Archive d’étiquettes pour : nouvelles idées

L’importance de la pratique d’une musique ambient et expérimentale

/dans , /par

 

Dans le vaste domaine de la création musicale, il existe un territoire inconnu où les frontières s’estompent et où les paysages sonores deviennent une toile à explorer. C’est dans ce genre que la musique expérimentale et les compositions ambient trouvent leur essence, brouillant parfois les pistes. Ces formes de musique ne repoussent pas seulement les limites de la musique traditionnelle, mais servent également de passerelle pour développer des compétences en matière de narrativité dans les compositions musicales, car chaque chanson définit ses propres règles.

Si vous avez suivi ma carrière musicale ou lu ce blogue, vous savez que l’exploration et la rupture avec la norme sont des valeurs importantes pour moi. Après avoir fait de la musique pendant des années, je me suis heurté à quelques murs de frustration. À chaque fois, c’était le sentiment d’avoir tout vu, tout dit. Jusqu’à quel point peut-on se réinventer au sein d’un genre?

Si la musique est un moyen de s’amuser, l’idée de faire la même chanson encore et encore me paraissait aliénante. L’exploration des techniques de l’ambient et la plongée dans l’expérimental m’ont beaucoup aidé dans mon désir d’évoluer, de grandir.

 

 

Musique ambient ou expérimentale

 

Pour comprendre l’importance de la musique ambient et de la musique expérimentale, il est essentiel d’élucider leurs origines et leurs intentions. La musique ambiante, dont les pionniers sont des visionnaires tels que Brian Eno et Tangerine Dream, cherche à détourner l’attention des schémas conventionnels pour aborder la musique comme un outil permettant de créer des ambiances. La musique devient alors un outil, une tapisserie. La musique ambient invite les auditeurs à écouter, attentivement ou non, une musique qui a ou non une destination ou un but. En adoptant des compositions ambient, les créateurs de musique développent un sens aigu de l’espace, de la dynamique et de l’art de capturer des idées évolutives.

Comprendre comment faire de la musique ambient ouvre de nombreuses possibilités pour tous les autres genres que vous souhaitez créer. En particulier pour la musique de danse, si l’on supprime les parties rythmiques, on obtient une musique ambient.

 

La musique ambient est destinée à induire le calme et à créer un espace de réflexion« , explique Eno dans les notes de pochette du disque. « Elle doit être capable de s’adapter à plusieurs niveaux d’attention sans en imposer un en particulier. Elle doit être aussi ignorable qu’intéressante. » Brian Eno

 

D’autre part, la musique expérimentale est née des racines de la musique concrète, un genre qui pousse à l’exploration des techniques et des frontières. L’approche expérimentale de la musique consiste à comprendre les limites et les règles d’un genre, ses structures traditionnelles, en invitant les artistes à repousser les limites de leurs outils et à s’aventurer à proposer une nouvelle approche. Elle encourage les musiciens à remettre en question la norme, à accepter l’imprévisible et à trouver l’harmonie dans le chaos. Dans ce paysage en constante évolution, la musique expérimentale favorise un environnement propice à l’innovation et à la découverte de nouvelles possibilités.

Si vous travaillez sur le même genre depuis un certain temps, vous êtes tout à fait prêt à explorer la musique expérimentale. Je vous encourage à commencer par composer sans autre but que de briser vos routines.

Étant donné qu’une grande partie de la musique qui arrive à être reconnue implique souvent de revisiter une idée, les artistes commencent souvent par briser les règles tout en gardant une base. La même chose mais différente est une bonne façon de la décrire. Ce que je considère souvent comme de la musique expérimentale, ce sont toutes ces tentatives de prendre des risques, sans filtre. Il n’y a ni bien ni mal. Si vous essayez quelque chose de nouveau, vous êtes sur la bonne voie.

 

Il existe différents axes d’exploration :

    • Déconstruire les arrangements ou examiner les motifs. Si un genre a un modèle de percussion spécifique, essayez de déplacer les rythmes.
    • Utiliser des outils d’une manière qui n’a pas été prévue à l’origine.
    • Prendre une idée et la mélanger pour en voir toutes les possibilités.
    • Apprendre les techniques génératives pour la création musicale. Cela peut être fait dans Ableton Live et VCV, mais aussi dans Bitwig.
    • Passez du temps dans la nature et écoutez les sons qui vous parviennent. J’aime écouter le chant des oiseaux et j’essaie de comprendre le motif et la conception sonore de leur chant. Il m’arrive de les enregistrer et de les utiliser dans Ableton comme séquenceur.

