Comment l’IA aide les musiciens à s’affranchir du manque d’originalité

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Lorsqu’il s’agit de créer de la musique, il existe une tension permanente entre le désir d’innover et la pression de gagner de l’argent. De nombreux musiciens se retrouvent piégés dans un cycle de production d’une musique sans originalité qui s’inscrit parfaitement dans des catégories préexistantes, tout cela dans le but de plaire à leur public et de faire du profit. Et s’il existait un moyen de sortir de ce cycle?

Nous avons récemment parlé de la nécessité de ralentir pour acquérir de nouvelles compétences, mais voyons ce qu’il en est de la technologie la plus avancée.

L’intelligence artificielle (IA) est un outil de plus en plus utilisé par les musiciens pour repousser les limites de la production musicale. L’IA ayant suscité de nombreuses controverses dans la communauté artistique parce qu’elle change la donne en démocratisant son accès, j’ai voulu mettre l’accent sur les aspects positifs.

 

L’utilisation de l’IA pour générer des idées auxquelles nous ne penserions pas

 

L’une des raisons pour lesquelles les musiciens ont tendance à produire une musique peu originale est qu’ils sont constamment à l’affût des dernières tendances et de ce qui est populaire auprès de leur public. Pour gagner de l’argent, ils se sentent obligés de produire de la musique qui s’inscrit parfaitement dans ces tendances, plutôt que d’explorer de nouveaux territoires. Il en résulte une homogénéisation de la musique, où tout commence à sonner pareil. Si vous lisez souvent ce blog, vous savez que nous parlons souvent du « piège de la réussite », qui consiste à essayer de répéter une histoire à succès, ce qui ne mène à rien.

 

L’IA, quant à elle, n’est pas consciente de ces tendances. Elle n’a pas de notion préconçue de ce qui est populaire ou de ce qui se vendra. En revanche, elle est capable d’analyser de grandes quantités de données afin d’identifier des schémas et des connexions que les humains ne pourraient pas voir. Cela en fait un outil puissant pour l’innovation dans la production musicale.

 

Par exemple, l’IA peut analyser la musique existante et identifier les éléments communs qui pourraient être utilisés pour créer quelque chose de nouveau. Elle peut également générer des idées entièrement nouvelles auxquelles les humains n’auraient pas pensé. En utilisant l’IA, les musiciens peuvent se libérer des contraintes de leur propre créativité et explorer de nouveaux territoires qu’ils n’auraient peut-être pas découverts autrement.

 

L’IA peut recycler de vieilles idées de manière innovante

 

Mais l’IA n’est pas seulement un outil permettant de créer de la musique entièrement nouvelle. Elle peut également être utilisée pour recycler des idées existantes de manière innovante. Par exemple, l’IA peut prendre une mélodie existante et la transposer dans une autre tonalité, ou appliquer des motifs rythmiques différents à une progression d’accords familière. En utilisant l’IA de cette manière, les musiciens peuvent créer quelque chose de frais et de nouveau, tout en s’appuyant sur des éléments familiers que leur public reconnaîtra.

 

Bien entendu, l’utilisation de l’IA dans la production musicale n’est pas sans poser de problèmes. Certains musiciens craignent que leur travail ne soit moins authentique ou que l’élément humain qui rend la musique si spéciale ne disparaisse. Mais la vérité est que l’IA n’est qu’un outil et que, comme tout outil, elle peut être utilisée de différentes manières. Les musiciens qui considèrent l’IA comme un outil d’innovation et d’exploration peuvent l’utiliser pour améliorer leur propre créativité, plutôt que de la remplace

 

