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Outils MIDI d’Ableton et optimisation du flux de travail

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Quel que soit votre niveau de maîtrise d’Ableton Live, vous avez peut-être déjà vu des tutoriels avancés sur YouTube et vous vous êtes demandé s’ils étaient faits pour vous. Bien que je couvre certaines des techniques avancées que j’utilise ci-dessous, je souhaite introduire le sujet de ce que sont les techniques avancées et pourquoi vous aimeriez les utiliser. C’est une chose de s’y intéresser, mais parfois, la simplicité peut être encore plus puissante que quelque chose d’avancé et de compliqué, à moins que vous ne vouliez faire quelque chose de compliqué. Lorsque mes étudiants me posent des questions sur les techniques avancées, nous nous retrouvons toujours dans une conversation sur ce qui est avancé en premier lieu ou sur les raisons pour lesquelles on voudrait utiliser ces techniques. Nous parlons de musique ambiante, d’IDM, d’EDM ou de musique qui semble avancée. Le fait est que les techniques sont toujours divisées en catégories, et c’est là que tout commence.

  • Performance en live.
  • Arrangements.
  • Conception sonore
  • Mixage.

Alors que la production musicale est une série non linéaire de phases qui se succèdent, vous utilisez d’abord une technique pour reproduire un effet/son spécifique ou résoudre un problème. Pour savoir quelle technique vous voulez ou devez utiliser, vous devez d’abord être capable de nommer le problème auquel vous êtes confronté. Cela peut s’avérer difficile car, parfois, nous ne savons même pas que nous avons un problème.

 

L’apprentissage circulaire plutôt que linéaire

 

L’un des problèmes que rencontrent de nombreux étudiants qui travaillent avec moi dans le cadre de l’apprentissage traditionnel ou des cours en ligne est qu’ils utilisent une approche linéaire de l’enseignement et un partage monodirectionnel des leçons. L’approche linéaire s’apparente à la cuisine, où l’on suit les étapes du mode d’emploi et où l’on obtient un résultat à la fin. Dans le domaine de la musique électronique, les expériences ressemblent davantage à un arbre de possibilités qu’à un résultat unique. Imaginez un arbre comme une entité aux racines multiples fusionnant en un noyau et se développant en de multiples branches. C’est la même chose avec la musique : vos racines proviennent de différents espaces, et votre avenir devrait s’orienter vers une large expansion des possibilités plutôt que vers un endroit unidirectionnel. Les leçons monodirectionnelles signifient que vous recevez des informations et que vous les appliquez ensuite. Je ne crois pas tellement à cette méthode parce que je suis curieux et que j’ai toujours envie d’en savoir plus. La curiosité est l’un des traits les plus importants pour apprendre la musique électronique. Je préfère une méthode bidirectionnelle, ce qui signifie que j’apprends à connaître l’élève, ses origines, sa façon d’apprendre et ses objectifs. L’approche que nous utilisons est circulaire lorsqu’il s’agit d’apprendre, et il s’agit principalement de comprendre les obstacles et d’utiliser des stratégies pour les surmonter. Cela conduira à l’exploration de techniques.

Notes d’un cours particulier que j’ai donné. Travailler, apprendre dans un mouvement circulaire.

Comme vous pouvez le constater, nous commençons par maintenir l’élève dans un état de fluidité, mais lorsqu’il rencontre un obstacle, nous disposons d’une stratégie pour trouver des solutions dans le cadre d’une approche. Voyons maintenant comment certaines techniques vont fonctionner pour eux.

Résolution et correction des problèmes

 

C’est une chose de rencontrer des difficultés techniques, mais c’en est une autre d’être confronté à des limitations techniques. Parfois, on ne sait pas qu’on ne sait pas qu’il y a un problème, et c’est délicat. Dans l’enseignement, transmettre toutes les connaissances à un élève ne s’est jamais avéré efficace. L’une des meilleures façons d’apprendre est de commencer à créer une chanson, une miniature ou une petite expérience en live. Lorsque Live est arrivé en 2024 avec une nouvelle version (12), l’une des premières choses qui a attiré mon attention a été l’évolution de toute la section midi avec l’implémentation directe des patchs max dans les propriétés du clip. Peu de temps après la sortie de la nouvelle version, deux développeurs ont proposé une série d’outils avancés, et je vais expliquer ci-dessous certains des problèmes potentiels qu’ils couvrent.

 

MIDI Tools de Phillip Meyer

La première qui a piqué ma curiosité est la collection MIDI Tools de Phillip. Comme son nom l’indique, il s’agit d’une collection d’outils MIDI divisée en deux catégories. Les catégories sont nouvelles dans Live 12. Elles consistent en des conteneurs qui transforment les signaux ou créent de nouvelles idées. Cette approche est similaire à celle des synthés modulaires, où vous avez des sources et des modificateurs. Elle n’est donc pas étrangère à ceux qui viennent de ce monde. C’était déjà le cas dans la version 11, mais ce n’était pas expliqué de cette manière. D’une certaine manière, la nouvelle version de Live revient à ses racines : jouer en live. Les outils proposés par Meyer sont nombreux. Les voici et ce qu’ils font.

 

Blocks

Blocks

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Principalement utilisé pour la génération de rythmes. Créer des motifs anormaux d’une manière inhabituelle. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Briser ses habitudes de percussion, créer des breakbeats ou des rythmes étranges. Utile pour briser le syndrome de la page blanche. Je pense que celui-ci est mon préféré. Vous dites combien de temps ou de notes vous voulez et vous jouez avec les curseurs. En fonction de la position donnée, les notes seront placées proportionnellement. Il ne s’agit pas d’un séquençage euclidien, mais d’une logique propre.