 

« Le son est le vocabulaire de la nature. Le moment où la musique révèle sa véritable nature est contenu dans l’exercice ancien du thème avec variations. Tout le mystère de la musique s’explique là ». Pierre Schaeffer

 

Brian Eno a créé un jeu de cartes appelé « Oblique Strategies » dans lequel vous tirez une carte pour obtenir une inspiration ou une solution aléatoire face à un problème. Je trouve que c’est un outil à explorer et vous pouvez utiliser une version en ligne ici.

Relier des concepts étrangers

 

L’un des aspects les plus convaincants de la musique expérimentale et des compositions ambient réside dans leur capacité à relier des concepts sans rapport entre eux, en cherchant l’inspiration au-delà de la musique. Comme le suggère le livre de Rick Ruben, l’exercice consistant à relier des concepts sans rapport entre eux peut donner lieu à des points de départ inattendus. En s’inspirant de différents genres musicaux, ainsi que d’autres formes d’art telles que les arts visuels, la littérature ou le cinéma, les musiciens peuvent insuffler à leurs compositions un sentiment de profondeur et d’unicité.

Quelques suggestions :

  • Prenez une scène d’un film et ajoutez-y des sons, puis ne gardez que l’audio. Les images guideront les arrangements.
  • Lisez un livre, prêtez attention à l’histoire et imaginez une bande sonore.
  • Inspirez-vous de l’architecture. Voyez comment l’importance des mathématiques joue un rôle crucial dans la structure d’un ouvrage. Comme vous le savez, la musique, c’est des mathématiques, et peut-être pouvez-vous appliquer certaines observations à votre musique.
  • Apprendre à danser. J’ai suivi de nombreux cours de danse dans ma vie et lorsque je bouge, je comprends l’expérience des danseurs.

 

Traduire des idées issues de différents domaines en éléments musicaux peut donner des résultats étonnants. Par exemple, en empruntant la palette de couleurs d’une peinture, un musicien peut évoquer des émotions spécifiques ou créer des sons vifs, tandis que des couleurs plus sombres peuvent évoquer des tons plus profonds et plus graves. De même, l’intégration d’éléments de narration dans les compositions musicales ajoute une dimension narrative qui captive les auditeurs. En adoptant cette approche, les artistes peuvent créer des paysages sonores qui transportent le public dans des voyages transformateurs, brouillant ainsi la frontière entre la musique et la narration.

 

La fabrication de rythmes revisitée

 

La musique électronique met souvent l’accent sur le rythme et la création de rythmes. Toutefois, en perfectionnant leurs compétences en matière de composition mélodique et ambiante, les musiciens peuvent développer une base solide qui s’intègre harmonieusement aux éléments rythmiques. La musique ambient et les compositions expérimentales permettent aux créateurs de se concentrer sur la construction de mélodies, l’exploration de progressions harmoniques et l’élaboration d’une conception sonore complexe. Ces points forts, lorsqu’ils sont maîtrisés, constituent une plateforme solide sur laquelle les éléments rythmiques peuvent se fondre et s’épanouir sans effort.

L’une des façons dont j’aime travailler est de générer des idées, des compositions et des moments mélodiques aléatoires qui seront ensuite utilisés lors des séances au cours desquelles je produirai des rythmes. En d’autres termes, je divise souvent mes séances de musique en deux catégories :

  • Contenu mélodique, accroches, échantillonnage. Trouver des idées et en générer. Organiser des idées aléatoires en une accroche cohérente.
  • Rythmes, rythmes, rythmes. Travail sur la création de grooves, de rythmes, de conception sonore, de boucles simples ou complexes.

Ensuite, deux autres catégories :

  • Innover. Essayer d’inventer de nouvelles idées.
  • Imiter. Essayer d’émuler ou de reproduire les idées que j’aime dans la musique des autres.

 

L’expérimentation dans le domaine de la musique ambient et expérimentale ouvre la voie à des découvertes inattendues. Ces expériences peuvent se faire de multiples façons, par exemple en trouvant de nouveaux outils gratuits, de nouveaux tutoriels Youtube sur des genres ou des techniques que nous n’avons pas encore explorés ou simplement en explorant la randomisation dans Ableton. En s’éloignant des schémas rythmiques conventionnels et en explorant des sons qui peuvent être déstabilisants, les musiciens peuvent ouvrir de nouvelles possibilités de création de rythmes qui sortent de leur zone de confort.

