Feuille de route de l’apprentissage de la production musicale

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Une chose que j’ai remarquée chez les personnes qui veulent apprendre à faire de la musique électronique, c’est qu’elles sont confrontées à un manque d’informations sur la façon de commencer. Je suis tombé récemment sur une interview de Mr. Beast qui suggérait que si vous voulez apprendre à faire des vidéos virales, vous devez commencer par vous entraîner à faire des vidéos. Ses suggestions recoupent en quelque sorte la manière dont j’enseigne la musique, où l’importance de la pratique est plus grande que, disons, le fait de terminer parfaitement les chansons. Il suggère que l’on pourrait tenter de réaliser 100 vidéos en pratiquant un élément dans chacune d’entre elles, en essayant de s’améliorer de 1 % à chaque fois, au lieu de d’entreprendre quelque chose d’énorme au départ. Mais surtout, il faut rester un peu discret jusqu’à ce que l’on devienne plus solide dans ce que l’on fait.

Les chansons sont des histoires basées sur une découverte personnelle. Si vous vous imaginez en train de raconter une histoire personnelle à un ami, vous concentrerez votre récit sur un seul élément et vous pourriez, dans votre narration, lui donner un grand dénouement. La musique est un peu similaire, mais pour de nombreuses personnes qui commencent à faire de la musique, elles ne veulent pas décevoir ou passer pour des débutants. Dans la plupart des cas, ils en font trop.

Au fur et à mesure que vous progressez dans l’apprentissage de la production musicale, vous ne savez pas qu’il existe de nombreuses techniques différentes, à moins que vous ne les trouviez en faisant des recherches ou que quelqu’un vous en parle. Vous pourriez ne pas savoir que votre musique présente différents problèmes si elle n’est pas examinée par un mentor expérimenté. Cela peut donc être assez déroutant.

C’est pourquoi j’ai décidé de reprendre l’idée de M. Beast de 100 projets et d’en faire une liste pour vous ici.

 

Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de l’utiliser. Il s’agit en fait de 100 idées que vous pouvez exploiter. La plupart d’entre elles sont accompagnées d’une vidéo YouTube que vous pouvez regarder pour apprendre la technique à pratiquer. En ce qui concerne les projets ou les chansons, je dirais qu’il faut essayer de faire des chansons qui durent entre 1 et 5 minutes. Il ne s’agit pas d’impressionner, mais de vous perfectionner. J’ai ajouté suffisamment de vidéos et de liens par projet pour que vous puissiez pratiquer une technique. Faites de votre mieux pour l’utiliser, mais vous pouvez bien sûr partir d’un point et aboutir à un résultat totalement différent. Il n’y a pas de règles.

Ce projet est directement lié à mon programme Patreon. Il y a le tiers « Road Map » qui vous permet d’adhérer à un soutien constant.

Bâtir les bases – Projets 1 à 10

Boucles, MIDI, et arrangements

La création de musique électronique commence généralement par l’utilisation d’échantillons (samples), de boucles (loops) et de MIDI. Commençons par la base.

 

Round 1 : Boucles et arrangements de base (Projets 1-3)

Ceci est l’introduction, je vous encourage à regarder ma vidéo personnelle destinée aux débutants.

Je vous encourage à vous abonner à Splice pour obtenir des boucles et des sons. Vous pouvez également visiter le site Freesounds.org pour obtenir des idées gratuites, mais la qualité peut parfois être discutable.

Si la tonalité et la gamme d’une chanson vous déroutent, cet article vous aidera. Également cette video.

 

Projet 1 – Exploration des boucles

  • Titre : « Loop Groove »
  • BPM : 100
  • Durée : 1-2 min.
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Importer, dupliquer et arranger des boucles pré-fabriquées de manière efficace. Il s’agit ici d’importer quelques boucles différentes et de les jouer dans la section arrangement. Voyez comment vous pouvez les placer pour créer une trame temporelle. Il s’agit de l’introduction la plus élémentaire.

 

Projet 2 – Transformation des boucles

  • Titre : « Loop Evolution »
  • BPM : 110
  • Durée : 1-2 min.
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Modifier les boucles, ajouter des fondus et créer des variations. Essayez de couper les boucles et de les réorganiser en différentes versions d’elles-mêmes.

 

Projet 3 – Arrangement de base

  • Titre : « Simple Structure »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Construire la structure d’un morceau avec des boucles, y compris les motifs, les sections et les accroches (hooks). Essayez d’avoir des sections distinctes telles que le couplet, le refrain, le pont et l’outro.

