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Comment signer votre musique en temps de pandémie?

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Une question que l’on me pose souvent lors de mes séances de mentorat est de savoir s’il est différent de signer avec un label en temps de pandémie ou si c’est la même chose. La réponse est oui dans les deux cas, mais avec quelques réserves. Ce sont là quelques-unes des meilleures façons de signer votre musique pendant une pandémie.

La meilleure façon de se faire signer par un label est de se mettre en réseau, plutôt que de soumettre à froid, pandémie ou pas. Au fil des ans, Archipel n’a publié qu’environ 2 % de ses sorties par le biais de courriels non sollicités. 

C’est parce que j’ai une relation personnelle avec la plupart des personnes que je signe. Et la majorité de ces relations personnelles ont été favorisées par des rencontres lors d’événements.

Il est clair qu’il n’y a plus d’événements en ce moment.

Une autre façon courante de signer des titres est qu’ils soient joués par des DJs en club, et que les propriétaires de labels comme moi demandent quel est le titre. Nous contactions alors l’artiste pour voir s’il veut signer avec le label.

Mais hélas, les clubs ne sont pas ouverts et les diffusions en direct ne sont pas suivies de la même manière que les clubs. Les chances qu’une signature organique se fasse comme ça sont donc plus minces qu’auparavant. Bien sûr, cela peut toujours arriver, surtout par le biais de mixes de DJ, mais ce n’est pas la même chose.

Mais ne désespérez pas. Ce n’est pas parce que les moyens traditionnels et organiques de signer des chansons ne sont pas disponibles que de nouveaux moyens ne le sont pas non plus.

 

LES STRATÉGIES POUR SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE

 

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — LES CHOSES QUI NE FONCTIONNENT PAS

Avant de parler de ce qui fonctionne pendant une pandémie, voyons ce qui ne fonctionne pas. Comme je l’ai déjà dit, seuls 2 % des sorties de mon label proviennent de courriels. Pendant une pandémie, ce chiffre est considérablement réduit en raison du nombre de sollicitations.

En outre, de nombreux labels réduisent le nombre d’artistes signés, car les DJ n’achètent pas autant de titres, ce qui tarit leurs sources de revenus. De plus, s’ils sortent sur des formats physiques tels que le vinyle ou la cassette, beaucoup de ces usines fonctionnent avec un personnel réduit pour des raisons de santé. Cela retarde les sorties et augmente le coût de ces supports.

Cela rend les labels encore plus pointilleux sur les produits qu’ils signent, considérant que cela leur rapportera en fin de compte moins de revenus.

En d’autres termes, à moins que vous ne soyez quelqu’un qu’ils veulent vraiment signer, les chances de vous faire signer par une approche à froid sont assez minces, en raison de la rareté.

 

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — LES TRUCS QUI MARCHENT

Cela ne veut pas dire que les artistes sont foutus. Même si les clubs sont fermés et les boîtes de réception submergées, il existe des voies alternatives pour se faire signer, ainsi que de nouvelles voies qui sont devenues disponibles en raison de la pandémie.

 

SE FAIRE DÉCOUVRIR SUR YOUTUBE OU SOUNDCLOUD

Ce processus implique un sacrifice. Un sacrifice aux dieux de YouTube ou de SoundCloud. Il existe des dizaines de chaînes YouTube et SoundCloud consacrées à la bonne musique. La plupart du temps, ces chaînes ne se préoccupent pas de la reconnaissance de la marque ou du potentiel de revenus, car elles ne gagnent pas beaucoup d’argent avec ce qu’elles mettent en ligne. De plus, le coût pour elles n’est qu’une opportunité, puisque le téléversement sur SoundCloud et YouTube est gratuit.

 

how to release music during a pandemic YouTube photo

 

Si c’est une chaîne bien gérée, il y aura des propriétaires de label qui la fréquenteront, car avant tout, les propriétaires de label sont des fans de musique. Ensuite, si votre morceau est très bon et qu’ils l’entendent, ils peuvent vous contacter pour voir ce que vous avez d’autre en stock.

Le titre que vous avez téléversé ne sera généralement pas signé, mais si vous produisez un son similaire, il y a de fortes chances que l’un de vos autres titres le soit. De plus, votre morceau sera publié sur une page très fréquentée, donc qui sait qui d’autre l’entendra. Cela pourrait déboucher sur de nouveaux fans, des téléchargements, etc.

Alors, comment diffuser votre musique sur ces chaînes en temps de pandémie?


CIBLEZ VOS CHAÎNES

Tout d’abord, assurez-vous que la chaîne est bien ciblée. Si vous faites de la musique minimal house, il n’est pas logique de l’envoyer à une chaîne drum’n’bass, ou vice versa. Non seulement vous perdrez votre propre temps à rassembler les coordonnées et l’adresse électronique, mais vous gaspillerez également le leur, ce qui augmente les chances que votre courriel soit signalé comme pourriel (spam). Si vous recevez un certain nombre d’indicateurs de pourriel, aucun de vos messages ne sera transmis, même à ceux qui sont pertinents.

Une bonne façon de cibler ces canaux est de penser à un artiste de petite ou moyenne taille qui a un son similaire au vôtre, puis de le rechercher sur YouTube ou SoundCloud. Ensuite, si vous voyez une chaîne qui l’a publié, contactez-les.

 

ASSUREZ-VOUS QUE LA CHAÎNE N’EST PAS UN LABEL

Notez que de nombreuses chaînes qui publient ces titres sont les labels eux-mêmes. Il n’est donc pas logique de les contacter, car ce n’est pas le but. Faites simplement attention à qui vous soumettez votre musique.

