L’autopromotion et l’industrie musicale

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Il se passe quelque chose de bizarre en ce moment dans le monde de la musique. Je ne saurais dire exactement mettre le doigt dessus, mais je vais vous expliquer ce que je vois, et peut-être que vous comprendrez ce que je veux dire.

Comme vous le savez, je ne suis pas un nouveau venu dans le monde de la musique ou de l’industrie. Mon premier disque est sorti en 1999 et, depuis lors, j’ai vu le secteur changer considérablement, passer par des mutations, des transformations et diverses crises. Depuis le système peer-to-peer, les Netlabels et le piratage de la musique jusqu’à l’apparition des services de streaming, en passant par le quasi-effondrement des ventes de disques vinyles et l’énorme essor qu’elles ont connu.

Comme le dit le bouddhisme, le changement lui-même est la seule chose qui ne change pas.

Si l’on considère la situation actuelle, nous disposons de nombreuses options, tant pour faire de la musique que pour la consommer. Nous sommes presque nourris de nouvelles musiques plusieurs fois par jour. Il est difficile de suivre et de se plonger profondément dans la musique parce que nous courons après tout ce que nous pourrions manquer. 2024 est la première année où j’ai acheté des plugins et d’autres choses, et la semaine suivante, je les ai complètement oubliés parce que de nouvelles choses étaient sorties. Il est difficile de penser qu’il y a eu une époque où de nouveaux outils audio intéressants apparaissaient tous les 3 à 6 mois.

Pour de nombreux musiciens, cette situation soulève de multiples questions, car le défi d’être entendu et vu devient plus qu’un casse-tête. Pour beaucoup de nouveaux venus, le fait de pouvoir terminer une chanson et de la publier en quelques clics les motive à entrer dans le monde de la musique électronique. Le réveil est brutal lorsque les résultats ne sont pas au rendez-vous.

 

Ces dernières années, on nous a fait croire que nous pouvions toucher le monde entier grâce à l’abondance d’options de promotion musicale disponibles sur le marché. Mais il est clair qu’après quelques expériences, ces fausses prémisses nous ont laissés un peu perdus quant à l’utilité de ces outils. James Blake a même déclaré qu’il ne parvenait pas à atteindre ses fans et qu’il avait donc créé sa plateforme. Il n’a pas tort, car lorsqu’un artiste s’adresse à ses fans, il semble que les médias sociaux réduisent au strict minimum le nombre de personnes qui le verront. Je vois un artiste partager sa nouvelle sortie plusieurs fois par jour, et le nombre de likes que je vois est souvent d’environ 10, parfois plus si l’artiste est très connu. J’ai 17 000 followers sur Soundcloud, mais seulement 10 à 20 personnes écoutent quand je poste une chanson.

 

Les chiffres ne veulent plus rien dire.

 

Il semble que le fait de sortir de la musique soit devenu insignifiant pour les gens. Ce n’est plus spécial à moins d’avoir un véritable public.

Permettez-moi de résumer quelques points qui pourraient aider tout un chacun à promouvoir sa musique. Au cours des six derniers mois, j’ai travaillé avec de nombreux clients sur de nouvelles approches pour leur musique, et jusqu’à présent, j’ai constaté des résultats encourageants.

 

Promotion immédiate

 

La première étape de la promotion consiste à comprendre à qui s’adresse votre musique. Dans la musique électronique, elle s’adresse souvent, en fin de compte, aux DJ. Techniquement, ce sont vos clients et le pont entre vous et le public. Si les DJ ne sont pas votre pont, vous devez vous asseoir et déterminer qui est votre relais de promotion. Peut-être s’agit-il des radios ou des blogs.

Qui que ce soit, vous devez être en mesure d’identifier localement et dans votre entourage les personnes susceptibles de promouvoir votre musique. Dans cette phase, l’objectif de votre promotion est d’éviter de promouvoir votre musique, vous-même, directement auprès des masses. La méthode de promotion publique n’est pas une bonne méthode. Elle est à l’opposé de la promotion par le bouche à oreille. Nous savons tous que le bouche à oreille fonctionne.

CONSEIL : de nombreux cafés, studios de yoga ou autres lieux publics sont ouverts à la diffusion de musique d’artistes locaux, ce qui permet de leur donner une première chance.

Bien que cela puisse sembler contre-productif à première vue, c’est pourtant ce qui fonctionne le mieux. Dans un article précédent, j’évoquais la méthode du cercle des 5, qui consiste à demander à des personnes de tester votre musique pour vous et de faire circuler l’information.

J’ai suggéré aux gens de contacter des DJ pour leur transmettre leur musique. Cela peut être exigeant pour le réseautage, car vous devez utiliser les médias sociaux pour entrer en contact. D’après ce que j’ai vu récemment, Instagram semble être un bon moyen. Soundcloud est mort, mais il permet de trouver des talents et de découvrir comment contacter les artistes. Cela dit, les DJ sont toujours à la recherche de nouvelles musiques, et la possibilité de découvrir des talents est quelque chose qu’ils souhaitent tous. Bandcamp est également un bon moyen de trouver des labels et des artistes et de découvrir de la musique qui pourrait être similaire à ce que vous faites.

L’essentiel est que votre musique soit jouée et testée en contexte. Ce qui rend les gens fous, en particulier les DJ, c’est d’entendre une chanson dans un set et d’être incapable de savoir de quoi il s’agit parce qu’on ne peut pas la Shazamer. C’est pourquoi la promotion de votre musique de cette manière peut créer un buzz. Cette méthode s’appelle la présence de l’ombre. Il s’agit d’un dérivé des artistes qui utilisent l’anonymat pour créer un certain mystère

 

La dynamique de promotion immédiate consiste à inverser le flux de communication ; vous voulez amener les gens à vous au lieu de leur courir après.

 

Je vous encourage à utiliser cette méthode pour communiquer avec les personnes que vous contactez.

