Apprendre, grandir, élaguer

Oui, je sais, ce blogue est resté silencieux bien trop longtemps. J’étais à moitié à court d’idées, au point de ne plus avoir envie de le faire. D’une certaine manière, c’était un sentiment utile parce que je me suis concentré sur l’apprentissage à la place.

Sarah Bell Reid est mon mentor, la communauté et la sagesse d’Omri Cohen m’inspirent et m’aident dans mes recherches. De plus, il y a un tas de cours aléatoires ici et là. Je pense que j’ai plus appris cette année-là que les années précédentes réunies, où j’avais pourtant étudié. Je me sens chanceux d’avoir accès à tout cela. Lorsque j’ai commencé à faire de la musique dans les années 90, il n’y avait pas YouTube, alors regarder le travail de ses amis était la meilleure façon d’apprendre. Montréal disposait alors d’une solide communauté qui s’entraidait.

En réfléchissant à l’année écoulée (2024), je me suis rendu compte que j’aimais enseigner et parler avec les gens. Mais j’aime aussi apprendre (mon moi de 15 ans ne le croirait jamais). Quand on apprend, on voit ce qui déclenche la passion et la curiosité. Ces émotions me poussent à apprendre, probablement parce que je suis passionné.

Je me suis rendu compte que tant de gens investissent de grosses sommes d’argent dans du matériel ou des logiciels sans consacrer de temps ou d’investissement à l’apprentissage d’une utilisation correcte de tout cela. Je dois dire que je suis en partie coupable de cela, mais maintenant j’ai rattrapé mon investissement avec suffisamment de cours pour plusieurs années à venir.

L’un des moyens les plus efficaces (pour moi) d’apprendre véritablement la musique n’est pas de suivre des tutoriels isolés ou des heures de théorie, mais d’observer quelqu’un d’expérimenté en action. Regarder un musicien expérimenté faire des choix créatifs en temps réel, poser des questions à des moments cruciaux et comprendre pourquoi un choix a été fait, c’est là que se trouvent les leçons les plus profondes. Cela permet de comprendre chaque contexte dans lequel une technique peut être utilisée pour obtenir un résultat spécifique.

 

De nombreux cours en ligne échouent parce qu’ils sont hors contexte : par rapport à qui vous êtes, à ce que vous voulez avoir et à ce que vous voulez réaliser. La plupart des producteurs de musique électronique ne lisent pas de manuels, car ils préfèrent explorer pour apprendre. Les cours échouent donc souvent de la même manière : l’apprentissage linéaire ne convient pas à tout le monde.

 

L’éducation musicale se nourrit de l’interaction, du dialogue et de l’espace pour expérimenter sans craindre de faire des erreurs. L’apprentissage au sein d’une communauté est un moyen de responsabiliser et de reconnaître les progrès d’un artiste. En 2016, j’ai commencé à proposer un coaching gratuit et j’ai créé un groupe sur Facebook. Cela a fonctionné pendant plusieurs années, mais j’ai fini par me lasser. L’objectif du groupe était de fournir des commentaires techniques sur les chansons. J’ai vu de nombreuses personnes qui avaient initialement rejoint le groupe se transformer en artistes créatifs.

 

C’est également la raison pour laquelle les retraites d’artistes ont été si précieuses. Les commentaires en ligne sont une chose, mais les choses ont plus de sens en personne. Nous nous rencontrons en tant qu’amis, nous écoutons la musique de l’autre, nous partageons nos commentaires, nous mangeons ensemble et nous discutons. Le week-end devient une exploration de l’apprentissage, de la validation et de l’appartenance. L’une de mes façons préférées de voir cela est d’inviter tout le monde à interpréter une chanson en live (5 minutes ou moins). Chaque fois que nous le faisons, tout le monde dit la même chose :

 

« Pourquoi ne faisons-nous pas déjà cela dans notre salon ? »

 

Ce que j’ai appris de plus important en 2024, c’est que la somme de tous les enseignements se résume à l’essentiel de ma façon de travailler. Je ne peux pas apprendre grand-chose si je n’expérimente pas et ne révise pas ce que je viens d’acquérir. Sarah a commencé son cours en expliquant que l’apprentissage circulaire est la clé de la progression. Bien que je l’aie fait toute ma vie, il est apparu clairement que je l’ai structuré en élaguant ce que j’apprends, ce que je pratique et ce que je finis par intégrer.

Apprentissage circulaire : Cycles de « Comment faire… ? »

 

L’apprentissage de la musique (électronique) n’est pas un voyage linéaire. Il ne suit pas un chemin droit de A à B. Au lieu de cela, il se déplace par cycles – des rondes ou des sprints de créativité. Parfois, vos apprentissages vous font avancer, ou votre manque de temps vous tire vers le bas, mais votre musique ne vous laissera jamais tomber. Cependant, il est essentiel d’avoir des personnes pour lesquelles vous pouvez jouer en personne. Lors des retraites, nous avons tous convenu que nous préférions que cinq à dix personnes écoutent profondément plutôt que cinq likes/écoutes sur un site de streaming.