 

EXEMPLE DE COURRIEL

Lorsque vous vous adressez une chaîne, comprenez que plus elle est populaire, plus elle sera sollicitée. Par conséquent, veillez à ce que vos messages soient brefs, agréables et pertinents.

 

Salut {nom ou prénom du propriétaire de la chaîne},

Merci de soutenir les artistes émergents. Ce sont des gens comme vous qui font circuler la bonne musique, et pour cela, je vous suis reconnaissant. 

J’ai vu que vous avez publié {nom d’artiste similaire}. Je viens de terminer ce morceau (lien SoundCloud privé avec téléchargements activés), je pense qu’il a des caractéristiques similaires et qu’il fonctionnerait bien sur {nom de la chaîne}.

Pourriez-vous me faire part de votre avis à ce sujet?

Merci de l’avoir écouté!

 

{Votre nom}

 

{Liens vers votre Press Kit, site web, etc.}

 

Voyez comme il est court, sympathique, flatteur et fournit toutes les informations nécessaires. C’est un excellent moyen de diffuser de la musique pendant une pandémie.

 

how to release music during a pandemic SoundCloud photo

 

INDIQUER QUE CE N’EST PAS SIGNÉ

S’ils décident de le publier, il est fort probable qu’ils vous contactent à ce sujet pour vous demander plus d’informations. Demandez-leur de préciser que le morceau n’est pas signé et qu’il est autoproduit dans la description YouTube. Cette mention se trouve généralement dans la section où est indiqué le nom du label, mais ici il s’agit d’une mention non signée. 

Cela indiquera aux labels potentiels que vous êtes disponible et constitue une tactique clé pour signer votre musique pendant une pandémie. 

 

VOUS OBTIENDREZ DES MILLIERS D’ÉCOUTES

Ne désespérez pas si vous ne vous faites pas signer de cette façon. Si c’est une chaîne assez populaire, vous aurez des milliers d’oreilles sur votre piste, ce qui est en soi une victoire. De plus, rien ne vous empêche de la soumettre à plusieurs chaînes également. Ce sont des chaînes, pas des labels. Vous pouvez être sur plusieurs chaînes avec la même chanson. C’est toujours une bonne tactique pour diffuser de la musique pendant une pandémie.

 

CHAÎNES PAYANTES

Notez qu’il y a beaucoup de chaînes payantes. Certaines sont bonnes, d’autres moins bonnes. Les bonnes auront un processus de sélection et n’accepteront pas n’importe quoi. Si vous recevez une réponse de l’une d’entre elles vous demandant de payer pour une publication, vérifiez les autres pistes et voyez si elles sont de qualité. S’ils ne font que publier tout ce qui peut leur rapporter quelques dollars, il y a de fortes chances que l’engagement que vous voyez soit faux, car qui veut s’engager dans des trucs de mauvaise qualité? 

 

SubmitHub

Certaines personnes peuvent également être familières avec SubmitHub. C’est une chaîne commune que les gens utiliseraient pour savoir comment diffuser de la musique pendant une pandémie, ou non.

Si vous ne connaissez pas, SubmitHub est un endroit où vous pouvez payer une petite somme pour solliciter l’écoute d’un blogue. S’ils l’apprécient, ils peuvent le publier. Cependant, vous ne payez que pour une écoute, pas pour une publication.

SubmitHub est un moyen décent de diffuser de la musique pendant une pandémie, si vous avez de bonnes choses. Mais assurez-vous que 1) vos contenus sont pertinents et 2) qu’ils ont un taux d’acceptation décent. Si le taux d’acceptation n’est que de 1 ou 2 %, il y a autant de chances que votre musique soit signée grâce à un courriel non sollicité adressé à un label, alors autant vous adresser directement au label au lieu de faire ce détour. Recherchez les chaînes qui acceptent au moins 10 % des candidatures.


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LE RÉSEAUTAGE, STYLE PANDÉMIE

La façon suivante d’obtenir une signature est de se faire recommander ou de rencontrer directement le responsable du label. Bien que ce soit moins personnel que de les rencontrer en personne, sous l’influence positive du club et ses nombreux vices, il existe toujours des moyens d’atteindre un objectif similaire en utilisant des choses comme les médias sociaux. Il s’agit d’un des moyens les plus sûrs pour diffuser de la musique pendant une pandémie.

 

CONTACTER LES DJ/PRODUCTEURS POUR OBTENIR UNE RECOMMANDATION

Alors que par le passé, les DJ auraient été en tournée, et donc moins sensibles aux messages en ligne, dans l’environnement actuel, ils sont tous chez eux. À moins qu’ils ne jouent à Tulum et ne tuent l’abuela de quelqu’un pour se faire remarquer.

Mais pour les DJ non égoïstes, la plupart sont assis chez eux, ou en studio, ne faisant pas grand-chose, comme tout le monde. Ils sont donc plus susceptibles de répondre aux messages. Cela signifie qu’ils sont plus susceptibles de répondre à VOTRE message. Si vous faites preuve de tact, vous pouvez transformer ce message en une référence à un label sur lequel ils se trouvent.

L’un des meilleurs moyens de se faire remarquer par quelqu’un est de lui demander conseil sur quelque chose. Les gens aiment être appréciés pour leur expertise, et comme ils ont du temps, ils sont prêts à la donner.