 

ASTUCE : je trouve qu’une fois que vous avez des séquences, vous pouvez les découper en détail et les réorganiser selon vos goûts.

 

En tant que créateurs de musique, il est essentiel d’embrasser le vaste domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, car elles offrent des possibilités inégalées d’épanouissement personnel et artistique. En nous immergeant dans les paysages sonores qu’offrent ces genres, nous acquérons une compréhension profonde de l’espace, de l’atmosphère et de l’interaction délicate entre les éléments. En outre, en reliant des concepts sans lien entre eux et en puisant notre inspiration dans diverses sources, nous insufflons à nos compositions une richesse et une profondeur qui transcendent les frontières traditionnelles.

 

Dans le domaine de la musique électronique, où le rythme a souvent la priorité, le développement de compétences fondamentales en matière de composition ambiante et mélodique jette les bases d’une intégration harmonieuse avec la création de rythmes. En nous engageant dans la création musicale expérimentale, nous libérons notre véritable potentiel créatif et nous embarquons pour un voyage de découverte de soi, d’innovation et d’imagination sans limites.

Alors, aventurons-nous dans le domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, où les territoires inexplorés de la créativité nous attendent, prêts à être explorés, expérimentés et partagés avec le monde.

 

Génération d’idées et capacité d’attention de l’auditeur

/dans , /par

(Crédit photo : Avi Richards sur Unsplash)

Parfois en tant qu’artiste, vous vous retrouvez dans une zone où les choses sont un peu confuses. Cela arrive précisément lorsque vous perdez votre perspective, à savoir si vous faites de la musique pour vous-même ou pour un auditoire précis.

 

Il y a plusieurs perspectives dans la musique, celle du créateur et celle de l’auditeur. Il y a quelque chose d’assez contradictoire dans la création musicale : vous jouez de la musique, elle vient de vous, de votre imagination et de votre émotion du moment, mais pourtant, les musiciens ont souvent quelqu’un d’autre en tête lorsqu’ils créent. Cette personne pour laquelle vous faites de la musique n’est pas là pour vous donner son opinion.

 

En tant que responsable d’un groupe Facebook sur le coaching et d’un programme Patreon où je forme des gens, je suis confrontée à cette situation à maintes reprises avec mes étudiants. Ils craignent que leur chanson soit ennuyeuse ou que l’auditeur ne l’écoute pas jusqu’à la fin.

 

Existe-t-il une solution miracle pour garantir que tout le monde aimera la chanson et l’écoutera jusqu’au bout?

La réponse la plus simple est non. Vous ne pouvez jamais contrôler la façon dont quelqu’un va percevoir votre musique parce que vous pouvez écouter de la musique à différents moments de la journée et avoir des perceptions différentes. Cela peut être lié à l’émotion présente, à l’endroit où vous l’écoutez et à ce que vous faisiez avant, mais l’élément perturbateur sera sans aucun doute lié aux attentes de l’auditeur.

 

Cependant, tout n’est pas perdu : il existe des moyens d’augmenter la probabilité que la personne apprécie pleinement le morceau. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses que vous pouvez faire et qui peuvent certainement aider, techniquement, à faire en sorte que l’auditeur soit plus captivé.

 

L’attention est une compétition

 

J’aimerais également prendre un moment pour souligner que nous vivons à une époque où l’on recherche l’attention, ce qui a créé une culture de la recherche de l’attention. Ce désir d’attention est normal, mais vous devez comprendre que les gens n’ont pas beaucoup de temps à perdre. Toutes les plateformes de médias sociaux engagent des équipes pour attirer l’attention de personnes comme nous, de sorte que la capacité d’attention de chacun a considérablement diminué au fil du temps en raison de la concurrence. La bonne nouvelle est que la musique peut être une expérience de fond : elle ne vous empêche pas de faire d’autres choses pendant que vous l’écoutez. Vous pouvez toujours faire votre lessive, parler à vos amis, cuisiner, etc. tout en écoutant de la musique. Il s’agit d’une attention non partagée, mais lorsqu’il s’agit de musique, cela vaut autant que n’importe quelle attention.

