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Principes importants de production musicale

En tant que manager de label ou en tant que prof qui donne régulièrement des feedbacks (rejoignez notre groupe Facebook si vous êtes intéressé!), j’ai réalisé que je n’écoute pas la musique comme tout le monde : je base mon écoute sur certains principes de production musicale. Il y a un certain nombre de choses qui attireront mon attention et que la plupart des gens ne remarqueront pas vraiment. J’écoute un certain nombre de principes qui font que — selon mes goûts — une musique est riche, mûre et profonde. Beaucoup de labels recherchent la musique qui se vendra, mais je suis plus intéressé par une musique innovante, ce qui pour moi vient du travail de conception impliqué dans la chanson.

Pourquoi l’innovation en premier ? Je préfère marcher sur de nouvelles terres plutôt que de release quelque chose de bateau. Cela ne paie peut-être pas, mais la gratification différée est plus grande et je peux ainsi attirer des esprits créatifs, qui sont mes personnes préférées.

Je lisais sur le design visuel et j’étais plutôt intéressé par le fait qu’il s’apparente à la production audio. J’ai compilé quelques principes de base de la production musicale qui s’appliquent à la fois à la sphère audio et à la sphère visuelle.

L’ÉQUILIBRE

L’équilibre peut être atteint de différentes manières : du champ stéréo à l’équilibre mid/side, ou encore l’équilibre entre les basses et les hautes fréquences. J’aime entendre comment l’équilibre a été conçu et exagéré — l’emphase d’une zone qui se déplace vers une autre. Je veux sentir que l’artiste joue avec l’équilibre, ou montre qu’il peut proposer un décalage d’équilibre pendant toute la durée de sa chanson. L’équilibre est pour moi, l’umami de l’audio, et je veux faire l’expérience de quelque chose qui me semble plein.

ASTUCE : Dans la dernière étape de l’arrangement, essayez de vérifier chaque zone (gauche/droite, mid/side, fréquences basses, médiums, aiguës) pour voir comment elles sont liées les unes aux autres.

LE CONTRASTE

Celui-ci est un peu délicat. Comment appliquer un contraste en audio ? Cela peut être dans la façon dont vous sélectionnez vos sons par exemple. Peut-être avoir un certain nombre de sons qui ont une attaque très forte par rapport à d’autres qui sont doux. Peut-être un contraste de volume, de compression, d’harmoniques ou de simple vs très détaillé. Lorsque vous apportez un certain nombre de sons ou de mélodies, pensez à la façon dont chacun d’entre eux peut varier. C’est utile, car cela peut élargir votre palette de sons ou les faire évoluer vers autre chose. Un de mes contrastes préférés est celui entre les sons texturés et ceux qui sont lisses ; un autre type de contraste que j’aime entendre est une distinction entre le brut et le subtil sur certains éléments.

ASTUCE : Essayez d’importer deux échantillons à la fois qui sont très différents. Ex. 2 claps, l’un brillant et l’autre brut, puis passer de l’un à l’autre pour créer du contraste.

L’EMPHASE

Quel est l’élément qui devrait attirer votre attention en premier ? C’est, dans la conception, le point focal de votre œuvre d’art et dans l’audio, la mise en avant d’un son poussera l’auditeur à embarquer. C’est généralement dans les fréquences moyennes, juste en face de vous. Il est rare que votre élément clé soit déplacé vers la droite et si c’est le cas, ce sera vraiment déroutant tout au long de la chanson. Une bonne façon de créer un point focal sera de décider ce qui sera à l’avant et ce qui sera à l’arrière.

ASTUCE : Utilisez un élément principal en mono et égalisez les médiums un peu plus fort pour le pousser vers l’avant. Regroupez tous les sons à placer à l’arrière, là où vous diminuez légèrement les médiums en mode mid/side.

LE MOUVEMENT

J’en parle beaucoup dans ce blogue et si vous n’avez pas consulté certains des articles passés sur la façon d’obtenir plus de mouvement dans vos pistes, je vous invite à y jeter un coup d’œil. Le mouvement est l’une des parties les plus importantes des arrangements musicaux. Le mouvement, c’est la vie, rien de moins. Quand la musique est statique, elle est morte, ennuyeuse, redondante, synthétique d’une mauvaise manière, et terriblement aliénante. Vous avez besoin que votre son bouge dans l’espace, dans le champ stéréo ainsi qu’en haut et en bas — il y a tant de façons d’obtenir du mouvement.

