Amélioration des mélodies grâce à l’articulation

Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.

Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».

Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.

Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.

(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).

Articulation en musique pour enrichir vos idées

En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.

Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.

Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.

• Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
  • Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
  • Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
  • Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
• Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
• Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
  • Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
  • On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
• Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
  • Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
• Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
  • Celui-ci serait à 127 en vélocité.
  • En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
• Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
  • Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
• Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
• Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
  • Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
• Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
• Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
  • J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.

Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.

Exemples

Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.

Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.

Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.

Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.

Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.

Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.

Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer

Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.

Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.

Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.

Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.

Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.

Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).

Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon

Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.

Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.

Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.

Exercices et applications

1. Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
2. Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
3. Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
4. Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
5. Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
6. Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.

En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.