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L’éthique du travail de Basquiat

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À une époque où peu de gens faisaient de la musique électronique avant que cet art ne se démocratise, il était difficile de rencontrer des gens qui faisaient de la musique, car peu de gens avaient la possibilité d’en produire. On rencontrait quelqu’un qui produisait de la musique, et on avait l’impression d’avoir beaucoup de choses à se dire parce qu’il avait peut-être le même matériel ou la même installation, et on espérait donc pouvoir partager des idées. Aujourd’hui, les logiciels facilitent la production de musique. Grâce à l’IA, les gens peuvent sauter le processus de création et avoir de la musique adaptée à leur imagination. Je constate que les producteurs plus anciens sont blasés par la nouvelle génération. Comme l’a dit un ami et collègue musicien :

Faire de la musique ne vous rend plus spécial. Tout le monde peut le faire.

 

Parallèlement, les étudiants m’ont demandé comment ils pouvaient élever leur art au-dessus de celui de l’amateur moyen. Pour répondre à cette question, je me suis penché sur le cas de Jean-Michel Basquiat.

 

Basquiat, un artiste urbain

 

Basquiat était connu pour sa production prolifique et son style artistique unique, combinant l’art de la rue, les graffitis et les éléments des beaux-arts. Malgré sa courte vie, Basquiat a créé un vaste corpus d’œuvres qui continuent d’influencer l’art contemporain.

L’un des aspects de l’éthique de travail de Basquiat était son dévouement sans faille à son métier. Il était connu pour passer d’innombrables heures dans son studio, travaillant souvent tard dans la nuit ou tôt le matin. Une profonde passion pour l’expression et la créativité était à l’origine de cet engagement envers son art.

L’éthique de travail de Basquiat reflétait également sa concentration et sa détermination intenses. Il abordait chaque œuvre dans l’urgence, canalisant son énergie dans des coups de pinceau spontanés et expressifs. Cette intensité lui permettait de capturer des émotions et des idées brutes sur la toile, ce qui se traduisait par des œuvres d’art visuellement frappantes et intellectuellement stimulantes.

 

Tout en étant prolifique, il s’est fait un nom auquel nous nous référons encore aujourd’hui. Si vous analysez son œuvre, vous verrez qu’il a utilisé de multiples moyens pour se faire un nom qui peuvent être appliqués à la création musicale. Examinons les points qui lui ont permis d’atteindre le statut qu’il s’est forgé.

 

Matière première

 

Dans la vidéo, le narrateur raconte comment Basquiat a trouvé un livre qui lui a servi de base d’inspiration. Basquiat utilise une collection d’icônes, de logos et d’images sur une page spécifique dans un grand nombre de ses œuvres. C’était son vocabulaire, et c’est aussi devenu son moteur. Si ses œuvres s’articulaient autour d’un thème, on verrait ces mêmes icônes omniprésentes. C’est une façon d’avoir toujours une collection d’idées répétitives qui, d’une certaine manière, a établi sa marque.

 

La façon dont j’enseigne la musique n’est pas très éloignée de cette approche. J’encourage tous les artistes avec lesquels je travaille à se constituer un ensemble de références et à consacrer beaucoup de temps à la recherche de samples qui suscitent l’enthousiasme. Des services tels que Splice proposent de nombreux articles, tels que des échantillons, des générateurs d’esquisses IA, des plugins et d’autres outils. Par rapport au jazz, la musique électronique doit choisir parmi un trop grand nombre de sons, et il est facile de se perdre dans le choix du son à utiliser pour créer une nouvelle chanson. Votre matière première peut être divisée en deux catégories principales :

  • Sons repères. Ce sont des sons que vous utilisez par défaut dans toutes vos idées initiales. À l’époque, les gens n’avaient d’argent que pour acheter une 909 ou une 303, et c’était le son qu’ils utilisaient de facto. Comme nous avons maintenant accès à tout, il est utile d’avoir un modèle de sons que vous utilisez comme point de départ, et que vous pouvez échanger par la suite.
  • Identity. These are more about representing you. Some artists have identity sounds that you can immediately recognize in the first minute of listening to their song. These can be a selection of sounds, presets, or specific effects.