 

Round 2 : Notions de base sur le MIDI (Projets 4-6)

 

Jetez un coup d’œil à ce tutoriel et pratiquez les principes fondamentaux du midi pour vos prochains projets.

 

Projet 4 – Introduction au MIDI

  • Titre : « MIDI Essentials »
  • BPM : 95
  • Durée : 2 min.
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Comprendre le MIDI, l’entrée des notes et l’édition MIDI de base. Utilisez un synthétiseur virtuel comme Operator pour recevoir des notes et commencer à faire des mélodies en utilisant une clé et une gamme.

 

Projet 5 – Mélodies avec MIDI

  • Titre : « Melodic MIDI »
  • BPM : 130
  • Durée : 2 min.
  • Key : E Major
  • Gamme : Mixolydian Mode
  • Élément à pratiquer : Création de mélodies à l’aide du MIDI, exploration des notes et des gammes. Ouvrez une boucle qui est une mélodie et vous pouvez soit essayer de la reproduire (un peu plus avancé) soit de la compléter. Assurez-vous de connaître la tonalité de base de cette boucle. Extraire une mélodie d’une boucle.

 

Projet 6 – Rythme avec MIDI

  • Titre : « Rhythmic MIDI »
  • BPM : 85
  • Durée : 2 min.
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Travailler le rythme en utilisant le MIDI, les gates, les triggers et le contrôle de la vélocité. Créer vos percussions à la place des boucles. Extraire des percussions d’une boucle. Explorer les signatures rythmiques.

 

Round 3 : Plongée dans les arrangements (Projets 7-10)

Si vous avez suivi mon tutoriel initial, j’en explique les fondements. Il existe d’innombrables tutoriels sur les arrangements sur YouTube. En voici un à consulter.

 

Projet 7 – Arrangement avancé

  • Titre : « Arrangement Intro »
  • BPM : 115
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : Bb Major
  • Gamme : Dorian Mode
  • Élément à mettre en pratique : Ajout de variations, de silences et de motifs dynamiques (introduction de l’appel et de la réponse). Apprenez à jouer avec les automations.

 

Projet 8 – Motifs et accroches MIDI

  • Titre : « MIDI Patterns »
  • BPM : 105
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : C Minor
  • Gamme : Phrygian Mode
  • Élément à pratiquer : Créer des motifs (patterns) MIDI et des accroches (hooks) pour vos morceaux. Écoutez une chanson que vous connaissez et essayez de comprendre ce qu’est l’accroche.

 

Projet 9 – Automation MIDI

  • Titre : « MIDI Automation »
  • BPM : 125
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : F Major
  • Gamme : Lydian Mode
  • Élément à pratiquer : Exploration de l’automatisation MIDI pour le contrôle de l’expression.

 

Projet 10 – Jalon : Création d’une chanson

  • Titre : « Your First Track »
  • BPM : 140
  • Durée : 3 min.
  • Key : E Minor
  • Gamme : Locrian Mode
  • Élément à pratiquer : Appliquez tout ce que vous avez appris pour créer votre première chanson complète.

Ces 10 premiers projets fourniront une base solide en matière de boucles, de MIDI et d’arrangements de base. Après avoir suivi ces cours, l’étudiant aura acquis les compétences nécessaires pour créer une piste complète.

 

 

Bâtir les bases – Projets 11 à 20

Boucles, MIDI, arrangements et références

 

Round 4 : Boucles et arrangements avancés avec références (projets 11-13)

Il existe de nombreuses vidéos sur la manière d’utiliser les références et celle-ci est une excellente vidéo.

Pour cet exercice de travail avec une piste de référence, je vous encourage à obtenir des échantillons de Splice et à essayer de les faire correspondre à la chanson que vous avez choisie.

 

Projet 11 – Expérimentation de boucles avec références

  • Titre : « Reference Grooves »
  • BPM : Analyser et faire correspondre l’intro de référence
  • Durée : à vous de décider.
  • Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Élément à pratiquer : Importer des boucles, analyser des pistes de référence et appliquer des arrangements similaires. Utilisez le swing et les grooves.

 

Projet 12 – Hachage et découpage de boucles avec références

  • Titre : « Chopped References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la percussion de la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Découper et réarranger des boucles en se référant à un morceau pour recréer une accroche similaire.

