Le piège du succès

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Je suis allé dans un club local pour écouter un ami roumain en visite pour une nuit entière de musique qui correspondait davantage à mes goûts, et alors que le DJ qui l’avait précédé était un peu linéaire et prévisible, mon ami a ouvert le bal avec de la musique aux sonorités fraîches. Il n’a pas lancé le top 10 de Beatport ou quoi que ce soit de directement lié au DJ précédent, pas même une introduction pour plaire à la foule. Il a lancé une techno obscure, ce qui était un peu audacieux, et il a rapidement enchaîné avec un morceau des années 90. L’idée principale de ce morceau était une voix disant « Get House », une chanson de Caliesto. Un beau contraste.

 

 

Rien qu’en entendant le sample, j’ai eu des flashbacks de raves, de lasers, de bracelets lumineux, de gens qui dansaient et transpiraient, juste à partir d’un simple sample que j’ai entendu, ce qui m’a ramené à une époque spécifique. Contrairement au DJ précédent, où toutes les chansons s’harmonisaient parfaitement, il n’y avait malheureusement rien de mémorable ou de tangible à en tirer. Je ne me souviens pas d’un seul moment, une semaine après. Il ne s’agit pas de critiquer la musique de quelqu’un, mais plutôt de dire que les idées solides vieillissent bien parce qu’elles créent des moments intenses. Si vous écoutez la chanson de Caliesto, vous vous rendrez compte qu’elle est relativement simple. Néanmoins, l’accroche est suffisamment captivante pour que tout le monde parle plus tard à ses amis de l’échantillon principal, dont les autres se souviennent probablement facilement.

Il m’est apparu que la définition du succès avait changé depuis les années 1990. Bien sûr.

 

Retour aux DJ

 

Comme je me suis remis au DJing, j’explore les options, car de nombreux outils sont maintenant disponibles. Par exemple, j’ai obtenu un compte professionnel sur Rekordbox et je l’ai associé à un compte sur Beatport. Cela me permet de synchroniser ma liste de lecture du magasin directement sur Rekordbox, d’ajouter les chansons que je veux et d’avoir ce catalogue infini à portée de main. C’est un peu comme Spotify, où votre limite est votre connaissance de la musique ou votre culture. Mais même si vous êtes novice ou limité, il existe des outils de découverte pour vous aider à rechercher ce que les autres aiment et jouent.

Après avoir synchronisé Beatport avec Rekordbox et ouvert la section musicale correspondante, j’ai été submergé. Si vous me connaissez, vous savez que la technologie me submerge rarement. Il m’a fallu beaucoup de temps pour y arriver, mais je regardais fixement la sélection et me sentais perdu. Je n’étais pas submergé par les possibilités; j’étais déconcerté par la quantité de déchets qui se trouvaient là.

Je ne suis pas là pour critiquer à nouveau la musique, mais plutôt à un niveau méta, en prenant du recul pour avoir une vue d’ensemble.

Le nombre de chansons qui sonnent exactement comme la précédente était flagrant. Certains de mes artistes préférés créent soudain des chansons avec des sons ou des préréglages douteux, et de nombreux nouveaux artistes créent de la musique avec des arrangements étranges et inutilisables.

Suis-je trop vieux pour cela ?

Non, ne vous inquiétez pas. Lorsque je commence à creuser, je trouve encore beaucoup de musique fantastique. Alors, que s’est-il passé exactement ?

 

Démocratisation de la musique et ouverture des opportunités commerciales

 

Dans les années 90, les logiciels de musique électronique visaient à permettre à un plus grand nombre de personnes de faire de la musique en la rendant plus accessible et plus abordable. Cela a ouvert la voie à d’innombrables mélomanes désireux de faire de la musique. Je serais hypocrite de me plaindre, car je faisais partie de ces gens qui n’avaient aucune formation musicale ; la technologie a été mon sauveur. Trente ans plus tard, ajoutez YouTube pour le partage des connaissances (alimenté par la motivation de la popularité des likes), et ajoutez des agrégateurs qui permettent à toute personne ayant une chanson terminée d’accéder à tous les magasins en ligne et à toutes les plateformes d’écoute en continu. Vous obtiendrez des albums de chiens qui aboient, des EP de techno réalisés par des enfants de huit ans, de la musique de drone alimentée par des pets et tout ce à quoi vous pouvez penser, vous pouvez probablement le trouver.