 

 

 

Phase Pattern

Catégorie : Générateur Ce qu’il fait : Crée des séquences de façon logarithmique. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut créer un effet de balle rebondissante, ce qui signifie que les rythmes peuvent prendre de la vitesse ou changer à mi-chemin. C’est utile pour les pauses, les transitions, les effets et les roulements. Celui-ci est amusant. C’est un bon moyen de créer des motifs élastiques où les choses s’accélèrent, et cela peut aussi être un moyen de changer de rythme au cours d’un morceau.

 

 

 

 

 

Turing Machine

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Émule ce que fait la machine de Turing dans le monde modulaire. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver de nouvelles mélodies et de nouveaux motifs. Il est excellent pour briser le syndrome de la page blanche ou pour fournir des idées complémentaires. Si vous ne savez pas ce que fait la machine de Turing, je vous encourage à consulter le site suivant. Il s’agit d’un système inventé par Allan Turing pendant la Seconde Guerre mondiale pour décrypter les codes nazis. Aujourd’hui, nous pouvons l’utiliser pour générer des séquences, des mélodies ou des motifs.

 

 

 

Polyrhythm

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Crée plusieurs motifs à la fois. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Créer des séquences complexes, percussives ou mélodiques. Si vous n’êtes pas familier avec les polyrythmies, je vous encourage à y jeter un coup d’œil. En gros, les polyrythmies sont un moyen de programmer des motifs qui ne sont pas de la même longueur, ce qui rend la séquence non linéaire et ne tombe pas toujours dans la même boucle. Cela peut avoir un effet hypnotique et dérouter les gens sur le point de départ et d’arrivée d’une idée, comme c’est le cas dans les percussions africaines. Ce générateur utilise des algorithmes euclidiens pour créer ses séquences.

 

 

 

 

Condition

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une idée et peut proposer des alternatives sous certaines conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver différentes variations pour une séquence. Pourquoi se contenter d’une idée quand on peut avoir un nombre illimité d’alternatives et choisir la meilleure pour ses arrangements? C’est exactement ce que fait ce transformateur.

 

 

Develop

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Semblable à Condition, mais lié au temps. Il prend une idée initiale, la développe et l’estompe progressivement. Il s’agit d’un outil intelligent d’amélioration des notes. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut s’agir d’un bon moyen de développer une idée de manière inattendue. Celui-ci est similaire aux conditions. Il fonctionne bien dans la section Arrangement, où vous prenez une idée et voyez ensuite plusieurs idées évoluer à partir d’une idée initiale. Il ne s’agit pas d’une condition, mais plutôt d’un moyen de faire évoluer une idée.

 

Divs

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une note et la subdivise. Problèmes qu’il peut résoudre : il ne résout pas de problème, mais il permet de faire du cliquetis à partir de n’importe quoi. Cette technique est très populaire dans le Trap ces derniers temps. Elle est conçue comme un compagnon de l’outil Blocks.

 

 

Draw

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Donne une mélodie ou de la vie à un motif de différentes manières. Ce qu’il peut vous aider à faire : Transformer une séquence que vous avez générée en mélodie. Vous pouvez facilement dessiner la hauteur ou d’autres caractéristiques et voir comment cela se passe. C’est un moyen spontané de créer des mélodies et de transformer des motifs rapides en quelque chose d’autre, en leur donnant automatiquement une seconde vie.

 

 

 

 

 

 

Pattern Transform

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et, selon certaines règles, réviser les mélodies et prendre des décisions à votre place. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? De légères modifications à une accroche peuvent vous aider à créer des alternatives pour d’autres sections de votre chanson. Considérez-le comme un assistant de prise de décision basé sur des conditions.

 

Segments

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Subdiviser une note, mais en fonction de conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Similaire à Divs mais avec une approche similaire à Condition. Idéal pour les motifs micro glitch IDM complexes.

 

 

Feel

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : C’est un humanizer. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Rompre avec une séquence robotique et rigide et l’animer d’un swing et d’un sentiment humain.

 

 

Shift

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et le modifier, que ce soit au niveau de la hauteur, de la durée, de la vélocité, etc. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Utile pour avoir des variations sur une séquence ou pour tester la modification de ses caractéristiques à travers une boucle.

 

 

 

 

 

Ces outils constituent ce que j’appellerais une bonne sélection d’outils de déblocage. Ils ne sont pas basiques, mais tout le monde peut les utiliser et, avec un peu de patience, ils peuvent fournir des idées solides ou aider à avancer vers des variantes. Je dirais qu’ils font partie de mes indispensables.

L’éthique du travail de Basquiat

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À une époque où peu de gens faisaient de la musique électronique avant que cet art ne se démocratise, il était difficile de rencontrer des gens qui faisaient de la musique, car peu de gens avaient la possibilité d’en produire. On rencontrait quelqu’un qui produisait de la musique, et on avait l’impression d’avoir beaucoup de choses à se dire parce qu’il avait peut-être le même matériel ou la même installation, et on espérait donc pouvoir partager des idées. Aujourd’hui, les logiciels facilitent la production de musique. Grâce à l’IA, les gens peuvent sauter le processus de création et avoir de la musique adaptée à leur imagination. Je constate que les producteurs plus anciens sont blasés par la nouvelle génération. Comme l’a dit un ami et collègue musicien :

Faire de la musique ne vous rend plus spécial. Tout le monde peut le faire.

 

Parallèlement, les étudiants m’ont demandé comment ils pouvaient élever leur art au-dessus de celui de l’amateur moyen. Pour répondre à cette question, je me suis penché sur le cas de Jean-Michel Basquiat.

 

Basquiat, un artiste urbain

 

Basquiat était connu pour sa production prolifique et son style artistique unique, combinant l’art de la rue, les graffitis et les éléments des beaux-arts. Malgré sa courte vie, Basquiat a créé un vaste corpus d’œuvres qui continuent d’influencer l’art contemporain.

