums qui ne sont pas vendus. Je pense qu’il vaut mieux attendre avant de mettre sa musique sur Bandcamp. Récemment, Deezer a supprimé 26 millions de chansons qui n’avaient jamais été écoutées (ou qui posaient problème), et le trop-plein de musique n’aide personne.

 

L’autre modèle

Parallèlement à tout cela, j’ai observé un autre nouveau mouvement, d’une certaine manière. Sur un fil de discussion, quelqu’un a fait un commentaire :

 

Les fans de musique sont fondamentalement abusifs. Vous leur dites que vous êtes exploité, ils disent qu’ils s’en soucient mais continuent à le faire. Ce n’est pas surprenant si vous voyez comment les gens continuent à acheter chez H&M ou à se procurer le dernier téléphone intelligent. Je ne veux pas vraiment donner ma musique à l’étranger, je veux la garder pour mes amis.

 

La conversation portait sur ce qui se passerait si les musiciens avaient l’autre mentalité de ne pas vouloir partager leur musique avec le monde entier. Au lieu de cela, ils se concentrent sur les contacts immédiats qui veulent écouter et jouer leur musique. Un consensus s’est dégagé sur le fait qu’ils préfèrent donner leur musique à cinq personnes qui veulent l’écouter plutôt que de payer Tunecore ou Distrokid pour que leur musique soit diffusée partout et qu’elle soit écoutée dix fois. C’est la rareté qui crée la valeur, pas l’accessibilité totale.

 

Pourquoi quelqu’un paierait-il pour quelque chose qu’il peut obtenir en un claquement de doigts ?

 

Cette conversation s’est poursuivie pendant un certain temps et j’ai remarqué que certains amis et clients allaient dans la même direction. J’ai joué de la musique à l’occasion de l’anniversaire d’un ami et j’ai vérifié le contenu de sa clé USB. Il avait un dossier contenant une cinquantaine de chansons d’un artiste dont je n’avais jamais entendu parler. Elles étaient toutes excellentes. Plus tard, j’ai consulté des sites de streaming ou des magasins, et aucune de ces chansons n’y figurait. Mon ami m’a parlé de quelques artistes qui créent des chansons tous les jours et ne les vendent pas. Au lieu de cela, ils transmettent leur musique à des DJ qu’ils apprécient.

 

Vous me demanderez quel est le modèle économique là-dedans? Je ne pense pas qu’il y en ait un, ou du moins il n’est pas clair. Certaines personnes ont accepté le fait qu’elles ne feront pas de leur musique une activité commerciale tant que les gens ne seront pas intéressés par l’achat ou qu’ils n’attireront pas l’attention d’un label. Ils savent qu’ils veulent que leur musique soit jouée par des DJ, qui finiront par attirer l’attention de quelqu’un. Je pense que c’est ce qui les motive au-delà de la commercialisation de leur musique. J’aime beaucoup cela. C’est une version moderne des Netlabels, mais qui vise davantage à créer une communauté qu’à vouloir désespérément attirer l’attention de tout le monde. Ce type a marqué un point, et je suis en train de parler de lui. Peut-être qu’en tant que musiciens et artistes, notre approche doit être plus expérimentale. Tenir une boutique en est une, mais je ne pense pas que nous ayons encore trouvé la bonne voie. Nous avons davantage besoin d’une communauté avec des boutiques… C’est ce qu’est Bandcamp. Voyons ce que l’avenir nous réserve.

 

L’essentiel du timbre en musique

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(Photo par Ayush Kumar sur Unsplash)

 

Lorsque nous nous plongeons dans la musique électronique, un concept façonne continuellement notre paysage audio, et vous ne savez peut-être même pas de quoi il s’agit : le timbre. Souvent décrit comme la « couleur » ou la « qualité tonale » du son, le timbre est la caractéristique qui distingue un instrument ou une source sonore d’un autre, même s’ils jouent la même hauteur au même volume. Dans cet article, nous allons aborder ce que j’ai appris sur le timbre dans la musique électronique, en nous concentrant sur la façon dont les synthétiseurs et la conception de l’enveloppe jouent un rôle essentiel dans sa création. Pourquoi est-il important de comprendre ce qu’est le timbre ? Si vous vous intéressez à la conception sonore, ceci devrait être votre porte d’entrée dans ce domaine. Si vous savez comment le timbre fonctionne, vous comprendrez comment les sons sont produits. Cela signifie que vous pourrez alors extrapoler les bleeps de votre imagination en bloops de la vie réelle.