Cependant, comme dans le groupe Pheek’s Coaching Corner, si vous voulez demander des conseils, soyez précis. Ne vous contentez pas de demander ce qu’ils pensent de la piste. Demandez-leur des choses précises, comme les parties du mixage, ce qu’ils pensent du bridge ou d’un ton spécifique que vous utilisez. Demandez-leur comment ils pourraient l’améliorer, ou s’ils pensent qu’il est bon tel quel.

S’ils vous donnent des conseils, modifiez le morceau en les suivant, puis renvoyez-le-leur pour un avis complémentaire, qui, s’il vous a aidé la première fois, vous aidera probablement à nouveau.

how to release music during a pandemic instagram photo

 

PROPOSER À CES DERNIERS

Une fois que vous avez atteint le point où ils sont excités par le morceau, vous pouvez lancer : « A votre avis, pensez-vous que cela fonctionnerait bien sur {insérer un label} si je leur envoyais? Ils vous donneront, espérons-le, une réponse par oui ou par non. Si c’est un non, demandez-leur la raison et ce que vous pouvez faire pour améliorer vos chances.

Ne le prenez pas personnellement, parfois les labels ne signent tout simplement pas de nouveaux artistes, ou ils ne signent que des artistes appartenant à un certain cercle social.

Si c’est un oui, humblement, demandez-leur s’ils feraient une recommandation pour vous, ou s’ils vous permettraient d’utiliser leur sceau d’approbation dans le courriel que vous envoyez au label. Cela contribuera grandement à prouver au label que vous n’êtes pas un autre candidat, mais plutôt quelqu’un qui fait partie du cercle restreint. L’une des meilleures solutions que je puisse vous proposer pour signer votre musique en temps de pandémie est d’obtenir leur accord pour une rétroaction ou une recommandation.


CONTACTER LES LABELS POUR OBTENIR DES CONSEILS

La même approche peut être adoptée pour les labels. Bien qu’il ne soit pas recommandé de leur envoyer votre morceau tout de suite pour qu’ils vous donnent leur avis, vous pouvez leur dire : « Salut, j’adore votre label [parlez brièvement de ce que vous aimez]. Je suis un artiste qui essaie d’apprendre les coutumes de l’industrie, et j’étais curieux de savoir quelle est la meilleure façon d’approcher un label comme le vôtre. Recommandez-vous de le soumettre à froid, ou y a-t-il une meilleure façon? »

De cette façon, vous leur demandez leur avis, sans nécessairement soumettre un titre. Si vous êtes capable d’établir une relation solide avec eux, alors demandez-leur s’ils acceptent de tester votre titre. Le pire qu’ils puissent dire est non, et vous aurez appris une leçon précieuse sur la façon d’aborder les labels, et établi une bonne relation avec l’industrie à laquelle vous pourrez faire appel, à condition de maintenir le contact avec eux.

Un conseil avant de contacter quelqu’un : assurez-vous d’interagir avec leur contenu au préalable afin de montrer que vous êtes un vrai fan, et pas seulement quelqu’un qui veut quelque chose. Pendant quelques mois, par exemple, commentez leurs messages afin qu’ils reconnaissent votre nom lorsque vous les contacterez. Cela permettra de briser la glace, et de les rendre beaucoup plus réceptifs.

 

COMMENT SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE — AUTRES POSSIBILITÉS


REJOINDRE UN GROUPE

Par exemple, le Pheek’s Coaching Corner. Il y a des tonnes de propriétaires de labels sur ce groupe, et si vous y restez actif et que vous publiez vos morceaux pour obtenir des conseils, il y a de fortes chances qu’un propriétaire de label l’écoute et vous contacte s’il l’apprécie. Il y a des tonnes de groupes comme celui-ci pour leur genre respectif, sur Facebook et Discord. Vous pouvez également demander à ces groupes comment publier votre musique en temps de pandémie.

 

S’INSCRIRE À UN COURS

Il y a des tonnes de producteurs qui organisent des cours en ligne. Par exemple, Justin Jay donne actuellement des cours à un groupe d’étudiants et il a récemment sorti une compilation de cours sur son label. Ils peuvent même aborder la manière de sortir de la musique en temps de pandémie.

 

COMMENCER UN BlOGUE

Vous seriez surpris de voir à quel point il est facile d’obtenir une interview d’un artiste, surtout de nos jours. Si vous orientez votre blogue vers un sujet spécifique qui n’est pas bien couvert, vous pouvez alors vous constituer une audience autour de ce créneau.

Une autre bonne chose à faire est de créer une page Facebook où vous faites des podcasts vidéo et de les publier sur Facebook. Une fois que vous les avez transférés sur Facebook vidéo, vous pouvez les partager dans des groupes pertinents, et chaque vue de 3 secondes compte comme une vue. De cette façon, vous pouvez montrer de bonnes statistiques aux personnes à interviewer et leur montrer que cela ne tombera pas dans l’oreille d’un sourd.

Vous pouvez également téléverser vos vidéos sur YouTube et lancer une chaîne YouTube avec les interviews.

Cette méthode est précieuse, car non seulement vous obtenez une introduction, mais vous leur donnez aussi de la valeur, ce qui engendre la réciprocité. Et la réciprocité est un excellent moyen pour diffuser de la musique en temps de pandémie.

 

CONTRIBUER À UN BLOGUE ÉTABLI

Si vous êtes un bon écrivain, beaucoup de ces blogues cherchent des personnes pour contribuer et ajouter du nouveau contenu. Beaucoup ne paient pas, mais la valeur que vous pouvez en tirer en vaut la peine, car elle vous donne accès à des personnes auxquelles vous n’auriez normalement pas accès.

