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Conseils pour garder une boucle intéressante sur toute une chanson

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Pour qu’une chanson construite principalement autour d’une simple boucle demeure intéressante, nous devons discuter de la façon dont vous travaillez et de vos perceptions. Je ne peux pas me contenter de recommander des trucs techniques qui résoudront tout. Vous devez réfléchir à la façon dont vous voyez votre musique, et à partir de là, il y a certaines choses qui, à mon avis, peuvent faire une différence pour aider à garder un auditeur engagé, même si votre chanson est construite autour d’une simple boucle.

Il y a deux éléments principaux dont vous devez tenir compte en ce qui concerne l’engagement de l’auditeur lorsque vous faites une chanson :

  1. La manière dont quelqu’un écoute une chanson.
  2. La manière dont votre chanson engage l’auditeur dans son expérience.

Répondre aux attentes de vos auditeurs

Si vous lisez ce blogue, vous saurez que ce sujet a été abordé dans d’autres articles. Je n’y reviendrai donc pas en détail, mais j’aimerais vous rappeler quelques éléments clés. Le point le plus important ici est de comprendre ce que vous voulez faire en premier lieu. D’après les nombreux entretiens que j’ai eus avec des clients, c’est là que beaucoup de gens se perdent. Pour savoir ce que vous voulez faire avec une chanson, votre intention doit être claire dès le départ.

Un plan pour une chanson est-il quelque chose de fixe qui ne peut être changé par la suite?

Bien sûr, vous pouvez changer d’avis, mais cela peut ouvrir une boîte de Pandore, car la direction et la vision de ce que vous voulez faire deviennent moins claires. La musique consiste à communiquer une sorte d’intention.

Quand, dans le processus de création musicale, devez-vous fixer votre intention?

Vous n’êtes pas obligé de le faire explicitement, bien sûr, mais cela vous aide si vous manquez d’orientation ou si vous sentez que vous ne pouvez pas atteindre vos objectifs. Je trouve qu’il y a deux moments clés où le fait de fixer une intention peut apporter des avantages significatifs. Le premier est lorsque vous commencez un projet. Lorsque vous commencez une chanson, vous pouvez penser à quelque chose d’un peu général, comme « une chanson ambient » ou « une track dance floor » ; mais plus vous êtes précis, plus vous fixez des limites aux divagations de votre esprit. Beaucoup de gens n’ont pas besoin de cette approche et peuvent sauter cet aspect de l’écriture musicale, mais pour d’autres, elle peut être un levier pour maximiser vos efforts dans ce que vous faites.

Par exemple, je fais souvent des chansons sans but précis parce que j’aime juste laisser les choses se faire et voir comment le processus de création affecte le produit final. Mais lorsqu’on me demande de faire un EP, je dois concentrer les résultats.

Par exemple, pour répondre aux attentes de mes clients, je dois savoir ce qu’ils veulent. Il est utile que le client travaille dans un genre spécifique ou qu’il puisse faire référence à un artiste qu’il aime, afin que je puisse l’aider à produire une musique qui plaira à des personnes ayant des goûts similaires. Lorsque l’on travaille avec une intention claire, il faut étudier comment la musique est faite, plus ou moins, en matière de variations, de transitions, de nombre de sons, de durée, de tonalités, etc.

L’objection que je reçois toujours à cette recommandation est « oui, mais je veux avoir mon propre style ». J’estime que cette affirmation est un peu erronée. Nous sommes toujours influencés par d’autres artistes et si vous ne l’êtes pas, vous pourriez avoir un problème entre les mains : pour qui faites-vous de la musique?

Je connais des gens qui font de la musique pour eux-mêmes, ce qui est formidable. Mais quand ils ont essayé de la vendre ou de la promouvoir, il n’y avait aucun moyen de savoir à qui elle était destinée parce que nous n’avions pas de modèle de référence. Pouvez-vous être original et être écouté? Oui, mais je pense qu’un certain pourcentage de vos chansons doivent posséder une sorte d’influence d’un genre auquel les gens peuvent s’identifier. Par exemple, une version très personnelle du Drum and Bass, ou de la House — alors votre musique aura une certaine étiquette.

Répondre à vos attentes et à celles de vos auditeurs en même temps

Le problème numéro un que j’entends est que le producteur s’ennuie de sa propre musique, et qu’il craint que l’auditeur s’ennuie, ce qui est tout à fait normal, compte tenu du temps que l’on peut passer à faire de la musique. Personnellement, je fais mes chansons avec une approche méticuleuse :

  • 1 idée, 2 éléments de soutien.
  • Percussion, limitée à 5 éléments maximum.
  • Basse.
  • Effets, textures et arrière-plan.