C’est différent que d’apprendre à jouer d’un instrument. La musique électronique est multidimensionnelle, car elle couvre la synthèse, les arrangements, l’échantillonnage, la compréhension de l’ordinateur, la logique, le mixage, etc.

C’est là que de nombreux musiciens ne parviennent pas à apprendre en ligne : un manque généralisé de savoir comment se structurer pour arriver à leurs fins.

 

Le scénario typique que je vois est celui d’une personne qui a le temps et le budget pour investir dans la création musicale et qui commence avec une forte motivation. Au fur et à mesure qu’elle explore, elle se heurte constamment à des murs et à des obstacles, ce qui lui fait réaliser qu’elle manque de connaissances sur différents sujets. Si leur flux de travail n’est pas bien défini et s’il y a un manque d’organisation, cela peut rapidement les amener au bord de l’abandon. En tant que musicien, je suis exposé à de nombreuses publicités sur de prétendues « solutions » ou raccourcis, mais je sais qu’elles ne résoudront pas mes problèmes, car j’ai de l’expérience. C’est pourquoi je souhaite partager certains de mes apprentissages circulaires.

 

Qu’est-ce que l’apprentissage circulaire ?

 

L’apprentissage circulaire signifie qu’au lieu de rassembler toutes les informations dont vous avez besoin pour progresser, vous explorerez jusqu’à ce que vous vous demandiez comment réaliser quelque chose, puis vous obtiendrez les informations dont vous avez besoin pour aller de l’avant. Comme vous le voyez, vous explorerez, puis vous vous poserez la question « comment faire… », ce qui vous amènera à l’étape suivante de la recherche. Les résultats sont généralement une solution ou une technique que vous pouvez tester. Cela vous ouvrira de nouvelles possibilités à explorer.

 

Je pense qu’il est essentiel de boucler la boucle, car c’est un cycle qui vous permettra d’apprendre.

Un cycle commence lorsque vous vous demandez : « Comment faire pour… ? ».

 

Exemples : Comment faire ressortir ma voix dans le mixage? Comment recréer ce son à partir de zéro? Comment cette chanson hypnotise-t-elle une foule lorsqu’elle est jouée?

Peut-être que je t’entends penser tout haut : C’est ce que je fais déjà.

Mais dans quelle mesure cela fonctionne-t-il pour vous? Si c’est le cas, c’est parfait. Maintenant, vous avez peut-être les mots pour mieux l’expliquer.

Si cela ne fonctionne pas, c’est peut-être qu’une phase de ce cercle n’est pas gérée correctement. Les signes de réussite signifient que vous ajoutez constamment de nouvelles compétences et que vous rencontrez de moins en moins d’obstacles lors de la création. Quelque chose ne va pas si vous apprenez de nouvelles choses mais que vous continuez à rencontrer des problèmes avant de relever un défi.

Les cycles et leurs utilisation

 

Chaque cycle commence par la recherche d’un concept, une idée qui éveille la curiosité.

Vient ensuite la preuve de la faisabilité, où l’idée est testée, intégrée dans un modèle ou une macro, et explorée en jouant. Si vous vous fiez constamment aux outils et aux macros construits par d’autres, vous sautez des étapes essentielles de votre développement.

Comprendre comment fonctionne votre concept vous oblige à apprendre des techniques de production musicale, peut-être de nouveaux outils que vous ignoriez et peut-être à en apprendre davantage sur le son lui-même. Mais parfois, le fait de placer une idée dans un environnement technique ne signifie pas qu’elle fonctionne immédiatement.

Il y a une phase de correction et d’affinage, d’ajustement des éléments jusqu’à ce qu’ils ressemblent à votre référence. Une fois que le modèle semble solide, il est temps d’enregistrer les idées. Il peut s’agir de capturer une improvisation, de superposer des sons ou de finaliser un arrangement. Vous disposez alors du cœur et de l’âme d’une chanson pour finaliser les arrangements.

 

Je dis souvent aux gens que chacune de mes chansons résulte d’une nouvelle technique que j’ai utilisée et apprise, ce qui donne un résultat amusant. Parfois, un album est une collection de plusieurs chansons utilisant la même méthode, ce qui donne une impression de cohérence à toutes les chansons.

 

 

Mais le processus ne s’arrête pas là. La magie opère lorsque le cycle recommence, non pas en partant de zéro, mais en s’appuyant sur l’élan de la session précédente. Les idées mutent, évoluent et se ramifient vers des territoires inattendus. Votre dernier projet est la semence du suivant. Cela vous aide également à conserver les préréglages, les outils et les matériaux dont vous savez qu’ils fonctionnent bien. La consolidation des connaissances et des techniques se fait en répétant encore et encore quelque chose jusqu’à ce que cela devienne très facile.

