On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques.  Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

 

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

 

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris.  Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce?  Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

 

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

 

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.