De plus, de cette façon, vous n’avez pas à construire votre propre blogue, et vous utilisez plutôt la position de quelque chose de déjà établi pour garnir les interviews.

Cependant, je ne recommanderais pas de quiproquo, où ils obtiennent une interview pour signer ou écouter votre titre. Cela peut mal se passer, et le blogue pour lequel vous écrivez risque de vous écarter de la rédaction.

Au lieu de cela, après avoir publié l’interview, demandez-lui si cela ne l’ennuie pas de répondre à quelques questions pour vous et/ou de vous donner un retour d’information.

 

CRÉER VOTRE PROPRE CHAÎNE YOUTUBE OU SOUNDCLOUD

Cette méthode est similaire à celle dont nous avons parlé précédemment, où l’on vous découvre sur une chaîne YouTube ou SoundCloud, mais un peu à l’envers. Maintenant, les étiquettes viennent à vous. Et si vous créez une chaîne avec un son similaire au vôtre, les labels qui viendront à vous sont ciblés.

Comme il s’agit de votre chaîne, vous pouvez définir les conditions que vous voulez pour qu’ils puissent avoir leur piste sur votre site.

Cela prendra évidemment du temps pour que la chaîne soit viable, mais une fois qu’elle sera établie, vous aurez un flux constant de labels qui vous contacteront, au lieu de l’inverse. Vous aurez également une chaîne sur laquelle vous pourrez présenter votre propre musique en première, si vous le souhaitez.

 

CRÉER VOTRE PROPRE LABEL

C’est un peu comme si vous lanciez votre propre chaîne YouTube ou SoundCloud, ce qui fait que les gens que vous voulez viennent à vous, en un sens. Dans un premier temps, vous devrez constituer une base de sorties. Il peut s’agir d’amis ou de petits producteurs à la recherche d’un label à signer (certains petits producteurs aiment simplement collectionner les labels).

Ensuite, une fois que vous avez une douzaine de sorties, vous pouvez commencer à contacter les petits artistes des labels sur lesquels vous voulez être, ou des labels qui sont liés aux labels sur lesquels vous voulez être. Ensuite, vous faites signer ces personnes, et vous continuez à faire du commerce, jusqu’à ce que vous commenciez à signer des artistes plus établis.



UTILISER LES TORRENTS

Un autre moyen est d’utiliser Soulseek. Soulseek est un réseau bit torrent privé où les gens partagent de la musique. Beaucoup de personnes sur Soulseek sont du genre à tout posséder, donc en y mettant vos affaires, il y a une chance qu’elles soient récupérées par quelqu’un et diffusée de manière organique. Encore une fois, il n’y a pas de garantie, mais il ne faut pas faire beaucoup d’efforts pour diffuser ses œuvres.

 

QUELQUES RÉFLEXIONS FINALES SUR LA FAÇON DE SIGNER VOTRE MUSIQUE EN TEMPS DE PANDÉMIE

Ce ne sont là que quelques-unes des façons créatives de se trouver un label pendant la pandémie. La plupart de ces techniques fonctionnent à n’importe quel moment de l’histoire, mais elles sont rendues plus accessibles parce que les gens ont tout simplement plus de temps.

Lorsque le monde se mettra en marche, les DJ et les labels seront moins enthousiastes à l’idée de répondre à tous les messages qu’ils reçoivent des fans sur les médias sociaux.

De plus, les gens n’auront pas le même temps, et donc le même désir, de commencer à bloguer, ou de créer leur propre label, ou même de suivre des cours. Par conséquent, il n’y a pas de meilleur moment pour sauter sur l’occasion. L’histoire a donné aux créatifs un liseré d’argent ; nous pourrions aussi bien exploiter son minerai tant qu’il en est encore temps.

Nous espérons que cet article sur la façon de diffuser de la musique en temps de pandémie vous a été utile.

Intégrité artistique et théorie musicale

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La semaine dernière, lors d’une de nos séances de coaching en ligne, nous avons discuté de l’importance de la théorie musicale. En décrivant mes propres opinions sur son importance, j’aimerais souligner les différentes étapes de découverte de la musique que j’ai traversées au cours de ma vie. Dans cet article, je développerai également certaines de mes réflexions sur l’état actuel de la musique.

Il est difficile d’identifier la première fois où j’ai entendu de la musique électronique, mais c’était probablement dans les années 70 et, évidemment, j’en suis tombé amoureux. Il y avait toute une tendance de science-fiction à l’époque, et tout ce qui touchait à la science-fiction était caractérisé par de la musique électronique. À l’époque, dans un océan de pop et de rock, la musique électronique était la plus étrange, elle n’avait pas son pareil. Elle avait ses propres règles, et alors que certaines personnes faisaient des reprises électroniques de chansons connues (que j’ai toujours détestées profondément), j’avais un intérêt prononcé pour la musique originale.

Au début des années 80, j’étais vraiment dans le breakdance et les débuts du hip-hop électronique ou de l’électro, qui faisaient fureur. L’utilisation des 808 était courante, et pour moi, ça a également été le coup de foudre. Ce que j’ai découvert plus tard, c’est le lien étroit entre les débuts du hip-hop et le jazz. Récemment, j’ai regardé un documentaire de Blue Note qui retrace les racines du hip-hop et du jazz, ce qui était très rafraîchissant.