Est-ce une mauvaise chose?

Ce n’est pas à moi d’en juger, mais l’avantage des gens qui sont de solides sélectionneurs est probablement ce qui peut permettre à un DJ de se démarquer de ses collègues. Mais en tant que producteur, je pense que la question est de savoir si l’on peut échapper à l’attrait de la vague de similitude de la musique de masse et, peut-être, ne pas être pertinent.

Absolument, mais il s’agit d’un sujet un peu compliqué à traiter car il est défini par de multiples aspects, tels que votre définition du fin (Definition of Done, DoD), votre culture, votre communauté et ce que vous considérez comme une réussite.

 

Le piège du succès

 

Tout ce que vous voyez ou identifiez comme un « problème » est directement lié à une micro-culture d’habitudes qui a créé cette situation. Par exemple, si votre chambre à coucher est en désordre, c’est que vous avez la terrible habitude de ne pas la ranger. Si vous voulez la nettoyer, une fois que vous l’aurez fait, elle restera dans cet état pendant un jour ou deux, jusqu’à ce qu’elle soit en désordre à nouveau. Le véritable objectif n’est pas d’organiser votre chambre, mais de développer des habitudes de propreté pour qu’elle reste propre.

Nous pouvons également transposer ce principe au secteur de la musique. Un nombre considérable de personnes qui me consultent en privé souhaitent terminer plus de musique parce que leur objectif est d’avoir du succès, ce qu’ils traduisent par :

  • La musique est terminée
  • La musique est signée sur un label

Les labels voient le succès en sortant de la musique qui finit par attirer l’attention et les ventes. Les DJs voient le succès dans les concerts et dans les vidéos Instagram avec des tonnes de likes.

Bien qu’il n’y ait rien de mal à cela, l’accent est mis sur quelque chose qui définit le succès d’une partie externe. Vous n’aurez peut-être jamais l’impression que c’est suffisant parce qu’il y aura toujours des options pour faire mieux, et bien que cela puisse devenir une dépendance, cela peut aussi être déprimant. Mais l’attrait de voir des personnes ayant beaucoup de likes, jouant sur la grande scène et ayant beaucoup de streams est une image que nous pouvons tous désirer; je peux le comprendre.

Considérer le succès des autres comme un objectif final est un piège, car cela ne met pas l’accent sur les habitudes que les artistes qui réussissent ont construites.

 

Derrière le succès d’un DJ, il y a la recherche quotidienne de musique ancienne et nouvelle, les répétitions et la recherche, mais aussi de nombreux échecs. Le succès d’un album tient à l’habitude qu’a le producteur de faire de la musique tous les jours et de créer 23 versions différentes de chaque chanson. Derrière le label à succès, il y a une équipe qui passe quotidiennement du temps à travailler en réseau avec les médias, les DJ et les festivals. Derrière chaque modèle, il y a beaucoup de choses cachées, et c’est là que réside le succès.

Alors que tout le monde débat des outils de génération de musique (ou d’images) par l’IA, je vois rarement quelqu’un parler de la façon dont cela vise les résultats et contourne les processus de création et la formation d’habitudes.

Si vous vous efforcez d’avoir de bonnes habitudes, les résultats suivront. Cela commence par ranger votre chambre, faire votre lit tous les jours et laver les draps une fois par semaine. Au final, votre chambre sera propre et le restera.

Il ne s’agit pas d’une invention pure et simple. Elle est tirée d’un livre intitulé Atomic Habits. J’ai découvert ce livre il y a des années, et il a eu un grand impact.

Briser les normes

 

Dans mon dernier article, où je donnais des conseils pour accélérer votre processus de travail, quelqu’un m’a demandé comment cela pouvait inonder le marché avec plus de musique copiée inutilement lorsque je l’ai publié sur les médias sociaux. Je lui ai demandé si ma musique l’était, et il m’a répondu que non (je connais cette personne, c’était donc une bonne discussion). Tout dépend de la manière dont vous utilisez votre vitesse et de vos intentions. Mais oui, si vous travaillez vite et sans but, vous risquez de vous retrouver dans la file d’attente pour faire une autre version du best-seller de Beatport, qui a probablement déjà existé 200 fois.

