Croyances et idées reçues en production musicale

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Vous faites peut-être de la musique depuis un certain temps ou vous êtes totalement novice en la matière, peut-être sur le point de vous lancer dans ce nouveau passe-temps, et vous avez ce sentiment accablant d’être dépassé ou perdu. Soyons honnêtes, certains passe-temps sont plus faciles que d’autres à démarrer. Vous avez peut-être essayé d’être DJ et vous avez vu à quel point il est rapide de s’y mettre, puis vous avez essayé d’être producteur et vous avez trouvé que la courbe d’apprentissage était raide. C’est pourquoi j’ai pensé écrire un article sur les différents défis auxquels les gens sont confrontés lorsqu’ils débutent et sur les solutions ou les stratégies que je donne aux étudiants pour surmonter les émotions difficiles.

 

CROYANCES ET IDÉES REÇUES EN PRODUCTION MUSICALE

 

Il existe tellement d’idées reçues sur notre passion qu’il est difficile d’en faire la liste, mais je vais essayer de démystifier les idées qui déroutent les personnes avec lesquelles je travaille.

« LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE EST FACILE À PRODUIRE » OU UNE VARIANTE, « SI VOUS AVEZ TOUT CE DONT VOUS AVEZ BESOIN, ALORS C’EST FACILE »

 

C’est honnêtement celle que je rencontre le plus souvent. Je discute aussi souvent avec des étrangers à ce sujet et j’ai recueilli un grand nombre de théories. Donc, pour commencer, dire que c’est facile, ce n’est absolument pas vrai. J’ai exploré la musique pendant 30 ans et il y a encore des moments où je ne suis pas totalement sûr de ce que je fais. De plus, j’apprends quelque chose de nouveau chaque jour où je pratique.

 

Faut-il tout savoir pour faire de la musique? Non, absolument pas. J’ai pu faire plus de 20 albums et sur certains d’entre eux, je ne faisais qu’effleurer la surface de ce qu’est la production.

 

L’idée que c’est facile vient de la comparaison avec quelqu’un qui prend une guitare et exécute parfaitement la théorie musicale, les rythmes et tout ce qui est lié à la musique. C’est plus difficile et c’est quelque chose que tout le monde ne peut pas faire. En apparence, la technologie a démocratisé la création musicale en créant un grand nombre d’outils, de logiciels et de matériels qui permettent à beaucoup de gens de faire plus que ce que tout le monde pouvait faire il y a plus de 30 ans. Cela ne veut pas dire que c’est plus facile.

 

Si vous voulez faire une boucle et jouer de la musique, oui, cela peut être similaire aux jeux vidéo et c’est honnêtement là que se trouve le plus grand plaisir. Quiconque veut aller plus loin aura vite l’impression que ce n’est pas suffisant et en voudra plus.

 

C’est là que la deuxième variante entre en jeu, avec l’idée que vous avez besoin de quelque chose d’autre pour le faire. Toutes les publicités auxquelles nous sommes exposés ou si vous parlez à d’autres producteurs, ils vous diront rapidement tout ce dont vous avez besoin… Ce qui est un peu un piège.

 

Je l’ai déjà dit plusieurs fois, mais pour faire de la musique, il faut au minimum un appareil capable de produire un son (téléphone portable, tablette, matériel informatique, ordinateur) et quelque chose pour écouter (casque, enceintes). C’est vraiment tout ce dont vous avez besoin.

 

Lorsque je dis cela aux gens, j’obtiens souvent la fameuse réponse « Je savais que c’était facile! ».

 

C’est alors que je lâche la bombe.

 

Oh oui, c’est facile… Il vous suffit de comprendre la théorie de base de la conception sonore, le flux du signal, les principes fondamentaux de la musique, l’ingénierie, la narration et peut-être aussi l’enregistrement, pour n’en citer que quelques-uns. Et encore, c’est déroutant parce qu’en tant que nouveau venu, vous pouvez être conscient du peu que vous savez et cela déclenche la confusion et la frustration.

 

C’est donc là qu’il y a un paradoxe. D’un côté, tout est là, mais cela ne signifie pas que vous saurez comment vous y prendre pour réaliser ce que vous voulez faire.

 

Mon approche est simple : il s’agit de convaincre toute personne qui se lance dans la musique de commencer par de petits pas. J’ai vu beaucoup de gens qui voulaient apprendre à jouer du piano et certains des premiers exercices qu’ils commencent sont de se familiariser avec les mains sur les notes, de jouer avec les gammes et, en gros, de s’entraîner à monter et descendre les touches. Si vous apprenez le piano, c’est ce que vous vous attendez à faire au début, car c’est la base du jeu.