  1. Chaque fois que vous contactez quelqu’un, ne donnez pas un lien vers votre musique dès le premier contact. Ne vous comportez pas comme un vendeur d’aspirateurs; soyez d’abord humain.
  2. Établissez une conversation amicale, apprenez à connaître la personne, soyez poli et expliquez votre intention de travailler en réseau.
  3. Demandez la permission d’envoyer de la musique. Mais d’abord, faites vos devoirs et assurez-vous que votre musique correspond aux goûts et à l’orientation de l’artiste.

 

Ces conseils pour communiquer avec les DJ sont les mêmes que ceux que vous utiliseriez avec un label. Il s’agit en fait d’une approche sûre qui permet de ne pas être perçu comme intrusif. En fait, il suffit de suivre ces trois étapes tout au long de votre carrière pour éviter les problèmes en général.

 

Labels vs Self-Release

 

C’est probablement l’un des sujets dont je discute le plus avec mes clients. Trop souvent, mes clients viennent de terminer une chanson et leur première idée est de l’envoyer immédiatement à un label. Ce qui me laisse perplexe, c’est que :

  • La chanson n’a jamais été testée. Les chansons doivent être jouées par quelques experts pour voir si elles correspondent au marché.
  • La chanson n’a jamais été jouée dans un club. Si votre musique est orientée vers les clubs, elle doit être jouée pour voir comment elle s’intègre dans un set, touche le public et s’insère parmi d’autres chansons du même genre.
  • La chanson n’a jamais fait l’objet d’une évaluation par les pairs. La musique doit être écoutée par les artistes pour obtenir un retour d’information.

Pour beaucoup, l’idée que chaque chanson doit être promue, envoyée aux labels ou diffusée est un exercice de recherche de validation. Ils sont complètement déconnectés du processus de sortie de la musique et finissent par remplir le marché avec de la musique qui ne fait que remplir l’espace. Sortir de la musique signifie que l’on veut commercialiser le(s) morceau(x), et la promotion doit être faite avant.

On commercialise la musique parce qu’il y a une demande. Si vous commercialisez de la musique pour la promouvoir, elle sera en concurrence avec d’autres musiques (promues correctement) sur le marché et sera perdue dans l’océan. Même les artistes les plus en vue passent par un contrôle de routine avant de publier leur musique. Ceux qui ne le font pas risquent de provoquer des réactions négatives de la part de leurs fans ou de la presse.

La meilleure façon d’établir une relation avec la promotion de votre musique est d’abord de faire preuve de patience. Les labels sont là pour faciliter la commercialisation de votre art, mais il y a un travail de levier pour consolider votre image en ligne et rendre votre musique solide. Une fois que vous vous serez en place, le partenariat avec un label se fera plus facilement. Il vous mettra en contact avec une communauté, disposera de canaux de vente et vous fera bénéficier de ses promotions. Mais il vous faut d’abord une base.

 

À l’inverse, certaines personnes se lancent rapidement dans le self-release sans en comprendre les conséquences ou sans disposer d’une base solide. Avant de vous lancer, demandez-vous si quelqu’un vous a dit qu’il aimerait acheter votre musique. Si quelqu’un veut l’acheter, vous pouvez la diffuser vous-même, car c’est ainsi que vous la vendez. Cependant, l’autopublication n’est pas une méthode de promotion utile.

 

Il n’y a aucune urgence ni aucun besoin de sortir de la musique. Une sortie ne fixe aucune norme et ne fait pas de vous un artiste plus important que vous ne l’êtes déjà.

 

Ce n’est pas parce que votre musique est mise en vente qu’elle se vendra. Je vois souvent des clients qui mettent immédiatement leur musique sur Bandcamp et qui réalisent deux ou trois ventes en l’espace de quelques années. Cela ne fait pas bonne figure et peut être interprété comme un manque de professionnalisme par les professionnels du secteur.

Principalement pour les raisons suivantes :

  • Cela donne l’impression que vous n’avez pas de réseau ou de soutien.
  • Cela donne l’impression que vous ne faites pas correctement votre autopromotion.
  • Cela peut donner l’impression qu’il y a quelque chose qui cloche dans votre musique.
  • Cela vous fera surtout passer pour un amateur plutôt que pour un professionnel ou un semi-professionnel.

 

Cela étant, je m’abstiendrais d’essayer cela.

Au lieu de cela, gardez votre musique pour vous et pour les personnes qui veulent la jouer, afin de vous constituer un réseau. Les personnes qui réussissent le plus souvent peuvent dire qu’elles y sont parvenues parce qu’elles ont connu les bonnes personnes au bon moment. Certes, il y a une part de chance, mais le facteur chance est multiplié par le nombre de personnes influentes que vous connaissez.

 

Action directe

 

Si nous pensons que l’un des objectifs des artistes avec leur musique est d’être entendus, il est facile d’être tenté par toutes les options de promotion. Oui, des sites comme HypeEdit, Groover et d’autres offrent peut-être une fenêtre de possibilités pour se faire entendre. Mais d’un autre côté, il se peut que cela ne se produise pas. Ce désir peut vous détourner du besoin sous-jacent de validation. Une fois ce besoin satisfait, vous vous sentirez plus à l’aise en attendant que les choses se passent. Par conséquent, ce qui peut faire la différence, c’est ce que vous pouvez contrôler. Cela implique une série de choses différentes.

La première action que vous pouvez entreprendre pour promouvoir votre musique est de la transmettre à des personnes intéressées. Que cette personne utilise votre musique pour des sets de DJ, un podcast ou pour jouer dans un café local, toutes ces micro-actions font bouger votre musique. J’insiste sur le fait qu’il faut travailler sur ce que l’on peut contrôler.

 

La qualité de votre musique.

