Les outils pour comprendre vos références

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Nous sommes tous passés par là : nous nous efforçons de composer la mélodie parfaite ou d’écrire des paroles captivantes, mais nous sommes freinés par la recherche incessante de l’originalité. Et si nous vous disions qu’il existe un moyen de sortir de cette impasse créative et de découvrir une toute nouvelle dimension d’idées musicales?

 

Quel que soit le nombre de fois où je me mets devant mon ordinateur pour faire de la musique, je me trouve souvent dans deux modes : essayer de faire de la musique qui sera complètement originale ou essayer d’émuler des idées que j’aime (c’est à dire le contraire d’être original). Dans la plupart des cas, j’oublie que je m’amuse jusqu’à ce que j’atteigne la zone. Heureusement, il existe de nombreuses techniques qui peuvent être comprises à partir de la musique que nous aimons et il existe également de nombreux outils facilitant la compréhension de la magie derrière certaines chansons. Je vais vous proposer quelques outils que j’utilise lorsque je fais de la production pour des clients.

 

Récemment, j’ai lu le livre d’Austin Kleon, « Steal Like an Artist » (Volez comme un artiste), où j’ai découvert cinq idées précieuses pour lancer votre exploration musicale. J’ai eu le sentiment que cela pouvait s’appliquer à la musique.

La révolution des remixes :

 

Dans un monde débordant de musique, trouver l’originalité absolue peut ressembler à chercher une aiguille dans une botte de foin. Mais n’ayez crainte! Kleon suggère d’adopter le concept de remix : un collage créatif d’idées et d’influences existantes. N’oubliez pas que même les musiciens les plus renommés ont été inspirés par les sons d’antan. Alors, plongez dans les archives, explorez différents genres et laissez la magie de la pollinisation croisée libérer vos prouesses musicales!

Le premier exercice que je propose à tout client qui se trouve confronté au syndrome de la page blanche, c’est de se procurer un tas de boucles et de commencer à les remixer, sans aucun objectif. Bien qu’il s’agisse du meilleur remède dans la plupart des cas, certains ont l’impression qu’il s’agit d’un vol de samples, de copie etc. Mais quand l’esprit est bloqué, c’est surtout parce qu’on réfléchit trop. Le fait de commencer par un simple exercice consistant à jouer avec des idées toutes faites n’est qu’une porte ouverte qui permet de revenir en arrière et de développer ensuite ce qui nous semble le plus pertinent.

 

Astuce: Il est difficile de ne pas s’amuser en utilisant la grande quantité de boucles de qualité que vous trouverez surSplice. Il offre également la possibilité de louer des synthés, des plugins ou d’avoir des presets pour les genres que vous aimez. Il dispose également d’une application de bureau qui vous permet de prévisualiser les boucles, puis de les importer dans votre DAW. J’apprécie également le fait que vous puissiez synchroniser l’application avec le tempo de votre projet en utilisant le VST Splice.

 

Une autre alternative consiste à utiliser Loopcloud, qui ressemble un peu à Splice, mais qui propose également des outils tels qu’une boîte à rythmes très agréable où vous pouvez importer n’importe quel son de la bibliothèque.

 

Astuce 2: J’aime utiliserSoundsnap pour les samples. Il contient de nombreux sons naturels, des enregistrements de terrain et des enregistrements aléatoires. Il est utilisé dans les films et peut l’être également dans vos chansons.

 

Échangez les idées, pas votre identité :

En tant que musiciens, il est naturel d’aspirer à un son unique qui nous distingue. Cependant, essayer de forcer l’originalité conduit souvent à une paralysie créative. Au lieu de cela, prenez exemple sur Kleon (littéralement!) et volez des idées sans vergogne. Mais voici l’astuce : concentrez-vous sur les éléments que vous admirez et retravaillez-les pour en faire quelque chose de tout à fait personnel. Reconnaissez les mérites, mais n’ayez pas peur d’y mettre votre grain de sel. Après tout, le monde n’a pas besoin d’un autre copycat, il a besoin du mélange extraordinaire que vous seul pouvez créer!

Toutefois, l’art du remixage peut s’avérer plus subtil. Vous pouvez écouter Keith Jarrett, un vieux dub de Studio One, du classique moderne et prêter attention aux sons utilisés, à la façon dont ils sont exprimés (mélodie) et à l’espace créé.

 

Que remarquez-vous? Les notes sont-elles lentes ou rapides? Le son est-il dense ou aéré? Quelle est la signature temporelle?

 

Écrivez les notes, puis appliquez le concept à tout ce que vous faites. C’est la pollinisation croisée.

ASTUCE : Vous pouvez acheter des packs MIDI ou des mélodies MIDI un peu partout et chercher des idées qui ne sont pas dans les genres que vous faites. Les notes MIDI ne produisent pas de son, ce ne sont que des mélodies. Vous pouvez utiliser des sons harmoniques aléatoires ou des synthétiseurs de votre choix afin d’extraire des mélodies qui sortent de votre routine.