 

En ce qui concerne la musique électronique, les gens ont des idées très variées. Ils veulent faire une chanson, ils veulent faire de la musique comme un artiste qu’ils aiment, ils veulent essayer ceci et cela… Il y a tellement de choses à faire et il n’y a pas vraiment de méthodologie, alors les gens essaient et échouent souvent.

 

D’autres mythes s’ensuivent.

 

« On fait une chanson en commençant par le début et en la terminant ».

 

Celle-ci est probablement la plus nuisible de toutes, car elle place les gens dans un flux de travail qui est contre-productif, aliénant et tout simplement pas amusant du tout. Si vous connaissez ce blogue, vous savez que je pense que faire une chanson à la fois est l’une des pires façons de travailler. Réfléchissons donc à ce que cela signifie pour vous de faire une chanson, ou à ce qu’une chanson est censée être.

 

Pour certains, c’est une petite histoire, pour d’autres, c’est une expérience, ou cela peut être un morceau à jouer par les DJ. Ce qu’elles ont toutes en commun, c’est qu’elles ont un début et une fin, plus quelques idées qui évoluent (ou non) au milieu. Certaines chansons ont une seule idée, d’autres plusieurs. Mais ce que cela signifie, c’est que chaque chanson a besoin d’au moins une idée. C’est là que la musique commence, en trouvant des idées. Cela signifie que vous pouvez écouter une musique que vous aimez et aimer quelque chose en elle. Peut-être avez-vous envie de sampler quelque chose d’un vieux disque ou simplement d’écrire vous-même les notes d’une mélodie.

 

J’insiste généralement sur l’importance de trouver des idées comme l’une des principales choses à faire, parce que ce n’est pas difficile à faire et parce que c’est amusant. L’autre chose que je dis aux personnes qui débutent est de passer d’innombrables heures dans leur logiciel de musique et de ne pas avoir d’autres objectifs que de tout tester avec une curiosité et une ouverture infinie. Plus vous avez d’objectifs face à quelque chose que vous ne comprenez pas, plus vous risquez d’être perdu et de vous désintéresser. L’une des principales conditions pour trouver le flux dans une activité est de faire quelque chose qui semble faisable, mais un peu difficile tout en s’amusant.

 

Il faut commencer par explorer, se familiariser avec le logiciel et faire de petites expériences.

 

Voici quelques petits projets que vous pouvez réaliser si vous êtes vraiment novice en la matière :

 1- FAITES GLISSER UN MORCEAU OU DES ÉCHANTILLONS QUE VOUS AIMEZ DANS VOTRE LOGICIEL ET JOUEZ AVEC.

Coupez-le, ajoutez des effets, étirez-le, augmentez ou diminuez son pitch, détruisez-le sauvagement et voyez ce qui se passe. Notez ce que vous faites et soyez conscient que certains outils donnent des résultats spécifiques.

 

 2- PASSEZ DU TEMPS À JOUER 1-2 NOTES SUR UN CLAVIER ET ÉCOUTEZ LES RÉSULTATS.

Cela signifie, testez tous les synthés que vous avez, les samplers. Jouez des notes longues ou courtes, et voyez comment ils se comportent. Enregistrez les notes et essayez d’enregistrer le son, détruisez-le.

 

3- ÊTRE RÉACTIF AU LIEU DE COLLECTIONNER.

L’une de mes approches en matière de musique consiste à choisir n’importe quel son et à me dire que si quelqu’un me payait 1000 dollars pour faire une chanson avec ce son, que ferais-je? Le problème pour de nombreuses personnes est qu’elles ont accès à beaucoup trop de choses et qu’elles vont passer toute la session de studio à chercher un son spécifique qu’elles ne trouveront jamais. Cela vous rend créativement paresseux. Vous apprendrez davantage en travaillant avec quelque chose de médiocre qu’en recherchant le son parfait. Vous pourriez même apprendre à créer des sons que vous aimez en faisant des gaffes.

 

Si nous sommes d’accord sur le fait que ce sont les idées qui font les chansons et que vous aimez des idées spécifiques, vous devez vous entraîner à jouer pour acquérir de l’aisance, de la spontanéité et du contrôle afin de pouvoir éventuellement créer vos propres idées. C’est pourquoi j’invite les gens à jouer avec ce qu’ils ont pour acquérir une certaine fluidité.