L’un des aspects de l’éthique de travail de Basquiat était son dévouement sans faille à son métier. Il était connu pour passer d’innombrables heures dans son studio, travaillant souvent tard dans la nuit ou tôt le matin. Une profonde passion pour l’expression et la créativité était à l’origine de cet engagement envers son art.

L’éthique de travail de Basquiat reflétait également sa concentration et sa détermination intenses. Il abordait chaque œuvre dans l’urgence, canalisant son énergie dans des coups de pinceau spontanés et expressifs. Cette intensité lui permettait de capturer des émotions et des idées brutes sur la toile, ce qui se traduisait par des œuvres d’art visuellement frappantes et intellectuellement stimulantes.

 

Tout en étant prolifique, il s’est fait un nom auquel nous nous référons encore aujourd’hui. Si vous analysez son œuvre, vous verrez qu’il a utilisé de multiples moyens pour se faire un nom qui peuvent être appliqués à la création musicale. Examinons les points qui lui ont permis d’atteindre le statut qu’il s’est forgé.

 

Matière première

 

Dans la vidéo, le narrateur raconte comment Basquiat a trouvé un livre qui lui a servi de base d’inspiration. Basquiat utilise une collection d’icônes, de logos et d’images sur une page spécifique dans un grand nombre de ses œuvres. C’était son vocabulaire, et c’est aussi devenu son moteur. Si ses œuvres s’articulaient autour d’un thème, on verrait ces mêmes icônes omniprésentes. C’est une façon d’avoir toujours une collection d’idées répétitives qui, d’une certaine manière, a établi sa marque.

 

La façon dont j’enseigne la musique n’est pas très éloignée de cette approche. J’encourage tous les artistes avec lesquels je travaille à se constituer un ensemble de références et à consacrer beaucoup de temps à la recherche de samples qui suscitent l’enthousiasme. Des services tels que Splice proposent de nombreux articles, tels que des échantillons, des générateurs d’esquisses IA, des plugins et d’autres outils. Par rapport au jazz, la musique électronique doit choisir parmi un trop grand nombre de sons, et il est facile de se perdre dans le choix du son à utiliser pour créer une nouvelle chanson. Votre matière première peut être divisée en deux catégories principales :

  • Sons repères. Ce sont des sons que vous utilisez par défaut dans toutes vos idées initiales. À l’époque, les gens n’avaient d’argent que pour acheter une 909 ou une 303, et c’était le son qu’ils utilisaient de facto. Comme nous avons maintenant accès à tout, il est utile d’avoir un modèle de sons que vous utilisez comme point de départ, et que vous pouvez échanger par la suite.
  • Identity. These are more about representing you. Some artists have identity sounds that you can immediately recognize in the first minute of listening to their song. These can be a selection of sounds, presets, or specific effects.

 

Très souvent, les gens achètent du matériel ou des synthés logiciels au hasard. Il est assez pratique d’utiliser une démo pour le tester. Mais si vous utilisez des samples, ils sont souvent étiquetés avec le nom du synthé utilisé pour les créer. Il est également possible de faire de la rétro-ingénierie. Si vous avez l’impression que les samples ne vous conviennent pas, rappelez-vous que tout a été samplé d’une manière ou d’une autre. Le fait d’avoir des échantillons de qualité forme vos oreilles à ce qu’est la qualité. C’est essentiel pour l’apprentissage de la conception sonore. Si vous lisez ce blogue, ces concepts ont été abordés à de nombreuses reprises.

 

Voler comme un artiste

 

À un moment de la vidéo, Basquiat explique d’où viennent certaines citations qu’il a écrites et qui sont tirées de livres ou de films. Certaines images sont inspirées d’œuvres d’art qu’il a vues. Il ne les a pas copiées, il les a volées dans un contexte et les a introduites dans son monde.

(L’art) est une question de goût. Vous voulez essentiellement vous exposer à ce que les humains ont fait de mieux et l’appliquer à ce que vous faites. Steve Jobs

C’est vrai pour beaucoup de choses. Pour cuisiner des plats savoureux, il faut manger des plats exceptionnels. Il en va de même pour les sons. Je me sens souvent plus à l’aise avec l’idée que je suis un collectionneur qu’un musicien. Ma musique est une collection d’idées que j’aime et qui proviennent de sources aléatoires. Votre inspiration vient de vos références. Personne n’a jamais rien fait qui n’ait été inspiré par le travail de quelqu’un d’autre. Le fait que vous fassiez un genre vient du fait que vous avez entendu ce genre dans un contexte qui vous a inspiré. Alors, autant commencer une collection de chansons inspirantes. Il peut s’agir d’un son, d’une réverbération, de la façon dont les transitions sont faites ou d’une progression d’accords. S’il y a une chose que vous aimez dans une chanson, mettez-la dans votre dossier de référence. Ensuite, vous analysez vos références. Prenez des tonnes de notes et essayez d’imiter. Demandez à vos amis comment on fait quelque chose. Cherchez dans Splice des sons similaires.

 

Toutes ces expériences développent votre imagination, ce qui vous permet de trouver des idées fondamentales à conserver. Il faut parfois 50 idées pour en trouver une qui soit exceptionnellement satisfaisante. Essayez d’en faire plusieurs et de vous inspirer ouvertement de partout. Les artistes hip-hop sont plus à l’aise lorsqu’il s’agit de prendre des idées, car ils s’inspirent toujours des autres. Je dois dire que j’ai vu de nombreux clients remixer de la musique pop l’année dernière, de sorte que l’aspect « bootleg » devient une option. Toutefois, n’oubliez pas de respecter le travail de toute personne dont vous vous inspirez directement.