Mais comment briser les normes, les routines, les clichés?

 

Créer des habitudes basées sur l’originalité

 

C’est là que tout doit commencer. Cela implique de reconnaître ce qui rend une chanson originale, unique et mémorable.

 

 

S’exprimer de manière plus personnelle

 

Il existe deux types de producteurs populaires : ceux qui veulent ressembler à tout le monde et ceux qui ne veulent pas ressembler aux autres. Chacun d’entre eux est confronté à certains problèmes :

  • Sonner comme tout le monde ne vous élèvera pas au rang de leader. Cependant, cela peut s’avérer payant si vous trouvez d’autres personnes qui aiment rapidement les mêmes sons que vous.
  • Le fait de ne sonner comme personne vous marginalisera et vous aurez du mal à trouver votre communauté. Lorsqu’elle est bien menée, l’originalité peut être saluée et faire de vous un innovateur.

Mais être plus personnel dans sa musique ne signifie pas se transformer en extraterrestre. Cela signifie que vous pouvez prendre des idées connues mais les façonner pour qu’elles correspondent à ce que vous êtes. Par exemple, j’aime qu’il y ait une harmonie mélodique dans ma musique (en utilisant les tonalités fondamentales et les gammes), mais j’ai du mal à suivre les progressions d’accords typiques qui sont populaires dans les chansons (progressive, hip-hop lo-fi, etc.). Lorsque je crée des mélodies, je frappe les touches au hasard en utilisant mon oreille et je finis par organiser mes notes pour qu’elles aient un sens (pour moi). C’est bizarre pour quiconque s’intéresse à la théorie musicale parce que ça ne suit pas les conventions, mais ça a du sens parce que ce n’est pas faux d’un point de vue harmonique.

Mon ami Bryan, un musicien de jazz, m’a dit qu’il préférait mes mélodies bizarres à des chansons trop organisées parce qu’elles « me ressemblaient davantage ».

Un client utilisait sa voix pour chanter des notes qu’il convertissait en midi. Il avait l’impression que sa voix mettait en valeur une mélodie, quelque chose de très personnel.

C’est la même chose pour les percussions. Vous pouvez suivre les conventions ou jouer bizarrement avec ce que vous voulez… tout en restant sur la grille, pour que ce soit jouable par un DJ.

 

Maîtriser une ou plusieurs techniques de production musicale.

 

Plus vous maîtrisez une technique, plus vous pouvez en repousser les limites. Utiliser une méthode à son niveau le plus bas, c’est manquer cette zone où l’on peut extraire des idées totalement différentes de ce que tout le monde fait. Si l’on pense à J Dilla, il a maîtrisé l’échantillonnage et le swing groove, ce qui lui a donné sa signature reconnaissable.

Si vous pensez à la chanson de Caliesto que j’ai mentionnée, il s’agit également de comprendre l’exécution plus que de s’appuyer sur le contenu.

 

 

Croiser l’inspiration des genres.

 

Si vous lisez mon blogue, cette question revient souvent. Les chansons qui attirent l’attention sont généralement innovantes et, récemment, une nouvelle a annoncé que David Guetta avait fait de la musique country, ce qui est un bon exemple. On peut ne pas l’aimer, mais en termes de décisions commerciales, ce type prend toujours des décisions qui montrent la voie. Cela s’applique également à l’utilisation de l’échantillonnage comme moyen d’innover en permanence. Si vous pensez maîtriser cette technique, détrompez-vous.

Splice est également une excellente source d’inspiration. Leur IA qui suggère des idées pour commencer est assez innovante et utile. Elle vous permet de briser la routine et de choisir des échantillons d’autres genres.