 

DONC, POUR RÉSUMER :

 

Pour faire de la musique, on n’a pas besoin de beaucoup.

Il y a beaucoup de choses à savoir, mais il n’est pas nécessaire de tout savoir pour s’amuser.

Si tu t’amuses, tu auras envie de passer du temps à explorer.

Reste curieux de ce qui te semble inutile ou trop compliqué.

L’exploration signifie la pratique.

La pratique apporte de nouvelles idées.

Les idées peuvent être transformées en chansons.

Il est plus facile de tirer le meilleur parti d’un son que de chercher le son parfait.

La simplicité est synonyme de sophistication.

 

Faire de la musique, c’est s’amuser. Si vous n’avez pas l’impression de vous amuser, vous ne le voyez pas sous le bon angle.

 

Dernière croyance qui cause du tort :

 

« J’AI DE GRANDES IDÉES EN TÊTE, MAIS JE N’ARRIVE PAS À LES METTRE ENSEMBLE DANS MES CHANSONS »

 

Tout ce que l’on a en tête est merveilleux, mais une fois que l’on essaie de le reproduire, les choses ne sont jamais vraiment identiques à ce que l’on attend. Depuis des années que je fais de la musique, je n’ai jamais vraiment réussi à traduire mon monde intérieur en sons. Peut-être que si vous êtes un chanteur ou un artiste folklorique, c’est plus facile, mais dans le domaine de la musique électronique, les choses sont complètement différentes. Vous pouvez avoir une belle idée de mélodie, mais il vous faut le bon son. Vous pouvez avoir le bon son, mais la mélodie risque de ne pas correspondre. Plus vous poursuivez quelque chose d’abstrait, moins vous aurez de prise sur ce que vous contrôlez réellement.

 

Il y a un grand nombre d’éléments qui peuvent vraiment obscurcir votre jugement et courir après quelque chose m’a toujours apporté de la frustration. J’ai parfois eu beaucoup plus de plaisir à travailler sur des idées simplistes qu’à me lancer dans un projet très ambitieux. Cela ne signifie pas que vous devez vous arrêter, mais il est important de comprendre où vous en êtes, techniquement, et de fonctionner avec vos compétences actuelles.

 

Quelqu’un m’a demandé comment faire de très longs morceaux techno comme le font certains artistes. Je lui ai répondu : « Ne fais pas ça ». Il était surpris et déçu. Je lui ai expliqué qu’il était plus important qu’il devienne d’abord très bon dans ce qu’il fait maintenant. Ensuite, une fois que la base est solide, on peut élargir et faire quelque chose d’un peu plus difficile. J’ai exploré des morceaux plus longs une fois que j’ai réussi à en faire de solides de 6 minutes, puis je suis passé à 8, puis 10, et enfin plus.

 

UN CONSEIL BONUS :

 

« Mon ami m’a dit que ce logiciel est nul »

 

J’aurais pu ajouter beaucoup de citations ici, mais ce que je veux dire, c’est que beaucoup de gens vous diront quelle est leur expérience et comment ils sont arrivés à certaines conclusions, mais au final, ce n’est que le point de vue de quelqu’un. Je me méfie toujours des gens qui me disent de ne pas faire quelque chose (surtout si je n’ai jamais demandé de conseils) et je suis plus curieux de ceux qui expliquent comment ils ont réussi à faire quelque chose que j’aime. Beaucoup de gens ont des règles auto-imposées qui sont super bizarres et qui ne sont soutenues par rien de technique. J’ai souvent entendu des affirmations bidon selon lesquelles un logiciel n’était pas assez bon (FLStudio, par exemple, est souvent décrié) ou qu’un plug-in n’est pas fait pour la musique, alors que je connais beaucoup de gens qui ont fait des idées incroyables avec les installations et les ressources les plus ridicules. Ce qui compte, ce n’est pas ce que vous utilisez, mais ce que vous en faites.

 

« Définition de fini » en production musicale

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Il s’agit d’un scénario courant qui implique que quelqu’un doute de l’état d’avancement de sa chanson, principalement pour savoir si elle est terminée. Vous êtes peut-être cette personne. Vous avez l’impression que votre chanson est terminée, vous l’exportez, vous l’écoutez dans la voiture ou avec des amis et puis vous sentez cette vague de malaise qui vous envahit parce que vous remarquez toutes les erreurs et les choses qui ne vont pas. Laissez-moi vous rassurer : vous n’êtes pas seul et cette situation est plus fréquente que vous ne le pensez.