 

Vous vous lasserez de vos chansons (ce qui conduit au doute)

 

Une chose que je vois lorsque les gens font de la musique, ils atteignent généralement un point où ils se sentent un peu perdus. Par perdu, je veux dire qu’ils peuvent avoir certains doutes qui s’insinuent en eux. Cela arrive principalement parce que les gens passent trop de temps à travailler sur leur morceau, parfois d’affilée (par exemple, une session prolongée de plus de 2 heures) ou qu’ils le peaufinent depuis plus de 3 jours d’affilée. Si vous suivez ce blogue, vous connaissez déjà mon opinion à ce sujet : ne pas espacer le temps que vous passez sur votre piste aura pour résultat le plus probable de ne plus savoir si votre idée peut être comprise ou si elle est « bonne ».

 

Il y a plusieurs phases dans la créativité, la première étant celle où vous avez dans les mains ce qui semble être une bonne idée, puis vous essayez de mettre cela dans une histoire et enfin, vous essayez d’en faire une ligne de temps. Une fois que vous avez ces 3 éléments initiaux, il se peut que vous tourniez en rond entre eux encore et encore parce que plus vous passez de temps sur votre chanson, plus vous entendrez des choses à corriger et ressentirez le besoin d’ajuster quelque chose parce que, eh bien, vous avez écouté la même idée pendant des heures.

 

Personne, à part vous-même, n’écoutera votre chanson autant que vous le faites.

 

C’est exactement la raison pour laquelle vous douterez de vous. Parce que toute personne qui y serait exposée autant s’en lasserait ou en aurait marre. Alors qu’en réalité, il n’y a absolument rien de mal à cela.

 

Ne tombez pas dans les extrêmes

 

Lorsque vous faites de la musique, l’équilibre entre faire de la musique pour vous-même et pour les autres est quelque chose d’étrange à trouver. Si, à un extrême, vous faites de la musique uniquement pour vous-même, il y a de fortes chances que votre musique soit vraiment désordonnée et qu’elle ne touche personne. Mais si vous allez à l’autre extrême et que vous ne faites de la musique que pour les autres, vous n’aurez aucune personnalité là-dedans et vous serez une sorte de coquille vide. Le bon équilibre consiste à comprendre ce qui fonctionne en tant que concept, puis à y injecter vos idées. En d’autres termes, ce qui fonctionne est bien souvent « la même chose mais différente ».

 

Vous n’avez aucun contrôle sur l’auditeur

 

En ce qui concerne l’auditeur, vous devez accepter que vous n’avez aucun contrôle sur ses goûts, sa capacité d’attention, son humeur et sa disponibilité. Lorsqu’une personne décide d’écouter une chanson, elle répond à un besoin spécifique qui lui est propre. Certains voudront quelque chose d’énergique pour une tâche, d’autres quelque chose de doux pour se détendre, certains qui sont DJ veulent une musique avec une direction spécifique, d’autres quelque chose entre les deux pour travailler/étudier, etc. Vous pouvez imaginer que quiconque écoutera votre chanson, viendra avec un besoin spécifique et il est aussi tout à fait possible que l’auditeur écoute votre chanson avec quelques autres avant, et quelques autres après. Il n’est pas fréquent que vous écoutiez soudainement un morceau, puis plus rien.

 

Maintenant, pensons à quelqu’un qui travaille une liste de lecture et qui a quelques nouveaux morceaux à ajouter. Il aura à peu près la même approche qu’un DJ qui prépare son prochain set. La musique qu’ils conservent est surtout quelque chose d’émotionnel et teinté par les goûts. Ils aiment ou n’aiment pas. Étant donné que la musique est facilement accessible de nos jours, les gens passent rapidement à autre chose parce qu’ils le peuvent.

 

Maintenant que nous avons tout cela à l’esprit, voyons ce qui peut être un obstacle à l’appréciation ou à la désapprobation de votre musique.

 

Comment maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson

 

Voici des moyens de maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson :

 

  • Calquer un morceau sur une chanson de référence dont vous savez qu’elle fonctionne. Cette méthode est la meilleure parce que, comme pour toute chose dans la vie, si vous avez le modèle pour quelque chose qui fonctionne, vous pouvez alors reproduire un concept. Cela fonctionne aussi bien pour faire une pizza que pour une chanson. J’en ai parlé à maintes reprises dans mes vidéos Youtube, mais il s’agit essentiellement de comprendre la structure de la chanson, la façon dont les sons entrent et sortent, les niveaux, la longueur, la densité, etc. Une fois que vous aurez analysé les chansons qui vous semblent incroyables, vous réaliserez qu’elles sont souvent plus simples que vous ne le pensez.