 

Évitez les packs d’échantillons et les préréglages populaires

 

Je ne le dirai jamais assez, mais certains genres s’appuient sur les mêmes packs. Contrairement à la drum and bass avec l’amen break, c’est un sample. Nous parlons ici d’un pack de multiples échantillons utilisés et réutilisés au point de briser toute chance de développement en tant que musicien. Compte tenu du nombre d’échantillons auxquels nous avons accès, j’ai du mal à comprendre pourquoi cela se produit.

Utiliser les mêmes packs d’échantillons revient à vouloir sonner comme les autres. L’une des excellentes fonctionnalités d’Ableton Live 12 est la fonction « Find similar samples » (trouver des échantillons similaires) qui, d’un simple clic, propose un large éventail d’options. Ainsi, vous pouvez peut-être commencer avec une base de quelques échantillons, puis plonger dans votre bibliothèque pour obtenir des échantillons aux sonorités similaires.

 

Tout en préconisant les préréglages, principalement pour l’auto-éducation, je vous encourage également à les modifier un peu afin de trouver diverses couleurs que vous ne saviez pas avoir sous le nez. En masterisant et en écoutant la musique d’un client, il m’arrive souvent de me dire « Ah, il a utilisé tel synthé avec tel preset », ce qui n’est pas un problème, mais que je trouve un peu paresseux. Mais c’est moi, ce qui veut dire que d’autres peuvent aussi penser cela. Si vous aspirez à sortir un album, vous ne voudrez peut-être pas qu’un label pense la même chose de votre musique.

Bien qu’il n’y ait pas de « recherche de presets similaires » dans Live, vous pouvez en quelque sorte contourner le problème en créant une macro de votre plugin en associant des paramètres à des boutons (en tant que groupe), puis en créant des instantanés de vos boutons. Si vous vous enregistrez en train de jouer avec vos snapshots, vous verrez que la position du bouton est également enregistrée. Vous pouvez ensuite effectuer un balayage entre les positions. Il y a aussi un patch max qui peut le faire ici.

 

J’espère que cela vous sera utile!

 

Photo par Matthew Moloney sur Unsplash

Raccourcis et astuces pour gagner du temps

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Au cas où vous l’auriez manqué, j’ai déclaré 2024 « mon année de retour à la production ». J’ai commencé lentement parce que j’avais beaucoup de choses à faire, mais dès que j’ai eu le temps, j’ai commencé à travailler à plein régime. Paradoxalement, les dix dernières années de formation que j’ai dispensées aux étudiants et aux personnes que j’ai encadrées étaient basées sur mon expérience, mais je n’appliquais pas tellement mes astuces à mon flux de travail.

Parfois, il faut se concentrer sur soi-même ; d’autres fois, c’est en se concentrant sur les autres que l’on comprend mieux les choses. Vous ne pouvez expliquer que ce que vous comprenez vraiment ; expliquer aux autres vous oblige souvent à repenser vos connaissances. Comme le temps passe vite, il a été plus judicieux de faire beaucoup de musique pour voir les vrais défis de 2024 et peut-être trouver de nouvelles approches.

Dans cet article, je vais essayer de résumer les différents raccourcis et hacks qui m’ont permis de travailler incroyablement vite, en faisant 1 à 2 chansons par jour en plus de ma charge de travail habituelle.

 

Pourquoi travailler vite

 

Si vous lisez ce blogue, vous savez que j’encourage la rapidité dans la création musicale pour de multiples raisons. La première raison est que l’on s’améliore avec la pratique, et si vous travaillez rapidement pour faire de la musique, vous travaillerez avec des techniques, vous serez confronté à des problèmes et vous apprendrez quelque chose de nouveau à chaque session.

 

En répétant cela encore et encore, il était logique que je sois moi-même rapide, et au début, je me sentais un peu rouillé, alors il ne m’a pas fallu beaucoup de temps pour m’y remettre. La première étape vers la rapidité est de comprendre où l’on perd du temps.

 

Pour cela, il existe deux sphères principales :

 

Génération d’idées : Mélodies, lignes de basse, motifs percussifs, séquences, progression d’accords, accroches, structure de la chanson, arrangements, etc.

Contenu : Sons, enregistrements, effets, etc.

