enveloppe Archives - Pheek's Mixdown and Mastering

(Photo par Ayush Kumar sur Unsplash)

Lorsque nous nous plongeons dans la musique électronique, un concept façonne continuellement notre paysage audio, et vous ne savez peut-être même pas de quoi il s’agit : le timbre. Souvent décrit comme la « couleur » ou la « qualité tonale » du son, le timbre est la caractéristique qui distingue un instrument ou une source sonore d’un autre, même s’ils jouent la même hauteur au même volume. Dans cet article, nous allons aborder ce que j’ai appris sur le timbre dans la musique électronique, en nous concentrant sur la façon dont les synthétiseurs et la conception de l’enveloppe jouent un rôle essentiel dans sa création. Pourquoi est-il important de comprendre ce qu’est le timbre ? Si vous vous intéressez à la conception sonore, ceci devrait être votre porte d’entrée dans ce domaine. Si vous savez comment le timbre fonctionne, vous comprendrez comment les sons sont produits. Cela signifie que vous pourrez alors extrapoler les bleeps de votre imagination en bloops de la vie réelle.

Pigment de Arturia

Comprendre le timbre

À la base, le timbre se situe sur un axe multiple, couvrant les aspects du son. Il comporte divers facteurs tels que les harmoniques, la dynamique, les harmoniques supérieurs, l’attaque, le decay, le sustain et le release. Ces éléments forment collectivement l’empreinte digitale d’un son, ce qui nous permet de distinguer un piano d’une trompette ou d’un synthétiseur. Pour vous donner un exemple, vous pouvez jouer le même C2 sur tous ces instruments, mais votre oreille sera capable d’identifier à la fois les notes et les instruments. C’est parce que l’oreille comprend que les multiples éléments du timbre sont uniques. En détail, les éléments qui déterminent la couleur d’un son sont les suivants :

L’amorce. Le tout début d’un son contient des informations dynamiques qui vous permettent de comprendre de quoi il s’agit. Par exemple, un tambour et un piano sont tous deux des instruments de percussion, mais leur son est complètement différent.
Profil spectral. La composition d’un son est un ensemble de tons, d’harmoniques et d’harmoniques supérieurs différents. Cela implique également le bruit et l’inharmonicité. Ce dernier point, également connu sous le nom de bruit, définit une certaine quantité de composantes non linéaires, qui sont aléatoires et ne suivent pas un modèle précis.
Dynamics. This is how the sound changes over time. Of course, this is related to the envelope of that sound (ADSR).

Synthèse et timbre

Au début de l’année 2024, j’ai décidé de rejoindre la classe de Synthèse de Sarah Belle Reid. J’étais un peu sceptique au début car depuis que j’ai commencé à faire de la musique, au début des années 90, j’ai tout appris par moi-même et je continue d’apprendre chaque jour. Avoir l’impression d’avoir accès à toutes les connaissances vous donne beaucoup d’énergie, mais cela crée aussi une sorte d’aveuglement qui vous permet d’avoir des informations dont vous ne soupçonniez pas l’existence. Voici quelques-unes des raisons pour lesquelles les gens me consultent souvent : manque de vocabulaire, incompréhension de concepts mal expliqués en ligne et remarques sur la sonorité d’un son spécifique. Revenons au cours de Reid. Cela commence par les connaissances de base sur le son lui-même et passe en revue chaque élément lié au son, avant de procéder à une démonstration. Voir, entendre et se faire expliquer ces concepts permet de percevoir le son d’un point de vue très technique. C’est une chose de le comprendre, mais c’en est une autre d’avoir du vocabulaire. Le timbre a été l’un des points les plus importants du cours pour moi. Ce n’est pas avec un simple article de blog que je peux passer en revue tous les éléments principaux concernant le timbre, mais je voudrais souligner que le moment décisif a été de revoir la façon dont j’utilise un spectrogramme. Voir le son sous cet angle m’a aidé à comprendre ce qu’est le timbre. C’est un concept facile à lire, mais pas nécessairement facile à saisir.

Voici mes deux conseils :

Examinez la réponse en fréquence de l’information du début d’un son.
Observez comment le son s’estompe et comment les fréquences se transforment lentement.