 

Avoir un message

 

L’un des messages de Basquiat qui l’a motivé était qu’il n’y avait pas assez d’artistes noirs dans le monde de l’art. Il voulait changer cela et s’impliquer lui-même, en en faisant le centre de son travail. La force d’un message est d’inciter les médias à s’intéresser à ce que vous avez à dire, et de rallier des adeptes qui s’y reconnaissent.

 

La musique punk a son message anarchiste, et le hip-hop a un message lié aux gangs pour certains artistes, tandis que pour d’autres, il s’agit de la lutte des gens dans le monde actuel. La house music a également toujours représenté un espace sûr pour les personnes homosexuelles qui souhaitent danser. Quel que soit le genre que l’on adopte, il y a une histoire qui le sous-tend et dont on oublie parfois les racines politiques. Il n’est pas obligatoire de connaître l’histoire, mais on peut aussi s’appuyer sur un genre pour y apporter son histoire et ses valeurs.

 

Avoir un message et une vision vous aidera à donner un sens à votre musique, et dans les moments où vous vous heurtez à un mur d’inspiration, votre message suscitera plus d’inspiration.

 

La vitesse

 

Si vous lisez ce blogue ou travaillez avec moi, vous savez que la rapidité est un élément auquel je crois. Les idées vont et viennent, parfois très rapidement, et ne restent pas toujours. La rapidité avec laquelle vous pouvez rassembler vos idées vous aidera à les saisir au vol, peut-être pour les terminer plus tard, mais surtout pour voir si elles ont un sens. C’est une chose d’avoir une idée, c’en est une de la faire fonctionner correctement.

 

Basquiat, lui, travaillait vite. Très vite. Dans la vidéo, ils racontent que sa rencontre avec Warhol a stimulé sa créativité et qu’à un moment donné, JM a fait un autoportrait d’eux dans un moment rapide, puis l’a rapporté à Andy, qui était stupéfait de sa rapidité. L’une des raisons pour lesquelles les artistes sont lents de nos jours est le manque d’organisation et de méthodologie. Plus on est organisé dans la gestion de son temps et de son art, plus on est rapide. La production musicale est une série de phases, et si vous vous asseyez pour faire de la musique et que vous voulez tout faire en même temps, vous serez frappé par une fatigue décisionnelle.

 

Le deuxième obstacle est l’ego. Cette partie de vous-même a toujours l’impression d’avoir quelque chose à prouver, à contrôler et à être ce que vous n’êtes pas. Cela conduit à la procrastination et à la distraction. Ma vision de la création musicale est alimentée par le plaisir dans toutes ses composantes. Lorsque le plaisir est présent, vous êtes dans la zone.

 

La zone est la clé du succès.

Étudier, mémoriser, intérioriser

 

C’est dans la dernière partie de la vidéo que j’ai vu le parallèle le plus fort avec ce que je fais en tant qu’artiste. Pendant mon temps libre, j’écoute toutes sortes de musiques, de radios et de films et j’étudie de nombreux tutoriels sur YouTube. Je pense que j’en regarde environ 10 par jour. Je prends beaucoup de notes à partir de ces tutoriels et, une fois devant mon ordinateur, je teste de nouvelles découvertes ou je revisite des techniques que je faisais déjà pour leur donner une nouvelle tournure. Pour chaque chanson, j’ai commencé par explorer une technique et j’ai développé de nouvelles idées en pratiquant.

 

Sauvegarder des macros est devenu quelque chose que je fais toujours. J’associe certains paramètres aux boutons de la macro et je m’amuse ensuite à créer des préréglages en les randomisant ou en les manipulant à l’aide d’un contrôleur. La réalisation de ces croquis touche à tout ce qui précède :

  • elle augmente la vitesse.
  • Je maîtrise mieux mon vocabulaire et je me rapproche de mon message.
  • Il est plus facile d’intégrer les idées que je « vole » ou dont je m’inspire.

 

Références de clients et exercices

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Quand il s’agit de faire de la musique ou de mixer, il faut bien commencer quelque part et s’inspirer des autres est souvent un bon moyen de démarrer. Il y a beaucoup d’idées reçues sur la manière d’utiliser les références. J’ai déjà abordé ce sujet dans un article précédent, mais j’ai décidé d’approfondir la question.

 

Bien qu’il n’y ait pas de bonne ou de mauvaise façon d’utiliser les références, je les utilise souvent pour une seule chose. Il peut s’agir d’un son qui m’intrigue, d’un type de séquence, d’un rythme ou d’un concept qui chatouille mon cerveau et l’incite à essayer de le reproduire. Si je peux la plupart du temps comprendre ce qui se passe, cela ne veut pas dire que je peux le reproduire tel quel. Certains clients que j’accompagne sont devenus très doués pour reproduire ce qu’ils entendent, parfois avec mon aide ou non.

 

Mais l’idée est d’essayer quelque chose et d’être ouvert à ce que cela vous apportera ensuite.

 

Bien que je produise beaucoup pour mes clients, les gens se demandent parfois ce que font les autres, quels sont les artistes à suivre, mais aussi quels sont les artistes que je suis personnellement pour ma propre inspiration.

 

Il m’arrive souvent d’avoir des clients qui commencent une idée à partir d’une référence, mais qui ont du mal à la concrétiser comme ils le souhaitent. Je donne ici quelques points à vérifier en premier lieu pour démarrer correctement (en d’autres termes, c’est là que les clients échouent).

 

Chargez votre morceau de référence dans Ableton (ou autre DAW) et mettez-le d’abord en solo pour pouvoir le comparer à votre projet. Je vous conseille de baisser le volume de votre référence car elle est peut-être masterisée alors que la vôtre ne l’est pas.