Quelle que soit la manière dont vous faites de la musique, un certain niveau de professionnalisme se répercute sur la façon dont vous vous présentez aux autres. Certains clients m’engagent pour un mixage et un mastering, mais la chanson n’a pas beaucoup de contenu ou de profondeur. Bien qu’une production solide puisse être impressionnante, les gens se souviennent généralement de l’accroche et du sentiment qui se dégagent de la chanson. Si la production détourne l’attention de l’idée, cela peut signifier que votre accroche est faible.

La qualité combine plusieurs éléments : la qualité de l’échantillon, l’accroche, l’articulation de l’idée, l’exécution et le développement. Cela fera l’objet d’un article entier. Cependant, si je devais résumer, je dirais qu’il faut s’assurer d’utiliser des échantillons de qualité (pas des MP3 ou des extraits de YouTube) provenant de sites, et si vous trouvez un bon moyen de les intégrer dans un motif qui se développe de manière appropriée, alors vous aurez accompli une grande partie de la mission.

 

Quantité et régularité.

Ce sujet a été abordé à de nombreuses reprises sur le blog, mais je vais le reformuler (jusqu’à ce que les gens le connaissent par cœur). Pour trouver des idées amusantes et passionnantes, il faut en chercher beaucoup. La première que vous voyez peut être ou non « bonne », ce qui ne sera que plus évident avec le temps. Cela signifie qu’il faut lancer de nouvelles idées chaque jour. Faites-en des tonnes. La proportion habituelle de pépites est d’environ 3 à 5 %, celle des bonnes idées est de 10 %, et la moyenne est de 20 %. Donc, si vous lancez 100 nouvelles idées, vous aurez une idée approximative de la façon dont les choses se dérouleront. Si cela peut vous aider, je commencerai avec environ cinq idées par jour (pour les 20 dernières années), mais seule une petite quantité sera publiée.

La quantité est nécessaire car vous serez exposé à l’exploration de multiples techniques, ce qui vous évitera de vous répéter. Vous finirez par avoir un beau catalogue de chansons et d’idées.

 

Réseautage régulier.

Le nom du jeu est le réseautage. Votre réussite est directement liée à vos connaissances et à la manière dont vous vous positionnez au sein de votre communauté locale. Connaître des gens en ligne est une chose, mais avoir des contacts en personne est encore mieux. On l’a assez dit, et je m’en tiendrai à cela, car c’est quelque chose que vous contrôlez en grande partie. Je suis conscient que certaines villes ont moins de communautés, et que certaines personnes ne vivent pas dans des grandes villes où la scène est active. Mais si vous êtes sérieux dans ce que vous faites, organiser des voyages vers des lieux proches et vous faire de nouveaux amis pourrait être quelque chose à ajouter à vos projets de vacances à l’avenir.

 

Conception sonore et expressivité

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L’un de mes sujets préférés concerne l’un des outils les plus utiles de la synthèse sonore musicale : les enveloppes.

Il y a des années, je cherchais en ligne des conseils essentiels sur la conception sonore et je suis tombé sur une entrevue avec quelqu’un qui travaillait dans ce secteur. Je ne me souviens pas de qui il s’agissait ni de quoi il parlait, mais ce qui m’a frappé, c’est qu’il expliquait que la partie la plus passionnante de sa conception était liée aux enveloppes. En d’autres termes, il a dit que ce qui rendait certaines conceptions sonores « supérieures », c’était la façon dont elles étaient utilisées.

 

Tous les sons qui nous entourent ont des enveloppes, même les sons de fond constants tels que le ronronnement d’un réfrigérateur.

 

En conception sonore, une enveloppe est un mécanisme de contrôle réactif qui détermine la façon dont un paramètre, tel que l’amplitude, la hauteur ou la fréquence du filtre, évolue en réponse à un gate (un signal qui reste actif tant qu’une note est maintenue) ou à un trigger (un événement court et ponctuel). Les enveloppes modifient la dynamique d’un son, lui donnant du mouvement et de l’expression.

Lorsque vous déclenchez une note sur votre clavier ou que vous introduisez des notes pour vos mélodies ou vos percussions, vous utilisez une enveloppe pour façonner la personnalité d’un son. Si l’enveloppe module l’amplitude (par exemple, le volume, le gain), elle définit la façon dont elle commence et se termine dans le temps.

 

Il existe deux grands types d’enveloppes :

Enveloppe AD (Attack-Decay) :

Cette enveloppe plus simple ne comporte que deux phases :

  • Attaque : Le temps nécessaire pour que le son passe du silence à son niveau maximal après avoir été déclenché.
  • Decay : Le temps nécessaire pour que le son passe du niveau maximal au silence après la fin de la phase d’attaque.

Elle est généralement utilisée pour les sons courts et percutants ou lorsque la simplicité est de mise, car le son revient toujours à zéro, quelle que soit la durée de maintien du gate.

Comme il n’est pas nécessaire de maintenir une touche enfoncée pour que l’enveloppe fonctionne, un simple tapotement suffit, et c’est pourquoi nous l’utilisons souvent pour les percussions.

 

Extrait de la page web du Wolfsound

 

Rampage (Befaco)

Ce module est similaire à un autre module nommé Maths. Il s’agit d’un module AD double, ce qui signifie qu’un trigger peut déclencher deux enveloppes à la fois ou être utilisé comme une enveloppe à plusieurs niveaux (voir ci-dessous) où la fin de la première enveloppe en déclenche une seconde. Elles peuvent également se déclencher l’une l’autre dans une boucle de rétroaction, une technique appelée Krell patching.

Ce module très polyvalent permet également de régler la vitesse du mouvement de l’enveloppe, de lent à rapide, ce qui est encore une fois très utile pour créer des textures et des mouvements.

Enveloppe ADSR (Attack-Decay-Sustain-Release):

 

Une enveloppe plus polyvalente et plus détaillée à quatre phases, souvent utilisée dans les synthétiseurs. Celle-ci nécessite un gate pour fonctionner car elle suit le temps du gate lui-même. Si les paramètres de l’enveloppe sont plus courts que ceux du gate, elle passera à l’étape de release.

