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Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

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Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

L’importance de la pratique d’une musique ambient et expérimentale

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Dans le vaste domaine de la création musicale, il existe un territoire inconnu où les frontières s’estompent et où les paysages sonores deviennent une toile à explorer. C’est dans ce genre que la musique expérimentale et les compositions ambient trouvent leur essence, brouillant parfois les pistes. Ces formes de musique ne repoussent pas seulement les limites de la musique traditionnelle, mais servent également de passerelle pour développer des compétences en matière de narrativité dans les compositions musicales, car chaque chanson définit ses propres règles.

Si vous avez suivi ma carrière musicale ou lu ce blogue, vous savez que l’exploration et la rupture avec la norme sont des valeurs importantes pour moi. Après avoir fait de la musique pendant des années, je me suis heurté à quelques murs de frustration. À chaque fois, c’était le sentiment d’avoir tout vu, tout dit. Jusqu’à quel point peut-on se réinventer au sein d’un genre?

Si la musique est un moyen de s’amuser, l’idée de faire la même chanson encore et encore me paraissait aliénante. L’exploration des techniques de l’ambient et la plongée dans l’expérimental m’ont beaucoup aidé dans mon désir d’évoluer, de grandir.

 

 

Musique ambient ou expérimentale

 

Pour comprendre l’importance de la musique ambient et de la musique expérimentale, il est essentiel d’élucider leurs origines et leurs intentions. La musique ambiante, dont les pionniers sont des visionnaires tels que Brian Eno et Tangerine Dream, cherche à détourner l’attention des schémas conventionnels pour aborder la musique comme un outil permettant de créer des ambiances. La musique devient alors un outil, une tapisserie. La musique ambient invite les auditeurs à écouter, attentivement ou non, une musique qui a ou non une destination ou un but. En adoptant des compositions ambient, les créateurs de musique développent un sens aigu de l’espace, de la dynamique et de l’art de capturer des idées évolutives.

Comprendre comment faire de la musique ambient ouvre de nombreuses possibilités pour tous les autres genres que vous souhaitez créer. En particulier pour la musique de danse, si l’on supprime les parties rythmiques, on obtient une musique ambient.

 

La musique ambient est destinée à induire le calme et à créer un espace de réflexion« , explique Eno dans les notes de pochette du disque. « Elle doit être capable de s’adapter à plusieurs niveaux d’attention sans en imposer un en particulier. Elle doit être aussi ignorable qu’intéressante. » Brian Eno

 

D’autre part, la musique expérimentale est née des racines de la musique concrète, un genre qui pousse à l’exploration des techniques et des frontières. L’approche expérimentale de la musique consiste à comprendre les limites et les règles d’un genre, ses structures traditionnelles, en invitant les artistes à repousser les limites de leurs outils et à s’aventurer à proposer une nouvelle approche. Elle encourage les musiciens à remettre en question la norme, à accepter l’imprévisible et à trouver l’harmonie dans le chaos. Dans ce paysage en constante évolution, la musique expérimentale favorise un environnement propice à l’innovation et à la découverte de nouvelles possibilités.

Si vous travaillez sur le même genre depuis un certain temps, vous êtes tout à fait prêt à explorer la musique expérimentale. Je vous encourage à commencer par composer sans autre but que de briser vos routines.

Étant donné qu’une grande partie de la musique qui arrive à être reconnue implique souvent de revisiter une idée, les artistes commencent souvent par briser les règles tout en gardant une base. La même chose mais différente est une bonne façon de la décrire. Ce que je considère souvent comme de la musique expérimentale, ce sont toutes ces tentatives de prendre des risques, sans filtre. Il n’y a ni bien ni mal. Si vous essayez quelque chose de nouveau, vous êtes sur la bonne voie.

 

Il existe différents axes d’exploration :

    • Déconstruire les arrangements ou examiner les motifs. Si un genre a un modèle de percussion spécifique, essayez de déplacer les rythmes.
    • Utiliser des outils d’une manière qui n’a pas été prévue à l’origine.
    • Prendre une idée et la mélanger pour en voir toutes les possibilités.
    • Apprendre les techniques génératives pour la création musicale. Cela peut être fait dans Ableton Live et VCV, mais aussi dans Bitwig.
    • Passez du temps dans la nature et écoutez les sons qui vous parviennent. J’aime écouter le chant des oiseaux et j’essaie de comprendre le motif et la conception sonore de leur chant. Il m’arrive de les enregistrer et de les utiliser dans Ableton comme séquenceur.