 

Projet 13 – Arrangements avancés avec des références

  • Titre : « Reference Arrangements »
  • BPM : Analyser et faire correspondre les sections et les transitions de la piste de référence.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Créer des arrangements inspirés de morceaux de référence afin de reproduire la décomposition. Se concentrer sur la référence A/B pour comparer les niveaux des sons.

 

Round 5 : MIDI avancé avec références (projets 14-16)

Projet 14 – Harmonie et accords avec références

  • Titre : « Harmonic References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Analyser et recréer des progressions d’accords à partir de morceaux de référence. Utiliser l’outil Chord dans Ableton.

 

Projet 15 – Mélodies avancées avec MIDI et références

  • Titre : « Melodic References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Créer des mélodies complexes inspirées de morceaux de référence.

 

Projet 16 – Expression MIDI avec références

  • Titre : « Expressive References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Utiliser le MIDI pour capturer l’expression des pistes de référence.

 

Round 6 : Application du MIDI et des arrangements avec références (projets 17-20)

L’idée ici est de prendre votre référence dans la section arrangement, essayez de jouer quelques notes midi en même temps que la référence pour reproduire des notes, des percussions ou n’importe quoi d’autre, à jouer en même temps.

 

Projet 17 – Combinaison de MIDI et de boucles avec des références

  • Titre : « Hybrid References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Combinez des éléments MIDI avec des boucles inspirées par la basse du morceau de référence.

 

Projet 18 – Superposition (layering) et texture avec références

  • Titre : « Textural References »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 3 min.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Création de textures et de couches à l’aide de références. Apprenez à utiliser des enregistrements de terrain pour les fonds sonores.

 

Projet 19 – Techniques d’arrangement avancées avec références

  • Titre : « Reference more »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Concentrez-vous sur les hits et les sons spontanés qui se produisent de temps à autre.

 

Projet 20 – Jalon : Piste avancée avec références

  • Titre : « Elevated Creations »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 2-3 min.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une piste avancée avec influence de la piste de référence.

 

Bâtir les bases – Projets 21 à 30

Boucles, MIDI, arrangements, références et effets

Round 7 : Boucles et MIDI avec effets (Projets 21-23)

 

Projet 21 – Manipulation de boucles avec délai (delay)

  • Titre : « Delay Loops »
  • BPM : 100
  • Durée : 3 min.
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Importation de boucles, application d’effets de délai et arrangement créatif. Concentrez-vous sur les différents types de plugins de délai et amusez-vous à régler les paramètres.

 

Projet 22 – Effets MIDI : Arpèges et Phaser

  • Titre : « Arpeggiated Phases »
  • BPM : 110
  • Durée : 4 min.
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : L’utilisation du MIDI pour les arpèges et l’application d’effets de phaser.

 

Projet 23 – Arrangements basés sur les effets

  • Title: « Effects Arrangements »
  • BPM : 120
  • Durée : 4 min.
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Créer des arrangements avec des transitions basées sur des effets, où vous utilisez l’automation pour modifier les paramètres du délai au fur et à mesure de l’évolution du morceau.

 

Round 8 : Maîtrise du MIDI avec effets (projets 24-26)

Projet 24 – MIDI et réverbération pour l’atmosphère

  • Titre : « Reverberant Atmosphere »
  • BPM : 95
  • Durée : 4 min.
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Utilisation du MIDI pour créer des sons atmosphériques avec réverbération.

 

Projet 25 – MIDI et délai pour la texture

  • Titre : « Delayed Textures »
  • BPM : 130
  • Durée : 4 min.
  • Key : E Major
  • Gamme : Mixolydian Mode
  • Élément à pratiquer : Création de paysages sonores texturés à l’aide de mélodies MIDI et d’effets de délai/réverbération.

 

Projet 26 – MIDI et Flanger pour le mouvement

  • Titre : « Flanged Movement »
  • BPM : 85
  • Durée : 3-4 min.
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Ajouter du mouvement aux éléments percussifs MIDI en utilisant l’effet flanger.

 

Round 9 : Arrangements avancés avec effets (projets 27-29)

Projet 27 – Arrangement et balayages de filtres

  • Titre : « Filter Swept Arrangements »
  • BPM : 115
  • Durée : 4 min.
  • Key : Bb Major
  • Gamme : Dorian Mode
  • Élément à pratiquer : Création d’arrangements avec des balayages de filtre. Jouez avec le filtre sur différents éléments pour vous entraîner aux fréquences d’ouverture et de fermeture.