Outils d’IA pour la création de musique électronique

  1. Amper Music: Une plateforme qui utilise l’IA pour générer des morceaux de musique originaux sur la base des informations fournies par l’utilisateur concernant le genre, les émotions et le tempo.
  2. AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) : Un compositeur et générateur de musique qui utilise des algorithmes d’apprentissage profond pour créer des morceaux de musique originaux dans différents genres.
  3. Melodrive : Un outil qui utilise l’IA pour créer de la musique personnalisée pour les jeux vidéo et autres médias interactifs, en adaptant la musique au comportement et aux émotions de l’utilisateur.
  4. Google Magenta : Un projet open-source qui vise à faire progresser l’état de l’art en matière d’apprentissage automatique pour la génération de musique et d’art, en fournissant des outils pour la création et l’exploration de nouvelles expériences musicales.
  5. Amadeus Code: Un outil qui utilise l’IA pour aider les auteurs-compositeurs à générer de nouvelles idées musicales, en leur suggérant des progressions d’accords et des mélodies sur la base des données fournies par l’utilisateur.
  6. Humtap: Une plateforme qui utilise l’IA pour aider les utilisateurs à créer de la musique originale en leur suggérant des accords, des mélodies et des paroles en fonction de ce qu’ils ont saisi.
  7. Emergent Drums: génère des kits de batterie en quelques clics. Puissant!
  8. AI Kitchen : Celui-ci n’est pas encore public, mais il semble prometteur. Il s’agit en fait du Midjourney de l’audio. Vous saisissez des instructions et l’IA vous donne des idées.

Comment savoir si un outil est vraiment de l’IA et pas autre chose :

Il peut être difficile de déterminer si un outil de production musicale décrit comme étant piloté par l’IA utilise réellement l’IA, car le terme « IA » est souvent utilisé de manière vague et peut avoir des significations différentes dans des contextes différents. J’ai remarqué un certain nombre de plugins qui disent utiliser l’IA mais ce n’est pas vraiment le cas. Cependant, voici quelques éléments qui peuvent indiquer qu’un outil utilise l’IA :

  1. Algorithmes d’apprentissage automatique: De nombreux outils de production musicale pilotés par l’IA utilisent des algorithmes d’apprentissage automatique pour analyser et générer de la musique. Si un outil prétend utiliser l’IA, il convient d’examiner les algorithmes d’apprentissage automatique spécifiques qu’il utilise et la manière dont ils sont appliqués.
  2. Données d’apprentissage: Les systèmes d’intelligence artificielle ont besoin de grandes quantités de données d’apprentissage. Si un outil de production musicale prétend utiliser l’IA, il convient de vérifier sur quelles données d’apprentissage il a été formé, et s’il a été formé sur un ensemble de données suffisamment diversifié et représentatif.
  3. Variabilité des résultats: L’une des caractéristiques des systèmes d’intelligence artificielle est qu’ils peuvent générer un large éventail de résultats à partir d’une entrée donnée. Si un outil de production musicale est capable de générer un grand nombre de pistes ou de variations uniques sur la base des données fournies par l’utilisateur, cela peut être le signe qu’il utilise l’IA.
  4. Appuis d’experts : Si un outil de production musicale est approuvé par des experts dans le domaine de l’IA ou de la production musicale, cela peut être un signe qu’il utilise des techniques d’IA légitimes.
  5. Transparence: Enfin, il est important de rechercher la transparence dans la manière dont l’outil est décrit et commercialisé. Si un outil est vague sur la manière dont il utilise l’IA ou s’il fait des déclarations irréalistes sur ce qu’il peut faire, c’est un signal d’alarme.

En fin de compte, la meilleure façon de déterminer si un outil de production musicale utilise réellement l’IA est de faire des recherches et de poser des questions. Recherchez des critiques provenant de sources fiables, interrogez les développeurs sur leurs techniques d’intelligence artificielle et discutez avec d’autres utilisateurs pour vous faire une idée des performances de l’outil dans la pratique.

 

Génératif vs IA

La musique générative est l’ancêtre de la musique IA. Ce que nous faisons dans le domaine modulaire est essentiellement un travail d’homme des cavernes préhistorique comparé à l’approche de haute technologie des systèmes de modélisation. La modularité repose en quelque sorte sur la logique booléenne et les opérations de base. Je pense qu’il est important d’explorer la musique générative pour comprendre comment les machines sont là pour créer du matériel que vous pouvez utiliser dans votre musique. La musique générative vous fournira de multiples idées basées sur les paramètres de votre choix. La musique générative est quelque chose qu’il est important de comprendre si vous cherchez à vous débarrasser du syndrome de la page blanche.

L’un des défauts de l’IA que j’apprécie est son manque de compréhension des bonnes et des mauvaises idées.

Elle fait simplement ce qu’elle sait faire.

Vous pouvez ensuite transformer des prises maladroites en idées qui vous sont propres. C’est un peu comme si une blague d’un enfant en bas âge pouvait être utilisée pour inventer une histoire drôle pour les adultes.