 

« Le son est le vocabulaire de la nature. Le moment où la musique révèle sa véritable nature est contenu dans l’exercice ancien du thème avec variations. Tout le mystère de la musique s’explique là ». Pierre Schaeffer

 

Brian Eno a créé un jeu de cartes appelé « Oblique Strategies » dans lequel vous tirez une carte pour obtenir une inspiration ou une solution aléatoire face à un problème. Je trouve que c’est un outil à explorer et vous pouvez utiliser une version en ligne ici.

Relier des concepts étrangers

 

L’un des aspects les plus convaincants de la musique expérimentale et des compositions ambient réside dans leur capacité à relier des concepts sans rapport entre eux, en cherchant l’inspiration au-delà de la musique. Comme le suggère le livre de Rick Ruben, l’exercice consistant à relier des concepts sans rapport entre eux peut donner lieu à des points de départ inattendus. En s’inspirant de différents genres musicaux, ainsi que d’autres formes d’art telles que les arts visuels, la littérature ou le cinéma, les musiciens peuvent insuffler à leurs compositions un sentiment de profondeur et d’unicité.

Quelques suggestions :

  • Prenez une scène d’un film et ajoutez-y des sons, puis ne gardez que l’audio. Les images guideront les arrangements.
  • Lisez un livre, prêtez attention à l’histoire et imaginez une bande sonore.
  • Inspirez-vous de l’architecture. Voyez comment l’importance des mathématiques joue un rôle crucial dans la structure d’un ouvrage. Comme vous le savez, la musique, c’est des mathématiques, et peut-être pouvez-vous appliquer certaines observations à votre musique.
  • Apprendre à danser. J’ai suivi de nombreux cours de danse dans ma vie et lorsque je bouge, je comprends l’expérience des danseurs.

 

Traduire des idées issues de différents domaines en éléments musicaux peut donner des résultats étonnants. Par exemple, en empruntant la palette de couleurs d’une peinture, un musicien peut évoquer des émotions spécifiques ou créer des sons vifs, tandis que des couleurs plus sombres peuvent évoquer des tons plus profonds et plus graves. De même, l’intégration d’éléments de narration dans les compositions musicales ajoute une dimension narrative qui captive les auditeurs. En adoptant cette approche, les artistes peuvent créer des paysages sonores qui transportent le public dans des voyages transformateurs, brouillant ainsi la frontière entre la musique et la narration.

 

La fabrication de rythmes revisitée

 

La musique électronique met souvent l’accent sur le rythme et la création de rythmes. Toutefois, en perfectionnant leurs compétences en matière de composition mélodique et ambiante, les musiciens peuvent développer une base solide qui s’intègre harmonieusement aux éléments rythmiques. La musique ambient et les compositions expérimentales permettent aux créateurs de se concentrer sur la construction de mélodies, l’exploration de progressions harmoniques et l’élaboration d’une conception sonore complexe. Ces points forts, lorsqu’ils sont maîtrisés, constituent une plateforme solide sur laquelle les éléments rythmiques peuvent se fondre et s’épanouir sans effort.

L’une des façons dont j’aime travailler est de générer des idées, des compositions et des moments mélodiques aléatoires qui seront ensuite utilisés lors des séances au cours desquelles je produirai des rythmes. En d’autres termes, je divise souvent mes séances de musique en deux catégories :

  • Contenu mélodique, accroches, échantillonnage. Trouver des idées et en générer. Organiser des idées aléatoires en une accroche cohérente.
  • Rythmes, rythmes, rythmes. Travail sur la création de grooves, de rythmes, de conception sonore, de boucles simples ou complexes.

Ensuite, deux autres catégories :

  • Innover. Essayer d’inventer de nouvelles idées.
  • Imiter. Essayer d’émuler ou de reproduire les idées que j’aime dans la musique des autres.

 

L’expérimentation dans le domaine de la musique ambient et expérimentale ouvre la voie à des découvertes inattendues. Ces expériences peuvent se faire de multiples façons, par exemple en trouvant de nouveaux outils gratuits, de nouveaux tutoriels Youtube sur des genres ou des techniques que nous n’avons pas encore explorés ou simplement en explorant la randomisation dans Ableton. En s’éloignant des schémas rythmiques conventionnels et en explorant des sons qui peuvent être déstabilisants, les musiciens peuvent ouvrir de nouvelles possibilités de création de rythmes qui sortent de leur zone de confort.