  • Attaque : Temps nécessaire pour passer du silence au niveau de crête lorsque le gate est activé.
  • Decay : Temps nécessaire pour passer du niveau de crête au niveau de sustain.
  • Sustain : Un niveau constant est maintenu tant que le gate est actif (la note est maintenue).
  • Release : Temps de passage du niveau de sustain au silence après la désactivation du gate (relâchement de la note).

 

Ce type d’enveloppe est idéal pour façonner des sons soutenus ou évolutifs tels que des pads ou des leads, ce qui permet un meilleur contrôle de la dynamique. Il peut également être utilisé avec les percussions, mais les sons doivent être plus longs que les sons courts. Les cymbales et les gongs en sont de bons exemples.

 

ADSR expliquée (Native Instruments)

L’enveloppe MIDI d’Ableton est un simple modulateur que vous pouvez affecter à n’importe quel élément de votre projet. Il dispose également de différents réglages de paramètres pour l’ajuster en détail.

Réactivité de l’enveloppe :

 

  • Lorsqu’un signal de gate est appliqué, l’enveloppe commence à façonner le son selon ses phases définies (AD ou ADSR) et réagit de manière dynamique en fonction de la durée pendant laquelle le gate reste actif.
  • L’enveloppe termine son cycle quelle que soit la durée d’entrée d’un signal de trigger, ce qui la rend adaptée aux sons uniques tels que les hits de batterie ou les effets.

 

Les enveloppes sont des outils fondamentaux dans la conception sonore en raison de leur réactivité. Elles permettent un contrôle précis de l’évolution du caractère d’un son dans le temps.

 

Une fonction et une enveloppe ont en commun d’être des modulateurs temporels, mais elles diffèrent en termes de flexibilité et d’application :

 

Enveloppes :

  • En règle générale, des phases prédéfinies (par exemple, ADSR ou AD) contrôlent la manière dont un paramètre évolue en réponse à un gate ou à un trigger.
  • Les enveloppes sont liées à des événements musicaux tels que les signaux d’activation et de désactivation des notes et sont spécifiquement conçues pour façonner les caractéristiques du son (amplitude, coupure du filtre, hauteur, etc.).
  • Elles répètent leur comportement de manière consistante lorsqu’elles sont déclenchées.

 

Fonctions :

  • Les fonctions sont des modulateurs temporels plus généralisés et programmables qui exécutent diverses tâches au-delà des enveloppes standard.
  • Une fonction peut déclencher un événement unique (comme une enveloppe) et inclure des courbes personnalisées, des boucles ou des comportements conditionnels (par exemple, un cycle, une répétition avec des variations ou la modulation de plusieurs paramètres).
  • Contrairement aux enveloppes, les fonctions ne dépendent pas forcément d’un gate ou d’un trigger. Elles peuvent fonctionner librement, en suivant un timing interne ou une synchronisation externe.

 

Par essence, les enveloppes sont un sous-ensemble de fonctions conçues pour façonner le son, tandis que les fonctions sont plus souples et offrent des possibilités de modulation plus étendues.

 

Qu’est-ce qu’une enveloppe à plusieurs phases (enveloppes en chaîne)?

 

Une enveloppe à plusieurs phases étend le concept d’enveloppe traditionnel en ajoutant des phases supplémentaires, créant ainsi une forme de modulation plus complexe et personnalisable. Elle se compose de plusieurs segments enchaînés avec leur courbe, leur durée et leurs valeurs cibles, ce qui permet d’obtenir des modulations complexes et évolutives au-delà du simple modèle ADSR.

Une chose que j’aime dans le monde modulaire est d’avoir plusieurs modules d’enveloppe avec un EOC (end-of-cycle), où quand l’un se termine, vous pouvez en avoir un autre qui démarre. Si vous avez 3-4 enveloppes, elles peuvent toutes avoir des réglages différents, et la modulation finira par ressembler à une fonction parce qu’elle est plus programmée que statique et répétitive.

La meilleure application est celle des modulations fluctuantes complexes. La conception d’arrière-plan, les textures et les drones en sont de bons exemples.

 

Principales caractéristiques des enveloppes à plusieurs phases :

 

Phases personnalisables :

    • Chaque phase peut avoir des durées, des valeurs cibles et des formes différentes (linéaires, exponentielles, logarithmiques ou même des courbes dessinées par l’utilisateur).

Comportement en chaîne :

    • L’enveloppe passe par chaque phase de manière séquentielle, souvent en réponse à un seul trigger ou gate. Elle peut également mettre en boucle des phases spécifiques ou des groupes de phases.

Boucle et re-triggering (redéclenchement) :

    • Certaines phases ou sections de l’enveloppe peuvent être mises en boucle, créant ainsi des comportements cycliques (par exemple, pour une modulation de type LFO ou des effets rythmiques).
    • Certaines enveloppes à plusieurs phases permettent des comportements conditionnels, comme le passage à la phase suivante uniquement lorsqu’une condition spécifique est remplie.

Applications :

    • Les enveloppes à plusieurs phases sont parfaites pour créer des textures évolutives, des motifs rythmiques ou moduler des paramètres sur des périodes prolongées.
    • Elles sont souvent utilisées dans les logiciels de synthèse modulaire et de conception sonore tels que VCV Rack, où un contrôle granulaire de la modulation est nécessaire.

Exemple pratique d’une enveloppe à plusieurs phases :

 

Imaginez une enveloppe à plusieurs phases utilisée pour contrôler la coupure du filtre d’un pad :

  • Phase 1 (Attaque) : Le seuil du cutoff s’élève lentement de faible à élevé.
  • Phase 2 (Decay) : Le seuil du cutoff diminue légèrement pour ajouter une chaleur subtile.
  • Phase 3 (Sustain 1) : Le cutoff reste stable.
  • Phase 4 (Rise) : Le cutoff monte à nouveau pour un effet de balayage.
  • Phase 5 (Release) : Le cutoff s’estompe en douceur.