 

Très souvent, les gens achètent du matériel ou des synthés logiciels au hasard. Il est assez pratique d’utiliser une démo pour le tester. Mais si vous utilisez des samples, ils sont souvent étiquetés avec le nom du synthé utilisé pour les créer. Il est également possible de faire de la rétro-ingénierie. Si vous avez l’impression que les samples ne vous conviennent pas, rappelez-vous que tout a été samplé d’une manière ou d’une autre. Le fait d’avoir des échantillons de qualité forme vos oreilles à ce qu’est la qualité. C’est essentiel pour l’apprentissage de la conception sonore. Si vous lisez ce blogue, ces concepts ont été abordés à de nombreuses reprises.

 

Voler comme un artiste

 

À un moment de la vidéo, Basquiat explique d’où viennent certaines citations qu’il a écrites et qui sont tirées de livres ou de films. Certaines images sont inspirées d’œuvres d’art qu’il a vues. Il ne les a pas copiées, il les a volées dans un contexte et les a introduites dans son monde.

(L’art) est une question de goût. Vous voulez essentiellement vous exposer à ce que les humains ont fait de mieux et l’appliquer à ce que vous faites. Steve Jobs

C’est vrai pour beaucoup de choses. Pour cuisiner des plats savoureux, il faut manger des plats exceptionnels. Il en va de même pour les sons. Je me sens souvent plus à l’aise avec l’idée que je suis un collectionneur qu’un musicien. Ma musique est une collection d’idées que j’aime et qui proviennent de sources aléatoires. Votre inspiration vient de vos références. Personne n’a jamais rien fait qui n’ait été inspiré par le travail de quelqu’un d’autre. Le fait que vous fassiez un genre vient du fait que vous avez entendu ce genre dans un contexte qui vous a inspiré. Alors, autant commencer une collection de chansons inspirantes. Il peut s’agir d’un son, d’une réverbération, de la façon dont les transitions sont faites ou d’une progression d’accords. S’il y a une chose que vous aimez dans une chanson, mettez-la dans votre dossier de référence. Ensuite, vous analysez vos références. Prenez des tonnes de notes et essayez d’imiter. Demandez à vos amis comment on fait quelque chose. Cherchez dans Splice des sons similaires.

 

Toutes ces expériences développent votre imagination, ce qui vous permet de trouver des idées fondamentales à conserver. Il faut parfois 50 idées pour en trouver une qui soit exceptionnellement satisfaisante. Essayez d’en faire plusieurs et de vous inspirer ouvertement de partout. Les artistes hip-hop sont plus à l’aise lorsqu’il s’agit de prendre des idées, car ils s’inspirent toujours des autres. Je dois dire que j’ai vu de nombreux clients remixer de la musique pop l’année dernière, de sorte que l’aspect « bootleg » devient une option. Toutefois, n’oubliez pas de respecter le travail de toute personne dont vous vous inspirez directement.

 

Avoir un message

 

L’un des messages de Basquiat qui l’a motivé était qu’il n’y avait pas assez d’artistes noirs dans le monde de l’art. Il voulait changer cela et s’impliquer lui-même, en en faisant le centre de son travail. La force d’un message est d’inciter les médias à s’intéresser à ce que vous avez à dire, et de rallier des adeptes qui s’y reconnaissent.

 

La musique punk a son message anarchiste, et le hip-hop a un message lié aux gangs pour certains artistes, tandis que pour d’autres, il s’agit de la lutte des gens dans le monde actuel. La house music a également toujours représenté un espace sûr pour les personnes homosexuelles qui souhaitent danser. Quel que soit le genre que l’on adopte, il y a une histoire qui le sous-tend et dont on oublie parfois les racines politiques. Il n’est pas obligatoire de connaître l’histoire, mais on peut aussi s’appuyer sur un genre pour y apporter son histoire et ses valeurs.

 

Avoir un message et une vision vous aidera à donner un sens à votre musique, et dans les moments où vous vous heurtez à un mur d’inspiration, votre message suscitera plus d’inspiration.