 

ASTUCE : je trouve qu’une fois que vous avez des séquences, vous pouvez les découper en détail et les réorganiser selon vos goûts.

 

En tant que créateurs de musique, il est essentiel d’embrasser le vaste domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, car elles offrent des possibilités inégalées d’épanouissement personnel et artistique. En nous immergeant dans les paysages sonores qu’offrent ces genres, nous acquérons une compréhension profonde de l’espace, de l’atmosphère et de l’interaction délicate entre les éléments. En outre, en reliant des concepts sans lien entre eux et en puisant notre inspiration dans diverses sources, nous insufflons à nos compositions une richesse et une profondeur qui transcendent les frontières traditionnelles.

 

Dans le domaine de la musique électronique, où le rythme a souvent la priorité, le développement de compétences fondamentales en matière de composition ambiante et mélodique jette les bases d’une intégration harmonieuse avec la création de rythmes. En nous engageant dans la création musicale expérimentale, nous libérons notre véritable potentiel créatif et nous embarquons pour un voyage de découverte de soi, d’innovation et d’imagination sans limites.

Alors, aventurons-nous dans le domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, où les territoires inexplorés de la créativité nous attendent, prêts à être explorés, expérimentés et partagés avec le monde.

 

Comment l’IA aide les musiciens à s’affranchir du manque d’originalité

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Lorsqu’il s’agit de créer de la musique, il existe une tension permanente entre le désir d’innover et la pression de gagner de l’argent. De nombreux musiciens se retrouvent piégés dans un cycle de production d’une musique sans originalité qui s’inscrit parfaitement dans des catégories préexistantes, tout cela dans le but de plaire à leur public et de faire du profit. Et s’il existait un moyen de sortir de ce cycle?

Nous avons récemment parlé de la nécessité de ralentir pour acquérir de nouvelles compétences, mais voyons ce qu’il en est de la technologie la plus avancée.

L’intelligence artificielle (IA) est un outil de plus en plus utilisé par les musiciens pour repousser les limites de la production musicale. L’IA ayant suscité de nombreuses controverses dans la communauté artistique parce qu’elle change la donne en démocratisant son accès, j’ai voulu mettre l’accent sur les aspects positifs.

 

L’utilisation de l’IA pour générer des idées auxquelles nous ne penserions pas

 

L’une des raisons pour lesquelles les musiciens ont tendance à produire une musique peu originale est qu’ils sont constamment à l’affût des dernières tendances et de ce qui est populaire auprès de leur public. Pour gagner de l’argent, ils se sentent obligés de produire de la musique qui s’inscrit parfaitement dans ces tendances, plutôt que d’explorer de nouveaux territoires. Il en résulte une homogénéisation de la musique, où tout commence à sonner pareil. Si vous lisez souvent ce blog, vous savez que nous parlons souvent du « piège de la réussite », qui consiste à essayer de répéter une histoire à succès, ce qui ne mène à rien.

 

L’IA, quant à elle, n’est pas consciente de ces tendances. Elle n’a pas de notion préconçue de ce qui est populaire ou de ce qui se vendra. En revanche, elle est capable d’analyser de grandes quantités de données afin d’identifier des schémas et des connexions que les humains ne pourraient pas voir. Cela en fait un outil puissant pour l’innovation dans la production musicale.

 

Par exemple, l’IA peut analyser la musique existante et identifier les éléments communs qui pourraient être utilisés pour créer quelque chose de nouveau. Elle peut également générer des idées entièrement nouvelles auxquelles les humains n’auraient pas pensé. En utilisant l’IA, les musiciens peuvent se libérer des contraintes de leur propre créativité et explorer de nouveaux territoires qu’ils n’auraient peut-être pas découverts autrement.

 

L’IA peut recycler de vieilles idées de manière innovante

 

Mais l’IA n’est pas seulement un outil permettant de créer de la musique entièrement nouvelle. Elle peut également être utilisée pour recycler des idées existantes de manière innovante. Par exemple, l’IA peut prendre une mélodie existante et la transposer dans une autre tonalité, ou appliquer des motifs rythmiques différents à une progression d’accords familière. En utilisant l’IA de cette manière, les musiciens peuvent créer quelque chose de frais et de nouveau, tout en s’appuyant sur des éléments familiers que leur public reconnaîtra.