Cette configuration peut mettre en boucle les phases 2 à 4, créant ainsi un mouvement hypnotique dans le filtre.

 

Les followers comme enveloppes mimétiques

 

Un envelope follower (suiveur d’enveloppe) est un outil qui extrait la forme de l’amplitude (ou enveloppe) d’un signal audio entrant et la convertit en un signal de contrôle. Ce signal de contrôle module divers paramètres dans un synthétiseur, un effet ou un autre processeur audio. Bien qu’il présente des similitudes avec les enveloppes traditionnelles, il diffère dans la manière dont il dérive sa forme de modulation.

 

Similitudes entre une enveloppe et un suiveur d’enveloppe :

 

Contrôle de la forme :

  • Les deux créent une forme de modulation basée sur le temps qui peut contrôler des paramètres tels que l’amplitude, la coupure du filtre ou la hauteur.
  • Dans les deux cas, l’« enveloppe » définit l’évolution d’un paramètre.
  • Dans de nombreux cas, les suiveurs d’enveloppe disposent de commandes de montée et de descente qui sont utilisées pour adoucir la forme du signal de lecture.

 

Modulation dynamique :

  • Les deux peuvent introduire de l’expressivité et du mouvement dans un son en modulant dynamiquement les paramètres.

 

Comment fonctionne un suiveur d’enveloppe :

 

Il s’agit d’un outil de modulation que vous placez à un point de votre chaîne et qui lit le signal entrant. Le signal lu est ensuite traduit en modulation. Il est généralement équipé d’un bouton de gain qui vous permet de contrôler l’ampleur du mouvement que vous souhaitez qu’il lise.

 

Input :

  • Le suiveur d’enveloppe analyse un signal audio entrant et mesure son amplitude (volume) dans le temps.

 

Output :

  • Il génère un signal de contrôle (CV ou automation MIDI) correspondant à l’amplitude du signal d’entrée.
  • Par exemple, un signal fort produit une valeur de sortie élevée, tandis qu’un signal faible produit une valeur de sortie basse.

 

Filtre :

  • Pour éviter une modulation trop rapide ou irrégulière, de nombreux suiveurs d’enveloppe comprennent des commandes de lissage ou d’attack/release (montée/descente).

 

Le nouvel Envelope Follower d’Ableton 12.1 dispose d’un signal Sidechain, vous permettant d’intercepter le signal d’un autre canal et de le mixer avec le signal entrant, créant ainsi un mouvement plus complexe qui se réfère à 2 sources indépendantes.

 

 

Utilisation d’un suiveur d’enveloppe pour moduler un autre son :

 

Extraction de la modulation :

    • Le suiveur d’enveloppe « suit » la dynamique d’un son (par exemple, une boucle de batterie, une voix ou une ligne de basse) et crée un signal de modulation qui reflète la forme de son amplitude.

 

Application de la modulation :

  • Ce signal de modulation peut être appliqué aux paramètres d’un autre son, par exemple :
  • Cutoff du filtre : Le filtre d’un pad « pulse » au rythme d’un battement de drum.
  • Amplitude : Façonne le volume d’un son (par exemple, un synthé) en fonction de la dynamique d’un autre son.
  • Pitch : Ajoute un effet d’oscillation ou de hauteur dynamique piloté par le signal d’entrée.

 

Exemple pratique :

 

  • Imaginez une boucle de batterie passant par un suiveur d’enveloppe.
  • Le suiveur d’enveloppe génère un signal de modulation basé sur les transitoires de la batterie (par exemple, les pics du kick et du snare).
  • Ce signal contrôle la coupure du filtre d’un pad de synthétiseur, créant un effet de filtrage rythmique synchronisé avec la dynamique de la boucle de batterie.

 

Utilisations créatives d’un suiveur d’enveloppe :

 

Effets de type sidechain :

  • Utilisez un suiveur d’enveloppe sur un kick pour atténuer le volume d’un autre son, comme dans le cas d’une compression sidechain traditionnelle.

 

Modulation rythmique :

  • Appliquez l’enveloppe rythmique d’un son percussif à des éléments non percussifs, tels que les niveaux de réverbération ou de délai.

 

La superposition dynamique :

  • Utilisez un suiveur d’enveloppe pour adapter la dynamique d’une couche secondaire (par exemple, pour ajouter de la texture à une piste en la modulant dynamiquement avec une piste vocale).

 

Synthèse croisée :

  • Combinez la dynamique d’un son avec les qualités tonales d’un autre, créant ainsi des textures hybrides et expressives.

Un suiveur d’enveloppe est similaire à une enveloppe traditionnelle en fournissant une modulation dynamique basée sur le temps. Cependant, alors que les enveloppes traditionnelles sont des formes préprogrammées déclenchées par un gate ou un trigger, les suiveurs d’enveloppe tirent leur forme directement d’un signal audio. Cela en fait un outil puissant pour la modulation dynamique en temps réel, permettant aux producteurs d’« emprunter » la forme de l’amplitude d’un son et de l’appliquer de manière créative à un autre.

 

Comment j’utilise les enveloppes et ces mouvements dans la musique électronique

 

J’ai découvert de nombreuses choses en étudiant les sons, et l’une d’entre elles est la façon dont le son fluctue et se module en fonction d’une enveloppe plutôt que de LFO. Par exemple, les kicks profonds utilisent souvent le pitch shifting basé sur l’enveloppe à des fins multiples.

 

  • Un décalage rapide du pitch vers le haut peut rendre le transitoire d’un kick plus percutant.
  • Un déplacement moyen vers le bas créera une traction vers le bas, avec l’impression que le kick tombe bas vers les hanches.