 

Il y a quelques points initiaux à prendre en considération :

 

  1. Le ton: Utilisez un analyseur FFT (SPAN de Voxengo est gratuit ou Fabfilter ProQ3) sur le master pour voir si le ton est similaire. La courbe est-elle similaire ou différente de la vôtre?

 

  1. Note fondamentale/gamme : Vous pouvez utiliser un détecteur de tonalité sur votre référence pour voir quelle est la tonalité et la gamme de base, puis vérifiez si la vôtre est bien réglée. Bien qu’il ne soit pas nécessaire d’avoir la même que votre référence, certains clients ne se rendent pas compte que leurs différents éléments ne sont pas dans la même tonalité. Cela se traduit souvent par le sentiment que la chanson n’est pas univoque ou qu’elle sonne faux. Notez que le son peut paraître un peu étrange si vous y avez été surexposé et que vous vous y êtes habitué, mais pour une paire d’oreilles fraîches, le son peut devenir gênant.

 

  1. Vitesse et rythme: Trouvez le BPM de votre référence et essayez de le faire correspondre au vôtre. Quelle est la signature rythmique.

 

Dernièrement, j’ai apprécié Decoda en tant que logiciel d’analyse complet. Vous pouvez faire tellement de choses avec, ainsi qu’extraire des mélodies en midi. Je trouve qu’il est essentiel pour travailler avec des clients exigeants.

 

Lorsqu’il s’agit des artistes les plus appréciés par mes clients, j’en ai compilé quelques-uns et je vais vous expliquer en quelques mots pourquoi ils sont appréciés.

 

Ricardo Villalobos

Ce n’est pas une surprise puisque c’est l’un de mes artistes préférés et que beaucoup de gens viennent me voir en sachant que j’ai passé des décennies à comprendre son style peu conventionnel et que je peux expliquer comment certaines de ses chansons sont faites. Qu’on l’aime ou qu’on le déteste, ce type a certainement développé sa propre personnalité en matière de production et ses compositions musicales ouvrent toujours de nouvelles voies à ce que l’on peut faire en musique.

 

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Il peut être amusant de créer des pistes super longues avec plus ou moins de structure.
  • Laisser ses chansons inachevées a un côté plus humain.
  • Combiner des sons vraiment bizarres peut fonctionner si l’on conserve certains éléments auxquels on peut se référer.
  • Il n’a pas peur de sampler des disques obscurs pour en faire l’idée principale de ses chansons.

 

Ricardo est connu pour avoir une énorme collection de synthétiseurs modulaires, mais contrairement à beaucoup de gens qui en ont beaucoup, il enregistre de nouveaux essais chaque semaine afin que vous puissiez voir le large éventail de ses outils.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

– Utilisez VCV pour comprendre la pensée modulaire qu’il utilise et randomisez certains éléments pour obtenir un brin de folie.

– Les polyrythmies sont la clé, avec une signature temporelle irrégulière. Examinez également les rythmes euclidiens.

– Ric utilise beaucoup de synthèse granulaire sur ses instruments ou synthétiseurs de percussion.

 

Vid

 

 

Il s’agit d’un autre artiste qui revient souvent en tant que référence. Les gens aiment la simplicité pourtant complexe de ses chansons. Contrairement à Villalobos, ses chansons sont assez polies et organisées.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • La techno atmosphérique est très amusante à réaliser et est à la fois excitante et méditative.
  • Les pads riches sur les enregistrements de terrain sont hypnotisants.
  • Les tons sombres donnent une impression plus mystérieuse.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Recueillir des enregistrements de terrain et des sons d’ambiance tels que ceux d’un restaurant ou d’une église.
  • Les grooves et les rythmes qui sont groovy valent la peine d’être étudiés et je recommande souvent de rechercher des boucles pré-fabriquées et de les copier. Le fait de supprimer une grande partie du sustain des percussions pour les garder courtes contribue vraiment à donner une impression de house minimale.
  • Il n’a souvent pas d’éléments brillants et le fait de garder les sons dans les basses fréquences lui confère une ambiance mystérieuse.

 

Pablo Bolivar (ou la Dub Techno)

 

Comme j’ai une longue expérience de la dub techno, on me pose beaucoup de questions sur la façon dont ces pads sont fabriqués. Si elle n’est pas forcément compliquée, elle nécessite tout de même quelques ajustements car ce qui rend les pads dub techno captivants, c’est leur côté toujours en mouvement. Cela provient de la modulation ou de l’automatisation. Pablo fait un excellent travail en sélectionnant de beaux sons, des pads et de belles mélodies luxuriantes, ce qui fait de lui une référence pour de nombreux clients.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

  • Beaucoup de classiques dub techno ont des mélodies de 1 ou 2 notes, très minimaliste. Pablo apporte des mélodies simples mais plus complexes que 2 simples notes ce qui lui confère des moments mémorables.
  • Production et mixage super propres. Rien d’inutile n’est jamais ajouté.
  • Tout comme Vid, son approche de l’ambiance dynamique permet de se détendre ou de danser.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

  • Utilisez une fondamentale avec une gamme mineure. Des accords mineurs complètent également la mélodie. La plupart de ses mélodies sont composées de 4 à 5 notes au maximum. Envisagez de faire des progressions d’accords.
  • Utilisez des enregistrements de terrain pour compléter les mélodies.
  • Les percussions sont assez simples et répétitives. Le résultat est satisfaisant.