 

Projet 28 – Arrangement et panoramique stéréo

  • Titre : « Panned Arrangements »
  • BPM : 105
  • Durée : 3-4 min.
  • Key : C Minor
  • Gamme : Phrygian Mode
  • Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur et du mouvement aux arrangements grâce au panoramique stéréo (auto-pan). Transformez l’auto-pan en trémolo.

 

Projet 29 – Jalon : Piste avancée avec effets

  • Titre : « Effects-Driven Mastery »
  • BPM : 125
  • Durée : 4 min
  • Key : F Major
  • Gamme : Lydian Mode
  • Élément à pratiquer : Appliquez tous les concepts appris pour créer une piste avancée en mettant l’accent sur les effets. Explorez l’utilisation de Chorus.

 

Projet 30 – Remix et effets

  • Titre : « Remix and Effects Showcase »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 4 min
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Remixer un morceau en intégrant les techniques d’effets Beat-repeat.

Ces projets permettront aux étudiants d’explorer les possibilités créatives des effets tout en améliorant leurs compétences en matière de boucles, de MIDI, d’arrangements et de références. Si vous souhaitez mettre l’accent sur des effets ou des outils spécifiques dans l’un de ces projets, n’hésitez pas à m’en faire part, et nous pourrons les adapter en conséquence.

 

 

Bâtir les bases – Projets 31 à 35

Boucles, MIDI, arrangements, références, effets et modulation

 

Round 10 : Les bases de la modulation (projets 31-35)

Projet 31 – Modulation LFO sur un synthé

  • Titre : « Synth LFO Groove »
  • BPM : 100
  • Durée : 3 min.
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Utilisation de la modulation LFO pour ajouter du mouvement à un son de synthétiseur

 

Projet 32 – Enveloppes pour un MIDI dynamique

  • Titre : « Dynamic MIDI Envelopes »
  • BPM : 110
  • Durée : 4 min
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Appliquer des enveloppes pour façonner la dynamique des éléments MIDI

 

Projet 33 – Effets et enveloppes pour le traitement de la voix

  • Titre : « Vocal Envelope Processing »
  • BPM : 120
  • Durée : 4 min
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Utilisation d’enveloppes en combinaison avec des effets pour la manipulation de la voix. Apprenez à utiliser Shifter. Vous pourriez utiliser les filtres ou la réverbération comme éléments à modifier.

 

Projet 34 – Techniques avancées de LFO sur les effets

  • Titre : « LFO x LFO »
  • BPM : 95
  • Durée : 4 min
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Appliquer la modulation d’un LFO à un autre paramètre LFO pour une conception sonore créative. Utilisez l’outil Shaper.

 

Projet 35 – Modulation et jalon

  • Titre : « Modulation Mastery »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : votre choix.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Apprenez à entendre la modulation dans les chansons que vous connaissez. Essayez de reproduire un effet sonore. Explorez les effets sur Splice.

 

Bâtir les bases – Projets 36 à 40

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres et Compression

 

Round 11 : Techniques d’égalisation, de filtrage et de compression (projets 36-40)

 

Projet 36 – Égalisation de base pour clarté du mixage

  • Titre : « Mix Clarity with EQ »
  • BPM : 100
  • Durée : 4 min
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Familiarisez-vous avec Equilizer, en jouant avec le shelving EQ, le passe-bas et le passe-haut.

 

Projet 37 – Balayages de filtre et filtrage dynamique

  • Titre : « Dynamic Filtering »
  • BPM : 110
  • Durée : 4 min.
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Utilisez l’enveloppe sur le filtre ainsi que le drive et son LFO intégré.

 

Projet 38 – Sidechain

  • Titre: « Sidechain Exploration »
  • BPM : 120
  • Durée : 3-4 min.
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Familiarisez-vous avec les différentes options du sidechaining : autofiltre, compression, gate.

 

Projet 39 – Compression parallèle pour la batterie

  • Titre : « Punchy Drum Compression »
  • BPM : 95
  • Durée : 3 min.
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Utilisation de la compression parallèle pour booster les sons.

 

Projet 40 – Mastering avec EQ et Compression

  • Title : « Mastering Techniques »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : libre
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : L’application de l’égalisation et de la compression à l’étape du mastering afin d’obtenir un son impeccable

 

Bâtir les bases – Projets 41 à 45

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates et Mono

 

Round 12 : Compression side-chain, mixage des basses fréquences, Gates et Mono (projets 41-45)

 

Projet 41 – Compression sidechain de base

  • Titre : « Creating Space with Side-Chain »
  • BPM : 100
  • Durée : 4 min
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Utilisation de la compression side-chain pour créer un espace rythmique dans un mixage.