 

Les deux sont courants et ont l’avantage d’apporter de la vie, ce qui les rend plus attrayants. Si l’enveloppe change constamment, le son sera plus acoustique. Le fait qu’une enveloppe façonne l’amplitude du kick et une autre, la hauteur, m’a rappelé ce que le concepteur sonore interviewé a mentionné. J’ai réalisé que lorsque j’utilise un son, j’essaie toujours d’avoir 2 à 4 enveloppes et un suiveur d’enveloppe. C’est devenu une macro « par défaut » pour mes pistes.

 

L’avantage d’avoir plusieurs enveloppes est qu’elles peuvent avoir 3 variations : attaque lente/rapide/moyenne et release lent/rapide/moyen.

 

Cette prise de conscience a été un virage à 180 degrés par rapport à mon ancienne approche, où j’utilisais plusieurs LFO par canal/son. Quelque chose dans les LFO rendait les sons plus mécaniques, alors que les enveloppes rendaient les sons plus organiques/humains. C’était aussi un moyen de s’assurer qu’un son façonne les caractéristiques du son d’une autre piste. Cela m’a poussé à arrêter d’utiliser la compression en side-chain et à utiliser plutôt l’amplitude en side-chaining. Mais ce n’est qu’un exemple, car les applications sont très vastes.

 

Idées à explorer :

  • Une enveloppe est utilisée pour ouvrir l’amplitude d’un LFO. Si la modulation d’un LFO est constante, elle donnera un résultat plus mécanique. Cependant, si l’enveloppe ouvre l’amplitude, il y aura ce petit mouvement temporaire (pensez au chant d’un oiseau). Une enveloppe pour une évolution excitante peut également modifier la vitesse du LFO.
  • Ouvrir le wet-dry d’un effet tel qu’une réverbération.
  • Les enveloppes sont utilisées pour moduler le panoramique d’un son afin de faire de la place à un autre. Il s’agit d’une excellente alternative au panoramique automatique prévisible, qui permet également d’éviter les problèmes de phase dans certains cas.
  • L’utilisation de l’enveloppe, d’un son mais en induisant un délai peut créer un appel et une réponse plus propres pour vos arrangements.
  • Créez une piste MIDI sans instrument, mais ajoutez plutôt quelques enveloppes. Les enveloppes suivront vos notes chaque fois que vous appuierez sur les touches de votre clavier, et vous pourrez ensuite affecter les enveloppes à quelques paramètres de votre projet.

 

Pour le mixage, les enveloppes ont permis d’ajouter de la propreté et de la clarté aux chansons. La compression side-chain est devenue plus que jamais obsolète pour moi, car la compression altère l’enveloppe plus qu’une enveloppe ne le ferait. La compression modifie également la densité d’un son, ce qui n’est pas toujours nécessaire.

Vous pouvez également créer une macro qui capture le mouvement d’un son dans une plage de fréquences (par exemple, tout ce qui est supérieur à 4 kHz, là où se trouvent les transitoires). Les formes transitoires peuvent être utilisées pour créer la texture d’un autre son.

 

Le champ d’exploration est vaste et j’aimerais beaucoup lire vos expérimentations.

 

 

 

 

 

Apprendre, grandir, élaguer

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Oui, je sais, ce blogue est resté silencieux bien trop longtemps. J’étais à moitié à court d’idées, au point de ne plus avoir envie de le faire. D’une certaine manière, c’était un sentiment utile parce que je me suis concentré sur l’apprentissage à la place.

Sarah Belle Reid

Sarah Bell Reid est mon mentor, la communauté et la sagesse d’Omri Cohen m’inspirent et m’aident dans mes recherches. De plus, il y a un tas de cours aléatoires ici et là. Je pense que j’ai plus appris cette année-là que les années précédentes réunies, où j’avais pourtant étudié. Je me sens chanceux d’avoir accès à tout cela. Lorsque j’ai commencé à faire de la musique dans les années 90, il n’y avait pas YouTube, alors regarder le travail de ses amis était la meilleure façon d’apprendre. Montréal disposait alors d’une solide communauté qui s’entraidait.

En réfléchissant à l’année écoulée (2024), je me suis rendu compte que j’aimais enseigner et parler avec les gens. Mais j’aime aussi apprendre (mon moi de 15 ans ne le croirait jamais). Quand on apprend, on voit ce qui déclenche la passion et la curiosité. Ces émotions me poussent à apprendre, probablement parce que je suis passionné.

Je me suis rendu compte que tant de gens investissent de grosses sommes d’argent dans du matériel ou des logiciels sans consacrer de temps ou d’investissement à l’apprentissage d’une utilisation correcte de tout cela. Je dois dire que je suis en partie coupable de cela, mais maintenant j’ai rattrapé mon investissement avec suffisamment de cours pour plusieurs années à venir.

L’un des moyens les plus efficaces (pour moi) d’apprendre véritablement la musique n’est pas de suivre des tutoriels isolés ou des heures de théorie, mais d’observer quelqu’un d’expérimenté en action. Regarder un musicien expérimenté faire des choix créatifs en temps réel, poser des questions à des moments cruciaux et comprendre pourquoi un choix a été fait, c’est là que se trouvent les leçons les plus profondes. Cela permet de comprendre chaque contexte dans lequel une technique peut être utilisée pour obtenir un résultat spécifique.

 

De nombreux cours en ligne échouent parce qu’ils sont hors contexte : par rapport à qui vous êtes, à ce que vous voulez avoir et à ce que vous voulez réaliser. La plupart des producteurs de musique électronique ne lisent pas de manuels, car ils préfèrent explorer pour apprendre. Les cours échouent donc souvent de la même manière : l’apprentissage linéaire ne convient pas à tout le monde.