Ce qui est inspirant dans ce documentaire, c’est la façon dont ce label, à ses débuts, essayait vraiment de donner aux artistes une chance de partager une vision très personnelle de la musique, sans se soucier des tendances ou des ventes. Ce qui est surprenant dans ce film, c’est que, pour la plupart, les artistes et les propriétaires de label parlent de ce qu’ils font en se plaçant sur le même plan que les musiciens électroniques à propos de leurs propres créations.

Ce type de vision a toujours fait écho en moi ; ce qui rend un artiste sain, c’est de s’efforcer d’être personnel avant tout. Si cela vous paraît évident, je suis sûr que vous savez aussi que ce n’est pas le cas pour beaucoup d’autres qui pourraient lire ce billet. C’est pourquoi je suis devenu un ami proche de Bryan, avec qui je fais du jazz. Il joue du saxophone depuis plus de 45 ans dans toutes sortes de contextes. Quand il s’agit d’apprendre la musique, de connaître les règles de progression des accords et des choses comme le cercle de quintes, il est probablement la meilleure personne avec qui discuter.

Nous avons eu une discussion sur ces soi-disant « règles » une fois. Son point de vue était très clair : le fait de connaître moins de règles pourrait en fait vous permettre d’être plus ouvert à l’innovation plutôt que de penser que certaines choses ne devraient pas être faites. Je peux comprendre cela, car lorsque j’entends parler de « règles d’ingénierie », j’ai souvent l’impression de m’empêcher de faire certaines choses en y adhérant. Bryan ne souhaite pas me guider en ce qui concerne les mélodies. « Il faut casser les schémas, mec! », dira-t-il, en parlant parfois de la façon dont ça marche dans le free jazz.

« Les règles de la musique ont pris des proportions démesurées dans les années 80, lorsque les musiciens ont compris qu’ils pouvaient gagner beaucoup d’argent s’ils connaissaient les ficelles du métier. À l’époque, tout le monde était plus intéressé par la répétition de recettes connues que par la création de quelque chose de personnel », dit-il. Nous avons discuté de la manière dont les élitistes de la musique ont élaboré des règles sérieuses pour limiter la pratique de la musique aux personnes riches qui pouvaient se permettre de suivre des cours de musique, ce qui a eu pour effet de la rendre moins accessible aux pauvres. Le dialogue autour de la théorie musicale a traditionnellement été à la baisse, des classes supérieures vers les classes inférieures — une communication à sens unique.

Le jazz a rendu la musique plus ouverte et plus accessible. Les débuts de l’époque des raves avaient une éthique similaire (vers 1987-1992), où la musique et la scène étaient vraiment axées sur l’inclusion et sur un grand F-you à l’industrie de la musique. Il y avait alors beaucoup de tension entre la musique électronique et les autres genres. La musique électronique était souvent mal comprise, raillée et dénigrée, probablement parce qu’elle était tout le contraire en termes de valeurs et de modes de vie.

Du début des années 90 jusqu’à environ 2010, l’une des valeurs les plus importantes dans la plupart des branches de la musique électronique était le sens de la nouveauté. À l’époque de mes premières raves, nous nous attendions à être défiés musicalement. Nous voulions entendre de la musique que nous n’avions jamais entendue auparavant, et nous voulions même être désorientés. Les DJ faisaient un énorme mélange de différents styles, et le beat-matching n’était pas aussi important qu’il semble l’être aujourd’hui. C’est devenu de plus en plus organisé et les DJ les plus populaires sont devenus les plus structurés, et finalement les DJ ont commencé à jouer des sets d’un seul genre. Un genre émergeait, restait pendant un certain temps, puis devenait « mauvais » jusqu’à ce qu’un autre l’usurpe en s’effaçant dans le passé. Cette progression a fait de nombreuses victimes : Trance, Techno, House, Drum and Bass, etc. C’était assez différent d’aujourd’hui où il y a de la place pour tout et où ce sont les artistes qui vont et viennent à la place des genres. Peut-être qu’ils ne « vont » jamais vraiment, mais l’attention des médias se déplace souvent vers d’autres artistes du même genre qui sont légèrement « différent ».

Mais revenons à la théorie musicale et aux progressions d’accords académiques.

Souvent, les gens font des mélodies basées sur un concept ou une règle qu’ils ont en tête, ou sur quelque chose qu’ils ont déjà entendu. Une chose que les gens me disent souvent, c’est que lorsqu’ils lisent sur la théorie musicale et qu’ils essaient ensuite de l’appliquer dans leur propre travail, ils ont l’air ringards ou trop pop. La question est donc de savoir s’il existe un moyen de connaître les règles concernant les mélodies et de faire quelque chose qui sonne bien.

C’est une question à laquelle il est un peu difficile de répondre.

Soit vous comprenez d’abord les tonalités associées à un genre et vous essayez ensuite de les réinterpréter à votre manière, soit vous ne le faites pas. Mais pour moi, cela soulève des questions concernant l’intégrité artistique — peut-être voulez-vous travailler dans un genre tout en créant un fort sentiment d’originalité. Est-ce possible?

Eh bien, si vous choisissez un genre qui vous parle vraiment et dans lequel vous voulez travailler fortement, c’est une certaine décision que vous prenez sur qui vous êtes en tant qu’artiste. Mais à mon avis, la qualité du vocabulaire que l’on peut développer dans la musique électronique vient d’abord et avant tout de la compréhension du sound design.