 

Bien entendu, l’utilisation de l’IA dans la production musicale n’est pas sans poser de problèmes. Certains musiciens craignent que leur travail ne soit moins authentique ou que l’élément humain qui rend la musique si spéciale ne disparaisse. Mais la vérité est que l’IA n’est qu’un outil et que, comme tout outil, elle peut être utilisée de différentes manières. Les musiciens qui considèrent l’IA comme un outil d’innovation et d’exploration peuvent l’utiliser pour améliorer leur propre créativité, plutôt que de la remplace

 

Outils d’IA pour la création de musique électronique

  1. Amper Music: Une plateforme qui utilise l’IA pour générer des morceaux de musique originaux sur la base des informations fournies par l’utilisateur concernant le genre, les émotions et le tempo.
  2. AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) : Un compositeur et générateur de musique qui utilise des algorithmes d’apprentissage profond pour créer des morceaux de musique originaux dans différents genres.
  3. Melodrive : Un outil qui utilise l’IA pour créer de la musique personnalisée pour les jeux vidéo et autres médias interactifs, en adaptant la musique au comportement et aux émotions de l’utilisateur.
  4. Google Magenta : Un projet open-source qui vise à faire progresser l’état de l’art en matière d’apprentissage automatique pour la génération de musique et d’art, en fournissant des outils pour la création et l’exploration de nouvelles expériences musicales.
  5. Amadeus Code: Un outil qui utilise l’IA pour aider les auteurs-compositeurs à générer de nouvelles idées musicales, en leur suggérant des progressions d’accords et des mélodies sur la base des données fournies par l’utilisateur.
  6. Humtap: Une plateforme qui utilise l’IA pour aider les utilisateurs à créer de la musique originale en leur suggérant des accords, des mélodies et des paroles en fonction de ce qu’ils ont saisi.
  7. Emergent Drums: génère des kits de batterie en quelques clics. Puissant!
  8. AI Kitchen : Celui-ci n’est pas encore public, mais il semble prometteur. Il s’agit en fait du Midjourney de l’audio. Vous saisissez des instructions et l’IA vous donne des idées.

Comment savoir si un outil est vraiment de l’IA et pas autre chose :

Il peut être difficile de déterminer si un outil de production musicale décrit comme étant piloté par l’IA utilise réellement l’IA, car le terme « IA » est souvent utilisé de manière vague et peut avoir des significations différentes dans des contextes différents. J’ai remarqué un certain nombre de plugins qui disent utiliser l’IA mais ce n’est pas vraiment le cas. Cependant, voici quelques éléments qui peuvent indiquer qu’un outil utilise l’IA :

  1. Algorithmes d’apprentissage automatique: De nombreux outils de production musicale pilotés par l’IA utilisent des algorithmes d’apprentissage automatique pour analyser et générer de la musique. Si un outil prétend utiliser l’IA, il convient d’examiner les algorithmes d’apprentissage automatique spécifiques qu’il utilise et la manière dont ils sont appliqués.
  2. Données d’apprentissage: Les systèmes d’intelligence artificielle ont besoin de grandes quantités de données d’apprentissage. Si un outil de production musicale prétend utiliser l’IA, il convient de vérifier sur quelles données d’apprentissage il a été formé, et s’il a été formé sur un ensemble de données suffisamment diversifié et représentatif.
  3. Variabilité des résultats: L’une des caractéristiques des systèmes d’intelligence artificielle est qu’ils peuvent générer un large éventail de résultats à partir d’une entrée donnée. Si un outil de production musicale est capable de générer un grand nombre de pistes ou de variations uniques sur la base des données fournies par l’utilisateur, cela peut être le signe qu’il utilise l’IA.
  4. Appuis d’experts : Si un outil de production musicale est approuvé par des experts dans le domaine de l’IA ou de la production musicale, cela peut être un signe qu’il utilise des techniques d’IA légitimes.
  5. Transparence: Enfin, il est important de rechercher la transparence dans la manière dont l’outil est décrit et commercialisé. Si un outil est vague sur la manière dont il utilise l’IA ou s’il fait des déclarations irréalistes sur ce qu’il peut faire, c’est un signal d’alarme.