 

Projet 42 – Mixer les basses fréquences

  • Titre : « Low-End Clarity »
  • BPM : 110
  • Durée : 4 min
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Techniques de mixage et d’amélioration des graves d’une piste par un side-chain de la basse avec le kick.

 

Projet 43 – Techniques alternatives de side-chain

  • Titre : « Alternative Side-Chain »
  • BPM : 120
  • Durée : 4 min.
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Exploration des techniques avancées de compression side-chain à l’aide de l’outil Shaper, de l’Envelope Follower ou du LFO.

 

Projet 44 – Gate et Expansion pour le contrôle de la batterie

  • Titre : « Drum Control with Gate »
  • BPM : 95
  • Durée : 3 min
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Utilisation du gate et de l’expansion pour façonner les sons de la batterie et contrôler la dynamique.

 

Projet 45 – Compatibilité mono et image stéréo

  • Titre : « Mono and Stereo Balance »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Compatibilité mono et optimisation de l’image stéréo dans un mixage. Apprenez à utiliser Utility.

 

Prendre ses marques – Projets 46 à 55

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side-chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Buses et Pistes de retour

 

Round 13: Mixage et routage avancés (Projets 46-55)

 

Projet 46 – Groupes et buses de batterie

  • Titre : « Drum Group Processing »
  • BPM : 100
  • Durée : 3 min.
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Groupement et mise en bus d’éléments de batterie individuels pour un traitement cohérent. Apprenez le routage du son.

 

Projet 47 – Techniques de traitement parallèle/pistes de retour

  • Titre : « Parallel Magic »
  • BPM : 110
  • Durée : 4 min
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Utilisez le traitement parallèle pour ajouter de la profondeur et du caractère aux pistes avec les envois (retours).

 

Projet 48 – Routage et retours d’effets

  • Titre : « More Effects Sends and Returns »
  • BPM : 120
  • Durée : 3 min
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Explorer d’autres voies de routage, de pistes de retour et de feedback.

 

Projet 49 – Mixage de synthétiseurs et de voix principaux

  • Titre : « Lead Mixing »
  • BPM : 95
  • Durée : 4 min.
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : À l’aide de groupes, apprenez à appliquer le side-chain afin d’ouvrir l’espace pour un lead.

 

Projet 50 – Traitement avancé des bus

  • Titre : « Bus Driver »
  • BPM : 85
  • Durée : 4 min.
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Utiliser des bus et des groupes pour le mixage.

 

Projet 51 – Pistes de retour et réverbération

  • Titre : « Return Channel Reverb »
  • BPM : 115
  • Durée : 3 min.
  • Key : Bb Major
  • Gamme : Dorian Mode
  • Élément à pratiquer : Incorporer des pistes de retour et de la réverbération pour les effets spatiaux. Utilisez deux pistes de retour, dont l’une est réglée sur Hall et l’autre sur une réverbération courte. Envoyer différents canaux vers ces pistes de retour.

 

Projet 52 – Mixer avec des pistes de référence

  • Titre : « Mixing References »
  • BPM : 105
  • Durée : 4 min.
  • Key : C Minor
  • Gamme : Phrygian Mode
  • Élément à pratiquer : Apprenez ce qu’est le Gain staging (étalonnage du gain) et adaptez le niveau de votre chaîne à cet étalonnage.

 

Projet 53 – Effets et mixage

  • Titre : « Dynamic EQ »
  • BPM : 125
  • Durée : 3 min.
  • Key : F Major
  • Gamme : Lydian Mode
  • Element to Practice: Learn how to use dynamic EQ in ableton.

 

Projet 54 – Production vocale et harmonies

  • Titre : « Vocal Production Excellence »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 4 min
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Apprenez les principaux effets utilisés pour le traitement de la voix : Shifter, Delay, Reverb, Chorus/ensemble.

 

Projet 55 – Jalon : Mixage et routage en action

  • Titre : « Mix and Routing Exercice »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer un mixage avancé avec un routage et un traitement complexes.

 

Conception sonore – Projets 56 à 65

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Buses, Canaux de retour, et Sound Design

La tendance est au modulaire depuis quelques années et le concept a pris de l’ampleur avec l’arrivée de VCV Rack. L’une des meilleures façons d’apprendre les techniques modulaires est d’installer VCV, qui est gratuit en tant que DAW autonome. Il m’a permis d’en apprendre plus sur la conception sonore que des années d’études.