 

  • Faire en sorte que votre musique ne soit pas trop prévisible, mais juste assez pour maintenir l’intérêt de l’auditeur.. Ce qui maintient généralement l’intérêt d’une personne, c’est le sentiment d’être intelligent. Cela vient de l’idée qu’ils peuvent prédire ce qui va se passer ensuite dans une chanson, que ce soit en termes de progression d’accords ou d’arrangement. Si vous anticipez quelque chose et que cela se produit, cela peut vraiment déclencher une certaine excitation. Mais ce qui vous rend accroc, c’est quand cela vous prend légèrement au dépourvu. D’un côté, trop de prévisibilité rendra la chose ennuyeuse, mais de l’autre, trop de surprises créeront de la confusion et de l’irritabilité. Donc, généralement, vous voulez que la première partie de votre chanson crée une compréhension de ce dont parle la chanson, mais ensuite vous apportez de nouvelles idées. Pendant un certain temps, c’est la raison pour laquelle les breakdowns étaient si importants, car ils étaient en fait la porte d’entrée vers l’évolution suivante de la chanson, mais depuis qu’ils sont devenus si prévisibles, pour moi, les breakdowns ne sont plus pertinents.

 

  • Faire en sorte que votre musique suive les tendances actuelles, avec une légère nouveauté.. Je pense que tout musicien doit passer un peu de temps chaque jour à écouter les charts, les nouvelles sorties, ce que les DJs passent et ce que les gens aiment. Je trouve que, très souvent, j’ai des idées du présent que je mélange avec des idées du passé. J’écoute de la musique des années 90, j’entends un effet utilisé d’une certaine manière et je vois ensuite comment on peut améliorer cette vieille idée. Ce n’est pas en vivant complètement dans le passé que votre musique sera plus fraîche. Mais il n’est pas non plus nécessaire d’être dans l’instant présent, car vous serez soit perdu dans une mer de gens qui font de la musique en suivant les tendances, soit, lorsque votre chanson sera terminée, la tendance sera déjà dépassée.

 

  • Partager quelque chose de personnel. Cette question est délicate mais importante. En musique, en fin de compte, vous voulez être vous-même. Pour cela, il faut passer du temps à créer des sons jusqu’à ce que l’on trouve quelque chose que l’on aime vraiment. J’aime l’idée que si l’on s’arrête aux premières idées, elles peuvent être superficielles, mais si l’on prend son temps et que l’on va plus en profondeur, on en trouvera de plus en plus complexes. Si les choses sont aussi profondes, et que vous aimez ça, alors vous entrez dans le domaine de l’originalité et de l’espace personnel. Cette zone est cependant très vulnérable, car plus vous créez de manière personnelle, plus il est effrayant de le partager, car le rejet sera également très personnel. Mais la bonne nouvelle, c’est que les personnes qui aimeront cet espace seront aussi très proches de ce que vous êtes.

 

  • Connaître votre public cible et comprendre ce qu’il aime. Lorsque vous faites de la musique, vous pouvez suivre un genre ou non, mais si vous le faites, essayez de comprendre ce que les gens aiment dans ce genre. Peut-être le savez-vous déjà. Mais ce qui fait sauter une chanson à quelqu’un, ce sont généralement les quelques points suivants : l’inadéquation entre ses besoins et ce que la chanson lui offre (ex. la chanson n’a pas le bon ton émotionnel ou est techniquement écrasante), le choc des sons culturels (ex. la chanson a un genre mais ne respecte pas certains concepts de base, ce qui pourrait être irritant) ou des goûts complètement différents (tempo, ton, clé de la chanson, production, utilisation du son). En gros, il est recommandé de faire preuve d’audace dans ce que vous aimez, mais veillez à ce que cela reste dans les limites d’un genre, si vous souhaitez faire partie de cette direction.