Sachant que le début façonne une partie importante de votre son, voici une inspiration directe sur la façon d’utiliser votre enveloppe ADSR pour façonner ou modifier la forme des sons que vous avez. L’amplitude de votre son peut être modelée par une première enveloppe et une seconde enveloppe peut modeler le filtrage ou d’autres éléments.

Pour créer le timbre d’un son, vous devez combiner plusieurs oscillateurs, bruits et modulations pour imiter le contenu spectral.

Approfondissons l’enveloppe et la synthèse du contenu.

Conception de l’enveloppe et techniques dynamiques

Au cœur de la manipulation timbrale se trouve la conception de l’enveloppe, un point important de la formation du son dans la musique électronique. Vous pouvez l’utiliser pour la compression, mais elle est aussi là pour la conception. Les enveloppes dirigent l’évolution d’un son dans le temps, en dictant son amplitude, sa fréquence et son contenu spectral. La compréhension des paramètres d’enveloppe, en particulier l’attaque, le decay, le sustain et le release (ADSR), est cruciale pour créer des sons dynamiques et expressifs.

Attaque : L’attaque d’un son, caractérisée par son transitoire initial, prépare le terrain pour notre perception auditive. Une attaque vive confère au son immédiateté et présence, tandis qu’une attaque graduelle lui confère une qualité plus douce et plus éthérée. Decay (décroissance) : Après l’attaque, la phase de décroissance détermine la vitesse à laquelle l’intensité du son diminue. Une décroissance plus longue soutient le son, tandis qu’une décroissance plus courte lui confère un caractère percussif ou pincé. Sustain (maintien) : Une fois la phase de décroissance terminée, le segment de sustain maintient une amplitude constante jusqu’à ce que le son soit relâché. Le réglage du niveau de sustain permet d’obtenir des articulations soutenues ou staccato. Release (relâchement) : Lorsque le son disparaît dans le silence, la phase de relâchement régit la durée du decay. Un relâchement court produit une fin nette et abrupte, tandis qu’un relâchement plus long confère une décroissance persistante. Les sons du monde réel ou des instruments sont rarement statiques. Ils ne sont souvent jamais la même chose lorsqu’ils sont joués plusieurs fois, mais ils changent aussi un peu sur différents aspects : variation spectrale, modulation d’amplitude, hauteur. Dans le monde modulaire, l’utilisation de LFOs et d’enveloppes est pratique pour modifier ces aspects. Vous voudrez les utiliser pour obtenir de légères variations. Le synthétiseur logiciel Pigments est très bien conçu à cet égard, car il offre de nombreuses possibilités de modulation qui peuvent ensuite être acheminées vers un grand nombre de paramètres différents.

Utilisation et filtre dynamiques

En plus de la conception de l’enveloppe, l’utilisation de la dynamique et le filtrage contribuent de manière significative à la variation timbrale. Les techniques de modulation dynamique, telles que la sensibilité à la vélocité et l’aftertouch, introduisent des nuances expressives dans les performances. Parallèlement, le filtrage – par le biais de filtres passe-bas, passe-haut, passe-bande ou coupe-bande – façonne le contenu spectral d’un son, en accentuant ou en atténuant des fréquences spécifiques pour sculpter davantage son timbre. Une bonne façon de pousser le filtrage est d’utiliser des filtres colorés tels que l’émulation MS20 ou le vactrol. Comprendre le LPG (Low Pass Gate) est aussi une autre option.

Depuis que je me suis procuré un Freak Module de Vult, mon son est passé à un autre niveau. Il dispose d’une émulation de filtres multiples, d’une certaine saturation et d’un mode duplex qui permet d’enchaîner des filtres ou d’avoir différents filtres en mode stéréo. C’est assez puissant.

Conclusion

Dans le monde en constante évolution de la musique électronique, le timbre est quelque chose qu’il faut comprendre si l’on veut définir son son et sa signature personnelle. En comprenant la puissance des synthétiseurs, en maîtrisant la conception des enveloppes et en employant des techniques dynamiques et de filtrage, les musiciens et les producteurs peuvent débloquer de nouvelles possibilités créatives. Cet article nous a permis de pénétrer au cœur de l’exploration timbrale dans la musique électronique, en mettant en lumière l’interaction complexe entre la synthèse, la conception d’enveloppe, la dynamique et le filtrage. Grâce à ces connaissances, vous pourrez définir vos compétences en matière de conception sonore, en sculptant des sonorités timbrales qui redéfiniront qui vous êtes. Continuez vos recherches pour plus de détails et faites-moi savoir si vous avez des questions.