Round 14 : Conception sonore avancée et concepts modulaires (projets 56-65)

 

Projet 56 – Envelope follower et générateur

 

Projet 57 – Reset, Trigger et Gating

  • Titre : « Reset and Trigger Techniques »
  • BPM : 110
  • Durée : 5 min.
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Exploration des concepts de reset, de trigger et de gating dans la conception sonore.

 

Projet 58 – Types d’oscillateurs

  • Titre : « Oscillator Exploration »
  • BPM : 120
  • Durée : 4 min.
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Apprendre à connaître les différents types d’oscillateurs et leurs caractéristiques sonores en explorant Analog.

 

Projet 59 – Génération et manipulation du bruit

  • Titre : « Noise Crafting »
  • BPM : 95
  • Durée : 4 min
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Créer et manipuler du bruit pour donner de la texture et du caractère. Utilisez Drift pour jouer avec.

 

Projet 60 – Techniques de modulation

  • Titre : « Modulation Magic »
  • BPM : 85
  • Durée : 4 min
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Exploration des sources et des techniques de modulation dans la conception sonore.

 

Projet 61 – Conception sonore avec des synthétiseurs modulaires

  • Titre : « Modular Soundscapes »
  • BPM : 115
  • Durée : 5 min.
  • Key : Bb Major
  • Gamme : Dorian Mode
  • Élément à pratiquer : Création de paysages sonores et de textures à l’aide de synthétiseurs modulaires.

 

Projet 62 – Contrôle avancé de l’enveloppe

  • Titre : « Enveloping Envelope »
  • BPM : 105
  • Durée : 3 min
  • Key : C Minor
  • Gamme : Phrygian Mode
  • Élément à pratiquer : contrôle de l’enveloppe pour une conception sonore expressive.

 

Projet 63 – Modulation complexe de l’oscillateur

  • Titre : « Complex Oscillator Artistry »
  • BPM : 125
  • Durée : 6 min.
  • Key : F Major
  • Gamme : Lydian Mode
  • Élément à pratiquer : Utilisation d’oscillateurs complexes et de sources de modulation pour créer des paysages sonores complexes à l’aide de Drift et Wavetable.

 

Projet 64 – Techniques de bruit créatives

  • Titre : « Noise Sculpting »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Durée : 4 min.
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Utiliser des techniques de bruits créatives pour créer des sons uniques.

 

Project 65 – Jalon : Conception sonore avancée

  • Titre : « Sound Design Mastery »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce de conception sonore avancée.

Ces projets permettront aux étudiants d’explorer le monde fascinant de la conception sonore, des concepts modulaires et des techniques de synthèse, ce qui leur permettra de créer des textures sonores uniques et expressives.

 

Niveau supérieur – Projets 66 à 70

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Resampling, Enregistrement et Manipulation de la voix.

 

Round 15 : Resampling, enregistrement et manipulation de la voix (projets 66-70)

Pour ces projets, la durée n’a pas d’importance tant que vous pouvez construire des idées en quelques minutes. À partir d’ici, essayez de toujours avoir une introduction, un milieu et une fin.

Vous devez essayer d’avoir une accroche par chanson ainsi que des idées complémentaires. Vous en savez assez pour être capable de créer des chansons et vous devriez maintenant mettre un peu plus d’énergie pour les réaliser le mieux possible.

 

Projet 66 – Techniques créatives de rééchantillonnage (resampling)

 

Projet 67 – Enregistrement de terrain et échantillonnage (sampling)

  • Titre : « Field to Sound »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Capturer et incorporer des enregistrements de terrain dans la production musicale. Apprenez à utiliser simplement votre téléphone intelligent pour enregistrer des sons et les importer.

 

Projet 68 – Enregistrement et traitement des voix

  • Titre : « Vocal Doctor »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Enregistrement et traitement des voix avec rééchantillonnage.

 

Projet 69 – Manipulation et échantillonnage de la voix

  • Titre : « Voice Transformation »
  • BPM : 95
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Manipulation et rééchantillonnage d’enregistrements vocaux pour obtenir des textures uniques à partir du mode « warp » du clip.

 

Projet 70 – Paysages sonores rééchantillonnés

  • Title : « Resampled Soundscapes »
  • BPM : 85
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Création de paysages sonores complexes grâce au rééchantillonnage et à la manipulation.