En fin de compte, la meilleure façon de déterminer si un outil de production musicale utilise réellement l’IA est de faire des recherches et de poser des questions. Recherchez des critiques provenant de sources fiables, interrogez les développeurs sur leurs techniques d’intelligence artificielle et discutez avec d’autres utilisateurs pour vous faire une idée des performances de l’outil dans la pratique.

 

Génératif vs IA

La musique générative est l’ancêtre de la musique IA. Ce que nous faisons dans le domaine modulaire est essentiellement un travail d’homme des cavernes préhistorique comparé à l’approche de haute technologie des systèmes de modélisation. La modularité repose en quelque sorte sur la logique booléenne et les opérations de base. Je pense qu’il est important d’explorer la musique générative pour comprendre comment les machines sont là pour créer du matériel que vous pouvez utiliser dans votre musique. La musique générative vous fournira de multiples idées basées sur les paramètres de votre choix. La musique générative est quelque chose qu’il est important de comprendre si vous cherchez à vous débarrasser du syndrome de la page blanche.

L’un des défauts de l’IA que j’apprécie est son manque de compréhension des bonnes et des mauvaises idées.

Elle fait simplement ce qu’elle sait faire.

Vous pouvez ensuite transformer des prises maladroites en idées qui vous sont propres. C’est un peu comme si une blague d’un enfant en bas âge pouvait être utilisée pour inventer une histoire drôle pour les adultes.

Alors, à tous les musiciens qui se sentent piégés dans un cycle de manque d’originalité : il est temps de reconsidérer votre approche. En adoptant l’IA comme outil d’innovation, vous pouvez vous libérer des contraintes liées à la popularité et explorer de nouveaux territoires que vous n’auriez peut-être pas découverts autrement. Que vous créiez de la musique entièrement nouvelle ou que vous recycliez des idées existantes de manière innovante, l’IA peut vous aider à repousser les limites du possible en matière de production musicale.

 

Le minimalisme en production musicale : inspirations d’Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley

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Le minimalisme est une approche qui met l’accent sur la simplicité et la réduction du nombre d’éléments musicaux. Cette approche peut être appliquée à de nombreux genres musicaux, mais elle a été particulièrement influente dans le domaine de la musique électronique, où la technologie et la conception sonore peuvent conduire à une complexité écrasante. À la fin des années 90, la techno minimale a connu un essor considérable. C’était une réaction à la musique maximale comme la trance et la hard techno. C’est à ce moment-là que j’ai commencé à faire de la musique, car j’ai ressenti une forte connexion avec la musique minimaliste.

 

Dans cet article, nous allons explorer comment le minimalisme a été utilisé dans la production musicale, en nous inspirant de trois artistes influents : Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley.

 

Le pouvoir du minimalisme

 

L’essence du minimalisme en production musicale réside dans la capacité à créer un environnement sonore focalisé et spacieux. En utilisant moins de sons, les producteurs peuvent créer une atmosphère claire et épurée qui permet à l’auditeur de se concentrer sur les détails de chaque son. Cette approche fonctionne bien dans la musique électronique, où la conception sonore et la texture sont souvent au centre du processus.

 

Les synthétiseurs modulaires et eurorack, en particulier, sont d’excellents outils pour explorer le minimalisme dans la production musicale. Avec leur nombre limité de modules et leur espace restreint (mais aussi leur coût!), ces instruments obligent le producteur à faire preuve de créativité avec moins de ressources. Cette contrainte peut être une grande source d’inspiration, conduisant à des compositions innovantes et originales.

 

L’une des différences les plus importantes entre aujourd’hui et la fin des années 90 est l’accessibilité des outils de production musicale. À l’époque, vous ne pouviez utiliser que les quelques éléments dont vous disposiez, tels qu’une boîte à rythmes et un sampler. Aujourd’hui, nous avons tellement de choses qu’il est difficile de se concentrer sur ce qu’il faut choisir. Le minimalisme commence par l’acceptation totale des limites que l’on doit s’imposer.

 

Des phrases simples et en constante évolution

 

L’un des principaux défis de la production de musique minimaliste est de créer des variations et des développements à partir d’un matériel musical limité. Un exercice judicieux pour développer cette compétence consiste à se concentrer sur la création de phrases simples mais en constante évolution. Ces phrases peuvent être créées en utilisant un nombre limité de notes, de motifs rythmiques ou de textures sonores.

 

Il me plaît aussi de choisir jusqu’à quatre sons différents que j’aime et j’essaie d’en faire un phrasé.