 

J Dilla

Je ne dirais pas que quelqu’un m’a contacté pour faire de la musique exactement comme lui, mais j’ai quelques clients dans le hip hop lofi qui, à mon avis, est un dérivé de J Dilla. Il est issu de la génération MPC, où les gens échantillonnaient des disques et jouaient avec. Son album « Donuts » est considéré comme un album novateur dans le domaine du hip-hop et mérite d’être écouté.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Sampler de manière flagrante et faire preuve d’audace. Samplez de la musique de n’importe quelle source et utilisez-en de courtes notes, soit pour créer votre accroche, soit pour mettre l’accent sur ce qui se passe.
  • Allez à l’essentiel. Apprenez à composer des chansons de moins de 3 minutes. Un défi pour la techno mais pour la musique électronique en général, c’est un exercice qui vous oblige à aller droit au but.
  • Exagérez le swing de vos percussions. Essayez de le pousser au maximum pour voir ce qui se passe.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Comme indiqué plus haut, ces apprentissages sont aussi des choses à essayer. Mais je recommanderais de dénicher quelques disques dans un magasin d’occasion et de sampler des parties obscures.
  • Utilisez un contrôleur midi comme le PUSH ou avec des pads et essayez d’introduire manuellement vos rythmes.
  • Dans un clip, jouez avec les points de chaîne (warp) pour créer des étirements bizarres et des rythmes élastiques.
  • Découpez des rythmes et reprogrammez-les pour créer de nouveaux motifs.

 

Fred Again

Je me suis désintéressé de la musique pop il y a des années et je me suis toujours tenu à l’écart de la musique électronique commerciale. Mais Fred Again m’a impressionné par sa façon de faire de la musique et, bien sûr, par le résultat final. Le problème avec sa musique, c’est qu’il s’agit en fait de l’approche typique de n’importe quelle musique commerciale, de structure standard, et que ce qui compte ici, c’est le bon goût.

 

Cela signifie que la compréhension des progressions d’accords et le travail avec les tonalités et les gammes seront au centre des préoccupations. L’utilisation de plugins comme Captain Plugins suite fera une énorme différence à moins que vous n’ayez beaucoup de patience pour apprendre la théorie musicale.

 

Il n’y a pas de raccourci pour ce genre de musique. Mais les outils que vous pouvez utiliser vous faciliteront la tâche.

 

C’est son récent album avec Brian Eno qui m’a fait l’apprécier.

 

Daft Punk

 

J’ai suivi le duo depuis 1995 jusqu’à leur séparation. Je ne pense pas qu’il y ait eu beaucoup de groupes musicaux qui aient eu un impact aussi important avec leur carrière que ces deux-là. C’est principalement dû à leur désir d’innover, mais aussi de prendre des idées qui fonctionnent très bien et d’en tirer des idées solides pour leur donner une nouvelle tournure.

 

Dans un article précédent, je disais qu’il y a deux modes principaux lorsqu’il s’agit de travailler sur un projet : vous pouvez vouloir répéter une idée que vous aimez à partir d’une chanson ou d’un artiste, ou vous pouvez vouloir innover par rapport à ce que vous faites.

 

Les choses que j’ai apprises en travaillant avec des clients qui veulent s’inspirer d’eux consistent principalement, une fois de plus, à rechercher des samples et à jouer avec. C’est un peu ce que nous avons repris de Dilla, mais avec un rythme plus rapide et une signature temporelle en 4/4. Il fut un temps où la French Touch House/Disco faisait fureur. Cette musique consistait à utiliser un sample avec un filtrage important et l’effet classique de pompage et d’aspiration (pump/duck). Cette technique est encore utilisée de nos jours mais avec un peu plus de contrôle où on la perçoit moins.

 

Outre le filtrage, voici quelques effets notables qu’ils utilisent et que vous pouvez explorer aujourd’hui : Bit crusher, tape saturation, vocoder, chorus/phaser. Ils aiment aussi un bon kit 909.

 

Et pour finir, qui sont mes références personnelles?

 

Ada Kaleh, Gigi Masin, Jan Jelinek, Rhythm and Sound, Vladislav Delay, Ricardo Villalobos, Matt Dear, Lawrence… et bien d’autres encore.

 

Leçons tirées de nombreuses années de musique

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J’ai eu de nombreuses discussions avec des clients, des amis ou d’autres musiciens sur la façon dont les choses se sont passées sur une période de plus de 20 ans. Les personnes qui s’intéressent à la musique trouvent parfois que les premières années sont un peu difficiles et se demandent comment cela se passe lorsqu’on acquiert de l’expérience, comme si cela devenait plus facile.

 

La vérité, qui est mon expérience partagée avec de nombreux pairs, est un peu déstabilisante pour certaines personnes parce que j’aime dire que c’est un peu comme être parent. Cela ne devient pas nécessairement plus facile avec le temps, mais il y a des défis constants au début qui deviennent plus faciles par la suite, tandis que de nouveaux problèmes apparaissent. Cela signifie qu’au cours du développement d’un musicien, on passe par des étapes où l’on cherche à résoudre certains problèmes qui ouvrent la porte à d’autres problèmes dont on ne soupçonnait même pas l’existence.

 

En d’autres termes, lorsque l’on en sait moins, on doit également faire face à moins de problèmes, car on les ignore et on se contente d’avancer. Lorsque j’entends mon fils écouter des chansons qu’il aime sur Spotify, créées par des amateurs évidents, je peux dire qu’elles ont été créées sans aucune connaissance, mais l’auditeur moyen ne le sait pas.

 

Au fil des ans, j’ai rassemblé une multitude de faits que je souhaite partager avec vous. Il ne s’agit là que d’une compréhension factuelle des succès, des échecs, des luttes et des victoires, que j’ai pu constater moi-même et que j’ai pu observer chez les autres. C’est la principale différence entre un jeune producteur et quelqu’un d’expérimenté : le temps vous apprend quelques dures vérités.

 

Fait : Les avantages d’un savoir limité sont réels

 

Je me souviens d’être assis devant mon matériel nouvellement acquis. En allant dans ce magasin de synthétiseurs, je suis devenu un peu fou. J’ai acheté beaucoup de matériel sans rien y connaître. Puis je suis rentré chez moi et j’ai eu du mal à tout connecter correctement, mais j’ai commencé à jouer avec.