 

Le concept de définition de fini (Definition of Done, DoD en anglais) est un concept que j’ai emprunté au processus Agile, qui est typique des codeurs ayant affaire à un scrum master, principalement dans la gestion de projet. En Agile, il y a des sprints où un objectif est fixé, puis des tâches/actions sont entreprises pour atteindre un certain point. Ils conviennent que la tâche est terminée lorsqu’un certain nombre de critères sont remplis. Cela peut s’appliquer à n’importe quel projet, du désherbage de votre jardin à la préparation d’un repas.

Dans un monde qui n’est pas celui du monde numérique, avec des 1 et des 0, le concept de « fini » peut être un peu délicat, car le niveau de maîtrise peut changer selon la personne qui établit la définition de fini. En d’autres termes, vous pourriez convenir que ma définition de fini sur une chanson sera très différente de celle d’une personne novice en musique. Et ce n’est pas grave.

 

Il existe quelques concepts que nous pouvons examiner et qui vous aideront à vous défaire des murmures de votre voix intérieure.

 

Une chanson n’est jamais vraiment terminée

Celle-là fait mal, hein? Mais je vous le dis, il n’y aura jamais un domaine où l’incertitude peut vous frapper plus que la musique, principalement parce que les choses sont abstraites dans le monde des sons. Votre principal ennemi est vraiment vous-même et le jugement que vous portez sur ce que vous faites change tous les jours, parfois même en une journée. Vous ne le saurez jamais vraiment, honnêtement, mais il y a certaines choses qui peuvent vous aider. Je ne m’adresse pas à vous pour vous dire de laisser tomber. Ce qui m’intéresse, c’est de savoir jusqu’à quel point je peux vivre avec des imperfections et jusqu’à quel point une personne au hasard les remarquera. C’est là que ça compte.

Il y a un certain nombre de choses que nous ne savons pas et il y a aussi une zone grise de choses que nous ne savons même pas que nous ne savons pas. Votre chanson se situe entre les deux et votre futur moi, dans 10 ans, comprendra avec plus de compassion que cette chanson a été réalisée dans les limites techniques du moment. Et c’est vraiment bien, croyez-moi.

 

Les références révèlent la vérité

C’est là que beaucoup de gens échouent. Vous ne pouvez pas savoir que vous avez terminé si vous n’avez pas de modèle. Par exemple, vous pouvez cuisiner une pizza, mais honnêtement, si vous n’en avez jamais mangé (je vous plains!), il est assez difficile de la comparer à quoi que ce soit. J’ai mangé l’une des meilleures pizzas de ma vie à New York et ce goût s’est forgé comme mon préféré. Chaque fois que je mange une pizza maintenant, que ce soit à l’aéroport ou dans un petit restaurant, mon esprit la compare à celle que j’ai mangée à New York. C’est la même chose avec le son. Lorsque je fais du mastering ou du mixage, j’ai des modèles d’autres projets et je sais exactement comment je veux que ça sonne.

Pour les arrangements, ce qui est facile, c’est de charger un morceau dans Ableton ou dans votre DAW et de s’en servir comme d’un moule. J’encourage les gens à faire une écoute critique, à compter combien de sons ils entendent dans la référence et à la comparer à la leur. Très souvent, les gens ont beaucoup trop de choses qui se produisent en même temps ou peut-être qu’il y a un élément de moins — et cela aide beaucoup. Même chose pour les niveaux, dans le mixage.

Mais je veux sonner de manière unique… je vous entends dire. Bien sûr, vous y arriverez, mais vous devez d’abord acquérir de solides compétences en matière de finition des chansons.

Encore une fois, la plupart du temps, quand quelqu’un n’arrive pas à déterminer s’il a terminé ou non, je lui demande d’abord « comparé à quoi? ». Principalement parce que si on ne compare pas avec quoi que ce soit, on se sent juste arbitraire dans la décision et c’est pourquoi vous aurez l’impression de dire oui ou non, selon votre humeur et votre niveau d’insécurité.