 

La vitesse

 

Si vous lisez ce blogue ou travaillez avec moi, vous savez que la rapidité est un élément auquel je crois. Les idées vont et viennent, parfois très rapidement, et ne restent pas toujours. La rapidité avec laquelle vous pouvez rassembler vos idées vous aidera à les saisir au vol, peut-être pour les terminer plus tard, mais surtout pour voir si elles ont un sens. C’est une chose d’avoir une idée, c’en est une de la faire fonctionner correctement.

 

Basquiat, lui, travaillait vite. Très vite. Dans la vidéo, ils racontent que sa rencontre avec Warhol a stimulé sa créativité et qu’à un moment donné, JM a fait un autoportrait d’eux dans un moment rapide, puis l’a rapporté à Andy, qui était stupéfait de sa rapidité. L’une des raisons pour lesquelles les artistes sont lents de nos jours est le manque d’organisation et de méthodologie. Plus on est organisé dans la gestion de son temps et de son art, plus on est rapide. La production musicale est une série de phases, et si vous vous asseyez pour faire de la musique et que vous voulez tout faire en même temps, vous serez frappé par une fatigue décisionnelle.

 

Le deuxième obstacle est l’ego. Cette partie de vous-même a toujours l’impression d’avoir quelque chose à prouver, à contrôler et à être ce que vous n’êtes pas. Cela conduit à la procrastination et à la distraction. Ma vision de la création musicale est alimentée par le plaisir dans toutes ses composantes. Lorsque le plaisir est présent, vous êtes dans la zone.

 

La zone est la clé du succès.

Étudier, mémoriser, intérioriser

 

C’est dans la dernière partie de la vidéo que j’ai vu le parallèle le plus fort avec ce que je fais en tant qu’artiste. Pendant mon temps libre, j’écoute toutes sortes de musiques, de radios et de films et j’étudie de nombreux tutoriels sur YouTube. Je pense que j’en regarde environ 10 par jour. Je prends beaucoup de notes à partir de ces tutoriels et, une fois devant mon ordinateur, je teste de nouvelles découvertes ou je revisite des techniques que je faisais déjà pour leur donner une nouvelle tournure. Pour chaque chanson, j’ai commencé par explorer une technique et j’ai développé de nouvelles idées en pratiquant.

 

Sauvegarder des macros est devenu quelque chose que je fais toujours. J’associe certains paramètres aux boutons de la macro et je m’amuse ensuite à créer des préréglages en les randomisant ou en les manipulant à l’aide d’un contrôleur. La réalisation de ces croquis touche à tout ce qui précède :

  • elle augmente la vitesse.
  • Je maîtrise mieux mon vocabulaire et je me rapproche de mon message.
  • Il est plus facile d’intégrer les idées que je « vole » ou dont je m’inspire.

 

Recycler vos anciens projets

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Il m’arrive d’être déconcerté par deux choses lorsque je travaille avec des clients :

  1. Ils repartent de zéro à chaque fois qu’ils créent une nouvelle chanson.
  2. Ils laissent dormir les projets terminés (et ne les réutilisent jamais).

Dans les deux cas, il s’agit d’une énorme perte de temps et d’énergie. Mais lorsque je leur explique que chacun de leurs projets est une mine d’or d’opportunités qui dorment sur leur disque dur, je vois leur visage s’illuminer. Si vous y réfléchissez, une chanson contient souvent beaucoup de matériel résiduel qui ne sera pas utilisé. Pensez à tous les éléments communs à toutes vos chansons, alors pourquoi ne pas créer un moyen de permettre à l’ordinateur d’utiliser les ressources pour créer ce matériel.

En fin de compte, la façon dont j’aborde la création musicale consiste à trouver une idée très originale, puis à la replacer rapidement en contexte afin de pouvoir lui donner un cadre temporel.

 

Pourquoi accélérer votre flux de travail?

 

Il est intéressant de noter qu’en tant qu’artiste et coach, j’enseigne souvent que la créativité est un processus très lent et qu’essayer de précipiter les choses n’est pas forcément une bonne idée. Mais paradoxalement, il est important de saisir une idée et d’en tirer le meilleur parti, puis de passer à autre chose. L’idée d’accélérer votre processus est de faciliter votre expression afin de ne pas vous perdre dans les détails techniques. L’un des points sur lesquels de nombreuses personnes perdent du temps est celui des détails, de la clarification des détails techniques, etc.