Cela dit, la compréhension de la théorie musicale est d’une grande aide pour comprendre comment jouer une note particulière. Il existe de nombreux outils pour vous aider à améliorer vos connaissances tonales et théoriques. En voici quelques-uns :

  • Instascale: Je ne connais pas encore celui-ci, mais j’ai entendu de bonnes choses.
  • Scaler: Pour vous aider à comprendre les progressions d’accords en vous proposant ce qui pourrait suivre votre mélodie, en fonction d’un genre.
  • Melodyne: un des plug-ins les plus utilisés pour la correction de hauteur.
  • Captain Plugins: La suite complète vous donne accès à des outils qui facilitent la création de mélodies, la détection de la hauteur, la création de basses et peuvent faire une énorme différence dans la création de structures musicales.

Une chose que je fais souvent, c’est travailler avec mes pistes de référence en utilisant un plug-in de détection de pitch (Mixed in Key, studio edition) et je m’en sers comme point de départ. Ensuite, si vous voulez générer un point de départ différent, j’utiliserais Rozzer (patch Max for Live gratuit) qui génère un motif aléatoire. Cela m’aide généralement à trouver un motif pour une chanson. Andrew a également quelques bonnes suggestions :

Une chose qui m’aide beaucoup pour faire des mélodies est de travailler avec ce qui est proposé au lieu d’essayer de trop contrôler la production. Si vous commencez à travailler avec une mélodie attendue dans votre tête, vous risquez de passer des heures à essayer de la recréer et elle finira par sonner mal. Vous devez en quelque sorte trouver la bonne mélodie pour le bon son. C’est là qu’il est facile de descendre dans le terrier du lapin blanc.

C’est pourquoi, si vous travaillez avec ce que vous avez et que vous essayez d’en tirer le meilleur parti, vous risquez de vous retrouver avec quelque chose de plus original. J’enregistre beaucoup d’idées en MIDI et j’y reviens généralement en essayant une grande série de presets jusqu’à ce que je trouve ce qui me semble correspondre parfaitement, puis je modifie les sons (c’est là que les connaissances en matière de conception sonore sont utiles).

Dans ce blogue, je parle souvent de rester aussi ouvert d’esprit que possible et de lâcher prise sur le contrôle. La notion de contrôle sur ce que l’on fait vient avec la pratique. Il en va de même pour la compréhension de la théorie musicale. Vous devez faire beaucoup de projets et de chansons pour devenir plus fluide et plus compréhensif dans ce que vous faites. Mais pour y parvenir, il faut d’abord vraiment lâcher prise!

Il est grand temps que les musiciens soient inclusifs

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Toute personne qui fait de la musique passe régulièrement par des phases de sagesse. Parfois, on a l’impression que l’industrie de la musique est un jeu vidéo dans lequel, avec un peu de chance et de réseau, on peut « monter en grade » jusqu’à la gloire. Faire de la musique avec cet état d’esprit, ce que semblent faire de nombreux artistes, produit certains comportements peu attrayants :

  • Une réticence à partager ses connaissances et ses contacts
  • Adopter une approche compétitive de la musique
  • Snobisme et arrogance envers les autres personnes et les artistes

Les nouveaux producteurs sont souvent déstabilisés par l’attitude des artistes établis. Les artistes établis filtrent les gens pour d’autres raisons, car s’ils restent ouverts à tout le monde, cela peut devenir épuisant, surtout si beaucoup essaient de les « utiliser » (c’est-à-dire pour attirer l’attention, avoir un retour sur la musique, etc.) Certains artistes sont également très mauvais pour communiquer ou sont simplement timides, ce qui les pousse à adopter une personnalité fermée pour se cacher. Cela dit, la frontière entre snobisme et filtrage demeure ténue.

D’où provient l’arrogance des artistes?

Si les gens travaillent dur pour apprendre quelque chose, partager « gratuitement » à quelqu’un d’autre ce qu’ils ont dépensé en temps et en argent pour comprendre peut sembler injuste, non? Les gens peuvent aussi penser que s’ils ont atteint un certain statut, peut-être que d’autres personnes qui se trouvent derrière eux pourraient les évincer de leur position.

Partager le savoir ne vous fait pas le perdre.

Parfois, les gens ont aussi l’impression que s’ouvrir à quelqu’un pour partager des informations précieuses et obtenir quelque chose en retour peut être très frustrant, car cela ressemble à un gaspillage d’énergie. Ou pire, on craint parfois une sorte de trahison si le destinataire va « plus loin » avec l’information partagée que l’artiste original ne l’a fait lui-même. Il n’est pas vraiment surprenant que de nombreux artistes soient extrêmement protecteurs, car ils ont constamment l’impression qu’ils risquent d’être « dépassés ».

Voir quelqu’un réussir ne signifie pas que vous avez échoué.

En réalité, une carrière musicale n’est qu’une série de hauts et de bas, avec quelques pics et quelques plateaux. Vous ne pouvez pas y échapper, cela fait partie du jeu. Elle n’est jamais liée au succès des autres, c’est purement organique. Une carrière musicale est absolument bipolaire et extrêmement volatile. Ces conditions sont propices à des sentiments d’hypervigilance, d’anxiété et de dépression. Certaines personnes parviennent à atteindre un flux où les choses fonctionnent plus longtemps que d’autres — c’est relié à une bonne combinaison de réseaux solides, de talent naturel et d’une bonne dose de charisme. Parfois, le fait d’aider d’autres artistes peut en fait contribuer à améliorer la carrière d’un artiste.

Quels sont les avantages d’être inclusif et d’aider d’autres artistes?