 

Enfin, faites attention à ne pas vous comparer à un fichier masterisé. Vous risquez de vous mettre en situation d’échec si vous vous comparez à une chanson qui a été faite par un musicien qui a plus d’expérience que vous, qui a sorti beaucoup de musique et aussi, si la chanson est masterisée et que la vôtre ne l’est pas, eh bien, ce ne sera pas égal. Vérifier les volumes (par exemple, snare ou kick), ainsi que d’autres détails, donne lieu à un combat plus équitable.

 

Demandez une rétroaction

Il existe de multiples façons de demander une rétroaction et de nombreux endroits pour le faire également. Vous pouvez en obtenir gratuitement dans mon groupe Facebook (quand je suis libre) ou par le biais de mon programme Patreon. Vous pouvez demander à d’autres producteurs, même s’ils ne sont pas très expérimentés, mais assurez-vous qu’ils écoutent dans le bon état d’esprit, ou dans le bon contexte (certains écoutent sur leur téléphone, non!).

 

Faites des pauses et prenez du recul

Cela a été dit à maintes reprises sur ce blogue, mais les sessions de studio de plus d’une heure peuvent vous conduire à vous tromper sur ce que vous faites. Vous pouvez penser que c’est génial ou nul, peut-être que ce n’est ni l’un ni l’autre parce que votre jugement, honnêtement, s’arrête après 1 h de travail. Cela s’appelle la fatigue décisionnelle et vous en avez peut-être déjà fait l’expérience.

 

Je fais des sessions de 1 h max, mais de préférence de 20 minutes à la fois, avec des pauses. Je laisse mes morceaux dormir pendant des semaines ou des mois. Quand je les rouvre, je veux les avoir suffisamment oubliées pour avoir l’impression d’écouter la chanson de quelqu’un d’autre et on sait tous à quel point on est bon critique quand ce n’est pas la nôtre. Je crée des projets et les retravaille souvent 3 ou 4 ans plus tard. C’est vraiment amusant et finalement, quand vous créez ces sessions, vous en avez un paquet et vous redécouvrez toujours des pépites dormantes.

 

Lorsque j’ai une très bonne idée et que je sens que ce serait vraiment bien, je m’arrête généralement là et JE NE TRAVAILLE PAS DESSUS! Je la laisse dormir pendant des mois. Surtout parce que ce que je pense être une idée géniale peut ne pas en être une et si c’est le cas, je veux que ce soit mon futur moi qui s’en occupe. D’ici là, j’aurai réfléchi, accumulé de nouvelles idées, acquis de nouveaux plug-ins et de l’expérience, de sorte que lorsque j’ouvrirai ce joyau endormi, j’aurai tout ce qu’il faut pour le transformer en ce que je veux. Parfois, je travaille sur une super chanson et il me manque peut-être quelque chose, alors je peux aussi saisir cette idée et la transformer en une bombe presque finie, qui sera certainement au-delà de ce que j’attendais.

 

Décidez quand vous vous sentez bien

Cette question peut être déroutante ou tellement évidente que vous pouvez vous sentir pris au dépourvu. Pensez à la dernière fois que vous avez vu l’un de vos amis sur son fil d’actualité Facebook dire qu’il avait abandonné sa carrière de DJ ou quelque chose comme ça… eh bien, en fait, il prend une décision quand il se sent mal. Si vous décidez d’abandonner, vous avez accumulé de la frustration. C’est la même chose pour vos projets. Comme le suggère la recommandation précédente, faire des pauses et attendre avant de prendre une décision est tout à fait sain et vous permet d’attendre le moment où vous vous sentez vraiment bien dans votre chanson. Surtout si vous avez l’impression que la moitié du temps où vous l’écoutez, c’est bon pour la poubelle. Dans le doute, la plupart du temps, les pauses sont cruciales. Si 90 % du temps vous avez le sentiment que quelque chose a besoin d’être corrigé, alors faites-le.

Comment établir votre définition de fini :

Maintenant que nous avons abordé les stratégies permettant de savoir si votre chanson est terminée, examinons comment établir votre propre définition du terme « fini ».

 

1- Choisissez une référence (ou plusieurs), comme nous l’avons vu précédemment. Il s’agit de donner le ton, l’esthétique, la direction. Décidez et engagez-vous sur ce que sera cette chanson (une ballade? un drone ambiant? une bombe pour le dancefloor?) puis trouvez quelque chose de solide qui vous servira de référence. Vous vous y référerez.

 

2- Analysez votre référence et sachez quelles sont les exigences minimales. Comprenez à l’avance ce que vous ne pouvez pas faire à partir de celle-ci et ce que vous pouvez contrôler. Demandez de l’aide, consultez des tutoriels et faites le maximum.