 

Tout était excitant. Tout sonnait à merveille. J’ai ressenti une joie pure, car je ne savais pas ce que je faisais, mais c’était vraiment amusant. Je n’avais aucune idée de ce que je faisais et j’essayais simplement de contrôler ce qui en sortait. Il n’y avait pas Youtube pour me donner des instructions et je n’ai jamais été attiré par la lecture de manuels. Tout s’est fait par tâtonnements.

 

Ce que je constate, c’est que lorsqu’on en sait moins, les choses paraissent faciles et cela peut donner beaucoup d’énergie. J’ai vu des gens très novices en musique créer un tube. Ensuite, ils n’ont plus vraiment été capables de faire de la musique. Le nouveau départ est parfois très facile, mais lorsque vous essayez de vous améliorer, vous apprenez davantage, vous vous rendez compte de vos erreurs, vous achetez du matériel adéquat et vous vous rendez compte que vous venez de compliquer votre flux de travail. La courbe pour entrer dans la zone est alors plus difficile.

 

Les choses se compliquent lorsque vous créez des attentes ou que vous vous comparez.

 

CONSEIL : Je recommande toujours aux débutants d’essayer de jouer avec les sons plutôt que de chercher à créer des chansons.

 

CONSEIL 2: Utilisez-en moins pour maximiser votre état de zone et votre capacité à trouver des idées.

 

Fait : La croissance par la pratique et non par le matériel

 

L’un des défis auxquels est confronté un producteur peu expérimenté est de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il a besoin de conditions parfaites pour être inspiré, productif ou performant. C’est l’origine de la procrastination et du syndrome de la page blanche. Les personnes qui achètent trop de choses alors qu’elles ne pratiquent pas n’arrivent généralement à rien.

 

Si vous voulez devenir un bon producteur de musique, faites-en l’élément central de votre vie. Prenez le temps de vous entraîner tous les jours, d’écouter des tonnes de musique, de rechercher des samples, des enregistrements et des idées intéressantes et passez beaucoup de temps à apprendre vos outils avant d’acquérir quoi que ce soit d’autre. Développez le vocabulaire des sons que vous aimez, des outils que vous utilisez et reconnaissez ce que vous entendez dans les chansons des autres.

 

Si vous avez Ableton Live, vous avez déjà tout ce qu’il vous faut. Lancez-vous dans de nouvelles idées, tous les jours, tout le temps, et suivez ce que vous aimez absolument faire. Si vous pratiquez ce que vous aimez faire, vous deviendrez un maître dans ce domaine. Il n’est pas nécessaire de pouvoir tout faire soi-même, en une seule fois.

 

Fait : L’achèvement d’une chanson ne garantit pas sa sortie

 

Imaginons que nous comparions la musique à des photos. Toutes les photos que vous avez prises sur votre téléphone intelligent méritent-elles d’être publiées dans un livre?

 

Si vous terminez une chanson, la dure réalité est qu’elle n’intéressera qu’un certain nombre de personnes et que, parmi elles, une poignée sera intéressée par le fait de payer pour l’écouter. Mais nous sommes tellement inondés de musique chaque jour que nous choisissons avec soin ce dans quoi nous voulons investir.

 

Cela signifie que plus vous ferez de la musique, plus vous la terminerez, plus elle s’améliorera et plus elle intéressera de gens. Plus vous faites de la musique pour être publié ou pour plaire aux autres, plus vous vous éloignez de ce que vous êtes.

 

Cela veut-il dire qu’il ne vaut pas la peine de terminer sa musique?

 

Non. Il est important que vous alliez au bout de ce que vous faites, comme vous le feriez pour un repas.

 

ASTUCE: Adoptez l’idée que tout ce que vous faites n’est important que pour vous. Partagez humblement avec les bonnes personnes.

 

Remarque : J’ajouterais également que le fait de sortir une chanson ne signifie pas que vous aurez du succès.

 

Fait : La recherche de validation peut conduire à une rétroaction trompeuse

 

Il s’agit d’une proportion ÉNORME de personnes qui fréquentent les forums de production, les groupes Facebook et tout autre débat en ligne. Leur logique est souvent la somme de plusieurs lectures, de quelques expériences personnelles et ils cherchent des réponses, mais ils partageront aussi certaines de leurs opinions, en les imposant comme des faits.

 

Je suis très exigeant quant aux personnes à qui je fais confiance lorsqu’il s’agit d’obtenir des explications. Tout ce qui relève du domaine non technique est toujours une zone grise. L’histoire d’une personne peut être vraie pour elle-même, mais peut-être pas pour vous.

 

Quand on m’explique quelque chose, je n’applique pas ce qui est dit. J’essaie de le comprendre, d’en saisir la logique, puis de le tester. Je suis allergique à ceux qui me disent que la musique doit être faite d’une certaine manière ou non. Les commentaires sur ma musique portent toujours sur des points techniques et neutres. Si j’ai besoin de l’appréciation de quelqu’un, je le lui demande directement et je choisis également les personnes à qui partager.

 

CONSEIL: C’est en posant les bonnes questions que l’on obtient des renseignements utiles.

 

Fait : Des idées solides l’emportent sur une production solide

 

Je pense que cette question sera controversée, mais je suis assez ferme sur ce point. Pour prouver ce que j’avance, je peux vous dire que n’importe quelle idée géniale vous restera à l’esprit pendant des jours, mais une très belle snare ou un très beau kick, pas vraiment.