 

Techniques musicales pour trouver de nouvelles idées

 

Pour faire de la musique, il faut trouver des idées. Vous pouvez faire de la musique pendant des années, mais une bonne façon de rester original est d’avoir différentes techniques pour générer de nouvelles idées. Voici 3 idées principales que j’utilise pour générer des idées, parmi tant d’autres. Fondamentalement, vous voulez, d’une part, avoir du matériel original et, d’autre part, trouver des moyens de le traiter. Cela signifie que vous pouvez avoir des idées de qualité qui n’ont pas besoin de beaucoup de cosmétiques, ou au contraire avoir des idées très génériques et ajouter des tonnes de traitement. Mais il s’agit dans les deux cas de deux méthodes différentes qui vous permettent de créer des possibilités infinies.

 

La création de nouvelles idées peut venir, soit de l’échantillonnage/enregistrement, soit de la génération d’idées synthétiques. J’utilise beaucoup l’aléatoire dans mon travail parce que c’est comme une avance rapide de mes réglages. En d’autres termes, si je manipule un bouton pour trouver des idées, cela peut prendre un certain temps. Au lieu de cela, j’utilise la puissance de l’ordinateur pour trouver des réglages aléatoires, sur plusieurs paramètres, en une seule fois, ce qui me permet de conserver les meilleures idées qui en découlent. En appuyant sur le bouton aléatoire, j’obtiens en quelques secondes autant de nouvelles idées que j’appuie sur ce bouton. Ce qui est puissant, c’est que je peux utiliser chaque instantané individuellement, et que je peux également effectuer un lent morphing entre chaque instantané, créant ainsi de merveilleuses idées évolutives.

 

Rendre aléatoire les effets, modules et macros

 

C’est assez facile dans Ableton. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs plugins, puis utiliser command+G pour les regrouper.

 

 

 

 

 

 

Vous pouvez ensuite lier les paramètres aux macros.


 

 

 

 

 

 

 

 

Pour les plugins VST, vous devez appuyer sur le bouton de configuration, puis cliquer sur les paramètres que vous souhaitez utiliser.

 

 

 

 

 

 

Une fois que vous avez assigné un certain nombre de paramètres aux boutons de macros, vous pouvez appuyer sur le petit bouton « Rand » pour voir différentes idées aléatoires.

 

 

 

 

 

Je vous encourage à sauvegarder votre rack avec les instantanés, que vous pouvez aussi enregistrer avec le petit bouton de l’appareil photo à gauche. Ces sauvegardes sont très pratiques lorsque vous voulez rappeler des idées du passé. La plupart de mes VST les plus utilisés sont tous sauvegardés sous forme de macro pour un rappel rapide.

Pendant que nous y sommes, Shaperbox 3 change énormément la donne pour moi en matière de conception sonore. Vous pouvez faire des choses vraiment, vraiment folles avec et c’est aussi un couteau suisse pour le mixage, la conception sonore et même le mastering.

 

Générer des mélodies aléatoires

 

La génération dee mélodies aléatoires est une autre technique que j’utilise depuis plus de 20 ans. Elle a été utilisée dans la musique concrète et les premiers balbutiements de la musique électronique. Un moyen rapide de le faire est d’utiliser, par exemple, Rozzer. Il s’agit d’un patch gratuit de Max 4 Live qui permet générer des idées assez facilement. En gros, vous le déposez sur un canal MIDI, définissez une gamme et une tonalité de base, puis tapez aléatoirement sur les notes (il générera une séquence de notes), puis tapez aléatoirement sur les Gates (lesquelles de ces notes seront jouées). Il s’agit d’une phrase que vous pouvez ensuite modifier selon vos goûts ou vous pouvez également explorer les polyrythmes en transformant les notes et les gates en différents nombres (par exemple, les notes sur une longueur de 12 et les gates, 7).

 

 

 

Échantillonnage et rééchantillonnage (sampling & resampling) Il s’agit également d’une technique amusante. Vous pouvez jouer une boucle dans votre session Ableton Live et appliquer des effets, puis appliquer des effets, mais vous enregistrez l’ensemble du jam dans un nouveau clip.

 

À partir du clip enregistré, je peux ensuite découper, remodeler, traiter à nouveau, étirer, etc. C’est ce qu’on appelle le rééchantillonnage et c’est un moyen très puissant de transformer les idées. J’aime dire que les clips de rééchantillonnage sont générationnels. Ainsi, un son traité une fois est de première génération, puis si vous retraitez ce clip, il est de deuxième génération, et ainsi de suite. Lorsque j’utilise des sons pour ma musique, j’opte généralement pour des sons de 4-5ème génération. Ils sont généralement plus riches. Ils sont généralement plus riches.

 

J’espère que cela vous aidera.