C’est tout.

L’idée principale évolue rarement plus de 2 ou 3 fois dans une chanson. Si elle change plus fréquemment que cela, vous pouvez souhaiter qu’elle évolue sur un intervalle régulier et précis, par exemple en changeant toute les 2 mesures.

Lorsque vous écrivez de la musique, comment garder une seule idée intéressante?

J’utilise les principes de design utilisés dans le contenu visuel et je les applique à ma musique. Si vous apprenez ces principes pour faire de la musique, vous développerez une toute nouvelle façon d’écouter de la musique. En recherchant ces principes, vous tomberez sur une certaine variété, mais ce sont ceux qui reviennent le plus souvent :

Équilibre : Ce principe est ce qui relie l’harmonie à l’art. En traduisant cela en musique, je dirais que, par rapport au mix, cela pourrait signifier comment vous gérez l’aspect tonal de votre chanson. Si l’on pense à la conception sonore, cela pourrait être le nombre de sons de percussion par rapport aux sons doux, ou le contraste entre les éléments clairs et sombres. Je trouve que les arrangements équilibrés se réalisent lorsqu’il y a un bon rapport entre les surprises et les idées attendues.

Contraste : Utiliser des sources différentes, ou avoir un élément qui provient d’une source totalement différente des autres. Cela peut être analogique ou numérique, acoustique ou électronique, ou bien tous vos sons proviennent de synthés modulaires sauf un qui provient d’une source organique. Si tout vient de la même source, il n’y a pas de contraste.

Mettre l’accent : Faites ressortir un élément de la chanson — il y a tant de façons de le faire! Vous pouvez ajouter quelque chose de plus fort, ou vous pouvez faire passer un élément dans un effet tel que la distorsion, etc. L’accentuation en musique est souvent liée à l’amplitude, à la gamme dynamique et aux variations de volume. Dans un mix fortement compressé, il sera difficile de faire ressortir un élément.

Motif : Il s’agit de l’idée centrale que vous voulez répéter dans votre chanson. Il peut également être lié à la signature rythmique ou à un arpège. Il peut s’agir de la partie que vous répétez dans un ordre précis ou chaotique.

Rythme : C’est la base de beaucoup de musique à bien des égards, et cela, pour moi, peut faire directement référence à la signature rythmique ou à la séquence de percussion. Vous pouvez aussi avoir plusieurs formes de rythme, du staccato, chaotique, robotique, lent-rapide… c’est vraiment l’une de mes choses préférées à explorer.

Diversité : Il s’agit du nombre de sons similaires par rapport au nombre de sons différents. C’est un peu plus subtil à appliquer en musique par rapport à la conception visuelle, mais je pense que c’est la façon dont vous vous répétez ou non dans votre arrangement. Si vous faites évoluer une chanson sans diversité, vous risquez de perdre l’attention de l’auditeur… même chose si vous avez trop de diversité dans vos sons.

L’unité : C’est ce qui colle une chanson dans son ensemble. Pour moi, la colle est faite à partir du mixage, mais il y a des choses qui peuvent vous faciliter la tâche, comme utiliser une réverbération globale, une certaine compression, un mixage propre, des préamplis identiques (colorés) ou une distorsion/saturation globale.

Pour conclure, je ne saurais trop vous recommander d’espacer vos séances de musique, de vous fixer une intention et de prêter attention à vos arrangements. Si vous savez ce que vous voulez réaliser avec votre chanson, vous pouvez vous appuyer sur une référence spécifique, puis construire vos idées en utilisant certains des principes de conception dont j’ai parlé dans cet article. Bonne chance!

Le sentiment d’être derrière : musique et compétition

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Photo de couverture par Emma Simpson

Il est intéressant de constater que la création musicale est devenue une compétition. Si vous pensez à la concurrence en musique et prenez le temps d’examiner ce point de vue objectivement, cette tendance semble assez ironique. Avant de démystifier ce syndrome musical fréquent chez les gens avec qui je travaille, j’aimerais expliquer d’où il vient selon moi.

L’un des pièges les plus courants dans la musique est de se comparer aux autres. C’est l’une des choses les plus autodestructrices qui peuvent arriver à un musicien, mais c’est tellement commun que j’ai parfois l’impression d’avoir besoin de l’expliquer aux gens quand ils s’assoient avec moi pour travailler sur la musique.

Pourquoi nous comparer est-il inutile ?