 

La génération d’idées est importante lors de l’élaboration de votre chanson, tandis que la sphère du contenu concerne la manière dont elle sonne. Vous pouvez avoir toutes les meilleures idées du monde, mais comment cela sonne-t-il? Vous pouvez avoir tous les sons, mais c’est la façon dont vous les arrangerez qui déterminera l’essence de votre chanson.

 

C’est un défi de trouver les deux, et de nombreuses personnes se perdent dans une partie de ce processus, en se concentrant sur l’optimisation de la situation et en oubliant qu’il y a d’autres choses à faire. Pour gagner en rapidité, il faut déléguer certaines parties à des outils capables de les prendre en charge, tout en se concentrant sur les aspects que l’on maîtrise le mieux.

 

Un bon exemple est l’utilisation d’une boîte à rythmes. On peut vouloir se concentrer sur l’accroche et la structure de la chanson, mais laisser le côté percussif à une boîte à rythmes qui n’aura pas besoin de beaucoup de programmation ni de conception sonore, puisqu’elle est livrée avec son son. Un autre exemple est celui du genre acoustique, comme la musique folk, où les sons se limitent à la guitare et à la voix, de sorte que l’artiste peut se concentrer sur les paroles et jouer sans se préoccuper de trouver de nombreux sons.

 

Trouver vos raccourcis grâce aux outils

 

Une fois que vous savez où vous perdez du temps, il est temps de réaliser que la technologie existe pour simplifier votre flux de travail. En ce qui concerne les outils et les plugins, voici une liste complète de tous les outils que j’utilise pour améliorer ma musique.

 

Génération d’idées

Accroches, mélodies, riffs, motifs : après avoir analysé tant d’accroches de chansons que j’aime (vous devriez faire l’exercice pour voir ce que vous aimez), je peux comprendre qu’elles sont soit liées à l’échantillonnage, soit à un court phrasé de notes. Si vous espérez créer de grandes mélodies sans comprendre la musique, votre meilleur atout serait de vous familiariser avec les bases. La connaissance est toujours le meilleur investissement avant toute utilisation de l’outil.

Cela dit, il n’est pas toujours facile de trouver des idées. De plus, si vous voulez écrire des mélodies vous-même, vous risquez de toujours tomber sur la même routine. Je suggère de commencer par des générateurs qui peuvent proposer un point de départ, puis de construire à partir de là.

Ableton Live 12 propose de nombreux générateurs différents pour créer des idées nouvelles. Je me suis récemment intéressé à la Suite of Generators de Phil Meyer, mais j’ai également exploré Manifest Audio, dont la palette d’outils est fraîchement prête pour Live 12.

Si vous n’êtes pas familier avec les différents outils créés par AlexKid, sachez qu’il a humblement commencé avec un séquenceur de boîte à rythmes dans Live, mais peu après, il a créé de nombreux outils pour générer des idées, tels que Seqund et les suites.

J’aime aussi beaucoup AudioModern et Riffer, et Rozzer et Sting peuvent être des outils gratuits très puissants. Snake vient de recevoir une nouvelle version de Live 12, qui est superbe.

 

Sons et contenu

 

En ce qui concerne les échantillons, il existe de nombreuses options sur le marché. Dans le modèle d’abonnement, il y a toujours Splice (one-shots, boucles, location de plugins et autres), Loopcloud (one-shots, boucles, midi), Tracklib (contenu de chanson libre de droits à réutiliser), et Soundsnap (bibliothèque de sons allant d’enregistrements de terrain à des one-shots, utilisée principalement pour les films). Vous pouvez également explorer les options gratuites avec Freesound, Archive.org et Samplette (recherche aléatoire sur YouTube).

La meilleure façon de générer de nouveaux sons est de créer une macro dans laquelle j’ai mappé les paramètres d’un échantillonneur ou d’un synthétiseur en tant que macro, puis d’appuyer sur le randomiseur de la macro pour accéder à un nouveau son.

 

La créativité naît de l’action et du mouvement. Il faut s’asseoir et travailler pour que les idées viennent.