 

L’éducation musicale se nourrit de l’interaction, du dialogue et de l’espace pour expérimenter sans craindre de faire des erreurs. L’apprentissage au sein d’une communauté est un moyen de responsabiliser et de reconnaître les progrès d’un artiste. En 2016, j’ai commencé à proposer un coaching gratuit et j’ai créé un groupe sur Facebook. Cela a fonctionné pendant plusieurs années, mais j’ai fini par me lasser. L’objectif du groupe était de fournir des commentaires techniques sur les chansons. J’ai vu de nombreuses personnes qui avaient initialement rejoint le groupe se transformer en artistes créatifs.

 

C’est également la raison pour laquelle les retraites d’artistes ont été si précieuses. Les commentaires en ligne sont une chose, mais les choses ont plus de sens en personne. Nous nous rencontrons en tant qu’amis, nous écoutons la musique de l’autre, nous partageons nos commentaires, nous mangeons ensemble et nous discutons. Le week-end devient une exploration de l’apprentissage, de la validation et de l’appartenance. L’une de mes façons préférées de voir cela est d’inviter tout le monde à interpréter une chanson en live (5 minutes ou moins). Chaque fois que nous le faisons, tout le monde dit la même chose :

 

« Pourquoi ne faisons-nous pas déjà cela dans notre salon ? »

 

Ce que j’ai appris de plus important en 2024, c’est que la somme de tous les enseignements se résume à l’essentiel de ma façon de travailler. Je ne peux pas apprendre grand-chose si je n’expérimente pas et ne révise pas ce que je viens d’acquérir. Sarah a commencé son cours en expliquant que l’apprentissage circulaire est la clé de la progression. Bien que je l’aie fait toute ma vie, il est apparu clairement que je l’ai structuré en élaguant ce que j’apprends, ce que je pratique et ce que je finis par intégrer.

Apprentissage circulaire : Cycles de « Comment faire… ? »

 

L’apprentissage de la musique (électronique) n’est pas un voyage linéaire. Il ne suit pas un chemin droit de A à B. Au lieu de cela, il se déplace par cycles – des rondes ou des sprints de créativité. Parfois, vos apprentissages vous font avancer, ou votre manque de temps vous tire vers le bas, mais votre musique ne vous laissera jamais tomber. Cependant, il est essentiel d’avoir des personnes pour lesquelles vous pouvez jouer en personne. Lors des retraites, nous avons tous convenu que nous préférions que cinq à dix personnes écoutent profondément plutôt que cinq likes/écoutes sur un site de streaming.

C’est différent que d’apprendre à jouer d’un instrument. La musique électronique est multidimensionnelle, car elle couvre la synthèse, les arrangements, l’échantillonnage, la compréhension de l’ordinateur, la logique, le mixage, etc.

C’est là que de nombreux musiciens ne parviennent pas à apprendre en ligne : un manque généralisé de savoir comment se structurer pour arriver à leurs fins.

 

Le scénario typique que je vois est celui d’une personne qui a le temps et le budget pour investir dans la création musicale et qui commence avec une forte motivation. Au fur et à mesure qu’elle explore, elle se heurte constamment à des murs et à des obstacles, ce qui lui fait réaliser qu’elle manque de connaissances sur différents sujets. Si leur flux de travail n’est pas bien défini et s’il y a un manque d’organisation, cela peut rapidement les amener au bord de l’abandon. En tant que musicien, je suis exposé à de nombreuses publicités sur de prétendues « solutions » ou raccourcis, mais je sais qu’elles ne résoudront pas mes problèmes, car j’ai de l’expérience. C’est pourquoi je souhaite partager certains de mes apprentissages circulaires.

 

Qu’est-ce que l’apprentissage circulaire ?

 

L’apprentissage circulaire signifie qu’au lieu de rassembler toutes les informations dont vous avez besoin pour progresser, vous explorerez jusqu’à ce que vous vous demandiez comment réaliser quelque chose, puis vous obtiendrez les informations dont vous avez besoin pour aller de l’avant. Comme vous le voyez, vous explorerez, puis vous vous poserez la question « comment faire… », ce qui vous amènera à l’étape suivante de la recherche. Les résultats sont généralement une solution ou une technique que vous pouvez tester. Cela vous ouvrira de nouvelles possibilités à explorer.

 

Je pense qu’il est essentiel de boucler la boucle, car c’est un cycle qui vous permettra d’apprendre.

Un cycle commence lorsque vous vous demandez : « Comment faire pour… ? ».

 

Exemples : Comment faire ressortir ma voix dans le mixage? Comment recréer ce son à partir de zéro? Comment cette chanson hypnotise-t-elle une foule lorsqu’elle est jouée?

Peut-être que je t’entends penser tout haut : C’est ce que je fais déjà.

Mais dans quelle mesure cela fonctionne-t-il pour vous? Si c’est le cas, c’est parfait. Maintenant, vous avez peut-être les mots pour mieux l’expliquer.

Si cela ne fonctionne pas, c’est peut-être qu’une phase de ce cercle n’est pas gérée correctement. Les signes de réussite signifient que vous ajoutez constamment de nouvelles compétences et que vous rencontrez de moins en moins d’obstacles lors de la création. Quelque chose ne va pas si vous apprenez de nouvelles choses mais que vous continuez à rencontrer des problèmes avant de relever un défi.

Les cycles et leurs utilisation

 

Chaque cycle commence par la recherche d’un concept, une idée qui éveille la curiosité.

Vient ensuite la preuve de la faisabilité, où l’idée est testée, intégrée dans un modèle ou une macro, et explorée en jouant. Si vous vous fiez constamment aux outils et aux macros construits par d’autres, vous sautez des étapes essentielles de votre développement.

Comprendre comment fonctionne votre concept vous oblige à apprendre des techniques de production musicale, peut-être de nouveaux outils que vous ignoriez et peut-être à en apprendre davantage sur le son lui-même. Mais parfois, le fait de placer une idée dans un environnement technique ne signifie pas qu’elle fonctionne immédiatement.