 

3- Décidez à l’avance ce que vous allez faire et ce que vous ne pouvez pas faire. Si vous vous connaissez et que vous connaissez les parties où les choses sont un peu plus difficiles, vous pouvez toujours demander de l’aide. Il y a cette idée fausse que l’on devrait être capable de tout faire soi-même, mais c’est contre-productif. Voulez-vous être moyen dans tous les aspects de la production? L’idéal est de s’amuser d’abord et de s’améliorer, mais vous pouvez aussi demander de l’aide : des amis, d’autres producteurs, moi-même.

 

4- Fixez-vous un plan. Vous pouvez vous fixer une échéance, mais aussi des zones de non-actions à entreprendre.

 

5- Définissez quelques points de ce que seraient certains objectifs de « fini ». Il peut s’agir de l’étendue du mixage que vous voulez faire (ex. je vais passer 2 h maximum au mixage). Ou « Je veux que ma batterie soit très punchy » comme un objectif à atteindre. Peut-être que votre chanson ne sera jamais aussi punchy que ce dont vous rêvez, mais lorsque vous demandez un retour à quelqu’un qui ne l’a jamais entendue, vous pouvez lui demander s’il pense qu’elle a du punch. Si vous demandez un avis général et vague, vous obtiendrez des réponses vagues.

 

6- Testez en contexte. Jouez votre morceau dans un mix de DJ ou demandez à un ami DJ de le jouer. Voyez ce qui se passe, comment il sonne par rapport aux autres morceaux. Ce seul fait peut révéler de nombreux défauts et points forts. J’aime aussi glisser une référence dans mon DAW et jouer mon morceau avec un autre, les mixer ensemble, pour que je puisse voir si cela fonctionne avec les arrangements.

 

Conclusion

Cette approche a prouvé à de nombreuses reprises avec des clients qu’elle fonctionne. Plus vous êtes préparé, mieux c’est. Devez-vous toujours faire cela? Non. Je le fais surtout lorsque j’ai des périodes où je manque d’inspiration ou lorsque je suis engagé pour un contrat plus important. Mais c’est bien de le mettre en pratique ici et là, de sorte que lorsque vous êtes confronté à des défis, vous ne vous lancez pas là-dedans sans avertissement. Cela pourrait en fait se retourner contre vous.

 

Photo par Brett Jordan sur Unsplash

Les albums sont-ils toujours d’actualité?

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Les albums sont-ils encore pertinents? OK, c’est une question un peu délicate, parce que oui, je pense qu’ils le sont toujours. Il y a eu une tendance ces quatre dernières années, où les gens disent que « le concept de l’album est mort, personne n’écoute les albums, bla-bla-bla ». J’entends souvent dira ça. Si vous regardez les tendances actuelles, c’est logique : vous regardez sur Spotify et beaucoup de gens sortent des EP et des singles parce que c’est le moyen le plus sûr de jouer l’algorithme pour obtenir des lectures.

Cependant, le concept des singles et des EPs m’ennuie à mourir. Je déteste ça. Quand je vois une chanson, je me dis : « Oh, je veux entendre l’album dont elle est tirée. » Alors je vais vérifier et très souvent, c’est un single. Cela me rebute tellement que parfois je me mets en colère. C’est comme si les artistes avaient perdu leurs balls, faute d’un meilleur terme. C’est comme s’ils étaient dictés par le système capitaliste qui dit que sortir des singles est le moyen le plus efficace de commercialiser leur art. Je pense que c’est un problème parce que l’art et le capitalisme vont rarement de pair. Quand je vois un single, tout ce qui me vient à l’esprit, c’est : « Où est votre sens artistique? Où est votre vision? Où est votre âme? C’est tout ce que vous avez à dire? »

Pour ma part, je trouve que les albums sont narratifs. Quand je vais voir un film comme Doom ou Star Wars, ça m’énerve un peu parce qu’il n’y a pas de point culminant, au contraire, ils vous tiennent en haleine pendant des années en attendant le prochain film. Personnellement, je préférerais voir un film qui dure cinq heures plutôt que trois films. C’est pourquoi j’aime les séries dont tous les épisodes sont publiés en une seule fois, comme sur Netflix. Je sais que c’est suffisamment long pour que je m’investisse dans les personnages, et à la fin, j’aurai l’impression d’avoir perdu des amis et d’avoir vécu quelque chose.