 

Arthur Russell était passé maître dans l’art de créer des phrases évolutives dans sa musique. Son utilisation de la répétition et de la variation subtile a créé un effet hypnotique et envoûtant. Dans son morceau « Lucky Cloud », par exemple, il utilise une simple ligne de basse de quatre notes qui se répète tout au long du morceau, mais il ajoute progressivement des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix, créant ainsi une texture riche et complexe. Il s’appuyait sur la réverbération, les délais et l’utilisation du panoramique pour créer toute la tension et les variations nécessaires pour susciter l’engagement.

Brian Eno est un autre artiste qui a exploré les possibilités de la musique minimaliste. Son approche se caractérise souvent par l’utilisation de textures ambiantes et de drones, créant une atmosphère méditative et introspective. Dans son album « Music for Airports », il utilise un nombre limité d’accords simples et de fragments mélodiques, qu’il superpose pour créer un paysage sonore en constante évolution. Il est connu pour avoir développé des outils génératifs pour créer sa musique. Il laissait les machines lui proposer des idées et sélectionnait ensuite les moments qu’il aimait.

Terry Riley est un pionnier de la musique minimaliste, connu pour son utilisation innovante de la répétition et de l’improvisation. Son morceau « In C » est une œuvre phare de la musique minimaliste, composée de 53 phrases courtes qui peuvent être répétées et combinées de différentes manières, créant ainsi un nombre virtuellement infini de variations.

 

Exercices pour une production musicale minimaliste

 

Voici trois exercices inspirés par Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley pour vous aider à explorer le minimalisme dans votre production musicale :

  1. Exercice Arthur Russell: Créez une simple ligne de basse de quatre notes et ajoutez des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix pour créer une texture riche et complexe. Concentrez-vous sur les réverbérations et les delays, le panning. Défi : utilisez votre voix (oui, faites-le).
  2. Exercice Brian Eno: Créez un paysage sonore ambiant à l’aide d’un nombre limité d’accords et de fragments mélodiques, en les superposant pour créer une texture en constante évolution. Vous pouvez essayer de générer des mélodies à l’échelle d’une tonalité, puis conserver ce que vous aimez. Défi : enregistrer 30 minutes de musique, sans montage.
  3. Exercice Terry Riley: Créez une courte phrase composée de quelques notes ou d’un rythme simple. Répétez et faites varier cette phrase, en ajoutant progressivement des couches de texture et d’improvisation pour créer une composition complexe et évolutive. Défi : Faire face à la répétition ultime et s’y tenir.

 

Outils à votre disposition :

 

Les synthés que j’aime : Il semble que je revienne toujours à Pigments c’est l’un de mes préférés. Il offre de multiples possibilités de modulation, ce qui en fait un outil très polyvalent. Ce que j’aime, c’est partir d’un preset (il y a une boutique dans le plugin!) et le peaufiner ensuite selon ses goûts. Ceux qui sont inclus sont de jolis canevas de départ qui sont en phase avec les genres actuels. Quanta 2 etDiva ont également leur place ici, en raison de la qualité de leur son.

Quand il s’agit de reverbs et de delays, je suis un grand fan de tout ce qui vient de Valhalla. Leur prix est parfait et leur qualité est reconnue par les plus grands producteurs pour une raison bien précise : leur son est incroyable. Sinon, si vous voulez quelque chose de solide, vous pouvez envisager Fabfilter Reverb etNeoverb pour une option plus abordable. J’utilise souvent les deux de mon côté.

Les outils génératifs sont nombreux dans l’environnement Ableton live. Vous pouvez utiliser de simples patchs max comme Snake ouRozzer et utiliser des LFOs qui les font évoluer dans le temps. Sinon, le bon vieux Riffer s’avère utile. Je recommanderais également Alexkid VST Seqund qui est excellent. Sinon, plongez dans VCV.

 

Conclusion

 

Le minimalisme dans la production musicale est un outil puissant pour créer des environnements sonores focalisés et spacieux. En utilisant un nombre limité de sons et d’éléments musicaux, les producteurs peuvent créer des compositions innovantes et originales. En nous inspirant d’Arthur Russell, de Brian Eno et de Terry Riley, nous pouvons explorer les possibilités de la musique minimaliste et développer nos capacités à créer des phrases musicales simples mais en constante évolution.