 

Plus de conception sonore – Projets 71 à 75

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation de la voix, Réverbération, Délais, Résonances et Synthèse Granulaire

 

Round 16 : Effets spatiaux et synthèse granulaire (projets 71-75)

 

Projet 71 – Réverbération et conception de l’espace

  • Titre : « Spatial Reverb Design »
  • BPM : 100
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Créer des effets spatiaux immersifs avec la « Convolution reverb« .

 

Projet 72 – Techniques de délai et échos

  • Titre : « Echo Exploration »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Exploration de diverses techniques de délai pour créer des échos et des motifs rythmiques.

 

Projet 73 – Manipulation de la résonance

  • Titre : « Resonance Magic »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Manipuler les résonances pour obtenir un caractère sonore unique

 

Projet 74 – Synthèse granulaire et texture

  • Titre : « Granular Textures »
  • BPM : 95
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Créer des textures à l’aide de techniques de synthèse granulaire

 

Projet 75 – Paysages sonores granulaires et jalon

  • Titre : « Granular Soundscapes Mastery »
  • BPM : 85
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer de la folie de l’espace!

 

L’espace, ultime frontière – Projets 76 à 80

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, et Mouvement spatial.

 

Round 17 : Panning, Depth, and Spatial Movement (Projects 76-80)

 

Projet 76 – Notions de panoramique et d’image stéréo

  • Titre : « Stereo Magic »
  • BPM : 100
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Exploration des techniques de base du panoramique, de la largeur (width) et de l’image stéréo sans phasing.

 

Projet 77 – Profondeur et effets spatiaux

  • Titre : « Creating Depth »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur aux mixages à l’aide d’effets et de techniques spatiaux.

 

Projet 78 – Automatiser les panoramiques et les mouvements

  • Titre : « Automated Movement »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Automatiser les panoramiques et créer des mouvements spatiaux dynamiques, avec doppler.

 

Projet 79 – Audio 3D et son ambiophonique

  • Titre : « 3D Audio Adventure »
  • BPM : 95
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Exploration des concepts audio 3D et des techniques de son surround.

 

Projet 80 – Jalon : Conception spatiale avancée

  • Titre : « Spatial Mastery »
  • BPM : 85
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce conçue spatialement.

 

Mixage ludique – Projets 81 à 85

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transitoires et Sustain.

 

Exercices sur les transients et le sustain (projets 81-85)

 

Projet 81 – Principes de base sur la forme des transitoires (Transient Shaping)

  • Titre : « Transients 101 »
  • BPM : 100
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Introduction aux techniques de mise en forme des transitoires.

 

Projet 82 – Amélioration du sustain

  • Titre : « Sustain Elevation »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Techniques d’amélioration et de contrôle de la durée des sons (sustain) à l’aide de la compression.

 

Projet 83 – Effets transitoires dynamiques

  • Titre : « Dynamic Transients »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Création d’effets dynamiques à l’aide de la manipulation des transitoires.

 

Projet 84 – Sustain sur mesure

  • Titre : « Tailored Sustain »
  • BPM : 95
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Affiner les caractéristiques du sustain pour des sons spécifiques avec doubling.

 

Projet 85 – Intégration des transitoires et du sustain

  • Titre : « Transients and Sustain Job »
  • BPM : 85
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Appliquer les concepts de transitoire et de sustain pour créer un mixage dynamique avancé.

 

Conclusion – Projets 86 à 95

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transitoires, Sustain, et Programmation de motifs.

 

Round 19 : Programmation et articulation des motifs (projets 86-95)

 

Projet 86 – Articulation des motifs rythmiques

  • Titre : « Rhythmic Expressions »
  • BPM : 100
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Explorer l’articulation dans les motifs rythmiques

Projet 87 – Dynamique des phrases mélodiques

  • Titre : « Melodic Phrasing Mastery »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Ajouter de la dynamique et de l’expression aux phrases mélodiques

Projet 88 – Motifs de groove et de swing

  • Titre : « Groove and Swing Artistry »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Programmer des motifs groovy avec du swing à l’aide de l’articulation

Projet 89 – Précision des motifs percussifs

  • Titre : « Percussive Precision »
  • BPM : 95
  • Key : A Minor
  • Gamme : Aeolian Mode
  • Élément à pratiquer : Créer des motifs de percussion précis et dynamiques

Projet 90 – Programmation avancée de motifs

  • Titre : « Pattern Programming Excellence »
  • BPM : 85
  • Key : F# Minor
  • Gamme : Harmonic Minor
  • Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer des motifs musicaux complexes et expressifs.