 

Collaboration

 

Il ne s’agit pas d’un plugin, mais c’est la collaboration qui a l’impact le plus important sur l’accélération des choses. Cela dépend également des personnes avec lesquelles vous travaillez. Les sessions en personne peuvent souvent donner lieu à des distractions, à des bavardages, à la consommation d’herbe et à la réalisation de peu de choses. Idéalement, je préfère les sessions à distance où chaque participant travaille quand il en a le temps, au maximum de sa concentration.

L’autre avantage du travail à distance est de pouvoir collaborer avec n’importe qui, n’importe où. Dans mon cas, mes collaborateurs se trouvent souvent dans des pays différents.

Si vous voulez apprendre à faire de la musique rapidement, travaillez avec quelqu’un qui sait ce qu’il fait. Lorsque vous échangez des projets, vous partagez vos connaissances. Vous trouverez des collaborateurs parmi les personnes qui font quelque chose que vous aimez et qui font bien quelque chose que vous ne faites pas. Quelqu’un qui vous complète fera mieux que quelqu’un qui est à votre niveau ou qui a les mêmes méthodes que vous.

Mais il y a un twist. Parfois, il est bon de travailler avec quelqu’un qui n’a aucune expérience de la musique, mais qui est de bonne humeur et qui vous donne des idées. Je trouve inspirant d’être assis dans le studio avec quelqu’un qui dit : « J’imagine que la chanson peut faire ceci, et cela peut aller là », puis vous faites ce que vous pouvez avec cette information, et quoi qu’il arrive, cela vous amène à un endroit que vous n’auriez pas exploré tout seul. Un débutant est souvent enthousiaste à l’égard de choses dont vous seriez blasé, ce qui vous permet d’apprécier des choses qui vous ennuyaient.

Lors d’une récente retraite, nous avons fait un jam avec quatre personnes. Alors que ce n’était pas nouveau pour moi, tous les autres n’avaient jamais essayé cela auparavant, et ils étaient époustouflés par ce que nous faisions. Il n’y avait aucune préparation. Nous avons juste improvisé, et tout nous a semblé naturel et amusant. Ce qui semblait être 10 minutes s’est transformé en presque 2 heures de musique bizarre. C’était énergisant, et nous avons tous partagé la musique que nous jugions appropriée avec d’autres.

 

Modèles et références

Dans mon rythme rapide de création musicale, j’ai deux sessions initiales. L’une consiste à construire une idée de base, et l’autre à créer un squelette de chanson. Comme vous l’avez appris sur ce blogue, la recherche, le développement et l’organisation des idées doivent être la base de votre travail, et il faut beaucoup de temps pour trouver celles que l’on aime. Mais cela ne doit pas vous empêcher d’avancer dans votre travail musical.

Construire des chansons à partir d’idées de base est un bon point de départ ; parfois, l’idée principale apparaît au fur et à mesure que l’on travaille sur ces chansons.

Vous serez créatif en travaillant et non en attendant de l’être.

 

C’est là que les modèles sont utiles. J’aime enregistrer un morceau fini en tant que modèle, mais d’abord, je le débarrasse de tous les sons tout en conservant le MIDI et les effets. Si vous y réfléchissez, dans les années 1970, les gens organisaient une table de mixage pour l’enregistrement d’un album entier, ce qui permettait de conserver l’uniformité de l’ensemble du projet. En outre, l’album était souvent enregistré dans un seul et même studio.

Garder la chanson comme modèle accélère l’organisation de la ou des chanson(s) suivante(s).

 

Rekordbox

Un jour, j’ai vu quelqu’un sur Instagram dire que tout le monde devrait être DJ, et je suis d’accord. Je ne veux pas dire que tout le monde devrait se produire en tant que DJ dans les clubs, mais plutôt à des fins d’auto-éducation et parce que c’est amusant. Cela vous ouvre à de nombreuses compréhensions passionnantes sur la façon dont la musique électronique fonctionne. Si vous n’êtes pas d’accord, c’est très bien, mais nous devrions être d’accord sur un point : toute personne qui fait de la musique électronique pour les DJ devrait au moins apprendre et jouer en tant que DJ.