Alors, à tous les musiciens qui se sentent piégés dans un cycle de manque d’originalité : il est temps de reconsidérer votre approche. En adoptant l’IA comme outil d’innovation, vous pouvez vous libérer des contraintes liées à la popularité et explorer de nouveaux territoires que vous n’auriez peut-être pas découverts autrement. Que vous créiez de la musique entièrement nouvelle ou que vous recycliez des idées existantes de manière innovante, l’IA peut vous aider à repousser les limites du possible en matière de production musicale.

 

Ralentir la production pour mieux apprendre

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Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

 

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

 

La recherche du succès

 

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

 

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

 

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

 

Descendre de la montagne

 

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

 

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

 

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

 

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

 

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

 

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

 

Comment trouver de nouvelles techniques?

 

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

 

Comment créer un kick sec

 

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

 

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

  • Gain staging (niveaux des gains)
  • Le fonctionnement des enveloppes.
  • Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

 

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.

 

Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.

 

Le minimalisme en production musicale : inspirations d’Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley

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Le minimalisme est une approche qui met l’accent sur la simplicité et la réduction du nombre d’éléments musicaux. Cette approche peut être appliquée à de nombreux genres musicaux, mais elle a été particulièrement influente dans le domaine de la musique électronique, où la technologie et la conception sonore peuvent conduire à une complexité écrasante. À la fin des années 90, la techno minimale a connu un essor considérable. C’était une réaction à la musique maximale comme la trance et la hard techno. C’est à ce moment-là que j’ai commencé à faire de la musique, car j’ai ressenti une forte connexion avec la musique minimaliste.

 

Dans cet article, nous allons explorer comment le minimalisme a été utilisé dans la production musicale, en nous inspirant de trois artistes influents : Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley.

 

Le pouvoir du minimalisme

 

L’essence du minimalisme en production musicale réside dans la capacité à créer un environnement sonore focalisé et spacieux. En utilisant moins de sons, les producteurs peuvent créer une atmosphère claire et épurée qui permet à l’auditeur de se concentrer sur les détails de chaque son. Cette approche fonctionne bien dans la musique électronique, où la conception sonore et la texture sont souvent au centre du processus.

 

Les synthétiseurs modulaires et eurorack, en particulier, sont d’excellents outils pour explorer le minimalisme dans la production musicale. Avec leur nombre limité de modules et leur espace restreint (mais aussi leur coût!), ces instruments obligent le producteur à faire preuve de créativité avec moins de ressources. Cette contrainte peut être une grande source d’inspiration, conduisant à des compositions innovantes et originales.

 

L’une des différences les plus importantes entre aujourd’hui et la fin des années 90 est l’accessibilité des outils de production musicale. À l’époque, vous ne pouviez utiliser que les quelques éléments dont vous disposiez, tels qu’une boîte à rythmes et un sampler. Aujourd’hui, nous avons tellement de choses qu’il est difficile de se concentrer sur ce qu’il faut choisir. Le minimalisme commence par l’acceptation totale des limites que l’on doit s’imposer.

 

Des phrases simples et en constante évolution

 

L’un des principaux défis de la production de musique minimaliste est de créer des variations et des développements à partir d’un matériel musical limité. Un exercice judicieux pour développer cette compétence consiste à se concentrer sur la création de phrases simples mais en constante évolution. Ces phrases peuvent être créées en utilisant un nombre limité de notes, de motifs rythmiques ou de textures sonores.

 

Il me plaît aussi de choisir jusqu’à quatre sons différents que j’aime et j’essaie d’en faire un phrasé.

 

Arthur Russell était passé maître dans l’art de créer des phrases évolutives dans sa musique. Son utilisation de la répétition et de la variation subtile a créé un effet hypnotique et envoûtant. Dans son morceau « Lucky Cloud », par exemple, il utilise une simple ligne de basse de quatre notes qui se répète tout au long du morceau, mais il ajoute progressivement des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix, créant ainsi une texture riche et complexe. Il s’appuyait sur la réverbération, les délais et l’utilisation du panoramique pour créer toute la tension et les variations nécessaires pour susciter l’engagement.

Brian Eno est un autre artiste qui a exploré les possibilités de la musique minimaliste. Son approche se caractérise souvent par l’utilisation de textures ambiantes et de drones, créant une atmosphère méditative et introspective. Dans son album « Music for Airports », il utilise un nombre limité d’accords simples et de fragments mélodiques, qu’il superpose pour créer un paysage sonore en constante évolution. Il est connu pour avoir développé des outils génératifs pour créer sa musique. Il laissait les machines lui proposer des idées et sélectionnait ensuite les moments qu’il aimait.