Il y a une phase de correction et d’affinage, d’ajustement des éléments jusqu’à ce qu’ils ressemblent à votre référence. Une fois que le modèle semble solide, il est temps d’enregistrer les idées. Il peut s’agir de capturer une improvisation, de superposer des sons ou de finaliser un arrangement. Vous disposez alors du cœur et de l’âme d’une chanson pour finaliser les arrangements.

 

Je dis souvent aux gens que chacune de mes chansons résulte d’une nouvelle technique que j’ai utilisée et apprise, ce qui donne un résultat amusant. Parfois, un album est une collection de plusieurs chansons utilisant la même méthode, ce qui donne une impression de cohérence à toutes les chansons.

 

 

Mais le processus ne s’arrête pas là. La magie opère lorsque le cycle recommence, non pas en partant de zéro, mais en s’appuyant sur l’élan de la session précédente. Les idées mutent, évoluent et se ramifient vers des territoires inattendus. Votre dernier projet est la semence du suivant. Cela vous aide également à conserver les préréglages, les outils et les matériaux dont vous savez qu’ils fonctionnent bien. La consolidation des connaissances et des techniques se fait en répétant encore et encore quelque chose jusqu’à ce que cela devienne très facile.

Lorsque vous apprenez quelque chose, vous devez le pratiquer jusqu’à ce qu’il soit complètement intégré.

 

Ce processus cyclique reflète la manière dont l’art se développe dans le monde réel : il est itératif, désordonné et profondément humain. Les artistes regardent les œuvres d’autres artistes, essaient de les comprendre, puis élaborent des théories et des tests. Au début, il peut s’agir d’une copie, mais vous serez ailleurs lorsque vous commencerez à vous entraîner pour la perfectionner.

Le fait d’avoir des références que vous pouvez étudier suscitera de nombreuses questions et amorcera de nouveaux cycles. Plus vos références sont uniques et inspirantes, plus vous approfondirez votre processus d’apprentissage.

 

Pourquoi l’éducation est plus importante que jamais

 

Je pourrais continuer à expliquer en quoi l’apprentissage de la musique électronique est essentiel, mais je vais vous faire part de quelques réflexions qui pourraient étayer mon propos.

 

Saturation du marché.

Plusieurs personnes m’ont dit à quel point elles étaient perdues lorsqu’il s’agissait de trouver de la musique qu’elles aimaient. Les DJ se sentent dépassés par le nombre de nouveaux morceaux. Étant donné que la musique est de plus en plus facile à produire et qu’elle peut également être distribuée sans problème, il en résulte une masse de musique qui rend plus difficile pour l’auditeur de trouver ce qu’il aime. Il peut découvrir de multiples copies pâles de la musique qu’il désire. Toutefois, le manque d’originalité vient des artistes qui s’appuient sur des raccourcis, des modèles, des macros préétablies ou toute autre solution pour accélérer leur flux de travail, sans intégration qui leur permettrait d’innover dans le son lui-même.

Le succès d’une chanson repose souvent sur la compréhension de ce qui fonctionne et sur l’ajout d’une nouvelle touche. Plus vous savez ce que vous voulez faire, plus vous contrôlez votre production, ce qui signifie que votre vocabulaire musical s’élargit.

Une qualité et un contrôle accrus vous permettront de vous distinguer et de distinguer votre art.

 

Musique d’IA.

Ce type de création musicale est totalement différent de la musique que nous faisons. Un algorithme traite un message et le transforme en chanson. Bien qu’il donne l’impression de faire de la musique pour vous, votre production reste limitée car vous ne contrôlez pas entièrement le rendu. Ce type de musique a sa place, en particulier pour créer de la musique générique ou trouver des idées que l’on peut revoir plus tard. Cependant, la musique d’IA ne tient pas compte de l’une des parties les plus essentielles de la création musicale : le long processus de composition.

Faire de la musique est souvent plus intéressant que le résultat, mais beaucoup de gens ne se concentrent que sur cette partie parce que c’est la fin du voyage. J’aime comparer cela à un voyage. Vos voyages ne sont pas les photos que vous en avez prises, mais l’histoire entière, depuis votre départ jusqu’à votre retour. Tous les bons moments et les moments où vous avez dû changer vos plans font partie du voyage. C’est à peu près la même chose avec la musique.

Si la musique assistée par intelligence artificielle élargit votre vocabulaire ou remplace éventuellement un grand nombre de musiciens, elle n’enlèvera jamais le plaisir de composer une chanson ou de jouer dans votre studio. Mais grâce à l’éducation, vous pouvez rendre ces expériences encore plus riches.

 

Compréhension personnelle.

Comprendre quelque chose que l’on aime faire ouvre la porte à une communauté et nourrit un besoin d’appartenance. Comme les musiciens recherchent souvent la validation et l’appréciation, en s’appuyant sur leur musique pour y parvenir, ils ne se rendent souvent pas compte qu’ils tentent de répondre à un besoin d’appartenance à une communauté. Créer une chanson peut être une belle carte de visite pour entrer dans une communauté, mais être capable de partager des idées, d’expliquer comment les atteindre ou d’aider les autres à atteindre leurs objectifs est un besoin qu’ils ne soupçonnent pas. C’est ce que l’éducation peut apporter aux artistes, car elle leur permet d’acquérir de nouvelles compétences et l’une des façons d’apprendre est d’expliquer à quelqu’un d’autre.

 

L’ingénierie inverse au service d’un concept.

Le dernier point que je souhaite aborder est la manière dont la compréhension vous permet d’entendre la musique d’autres personnes et d’en tirer un concept. La musique conceptuelle implique que vous n’êtes pas nécessairement à la recherche d’une accroche, mais que vous faites de la musique en fonction de certaines conditions. S’imposer des limites est un moyen de se concentrer sur ce qui compte.

 

J’espère que cela vous a incité à rechercher des informations et des points de vue.