Pigment de Arturia

Comprendre le timbre

 

À la base, le timbre se situe sur un axe multiple, couvrant les aspects du son. Il comporte divers facteurs tels que les harmoniques, la dynamique, les harmoniques supérieurs, l’attaque, le decay, le sustain et le release. Ces éléments forment collectivement l’empreinte digitale d’un son, ce qui nous permet de distinguer un piano d’une trompette ou d’un synthétiseur. Pour vous donner un exemple, vous pouvez jouer le même C2 sur tous ces instruments, mais votre oreille sera capable d’identifier à la fois les notes et les instruments. C’est parce que l’oreille comprend que les multiples éléments du timbre sont uniques. En détail, les éléments qui déterminent la couleur d’un son sont les suivants :

  • L’amorce. Le tout début d’un son contient des informations dynamiques qui vous permettent de comprendre de quoi il s’agit. Par exemple, un tambour et un piano sont tous deux des instruments de percussion, mais leur son est complètement différent.
  • Profil spectral. La composition d’un son est un ensemble de tons, d’harmoniques et d’harmoniques supérieurs différents. Cela implique également le bruit et l’inharmonicité. Ce dernier point, également connu sous le nom de bruit, définit une certaine quantité de composantes non linéaires, qui sont aléatoires et ne suivent pas un modèle précis.
  • Dynamics. This is how the sound changes over time. Of course, this is related to the envelope of that sound (ADSR).

Synthèse et timbre

 

Au début de l’année 2024, j’ai décidé de rejoindre la classe de Synthèse de Sarah Belle Reid. J’étais un peu sceptique au début car depuis que j’ai commencé à faire de la musique, au début des années 90, j’ai tout appris par moi-même et je continue d’apprendre chaque jour. Avoir l’impression d’avoir accès à toutes les connaissances vous donne beaucoup d’énergie, mais cela crée aussi une sorte d’aveuglement qui vous permet d’avoir des informations dont vous ne soupçonniez pas l’existence. Voici quelques-unes des raisons pour lesquelles les gens me consultent souvent : manque de vocabulaire, incompréhension de concepts mal expliqués en ligne et remarques sur la sonorité d’un son spécifique. Revenons au cours de Reid. Cela commence par les connaissances de base sur le son lui-même et passe en revue chaque élément lié au son, avant de procéder à une démonstration. Voir, entendre et se faire expliquer ces concepts permet de percevoir le son d’un point de vue très technique. C’est une chose de le comprendre, mais c’en est une autre d’avoir du vocabulaire. Le timbre a été l’un des points les plus importants du cours pour moi. Ce n’est pas avec un simple article de blog que je peux passer en revue tous les éléments principaux concernant le timbre, mais je voudrais souligner que le moment décisif a été de revoir la façon dont j’utilise un spectrogramme. Voir le son sous cet angle m’a aidé à comprendre ce qu’est le timbre. C’est un concept facile à lire, mais pas nécessairement facile à saisir.

 

Voici mes deux conseils :

  1. Examinez la réponse en fréquence de l’information du début d’un son.
  2. Observez comment le son s’estompe et comment les fréquences se transforment lentement.

Sachant que le début façonne une partie importante de votre son, voici une inspiration directe sur la façon d’utiliser votre enveloppe ADSR pour façonner ou modifier la forme des sons que vous avez. L’amplitude de votre son peut être modelée par une première enveloppe et une seconde enveloppe peut modeler le filtrage ou d’autres éléments.

 

Pour créer le timbre d’un son, vous devez combiner plusieurs oscillateurs, bruits et modulations pour imiter le contenu spectral.

 

Approfondissons l’enveloppe et la synthèse du contenu.