Terry Riley est un pionnier de la musique minimaliste, connu pour son utilisation innovante de la répétition et de l’improvisation. Son morceau « In C » est une œuvre phare de la musique minimaliste, composée de 53 phrases courtes qui peuvent être répétées et combinées de différentes manières, créant ainsi un nombre virtuellement infini de variations.

 

Exercices pour une production musicale minimaliste

 

Voici trois exercices inspirés par Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley pour vous aider à explorer le minimalisme dans votre production musicale :

  1. Exercice Arthur Russell: Créez une simple ligne de basse de quatre notes et ajoutez des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix pour créer une texture riche et complexe. Concentrez-vous sur les réverbérations et les delays, le panning. Défi : utilisez votre voix (oui, faites-le).
  2. Exercice Brian Eno: Créez un paysage sonore ambiant à l’aide d’un nombre limité d’accords et de fragments mélodiques, en les superposant pour créer une texture en constante évolution. Vous pouvez essayer de générer des mélodies à l’échelle d’une tonalité, puis conserver ce que vous aimez. Défi : enregistrer 30 minutes de musique, sans montage.
  3. Exercice Terry Riley: Créez une courte phrase composée de quelques notes ou d’un rythme simple. Répétez et faites varier cette phrase, en ajoutant progressivement des couches de texture et d’improvisation pour créer une composition complexe et évolutive. Défi : Faire face à la répétition ultime et s’y tenir.

 

Outils à votre disposition :

 

Les synthés que j’aime : Il semble que je revienne toujours à Pigments c’est l’un de mes préférés. Il offre de multiples possibilités de modulation, ce qui en fait un outil très polyvalent. Ce que j’aime, c’est partir d’un preset (il y a une boutique dans le plugin!) et le peaufiner ensuite selon ses goûts. Ceux qui sont inclus sont de jolis canevas de départ qui sont en phase avec les genres actuels. Quanta 2 etDiva ont également leur place ici, en raison de la qualité de leur son.

Quand il s’agit de reverbs et de delays, je suis un grand fan de tout ce qui vient de Valhalla. Leur prix est parfait et leur qualité est reconnue par les plus grands producteurs pour une raison bien précise : leur son est incroyable. Sinon, si vous voulez quelque chose de solide, vous pouvez envisager Fabfilter Reverb etNeoverb pour une option plus abordable. J’utilise souvent les deux de mon côté.

Les outils génératifs sont nombreux dans l’environnement Ableton live. Vous pouvez utiliser de simples patchs max comme Snake ouRozzer et utiliser des LFOs qui les font évoluer dans le temps. Sinon, le bon vieux Riffer s’avère utile. Je recommanderais également Alexkid VST Seqund qui est excellent. Sinon, plongez dans VCV.

 

Conclusion

 

Le minimalisme dans la production musicale est un outil puissant pour créer des environnements sonores focalisés et spacieux. En utilisant un nombre limité de sons et d’éléments musicaux, les producteurs peuvent créer des compositions innovantes et originales. En nous inspirant d’Arthur Russell, de Brian Eno et de Terry Riley, nous pouvons explorer les possibilités de la musique minimaliste et développer nos capacités à créer des phrases musicales simples mais en constante évolution.

 

Mixage d’un morceau pendant l’arrangement

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L’une des questions que l’on me pose souvent lorsque j’enseigne la production est la suivante : « Dois-je commencer à mixer en même temps que je travaille sur la piste? Il n’y a pas de réponse précise à cette question, car chaque chanson est différente. Je dirai cependant que je commence à travailler sur le mixage dès le début, mais pas nécessairement de la manière dont les gens pourraient le penser.

 

Il y a trois choses auxquelles je fais attention pour m’assurer que mon mixage est correct, dès le départ.