ASTUCE 2 : De nombreux clients ne réalisent pas qu’une des mesures à prendre pour que leurs chansons paraissent plus professionnelles est d’utiliser une tonalité de base avec une gamme. J’aime les nombreux outils de Captain Plugins. Ils ont des plugins de studio qui vous permettent de comprendre la tonalité et la gamme des idées importantes ou de vos propres mélodies (par exemple, certains clients improvisent des mélodies pour découvrir plus tard qu’elles sont dans une gamme spécifique sans le savoir!) Vous pouvez également jeter un œil à Tonic pour ce type d’analyse.

 

Cultivez vos influences :

Avez-vous déjà entendu le dicton « Vous êtes ce que vous mangez »? Dans le monde de la musique, « Vous êtes ce que vous écoutez ». Entourez-vous d’un large éventail d’influences musicales. Des compositions classiques aux expériences d’avant-garde, absorbez tout comme une éponge musicale. En créant une tapisserie unique d’influences, vous développerez une riche palette de sons dans laquelle vous pourrez puiser. N’ayez donc pas peur de vous lancer dans une aventure sonore, vous pourriez bien trouver l’étincelle qui enflammera votre génie musical!

 

Pour faire de la musique de qualité, il faut être exposé à des chansons de qualité.

 

Cela signifie que vous devez écouter de la musique autant que vous en faites. À partir de ce que vous écoutez, essayez de diversifier votre répertoire autant que possible. Lorsque vous découvrez un artiste que vous aimez, fouillez ses racines, ses premières œuvres et ses œuvres récentes.

 

Faites-vous des amis qui aiment profondément la musique et demandez-leur des recommandations. On ne demande pas assez aux gens quels sont leurs favoris, mais c’est un sujet très apprécié si vous aimez la musique.

 

J’adore ce patch max qui ouvre le répertoire de tous les sons de Freesound.org. J’aime ce site parce qu’il est gratuit, mais aussi parce qu’il permet de demander des samples au hasard. J’aime aussi cette page qui me donne des vidéos Youtube à regarder au hasard…

 

TIP: Elphnt a fait un patch sympa qui vous propose des idées pour démarrer de nouvelles idées ou si vous manquez d’idées à un moment donné.

 

Les contraintes vous libèrent :

 

Contrairement aux idées reçues, les contraintes peuvent être le meilleur ami du musicien. Kleon souligne l’importance de fixer des limites pour libérer sa créativité. En vous imposant des limites spécifiques, telles que des restrictions de temps, des instruments limités ou même des structures de chansons inhabituelles, vous obligez votre esprit à sortir des sentiers battus. Ces défis auto-imposés deviennent le catalyseur de l’innovation, ouvrant la voie à des percées musicales que vous n’auriez jamais crues possibles.

 

ASTUCE : faites-vous un kit de batterie et quelques échantillons pour créer vos chansons. Choisissez une chanson au hasard et utilisez-la comme modèle pour la vôtre (BPM, section, ambiance, tonalité, gamme, etc.). J’adore l’outil de Decoda parce qu’il peut vraiment aider à extraire une mélodie ou à comprendre comment une chanson est arrangée.

 

Profitez du voyage :

 

Créer une musique remarquable n’est pas un sprint, c’est un marathon qui dure toute une vie. Alors que vous vous embarquez dans votre odyssée musicale, n’oubliez pas d’apprécier le voyage. Kleon encourage les artistes à embrasser le processus plutôt que d’être obstinés par le résultat final. Chaque composition, chaque séance d’entraînement et chaque faux pas constituent une partie essentielle de votre développement en tant que musicien. Alors, attachez votre ceinture et savourez l’aventure, car c’est le voyage lui-même qui fait de vous l’artiste que vous êtes censé être.

 

Mais que se passe-t-il lorsque l’on est père ou que l’on a un travail exigeant et que l’on ne peut pas consacrer beaucoup de temps à son passe-temps favori? Le voyage se complique un peu. Pouvez-vous encore vous réjouir des résultats sans avoir le temps de faire ce qu’il faut pour lancer votre projet?

 

Voilà pour les musiciens intrépides! Armé des précieux conseils d’Austin Kleon tirés de « Steal Like an Artist », vous possédez désormais les armes secrètes pour vous libérer du carcan des blocages créatifs. Embrassez la révolution du remix, piochez des idées avec fierté, cultivez vos influences, épanouissez-vous dans les contraintes et, par-dessus tout, savourez le voyage.

N’oubliez pas que le monde de la musique est votre univers. Alors plongez sans crainte, créez sans complexe et laissez vos mélodies volées remodeler le tissu même de l’innovation musicale.

 

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!

 

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

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La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

 

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

 

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

 

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

 

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

 

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

 

Adopter la rétroaction externe comme approbation

 

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

 

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

 

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

 

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

 

Exploration collaborative :

 

  • Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

 

Mentorat et modèles :

 

  • Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

 

Le pouvoir des réseaux musicaux :

 

  • Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

 

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

  • Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
  • Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
  • Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

 

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

 

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

 

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

 

Avantages des séances de production en personne

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Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.