Conception de l’enveloppe et techniques dynamiques

 

Au cœur de la manipulation timbrale se trouve la conception de l’enveloppe, un point important de la formation du son dans la musique électronique. Vous pouvez l’utiliser pour la compression, mais elle est aussi là pour la conception. Les enveloppes dirigent l’évolution d’un son dans le temps, en dictant son amplitude, sa fréquence et son contenu spectral. La compréhension des paramètres d’enveloppe, en particulier l’attaque, le decay, le sustain et le release (ADSR), est cruciale pour créer des sons dynamiques et expressifs.

 

Attaque : L’attaque d’un son, caractérisée par son transitoire initial, prépare le terrain pour notre perception auditive. Une attaque vive confère au son immédiateté et présence, tandis qu’une attaque graduelle lui confère une qualité plus douce et plus éthérée. Decay (décroissance) : Après l’attaque, la phase de décroissance détermine la vitesse à laquelle l’intensité du son diminue. Une décroissance plus longue soutient le son, tandis qu’une décroissance plus courte lui confère un caractère percussif ou pincé. Sustain (maintien) : Une fois la phase de décroissance terminée, le segment de sustain maintient une amplitude constante jusqu’à ce que le son soit relâché. Le réglage du niveau de sustain permet d’obtenir des articulations soutenues ou staccato. Release (relâchement) : Lorsque le son disparaît dans le silence, la phase de relâchement régit la durée du decay. Un relâchement court produit une fin nette et abrupte, tandis qu’un relâchement plus long confère une décroissance persistante. Les sons du monde réel ou des instruments sont rarement statiques. Ils ne sont souvent jamais la même chose lorsqu’ils sont joués plusieurs fois, mais ils changent aussi un peu sur différents aspects : variation spectrale, modulation d’amplitude, hauteur. Dans le monde modulaire, l’utilisation de LFOs et d’enveloppes est pratique pour modifier ces aspects. Vous voudrez les utiliser pour obtenir de légères variations. Le synthétiseur logiciel Pigments est très bien conçu à cet égard, car il offre de nombreuses possibilités de modulation qui peuvent ensuite être acheminées vers un grand nombre de paramètres différents.

Utilisation et filtre dynamiques

 

En plus de la conception de l’enveloppe, l’utilisation de la dynamique et le filtrage contribuent de manière significative à la variation timbrale. Les techniques de modulation dynamique, telles que la sensibilité à la vélocité et l’aftertouch, introduisent des nuances expressives dans les performances. Parallèlement, le filtrage – par le biais de filtres passe-bas, passe-haut, passe-bande ou coupe-bande – façonne le contenu spectral d’un son, en accentuant ou en atténuant des fréquences spécifiques pour sculpter davantage son timbre. Une bonne façon de pousser le filtrage est d’utiliser des filtres colorés tels que l’émulation MS20 ou le vactrol. Comprendre le LPG (Low Pass Gate) est aussi une autre option.

 

 

Depuis que je me suis procuré un Freak Module de Vult, mon son est passé à un autre niveau. Il dispose d’une émulation de filtres multiples, d’une certaine saturation et d’un mode duplex qui permet d’enchaîner des filtres ou d’avoir différents filtres en mode stéréo. C’est assez puissant.

Conclusion

Dans le monde en constante évolution de la musique électronique, le timbre est quelque chose qu’il faut comprendre si l’on veut définir son son et sa signature personnelle. En comprenant la puissance des synthétiseurs, en maîtrisant la conception des enveloppes et en employant des techniques dynamiques et de filtrage, les musiciens et les producteurs peuvent débloquer de nouvelles possibilités créatives. Cet article nous a permis de pénétrer au cœur de l’exploration timbrale dans la musique électronique, en mettant en lumière l’interaction complexe entre la synthèse, la conception d’enveloppe, la dynamique et le filtrage. Grâce à ces connaissances, vous pourrez définir vos compétences en matière de conception sonore, en sculptant des sonorités timbrales qui redéfiniront qui vous êtes. Continuez vos recherches pour plus de détails et faites-moi savoir si vous avez des questions.