 

On ne se souvient pas d’une belle production comparée à une accroche de 4 secondes, mais cela donne une bonne impression. Je vois malheureusement beaucoup d’idées médiocres cachées par une production impeccable. Cela fait avaler la mauvaise idée mais ne vieillira pas bien. J’ai entendu des accroches incroyables avec une production merdique et, honnêtement, il arrive que l’on pense que l’approche technique médiocre était intentionnelle.

 

C’est ainsi que certaines productions lofi ont pris de l’ampleur, car je pense que certaines ont été réalisées au départ par des personnes qui ne savaient pas ce qu’elles faisaient. Mais elles sont ensuite imitées et copiées. Quand je vois des gens qui essaient de faire sonner leur musique comme dans les années 90, ils ne comprennent pas qu’à l’époque, nous étions frustrés par nos limites et nous essayions de sonner futuriste.

 

L’acid house était minimaliste parce que les gens n’avaient le budget que pour une 808 et une 303.

 

Trouver de bonnes accroches est un mélange de chance et d’expérimentation, de curiosité et d’ouverture d’esprit.

 

ASTUCE: Quelle que soit l’étape de la création musicale dans laquelle vous vous trouvez actuellement, c’est suffisant. Si vous acceptez vos limites, vous serez en mesure d’accomplir plus que vous ne le pensez.

 

Fait : Le pouvoir du réseautage et de la communauté change la donne

 

Vous pouvez être le meilleur producteur de musique, mais si vous n’avez pas de communauté pour le soutenir ou de réseau pour le partager, il y a beaucoup de chances que votre musique ne soit jamais écoutée. C’est un sujet dont j’ai beaucoup parlé dans ce blogue, mais l’importance de connaître les bonnes personnes vous mènera à des opportunités que votre musique seule ne pourra pas vous offrir.

Il existe un mythe selon lequel si vous composez la chanson parfaite, toutes les portes s’ouvriront devant vous. Je n’ai jamais vu cela. Jamais. Il y a beaucoup plus de chansons extraordinaires qui n’ont jamais été publiées à cause du manque de contacts de l’artiste.

 

Fait : Succès, cycles et libération de la concurrence illusoire

 

Courir après le succès est une chose à laquelle nous sommes tous confrontés à un moment ou à un autre. Voir les autres réussir peut déclencher le sentiment que nous ne sommes pas sur la bonne voie, que nous avons manqué quelque chose d’important, que nous méritons la même chose (pour n’importe quelle raison idiote). La définition du succès est très personnelle. Il existe différents types de succès et si nous les poursuivons tous, nous aurons toujours l’impression de manquer quelque chose.

 

Les différents types de succès associés à la production musicale pourraient être organisés en différentes sphères. Certains le voient dans les personnes avec lesquelles ils travaillent, d’autres dans leur responsabilité sociale, dans les personnes avec lesquelles ils communiquent, dans le nombre de ventes, de bookings, etc.

 

Si vous persistez dans ce que vous faites, vous connaîtrez des hauts et des bas, comme n’importe qui d’autre. Il n’est pas possible d’être toujours au sommet de son art ou d’être toujours présent dans les médias et les cercles sociaux. La réussite d’une personne ne vous laisse pas dans son ombre. Cela pourrait même vous ouvrir des portes si vous vous y engagez.

 

CONSEIL : Personne ne vous vole votre attention, vos gigs ou votre succès. La seule personne avec laquelle vous êtes en compétition, c’est vous-même, et c’est un choix.

 

 

Fait : La nature insaisissable des tubes

 

Je me souviens d’avoir participé à une table ronde lors de la réunion LOOP d’Ableton avec Young Guru, un célèbre producteur de Los Angeles. Il a partagé son point de vue sur ce qu’est un tube et je suis tout à fait d’accord avec lui.

 

« Un tube est une chanson qui touche la bonne idée, au bon moment et qui est reprise par les bonnes personnes. »

 

On ne contrôle pas le fait que sa chanson soit un succès ou non. Dès que vous comprenez qu’il s’agit d’une situation indépendante de votre volonté, vous pouvez vous sentir à la fois libre et déprimé. Si vous courez après le succès et voulez faire des tubes, cela peut sembler décourageant parce que vous comprendrez que c’est comme une loterie. Et c’est vraiment le cas.

 

Mais cela peut aussi vous libérer. Créer avec un objectif absolu, c’est souvent créer de grands angles morts où l’on passe à côté de beaux résultats que l’on rejette parce que l’on se concentre sur quelque chose que l’on ne contrôle pas.

 

Le jour où vous ferez un tube, il est possible que vous ne vous en rendiez même pas compte. Cela se produit, ou non. Vous n’avez pas de contrôle là-dessus. Mais plus vous cherchez à faire des chansons réussies, plus vous risquez de tomber dans le perfectionnisme.

 

Le parcours d’un musicien est fait de défis, d’échecs, de triomphes et de croissance personnelle. À travers mes propres expériences et observations, j’ai partagé plusieurs connaissances factuelles sur la réussite, les limites, la créativité et la communauté. Profitez de la joie de l’exploration, persévérez dans la pratique et n’oubliez pas que l’impact de votre musique va au-delà du succès commercial. Cherchez à obtenir un retour d’information sincère, donnez la priorité à des idées solides plutôt qu’à une production impeccable et tissez des liens significatifs au sein de la communauté musicale. Le succès n’est peut-être pas constant, mais l’épanouissement réside dans la poursuite de l’expression artistique et l’évolution continue de votre art.

 

Ralentir la production pour mieux apprendre

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Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

 

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

 

La recherche du succès

 

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

 

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

 

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

 

Descendre de la montagne

 

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

 

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

 

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

 

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

 

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

 

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

 

Comment trouver de nouvelles techniques?

 

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

 

Comment créer un kick sec

 

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

 

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

  • Gain staging (niveaux des gains)
  • Le fonctionnement des enveloppes.
  • Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

 

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.