Projet 91 – Explorations polyrythmiques

  • Titre : « Polyrhythmic Adventures »
  • BPM : 105
  • Key : C Minor
  • Gamme : Phrygian Mode
  • Élément à pratiquer : Explorer les motifs polyrythmiques avec l’articulation

Projet 92 – Arpèges expressifs

  • Titre : « Arpeggio Artistry »
  • BPM : 115
  • Key : Bb Major
  • Gamme : Dorian Mode
  • Élément à pratiquer : Ajouter de l’expressivité aux arpèges dans les motifs

Projet 93 – Phrasé et expression vocale

  • Titre : « Vocal Phrasing Mastery »
  • BPM : 125
  • Key : F Major
  • Gamme : Lydian Mode
  • Élément à pratiquer : Appliquer l’articulation et l’expression au phrasé vocal

Projet 94 – Construction d’un motif dynamique

  • Titre : « Dynamic Pattern Construction »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Construire des motifs dynamiques et évolutifs avec l’articulation

Projet 95 – Jalon : Programmation et articulation des motifs

  • Titre : « Pattern Articulation Masterpiece »
  • BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
  • Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
  • Élément à pratiquer : Démontrer la maîtrise de la programmation de motifs avec une articulation expressive.

 

Utiliser Ableton pour faire de la musique avec ou pour vous – Projets 96 à 100

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transients, Sustain, Programmation de motifs, et Musique générative.

Il s’agit de mon sujet préféré. Je peux en parler à l’infini et m’amuser avec pendant des heures.

Round 20 : Musique générative, mélodies, probabilités et hasard (Projets 96-100)

 

Projet 96 – Introduction aux mélodies génératives

  • Titre : « Generative Melodies Introduction »
  • BPM : 100
  • Key : C Major
  • Gamme : Pentatonique mineure
  • Élément à pratiquer : Explorer les bases de la création générative de mélodies.

 

Projet 97 – Motifs mélodiques basés sur les probabilités

  • Titre : « Probabilistic Melodies »
  • BPM : 110
  • Key : D Major
  • Gamme : Majeure
  • Élément à pratiquer : Créer des motifs mélodiques à l’aide de techniques basées sur les probabilités

 

Projet 98 – Aléatoire et exploration mélodique

  • Titre : « Random Melodic Journeys »
  • BPM : 120
  • Key : G Minor
  • Gamme : Natural Minor
  • Élément à pratiquer : Utiliser l’aléatoire pour explorer des possibilités mélodiques uniques

 

Projet 99 – Harmonies et accords génératifs

 

Projet 100 – Jalon : Musique générative et projet final

– Titre : « Final Project »

    • – BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
    • – Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
    • – Élément à pratiquer : Générer des idées aléatoires à l’aide des techniques apprises, puis en faire une chanson complète.

 

Félicitations si vous êtes allé jusqu’au bout des exercices. Vous devriez maintenant disposer d’une base solide pour savoir comment créer une chanson. Il y a tant de sujets qui auraient pu être abordés. Si vous avez des suggestions à ajouter, faites-le moi savoir dans les commentaires.

 

 

 

 

Amélioration des mélodies grâce à l’articulation

/dans /par

Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.

Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».

Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.

Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.

(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).

Articulation en musique pour enrichir vos idées

 

En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.

Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.

Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.

 

  • Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
    • Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
    • Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
    • Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
  • Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
  • Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
    • Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
    • On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
  • Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
    • Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
  • Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
    • Celui-ci serait à 127 en vélocité.
    • En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
  • Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
    • Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
  • Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
  • Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
    • Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
  • Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
  • Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
    • J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.

 

Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.

 

Exemples

Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.

Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.

Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.

 

Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.

Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.

Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.

 

Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer

Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.

 

Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.

Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.

 

Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.

Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.

 

Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).

Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon

 

Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.

Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.

Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.

 

Exercices et applications

  1. Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
  2. Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
  3. Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
  4. Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
  5. Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
  6. Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.

En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.

Ingénierie inverse du son

/dans /par

De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.

 

La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.

La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.

La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).

 

Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.

 

Comprendre le son

 

Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).

Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.

Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.

Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.

Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.

Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.

Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.

Guitare : Électrique, claire, acoustique, distordue, riff.

Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.

Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses.
Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.

Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.

 

Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.

Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.

Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.

 

Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).

 

 

 

 

 

 

 

 

Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.

 

 

 

 

 

 

Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.

 

Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.

La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.

Reproduire le son

 

Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?

C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.

L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.

Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.

Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.

Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.

L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.

 

L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.

Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.

 

Traitement du son

 

Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.

 

Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.

Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.

 

Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.

Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.

 

Ajustements itératifs

Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.

Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.

 

Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.

 

 

Comparaison finale et ajustements

 

Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.

 

Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.

Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.

L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.