Amélioration des mélodies grâce à l’articulation

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Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.

Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».

Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.

Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.

(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).

Articulation en musique pour enrichir vos idées

 

En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.

Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.

Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.

 

  • Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
    • Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
    • Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
    • Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
  • Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
  • Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
    • Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
    • On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
  • Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
    • Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
  • Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
    • Celui-ci serait à 127 en vélocité.
    • En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
  • Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
    • Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
  • Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
  • Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
    • Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
  • Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
  • Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
    • J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.

 

Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.

 

Exemples

Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.

Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.

Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.

 

Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.

Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.

Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.

 

Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer

Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.

 

Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.

Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.

 

Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.

Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.

 

Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).

Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon

 

Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.

Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.

Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.

 

Exercices et applications

  1. Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
  2. Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
  3. Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
  4. Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
  5. Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
  6. Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.

En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.

Ingénierie inverse du son

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De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.

 

La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.

La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.

La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).

 

Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.

 

Comprendre le son

 

Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).

Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.

Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.

Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.

Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.

Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.

Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.

Guitare : Électrique, claire, acoustique, distordue, riff.

Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.

Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses.
Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.

Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.

 

Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.

Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.

Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.

 

Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).

 

 

 

 

 

 

 

 

Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.

 

 

 

 

 

 

Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.

 

Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.

La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.

Reproduire le son

 

Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?

C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.

L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.

Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.

Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.

Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.

L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.

 

L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.

Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.

 

Traitement du son

 

Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.

 

Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.

Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.

 

Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.

Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.

 

Ajustements itératifs

Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.

Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.

 

Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.

 

 

Comparaison finale et ajustements

 

Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.

 

Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.

Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.

L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.