Si une chanson est une idée, placée sur une ligne de temps, il est également facile de s’éloigner de cette idée si l’on est plus technique qu’artistique.

 

Les stratégies ci-dessous visent à faciliter la partie technique en se concentrant sur l’organisation.

 

Stratégies

 

La première façon d’accélérer votre processus est de penser à l’avenir. À l’instar de ce mouvement qui consiste à payer un café à un futur client qui serait à court d’argent, le meilleur moyen d’accélérer la prochaine session est de l’organiser dans celle sur laquelle vous êtes en train de travailler. Je vous expliquerai les habitudes et les stratégies qui vous seront utiles par la suite.

 

Une méthode efficace consiste à utiliser la fonction d’importation du navigateur Ableton Live. Par exemple, si vous avez développé une chaîne d’effets captivante dans un projet précédent, enregistrez-la en tant que macro. Ces macros peuvent ensuite être facilement importées dans de nouveaux projets, ce qui vous donne une longueur d’avance avec des sons testés et éprouvés.

 

Création de modèles

 

Au-delà de l’importation d’éléments spécifiques, envisagez de créer des modèles basés sur vos projets les plus réussis. Ces modèles peuvent inclure votre routage préféré, des chaînes d’effets par défaut et même des instruments provisoires. En commençant un nouveau projet avec ces modèles, vous pouvez réduire considérablement le temps de configuration et vous plonger directement dans le processus de création.

  • Si vous remarquez une routine ou une habitude, transformez-la en un modèle où vous pourrez importer ce qui est nécessaire.
  • Les arrangements judicieux ou les modèles de mixage sont essentiels.
  • Les modèles sont en fait comme une recette que vous pouvez réimporter en tant que chaîne ou section d’arrangement, ajuster à votre goût et enregistrer à nouveau en tant que nouveau modèle.
  • Il s’agit de « Presets généraux ».

 

 

CONSEIL : Il existe différents types de modèles pour commencer. Analysez vos 10 derniers projets pour voir ce qui y est toujours présent de facto.

 

Création d’une chaîne de « restes »

Une autre méthode innovante consiste à créer un canal spécial dans votre DAW pour les « restes » ou « reliquats », c’est-à-dire les morceaux de projets antérieurs qui n’ont pas été retenus mais qui ont encore du potentiel. Il peut s’agir d’une mélodie à moitié terminée, d’un effet sonore intéressant, d’un motif vocal abandonné ou d’un motif de batterie unique. En sauvegardant ces restes, vous créez une bibliothèque sonore personnelle qui est non seulement originale, mais aussi imprégnée de votre style. Chaque fois que vous êtes bloqué ou que vous avez besoin d’inspiration, plongez dans cette piste et découvrez des éléments qui peuvent susciter de nouvelles idées.

Il y a toujours eu une règle tacite selon laquelle il ne faut pas utiliser de préréglages (presets) et qu’il faut se réinventer pour chaque projet. Bien que cela réponde au besoin de toujours avoir des idées non répétitives d’une chanson à l’autre, cela peut aussi prendre beaucoup de temps. Une bonne façon de procéder consiste à utiliser les restes comme point de départ d’un projet futur.

  • Les restes sont essentiellement ce que vous voulez qu’ils soient. J’ai tendance à accumuler tout ce qui n’est pas utilisé. Vous seriez surpris des utilisations que j’ai trouvées pour certains sons.
  • L’inspiration instantanée vient d’idées que vous pensiez ridicules : re-pitcher, étirer, découper, filtrer, égaliser sauvagement… ou traiter lourdement ces idées.
  • Décidez de vos propres règles internes concernant le nombre de fois où vous utilisez un son. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix.

 

ASTUCE : exportez vos restes normalisés afin qu’ils sonnent pleinement et qu’ils soient prêts pour de futurs projets.