Il m’arrive parfois de trouver de superbes vidéos avec des techniques de production que j’adore. Après les avoir pratiquées, j’ai pensé les partager avec vous pour que vous puissiez bénéficier de cette découverte. Dans ce cas-ci, il s’agit du concept de miniatures et de la façon dont il est associé à certains principes de conception sonore que j’ai appliqués. Récemment, j’ai rejoint le programme Sound and Synthesis de Sarah Belle Reid, qui s’est avéré très instructif. Une fois que j’ai commencé à me plonger dans la conception sonore et ses mécanismes, j’ai non seulement commencé à comprendre l’ADN du son sous un angle différent, mais aussi dans le contexte d’une chanson.

Qu’est-ce qu’une miniature?

En parcourant YouTube récemment, j’ai trouvé cette vidéo qui m’a emballé. La miniature est un pas en arrière par rapport à la création de chansons et a la perspective d’utiliser un son dans un concept de bulle minuscule. Il s’agit d’une idée de 10 secondes à 1 minute. Rien de plus. Il ne s’agit pas d’essayer d’intégrer autant d’éléments que possible, mais plutôt de prendre un son et de voir comment en tirer le meilleur parti. Lorsque j’enseigne la production musicale, il y a un autre exercice que j’aime suggérer aux étudiants : prendre un son très basique (sample) et le transformer en « idée principale ». Pour ce faire, je suggère de choisir d’abord un son aléatoire, de préférence quelque chose que vous considérez comme ennuyeux, puis de le jouer de façon répétée pour en tirer un motif. Modifiez éventuellement la hauteur du son, mais parfois, il suffit de le laisser à sa hauteur d’origine. Voyez comment vous pouvez en tirer une phrase et composez une chanson (1 à 2 minutes) à partir de ce seul élément. Parfois, je vois un sourcil se lever en signe de doute, mais j’explique alors que n’importe quel son, en soi, peut être une chanson. Par exemple, John Cage a créé une chanson pour les taper dans les mains :

Revenons donc aux miniatures. Pensez à de petites idées qui fonctionnent, idéalement avec 1 ou 2 sons. Regardez la vidéo ci-dessous :

Le titre un peu « piège à clics » m’a d’abord fait lever les yeux au ciel, mais je l’ai ensuite consulté pour y trouver quelque chose d’assez amusant. Pour résumer, il suggère d’écrire des idées sur une carte, ce qui créera un petit défi, comme une idée miniature. Ces idées ont certains critères :

En voici un exemple :

On oublie souvent que les chansons sont une collection de sons et de sonorités qui évoluent d’elles-mêmes, que ce soit pendant un court laps de temps ou pendant toute la durée de la chanson. L’idée de créer des miniatures devient utile parce que vous créez des idées qui peuvent être incluses plus tard dans une chanson. Envisager la production musicale de manière modulaire (pas au sens de synthétiseur modulaire) peut vous aider à travailler sur différents éléments de vos chansons avant de vous plonger dans les arrangements. L’une de mes principales sources de plaisir coupable est de trouver des boucles amusantes sur Splice comme point de départ, donc construire mes boucles est utile pour créer des chansons plus tard.

Enveloppes et macro-enveloppes

L’un des éléments que nous avons abordés dans la conception sonore est la façon dont les enveloppes façonnent les sons en fonction de leur forme. Mais lorsque l’on pense à des miniatures ou à des chansons, il peut être utile de penser à une macro-enveloppe. Ce que je veux dire ici, c’est qu’il y a une évolution dans l’ensemble de la chanson. Un exercice que Sarah nous a donné pour une performance consiste à dessiner la forme de l’évolution de votre chanson ou de votre motif pendant toute la durée de l’expérience. Il pourrait commencer brusquement, s’estomper, puis devenir de plus en plus fort jusqu’à la fin. Si vous êtes un utilisateur de Shaperbox comme moi, vous savez que vous pouvez utiliser ses enveloppes internes pour modeler l’amplitude ou le filtre sur une longue période. Cela devient pratique si vous voulez une modulation lente et répétitive.

Si vous voulez des idées de miniatures, je vous encourage à regarder la vidéo plus haut. J’y ai trouvé une inspiration immédiate pour mes sons.

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L’essentiel du timbre en musique