Pour moi, un album, en particulier les longs albums qui durent au moins une heure, c’est comme une fenêtre sur le studio de l’artiste. J’ai l’impression de jeter un coup d’œil dans son studio et d’entendre la musique sur laquelle il a travaillé au cours des six derniers mois ou de l’année écoulée. Parfois, à l’écoute des chansons, on a l’impression que les artistes ont vécu des expériences qui ont changé leur vie, ou qu’ils ont été inspirés par un certain artiste, et qu’ils ont ensuite trouvé une réponse artistique à leurs influences, comme s’ils essayaient de faire une déclaration dans une culture spécifique.

Je trouve qu’aujourd’hui, en tant qu’artistes et musiciens, nous devons aller de l’avant et nous affirmer dans la façon dont nous nous exposons dans la musique. Si cela signifie que nous allons avoir un album avec seulement deux chansons solides, où les autres sont des expériences, alors qu’il en soit ainsi. Il y a un certain romantisme dans un album où l’artiste est libéré de la pression de devoir montrer à chaque fois le meilleur de lui-même pour les singles.

De plus, avec les albums, j’aime le fait que l’on puisse s’asseoir et l’écouter en mode aléatoire et avoir une histoire différente à chaque fois. Parfois, je fais ça pendant une semaine d’affilée et je m’imprègne du potentiel créatif de quelqu’un.

Une autre chose que j’aime, c’est quand un artiste a plusieurs albums, et que parfois vous en écoutez un et vous vous dites : « Wow, ça sonne complètement différemment, mais je vois une relation avec le précédent. » C’est agréable de voir l’évolution entre les deux.

J’aime écouter des albums, parce que je veux entendre la musique que vous avez faite en décembre, par exemple, même si elle n’est pas parfaite. J’adore ça. C’est pourquoi lorsque je fais un album, je le fais généralement en un jour ou deux, afin de rassembler les pensées que j’avais à ce moment-là.

En général, je ne passe jamais plus d’une heure et demie sur une chanson, ce que beaucoup de gens trouvent fou. Quand on me demande comment je fais pour écrire un album aussi rapidement, ma réponse est assez simple : j’ai un flux de travail efficace. Cela ne veut pas dire que je ne travaille sur la musique que par tranches d’une heure et demie. Le travail se fait en amont, en m’assurant que j’ai tous les éléments nécessaires pour créer un mood board efficace.

Comme je passe du temps à mettre de l’ordre dans mes échantillons et mes sons quand je fais une chanson, je sais exactement ce que je veux, et j’ajoute les choses autour à partir de mon modèle. Puis je continue ce que j’ai fait dans la précédente, et une fois que j’ai terminé celle-ci, j’ouvre la troisième, et ainsi de suite. Et à la fin de la journée, j’ai une tonne de nouvelles chansons.

Certaines personnes me demandent : « Comment faites-vous pour jammer si vous n’avez pas un tas de matériel — c’est pénible de tout faire en MIDI à chaque fois ». Eh bien, si vous utilisez Ableton, ce n’est pas pour rien qu’il s’appelle Ableton Live. Utilisez la vue session, et commencez à cliquer sur les clips que vous avez chargés — vous n’avez pas besoin de quelque chose de sophistiqué.

J’ai aussi un autre élève qui chante simplement dans un clip audio et le convertit ensuite en MIDI en utilisant l’option d’Ableton. La traduction n’est pas parfaite, mais cela fait partie du plaisir du jeu — cela crée des restrictions.

Rappelez-vous également que vous n’êtes pas obligé de terminer une chanson en une seule fois — vous pouvez travailler sur plusieurs chansons en même temps. Lorsque vous vous sentez bloqué sur une chanson, commencez-en une autre ou ouvrez un projet précédent.

Une autre clé pour faire des albums rapidement est d’en faire une habitude. Prince enregistrait quelques morceaux par jour, et maintenant il y a une bibliothèque de musique dans son coffre-fort. Ricardo Villalobos est dans le même cas : il ne passe généralement pas plus d’une journée sur ses chansons. Il se contente de jammer. Une grande partie de cette motivation vient du succès, mais pour réussir à notre époque, il faut sortir du lot, et sortir une tonne de choses est un bon moyen d’y parvenir. Le succès, tout comme la production, est une corvée, ne l’oubliez jamais, mais il s’accompagne de beaucoup de satisfaction personnelle.