 

Remixer ses propres morceaux

 

Parfois, la meilleure façon de recycler est de revisiter ses propres morceaux. Remixer un morceau que vous avez déjà produit peut être une expérience enrichissante. Isolez les éléments individuels qui se sont démarqués et réimaginez-les dans un nouveau contexte. Cela permet non seulement de donner un nouveau souffle à votre travail existant, mais aussi de repousser vos limites créatives.

Je souris toujours lorsqu’un client me dit qu’il n’arrive pas à décider si une décision vaut mieux qu’une autre en ce qui concerne son morceau. Peut-être que les deux idées sont bonnes, alors pourquoi ne pas faire deux versions?

Vous pouvez avoir autant de versions que vous le souhaitez de vos chansons. Dans les années 80 et 90, certaines chansons avaient parfois 3 ou 4 variations, ce qui était très amusant pour les DJ, qui pouvaient ainsi utiliser et réutiliser une chanson.

Voici quelques idées de nouveaux remixes :

  • Instrumental ou avec une voix
  • Changement de gamme
  • Sans batterie ou avec des percussions différentes.
  • Collaborer avec un musicien pour ajouter un enregistrement live.

CONSEIL : Essayez de combiner 3 à 4 chansons en une seule.

 

Séances de conception sonore systématique

 

Consacrez des séances spécifiques à la conception sonore, distinctes de celles consacrées à l’écriture ou à l’élaboration des morceaux. Au cours de ces séances, vous vous concentrerez sur la création de sons, de textures ou de rythmes uniques sans avoir à les intégrer dans un projet en cours. Conservez ces créations dans une bibliothèque organisée.

Passer du temps à organiser vos sons est également un moyen utile de faciliter les choses par la suite.

Lorsque vous travaillez sur une nouvelle musique, vous pouvez puiser dans cette bibliothèque pour trouver l’inspiration ou des éléments à incorporer, ce qui accélère considérablement le processus de création.

  • Prenez le temps de comprendre les préréglages complexes des sons que vous aimez.
  • Croisez les paramètres prédéfinis d’un synthétiseur avec ceux d’un autre synthétiseur.
  • Testez les démos d’un synthétiseur que vous aimeriez acquérir et enregistrez vos tests en audio.

Flux de travail collaboratif

 

Encouragez la collaboration avec d’autres artistes ou concepteurs sonores. Parfois, une nouvelle vision peut conduire à des résultats inattendus et inspirants. Les collaborations peuvent déboucher sur une bibliothèque commune de sons et d’idées, offrant ainsi une plus grande palette d’éléments dans laquelle puiser pour lancer de nouveaux projets.

  • J’aime partager un dossier Dropbox. Comme nous pouvons tous deux y partager des projets, vous pouvez les voir mis à jour de part et d’autre.
  • Demandez à une personne ayant des connaissances musicales de réviser et de réinterpréter une de vos mélodies à l’aide d’un instrument acoustique.
  • Liez-vous d’amitié avec des producteurs d’autres genres et voyez quels commentaires ils peuvent vous donner.

 

ASTUCE : Partagez une Dropbox ou un Google Drive avec vos amis.

 

Examen régulier et conservation des projets existants

 

Planifiez des séances régulières pour passer en revue vos projets antérieurs qui n’ont pas encore été publiés. Il ne s’agit pas seulement de se remémorer, mais de rechercher activement des éléments réutilisables, qu’il s’agisse d’une accroche, d’un son de synthétiseur unique ou d’un motif de batterie efficace. Ce faisant, non seulement vous vous rappelez vos travaux antérieurs, mais vous constituez également un répertoire d’idées et de sons facilement accessible.

Les personnes qui travaillent avec moi savent que j’aime mener tous mes projets à 90 % d’achèvement plutôt qu’à 100 %. La logique derrière cela est simple : j’aime rassembler un tas de chansons un jour donné ou pour répondre à un besoin, puis les finaliser en une seule fois. Cela permet de résoudre de nombreux problèmes : la cohérence des morceaux du même release, l’absence de structures répétitives, une meilleure originalité, etc.