 

  1. Gain staging (niveaux des gains). C’est un sujet que j’aborde dans les tutoriels et les ateliers sur le mixage, mais il s’agit surtout de normaliser. Vous voulez que votre entrée (échantillon, synthétiseurs) soit proche de 0 dB. Ensuite, vous ajusterez le fader au niveau désiré (ex. -10 dB).
  2. Hiérarchie des amplitudes. Quel est le son qui domine? C’est celui qui sera le plus fort de votre mixage pendant la majeure partie de la chanson. Les autres sons seront ajustés par rapport au son dominant.
  3. Séquençage et espace négatif. C’est ici que se joue l’essentiel. De nombreuses personnes ont des difficultés avec le mixage effectué à la fin de la production d’une chanson en raison de tous les chevauchements dans l’amplitude (volume) et le timing. Par exemple, si vous devez utiliser un side-chain entre le kick et la basse, c’est parce que vous n’avez pas préparé d’espace négatif pour le kick. Ensuite, il vous faudra sculpter à la fois le partage des fréquences et l’amplitude.

 

Un bon séquençage signifie un bon mixage

 

Ma devise est que si votre séquençage est fait correctement, vous n’aurez pas beaucoup à jongler avec une fois que vous serez à l’étape du mixage. En fait, vous ne voulez pas que les sons se chevauchent trop pour éviter les problèmes de masquage.

 

Lorsque je reçois un morceau pour le mastering, l’une des principales tâches que je dois accomplir est d’ajuster le niveau sonore. Si les niveaux de gain sont médiocres, je dois les augmenter considérablement pour atteindre le niveau sonore standard. Si je dois augmenter le volume, cela signifie que tout son qui se chevauche sera écrasé et fusionné avec d’autres, ce qui annihilera toute la précision d’un mixage aéré et créera un mastering muddy et sans vie.

 

Ainsi, certains sons peuvent partager la même position dans le séquençage, comme c’est le cas dans la musique techno ou house, où les kicks, les claps et les hats se mélangent. Mais comme vous le savez, ils ne se trouvent pas dans les mêmes zones de fréquence. Les kicks seront dans les basses, les claps dans les mids et les hats dans les hautes fréquences. Il y a donc de l’espace dans le spectre pour que tous les sons puissent cohabiter. Les transitoires des claps peuvent également accentuer les kicks, en leur donnant plus de punch.

 

(H2 Tag – Make sure to adjust this on WordPress) Attention à la gamme dynamique

Cela dit, ces sons auront plus de punch si vous contrôlez leur longueur. La gamme dynamique accentue le punch et la précision. Ce que nous appelons la gamme dynamique est la différence entre le pic le plus fort et la partie la plus basse. Si vous insérez un espace négatif (silence), vos sons seront théoriquement plus percutants.

 

Cela signifie que la réverbération, les delays et les bruits de fond peuvent nuire à la gamme dynamique, car ils enlèvent de l’espace au plancher sonore. Si vous en ajoutez trop, le morceau sera brouillon et muddy.

 

Avec cette idée en tête, vous commencerez par sélectionner des sons et par ajuster leur longueur, puis vous les normaliserez (par exemple, en les rapprochant de 0 dB).

 

Être stratégique avec la voix

 

Lorsqu’il s’agit de créer l’idée principale d’une chanson, nous appellerons les sons des « voix ». Vous vous faciliterez la vie en vous limitant à 4 maximum.

 

Une voix peut être un synthétiseur ou un instrument. Si vous y ajoutez des couches, il s’agit toujours d’une seule voix. Mais si vous ajoutez un deuxième instrument qui joue des notes différentes à des moments différents, il s’agira d’une deuxième voix. Avec quatre voix, le tout devient chargé.

 

Espace dans le mixage

 

En termes d’amplitude, nous savons que les niveaux doivent être différents, mais le panoramique et le positionnement stéréo peuvent également faire la différence. Vous devez garder à l’esprit que vous essayerez d’éviter les chevauchements stéréo, mais en termes d’amplitude, si deux sons s’affrontent, vous pouvez leur donner un panoramique différent afin d’obtenir de l’espace et de la clarté.

 

Là encore, en ce qui concerne l’amplitude, vous pouvez réduire certaines fréquences de manière à ce que le bas ou le milieu de gamme n’interfère pas. C’est pourquoi les égaliseurs passifs, tels que les Pultecs ou les égaliseurs à 3-4 bandes, sont très utiles. Ils vous permettent d’ajuster une gamme de fréquences sans modifier l’ensemble du spectre.

 

En fin de compte, je vous invite à réfléchir à la manière dont vous séquencez votre musique avec soin et je pense que votre mixage sera beaucoup plus facile.