Lorsque vous apprenez quelque chose, vous devez le pratiquer jusqu’à ce qu’il soit complètement intégré.

 

Ce processus cyclique reflète la manière dont l’art se développe dans le monde réel : il est itératif, désordonné et profondément humain. Les artistes regardent les œuvres d’autres artistes, essaient de les comprendre, puis élaborent des théories et des tests. Au début, il peut s’agir d’une copie, mais vous serez ailleurs lorsque vous commencerez à vous entraîner pour la perfectionner.

Le fait d’avoir des références que vous pouvez étudier suscitera de nombreuses questions et amorcera de nouveaux cycles. Plus vos références sont uniques et inspirantes, plus vous approfondirez votre processus d’apprentissage.

 

Pourquoi l’éducation est plus importante que jamais

 

Je pourrais continuer à expliquer en quoi l’apprentissage de la musique électronique est essentiel, mais je vais vous faire part de quelques réflexions qui pourraient étayer mon propos.

 

Saturation du marché.

Plusieurs personnes m’ont dit à quel point elles étaient perdues lorsqu’il s’agissait de trouver de la musique qu’elles aimaient. Les DJ se sentent dépassés par le nombre de nouveaux morceaux. Étant donné que la musique est de plus en plus facile à produire et qu’elle peut également être distribuée sans problème, il en résulte une masse de musique qui rend plus difficile pour l’auditeur de trouver ce qu’il aime. Il peut découvrir de multiples copies pâles de la musique qu’il désire. Toutefois, le manque d’originalité vient des artistes qui s’appuient sur des raccourcis, des modèles, des macros préétablies ou toute autre solution pour accélérer leur flux de travail, sans intégration qui leur permettrait d’innover dans le son lui-même.

Le succès d’une chanson repose souvent sur la compréhension de ce qui fonctionne et sur l’ajout d’une nouvelle touche. Plus vous savez ce que vous voulez faire, plus vous contrôlez votre production, ce qui signifie que votre vocabulaire musical s’élargit.

Une qualité et un contrôle accrus vous permettront de vous distinguer et de distinguer votre art.

 

Musique d’IA.

Ce type de création musicale est totalement différent de la musique que nous faisons. Un algorithme traite un message et le transforme en chanson. Bien qu’il donne l’impression de faire de la musique pour vous, votre production reste limitée car vous ne contrôlez pas entièrement le rendu. Ce type de musique a sa place, en particulier pour créer de la musique générique ou trouver des idées que l’on peut revoir plus tard. Cependant, la musique d’IA ne tient pas compte de l’une des parties les plus essentielles de la création musicale : le long processus de composition.

Faire de la musique est souvent plus intéressant que le résultat, mais beaucoup de gens ne se concentrent que sur cette partie parce que c’est la fin du voyage. J’aime comparer cela à un voyage. Vos voyages ne sont pas les photos que vous en avez prises, mais l’histoire entière, depuis votre départ jusqu’à votre retour. Tous les bons moments et les moments où vous avez dû changer vos plans font partie du voyage. C’est à peu près la même chose avec la musique.

Si la musique assistée par intelligence artificielle élargit votre vocabulaire ou remplace éventuellement un grand nombre de musiciens, elle n’enlèvera jamais le plaisir de composer une chanson ou de jouer dans votre studio. Mais grâce à l’éducation, vous pouvez rendre ces expériences encore plus riches.

 

Compréhension personnelle.

Comprendre quelque chose que l’on aime faire ouvre la porte à une communauté et nourrit un besoin d’appartenance. Comme les musiciens recherchent souvent la validation et l’appréciation, en s’appuyant sur leur musique pour y parvenir, ils ne se rendent souvent pas compte qu’ils tentent de répondre à un besoin d’appartenance à une communauté. Créer une chanson peut être une belle carte de visite pour entrer dans une communauté, mais être capable de partager des idées, d’expliquer comment les atteindre ou d’aider les autres à atteindre leurs objectifs est un besoin qu’ils ne soupçonnent pas. C’est ce que l’éducation peut apporter aux artistes, car elle leur permet d’acquérir de nouvelles compétences et l’une des façons d’apprendre est d’expliquer à quelqu’un d’autre.

 

L’ingénierie inverse au service d’un concept.

Le dernier point que je souhaite aborder est la manière dont la compréhension vous permet d’entendre la musique d’autres personnes et d’en tirer un concept. La musique conceptuelle implique que vous n’êtes pas nécessairement à la recherche d’une accroche, mais que vous faites de la musique en fonction de certaines conditions. S’imposer des limites est un moyen de se concentrer sur ce qui compte.

 

J’espère que cela vous a incité à rechercher des informations et des points de vue.