Si pour beaucoup, cela peut sembler évident, vous seriez surpris de constater que pour beaucoup d’autres, l’idée de travailler avec d’autres personnes semble être une mauvaise idée ou une idée compromettante. Je ne suis pas du genre à juger l’opinion de qui que ce soit, car il y a en effet un grand risque auquel nous sommes d’abord confrontés : le vol et l’abus de connaissances. De nombreux artistes sont exploités par des maisons de disque, des promoteurs de clubs, Spotify ou d’autres géants du secteur de la musique, et même par d’autres artistes qui copient ou « volent » des contenus/idées. Le fait d’être inclusif risque-t-il d’accroître ce type de situations?

Être inclusif, ce n’est pas être naïf. C’est d’abord et avant tout essayer d’aider les autres, comme vous aimeriez être aidé lorsque vous en avez besoin.

En écrivant ce billet, la plupart d’entre nous sont en quarantaine et n’ont aucune idée de ce que seront les choses dans un avenir proche. Il est intéressant de noter que depuis 20 ans, je me suis habitué à être dans mon studio, isolé et à travailler à distance. J’ai fait d’innombrables collaborations en ligne et j’ai aussi dirigé des maisons de disque. Mais aujourd’hui, ce mode de vie est imposé à beaucoup de gens qui n’y sont pas habitués. Tout le monde ne peut pas se sentir à l’aise dans cette position, même les musiciens. Ces deux dernières semaines, j’ai encadré quelques groupes en ligne par l’intermédiaire de Zoom pour soutenir ma communauté. Des séances de trois heures avec plus de 30 participants m’ont fait comprendre que nous voulons tous tendre la main aux autres, et que notre vie est loin d’être un film dystopique dépeignant les révoltes et la violence. Je vois beaucoup plus de collaboration créative, de performances en ligne, des tonnes de divertissements, de cours et de personnes qui passent leur temps à aider des inconnus. Je veux que cela se produise également avec les musiciens.

Au cours d’une période d’inactivité prolongée comme celle que nous vivons actuellement, de nombreux institutions, clubs, festivals et artistes subiront des pertes. Je vois des gens qui organisent des campagnes de financement participatif, mais elles ne semblent pas avoir beaucoup de succès. L’argent n’est qu’un aspect du problème — ce n’est pas la véritable solution à cette situation. Là où nous aurons vraiment besoin d’aide, c’est dans l’entraide, le soutien aux musiciens et aux entreprises locales, et la suppression de cette activité qui consiste à agir comme une « diva de la musique » : nous devrions repenser notre façon de travailler.

J’aimerais vous présenter quelques façons d’agir envers les autres qui ont été mon mode de vie. Je ne me considère pas comme parfait, mais j’essaie de vivre selon ces maximes. Être inclusif est quelque chose d’essentiel dans ma vie quotidienne.

  1. Une chose que je fais souvent, car bien sûr je n’ai pas toujours le temps d’aider, c’est que j’apprends aux gens à résoudre leurs problèmes, à trouver des réponses par des recherches efficaces. Par exemple, YouTube a la solution à de nombreux problèmes et beaucoup de gens l’ignorent.
  2. Je donne à chacun une chance jusqu’à ce qu’il me prouve le contraire. Tout comme dans la vie, si quelqu’un vient me voir, semble amical et veut discuter, je prends généralement le temps de répondre. Je suis toujours intéressé par la possibilité de faire connaissance avec les autres avec le temps dont je dispose. La plupart du temps, les gens sont très amicaux. Ce qui est bien avec une présence en ligne, c’est que vous pouvez facilement prendre de la distance si les choses ne se passent pas bien. Mais j’aime donner une chance aux gens et ne serais jamais snob si je ne suis pas en présence d’un fort conflit de valeurs de vie (par exemple un comportement agressif, une incapacité à écouter, une consommation excessive de drogue ou tout ce qui peut mettre ma santé en danger).
  3. J’aime être un « yes-man ». Dans la plupart des cas, quoi que l’on me demande, je ferai de mon mieux pour dire oui et répondre. On m’a dit que je suis trop gentil et que les gens profitent de moi, mais il y a beaucoup de gens qui sont comme ça et c’est souvent plus énergisant que fatigant. Cependant, je trouve qu’il est essentiel d’avoir des limites solides.
  4. J’investis dans ceux qui investissent en moi. J’ai souvent couru après des gens que je trouvais cool, mais dont je ne recevais pas d’attention en retour. J’ai continué à essayer et j’ai fini par éprouver du ressentiment. Ce comportement appartient maintenant au passé pour moi, et je ne m’investis que dans les personnes qui me rendent de l’attention. Si j’envoie un courriel et qu’il n’y a pas de suivi, il se peut que j’en envoie un deuxième, mais je n’ai généralement pas d’attentes. Cela a permis de dissiper beaucoup de frustration envers les maisons de disque qui ne répondent pas ou envers d’autres artistes avec lesquels je voulais travailler et qui ne répondraient jamais. Je me concentre maintenant sur les personnes qui viennent me voir en premier lieu. Il y a beaucoup plus d’énergie.
  5. Écouter ce que les gens ont à dire m’apprend des choses chaque jour. Lorsque je fais du coaching en ligne, je passe du temps à écouter ce que les gens ont à dire. Il y a autant d’espace pour apprendre que pour enseigner. Je crois que tout le monde peut m’apprendre quelque chose parce que le monde de la musique est trop vaste pour prétendre tout connaître.
  6. Je crois que même si je suis confronté à ce qui semble être un échec, il y a quelque chose qui m’attend et qui me sera bénéfique. Parfois, j’ai eu l’impression que certains malheurs aient été vraiment durs pour moi personnellement ou pour ma carrière musicale. Il est vraiment impossible de prévoir ce qui nous attend, mais curieusement, quand il s’agit de l’avenir, personne n’a le contrôle ; la magie peut se produire dans le futur, d’une manière qu’il était impossible d’imaginer. Les histoires de vols manqués, d’événements annulés, d’albums piratés, etc. sont des choses que j’ai vécues et dont je pourrais parler, mais il y a toujours eu quelque chose de positif qui est ressorti de ces expériences. Je ne suis pas quelqu’un qui croit que la « pensée positive » peut tout régler dans des situations négatives, donc je préfère me recentrer et avoir confiance qu’il y a quelque chose à venir qui sera meilleur pour moi ou pour les autres.
  7. Le fait de toujours mettre les gens en contact et de partager des connexions crée du pouvoir. Je n’ai jamais gardé de contacts pour moi, mais c’est quelque chose que je vois souvent les gens faire. Je ne vois pas l’intérêt de séparer les gens. Si vous pouvez mettre les gens en contact et que quelque chose en découle, vous venez de créer un canal dont beaucoup de gens profiteront.
  8. Ne prenez jamais rien personnellement — tout est dit.
  9. Vous ne savez jamais qui vous aidera à l’avenir. Tant de fois, j’ai parlé avec des gens au hasard et des années plus tard, ces gens sont revenus vers moi avec quelque chose. Récemment, quelqu’un a réservé mes services pour un mix et m’a dit que je lui avais donné un CD en 2004!
  10. Être gentil est souvent plus payant à long terme. Je ne crois pas qu’être difficile paie d’une quelconque manière, et à long terme, les gens vous éviteront si vous êtes désagréable.
  11. Expliquer, c’est apprendre. C’est ma devise. Si vous pouvez apprendre un tour à quelqu’un, vous devez le connaître suffisamment pour l’expliquer. C’est pourquoi vous vous apprenez à le refaire vous-même. Souvent, si quelqu’un ne comprend pas, vous devez trouver d’autres moyens de l’expliquer, ce qui tend à vous aider à découvrir de nouvelles possibilités dans votre travail.