Les artistes avec lesquels vous vous comparez ne sont pas dans la même catégorie que vous. Je ne parle même pas ici de talent ni d’équipement ; je parle d’objectifs et de besoins. De même, les personnes qui vous servent habituellement de référence pour la comparaison ont autrefois été à votre place, mais elles ont évolué à partir de là et gagnent probablement maintenant leur vie grâce à la musique. Transformer votre passe-temps en travail exige d’énormes changements dans votre processus de création musicale parce que vous vous plongez alors dans le côté commercial de la musique, où vos décisions sont maintenant en partie basées sur la façon dont elles peuvent générer une sorte de « gain » pour votre carrière, que ce soit financièrement ou autrement. En d’autres termes, si vous étiez dans une course automobile, ce serait comme comparer votre Jetta à une Ferrari conduite par un pilote professionnel.

J’entends souvent ça :

« Je vois ce mec/fille faire un morceau que je peux facilement faire, mais je ne peux toujours pas avoir de bookings ou être signé sur des labels. »

La vérité, c’est que ça ne marche pas comme ça. Vous n’êtes pas moins bon ou moins qualifié que lui — vous n’avez tout simplement pas le réseau dont il dispose.
Vous vous comparez aux autres parce que vous avez des objectifs et des besoins spécifiques que vous voulez atteindre. C’est ce que vous devez savoir.

Vos objectifs.

Connaissez-vous vos objectifs ? Savoir ce que vous poursuivez sera très utile pour savoir exactement ce que vous devez faire pour les atteindre. Voici quelques exemples de buts en musique :

  • La reconnaissance: Vous voulez être considéré comme quelqu’un de talentueux pour ce que vous faites et vous pensez que si vous prouvez que vous avez des compétences, cela viendra de soi.
  • Gigs, bookings, argent : Certaines personnes croient que si elles n’ont pas de gigs, cela signifie que leur musique n’est pas bonne ou qu’il y a quelque chose qui ne va pas.
  • Faites partie d’une communauté : Si votre musique est assez bonne, vous serez accepté et considéré comme important.

Vos besoins peuvent être comblés de bien d’autres façons et être victime de la concurrence musicale en croyant que vous êtes à la traîne, ce n’est peut-être pas la bonne façon d’y penser. Êtes-vous vraiment derrière les autres ? ou êtes-vous dans une position différente ?

Comme je ne suis pas étranger à ce sentiment, j’ai souvent combattu mon dialogue intérieur sur les aspects compétitifs du métier de musicien. J’ai trouvé un moyen très solide de me calmer en me rappelant les points suivants :

  • Vos goûts > compétences techniques. Peu importe où vous vous situez en termes de connaissances, vos goûts seront toujours votre premier sens pour vous aider à trouver de bonnes idées. Les superbes chansons sont étonnantes grâce à leur contenu, elles sont rarement bonnes pour leur bravade technique. Parfois, je trouve que la musique excessivement produite sonne froide et sans âme. Si vous avez d’excellentes idées, vous pouvez toujours trouver des gens ou des ressources en ligne pour vous aider à les transformer en quelque chose de raffiné.
  • Les distractions sont perturbatrices. Si vos yeux et vos oreilles regardent ou écoutent autre chose que la musique que vous aimez, vous avez perdu votre concentration. Passer du temps sur les magazines et les médias sociaux vous fait perdre la trace de ce que vous faites. Je préfère être dans ma bulle jusqu’à ce qu’une chanson/album soit terminée plutôt que d’être distrait par le bruit et de perdre mon flow. Par exemple, voir vos amis signer sur un label ou jouer à un évènement alors que vous n’êtes pas là ne signifie rien du tout ; le bon côté de quelque chose comme ça, c’est que votre temps libre peut être utilisé pour créer davantage de musique.
  • Votre réseau est-il solide ? Avez-vous des amis qui vous soutiennent pour ce que vous faites ? Beaucoup de gens finissent par devoir changer leur « cercle d’écoute » et décider avec qui ils partagent leur musique. Si vous comprenez que chaque fois que vous envoyez votre musique à X, il vous rabaisse toujours, ce n’est certainement pas quelqu’un de fiable. Choisissez des gens qui veulent écouter votre musique, qui ont les mêmes goûts que vous et donnez leur vos feedbacks également.
  • Combien de projets avez-vous en cours ? Point crucial ici. J’encourage toujours les gens à essayer de faire de la musique tous les jours, à lancer beaucoup de nouveaux projets et à surfer entre eux pour trouver ceux qui fonctionnent le mieux pour aller de l’avant. Il est plus important de terminer un projet que de le rendre parfait.

L’ego qui aime se laisser aller à la compétition, une fois écarté, a beaucoup de place pour la créativité. Mais il faut apprendre à reconnaitre quand l’ego prend le dessus.

 

VOIR AUSSI :  Se fixer des objectifs