Ces derniers mois, je me suis remis en mode DJ et j’ai trouvé une nouvelle source d’inspiration. De plus, le fait de jouer de la musique inachevée dans Rekordbox a mis en évidence des défauts dans les arrangements et le mixage qui me semblaient initialement corrects. Cela a même modifié mon flux de travail : je faisais un squelette d’arrangement pour une chanson, puis je le déposais directement dans Rekordbox pour le jouer avec de la musique que j’aime, afin de voir ce qui se passe, ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

D’une certaine manière, sortir d’Ableton Live pour aller dans Rekordbox est un raccourci et une économie de temps.

Tout le monde devrait apprendre à devenir DJ. Il y a beaucoup à apprendre et cela vous permet d’apprécier l’art, la musique tout en vous éduquant sur la façon dont la musique est faite. Tout comme tout le monde devrait apprendre à jouer du piano.

 

Modèles (Templates)

J’en ai déjà parlé à plusieurs reprises, mais lorsque vous commencez à faire de la musique, je vous recommande de commencer par créer un modèle par session de studio. Du plus simple au plus complexe, la création d’un modèle vous permet de structurer les sessions futures, d’organiser ce que vous faites chaque fois que vous commencez une chanson et de stocker des techniques potentielles à explorer.

Voici quelques idées à explorer :

  • Modèle de mixage : Créez un modèle de plusieurs pistes préfabriquées avec des effets pour le mixage.
  • Modèle minimal (ou tout autre genre) : Disposez d’un modèle contenant une collection de kicks, de presets de synthétiseurs et d’autres sons prêts à être utilisés dans l’esprit de la création d’un genre.
  • Traitement du son : Créez un modèle avec différents outils pour altérer et déstructurer les échantillons, tels que des granulateurs, des distorsions, des modulateurs et des échantillonneurs.
  • Routage complexe : Vous souhaitez peut-être explorer des techniques étranges de gating et de side-chaining avec un routage complexe réalisé à l’avance.
  • Collection de pads : Chargez un ensemble de synthétiseurs et d’échantillonneurs pour obtenir des textures complexes en couches.
  • Permutation de percussions : Ouvrez plusieurs kits de batterie et envoyez le même signal midi à différents kits afin d’avoir un aperçu de vos options.

 

L’intérêt d’avoir des options dans un modèle signifie deux points possibles : le premier est que vous pouvez ouvrir un modèle et commencer à travailler dessus ou importer des pistes à partir d’un projet sur lequel vous travaillez actuellement.

 

Macros et systèmes

 

Très souvent, lorsque j’ouvre les projets de mes clients, je constate qu’ils utilisent une chaîne d’effets. Certaines n’ont aucun sens, tandis que d’autres sont intéressantes, mais quel que soit leur fonctionnement, je ne les vois jamais regroupées sous forme de macros. Je suis toujours surpris de voir que si peu de gens manquent l’opportunité d’utiliser l’un des aspects les plus puissants d’Ableton. Non seulement il est facile de regrouper ce rig d’effets, mais qui sait s’il peut être utilisé plus tard dans un autre morceau.

Transformer des effets multiples en une macro signifie que :

  • Vous pouvez affecter les paramètres essentiels de l’effet à des boutons afin de les contrôler avec le PUSH ou d’accéder rapidement aux boutons, le tout centralisé en un seul endroit.
  • Vous pouvez enregistrer des paramètres en tant que préréglages globaux afin d’obtenir rapidement des couleurs différentes.
  • Vous pouvez randomiser votre piste pour obtenir des résultats inattendus.
  • Vous pouvez moduler des éléments à partir d’un seul endroit.

Je vous encourage à en faire une habitude, car elle sera automatiquement payante à court terme.

 

Les systèmes sont un peu comme des macros, mais un peu plus avancés, et il n’est donc pas facile pour un nouveau venu de les explorer. Je parle de système lorsque vous avez créé une macro qui génère du contenu pour votre musique. Cela fait partie du contenu génératif mais qui utilise des macros. L’avantage des outils génératifs est de créer des idées à ajouter à votre musique. Il peut s’agir de percussions, de mélodies ou de glitchs bizarres. J’ai beaucoup d’outils génératifs que je sors lorsque je me dis « il manque quelque chose ».

Photo par Marc Sendra Martorell sur Unsplash