  • Révisez le kick d’un projet pour une toute nouvelle approche de la direction d’une chanson : plus intense, plus douce.
  • Mettez en sourdine toutes les pistes qui ne font pas partie de l’accroche pour éviter l’encombrement. Cela est plus facile à faire si vous êtes émotionnellement éloigné de votre projet.
  • Essayez une version plus courte de votre chanson pour aller droit à l’essentiel (par exemple, les mixages prêts pour la radio durent 3 minutes).

 

Incorporation d’enregistrements de terrain et de sources sonores non conventionnelles

 

Parfois, les sons les plus inspirants proviennent du monde qui nous entoure. Enregistrez régulièrement des sons de votre environnement, qu’il s’agisse de bruits de la rue ou d’ambiances naturelles. Ces sons uniques peuvent susciter de nouvelles idées ou ajouter une saveur originale à votre musique. Il existe un magnifique plugin appelé Life qui est accompagné d’une application mobile qui se synchronise avec le logiciel sur votre ordinateur. Non seulement vous pouvez prendre des sons de partout, mais le logiciel va les découper, tout en leur donnant une structure. Les résultats sont impressionnants.

  • Lorsque vous êtes dans un lieu public, comme un restaurant, prêtez attention à la musique de fond. Qu’entendez-vous lorsque vous vous trouvez dans un nouveau contexte? Pensez à la façon dont votre musique se traduirait.
  • Essayez d’écouter les mélodies de votre environnement. Les mélodies cachées peuvent provenir d’un artiste de rue, des gens qui parlent autour de vous ou d’une voiture qui passe.
  • Explorez le bruit et donnez-lui la forme d’une percussion.

 

 

Exploration régulière de nouveaux outils et habitudes

 

S’il est important de disposer d’une boîte à outils familière, l’expérimentation régulière de nouveaux plugins, instruments ou logiciels peut apporter une perspective nouvelle à votre travail. Cela ne signifie pas qu’il faut toujours acheter le matériel le plus récent, mais plutôt explorer différents outils, éventuellement par le biais de démos ou de versions gratuites, afin de maintenir une approche créative dynamique.

Explorer de nouveaux outils signifie, par exemple, explorer des applications mobiles capables de produire des sons. Il y a un grand mythe autour de ce type de produits, car beaucoup pensent qu’ils ne sont pas assez bons. Mais vous seriez surpris de voir combien d’entre eux sont extrêmement solides et suffisants pour donner naissance à des idées. Non seulement l’interface est agréable, mais le fait de ne pas être devant son ordinateur donne une vision différente de ce que l’on fait. Vous pouvez explorer votre boutique mobile pour découvrir les applications qui sont étiquetées comme étant liées à la musique et vous verrez des synthétiseurs, des boîtes à rythmes ou des DAW insolites. Vous pouvez également consulter les casques VR pour le même type d’outils à explorer.

 

 

Cartographie mentale et flux de travail conceptuel

 

Parfois, le blocage ne se situe pas au niveau de la production, mais dans la phase conceptuelle. Utilisez des techniques telles que la cartographie mentale pour définir les thèmes, les émotions ou les histoires que vous souhaitez transmettre dans votre musique. Cette étape de préproduction peut fournir une orientation claire et aider à choisir ou à créer des éléments qui correspondent à votre vision.

Cette année, la cartographie de l’esprit fait fureur. J’ai commencé à transposer en concepts imagés la manière dont je travaille dans le domaine de l’audio. Parfois, le fait de schématiser ce que vous faites vous donne des idées auxquelles vous ne pouvez pas penser lorsque vous ne faites que de la musique en tant que telle.

L’une des méthodes que j’ai apprises s’appelle « Sticky Steps » . Fondamentalement, vous commencez par la fin, puis vous revenez en arrière avec de petites étapes pour y parvenir. J’aime à penser qu’il s’agit d’une méthode d’ingénierie inverse. Il est possible qu’à certaines étapes, vous manquiez de connaissances pour expliquer ou savoir comment faire, c’est pourquoi vous pouvez me contacter par exemple, ou demander à des amis.

 

J’espère que cela vous permettra de démarrer l’année en beauté. N’hésitez pas à laisser des commentaires ou des questions ci-dessous.