ASTUCE : EQ, auto-pan, compression, filtres sont vos meilleurs amis pour le mouvement.

PATTERN (MOTIF)

Les idées et les accroches dépendent toujours d’un motif précis. La prochaine fois que vous écouterez votre chanson préférée, essayez de déterminer le motif de la chanson. Parfois c’est simple, parfois ce sont des motifs multiples qui sont superposés. Maintenant, le motif est plus que la percussion ; c’est l’ordre des éléments qui réapparaissent tout au long de la chanson. Dans la techno, il y a un micro motif (par exemple à l’intérieur d’une barre) qui fait partie d’un motif beaucoup plus grand. Le décoder, c’est un peu comme lire du morse. Mais l’un des points clés des motifs, comme l’explique Miles Davis, est de comprendre l’importance du silence parce que c’est ce qui les crée.

ASTUCE : Lors de la création d’un motif, essayez d’ajouter des idées supplémentaires aléatoires en utilisant l’effet MIDI d’Ableton, « Random ». Avoir un motif en développement peut faire des merveilles sur la timeline d’une chanson très simple.

LE RYTHME

C’est la suite logique du principe du pattern (motif), car ils vont de pair, mais sont légèrement différents. J’aime voir le rythme comme tout ce qui amplifie le flow du motif que vous avez créé. Les templates de groove d’Ableton sont particulièrement liés au rythme et au swing. Mais surtout, une chose à comprendre est la transition d’une section à l’autre, ainsi que ce qui est régulier ou irrégulier. Vous pouvez avoir un motif très simple, presque ennuyeux, mais avec un rythme impeccable, vous pouvez le rendre très engageant pour l’auditeur. Cependant, cela ne fonctionne pas dans l’autre sens ; un rythme médiocre transformera un bon pattern en déchet.

ASTUCE : Essayez de DJer vos morceaux à différentes étapes de la production. Vous pouvez étirer votre idée/concept jusqu’à 5-6 min et voir comment ça sonne, mixé en tant que DJ. Bien sûr, mixez-le avec quelque chose dont vous aimez le rythme et voyez comment le vôtre s’intègre.

L’UNITÉ

C’est la touche finale d’une chanson : « s’assurer que tous les éléments marchent bien ensemble ». Parfois, j’entends de la musique et j’ai l’impression qu’il y a quelques sons qui ne fonctionnent pas du tout. Peut-être que cela vous est arrivé et que vous n’êtes pas sûr de ce que c’est exactement. Voici une liste rapide des éléments à prendre en considération lors de l’élaboration d’une nouvelle idée :

  • Assurez-vous que toutes les mélodies sont dans la même gamme ou dans des tonalités compatibles.
  • Utilisez l’accordeur pour vous assurer que les éléments les plus importants sont dans la gamme.
  • Ayez toujours certains sons qui sont en relation « question/réponse » avec d’autres.
  • Certain sounds should either be working together or complementing one another (eg. played at same time or shuffling).
  • Utilisez un swing/groove global pour les sons principaux.
  • Tenez-vous-en à 1-2 reverbs pour créer un espace commun.

PRINCIPE FINAL : RENDRE VOTRE TRAVAIL COMPRÉHENSIBLE, DURABLE ET DÉTAILLÉ.

Voici une devise personnelle que j’applique à l’analyse de mon propre travail :

  1. « Cette chanson est-elle compréhensible ? » Si je demande à une personne de la chanter, peut-elle se rapporter à un élément ?
  2. « Cette chanson est-elle basée sur une tendance ou bien vieillira-t-elle correctement ? » J’aime analyser les chansons que j’aime encore après 20 ans et essayer de voir ce que j’aime encore dedans. J’essaie ensuite d’appliquer le concept avec mes connaissances actuelles. Il peut s’agir d’un concept ou d’une technique.
  3. « Ai-je couvert tous les détails ? » La dernière série d’arrangements que je ferai sera de passer prudemment à travers ma chanson, une mesure à la fois pour voir si je suis au courant de tous les détails, comme le volume, les attaques, la position, etc. Tant que je ne le fais pas, la chanson n’est pas terminée.

J’espère que cela vous aidera à percevoir votre musique différemment et à créer votre musique plus efficacement !