La double vie du musicien : gagner de l’argent grâce à la musique

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Je travaille avec des musiciens depuis un bon moment, et ce n’est un secret pour personne que faire de l’argent avec la musique seule est une entreprise énorme parce que nous savons tous que les sources de revenus sont difficiles à obtenir. Dans de nombreux cas, j’ai observé que les musiciens mènent une double vie difficile à gérer, et c’est souvent un aspect de la vie d’artiste qui peut être mal interprété par l’artiste lui-même.

Je vais commencer par mon propre parcours.

Aussi longtemps que je me souvienne, j’ai toujours été intéressé par tout ce qui touche à l’art. Au début des années 80, j’ai convaincu mon père de louer un appareil photo pour que je puisse réaliser mes propres films avec mes amis. Nous avons fait des films de cow-boys et plus tard, au lycée, j’étais vraiment intéressé par le théâtre. Quand j’étais à l’université, je devenais plus sérieux au sujet du théâtre, mais pour assurer mon avenir, j’ai décidé de me diriger vers les sciences sociales et la psychologie.

C’est le cas pour beaucoup de gens avec qui je travaille : ils mènent une double vie afin d’avoir un autre emploi parce que faire de la musique ne paiera pas les factures. Je vois souvent des gens qui croient que parce qu’ils font de la musique, ils devraient pouvoir en vivre automatiquement, mais il faut beaucoup, beaucoup de temps pour parvenir à vivre de la musique. Je trouve que si vous voulez vivre de la musique, il vaut mieux ne pas le faire à plein temps dans un premier temps. Il y a de nombreux avantages à éviter la musique en tant que travail à temps plein, même si cela peut être votre rêve. Laissez-moi développer :

Vous pouvez atteindre un burnout créatif. C’est quelque chose que j’ai abordé dans un article précédent et cela devient un problème quand on fait de la musique à temps plein. Si la musique est vraiment importante et amusante pour vous, la transformer en emploi changera complètement votre façon de l’aborder. Vous devrez mettre de côté une bonne partie de votre créativité pour trouver des moyens de la monétiser, et puis retour à la case départ puisque vous ne ferez pas de la musique à plein temps. J’ai compris une chose quand j’ai franchi ce cap, pour la quantité de musique que vous devez faire pour rassembler assez d’argent pour gagner votre vie, vous devez non seulement en faire des tonnes, mais vous devrez aussi vous réinventer chaque année. Si vous ne voulez pas saturer votre marché, il est recommandé de ne pas faire plus de 3 releases par an. Alors, oui, vous avez besoin de mixer ou de jouer, et puis, encore une fois, vous passerez du temps à vous occuper de tous les aspects commerciaux de cela, en plus de faire face à un marché de la musique live très compétitif.

ASTUCE : Vivre de la musique à plein temps est possible si vous avez une base très solide et économisé de l’argent au préalable.

Vous avez besoin d’argent pour votre studio. Ce n’est pas un secret, la musique électronique est probablement la musique la plus chère à créer. La technologie ne cesse d’évoluer, de même que le son, et les ordinateurs vieillissent rapidement, de sorte que vous devrez vous permettre un budget de recherche et d’investissement constant. Si vous comptez sur un logiciel piraté pour vous fournir cette solution, vous devrez probablement faire face à la perte de vos productions à un moment donné parce que quelque chose ne va pas.

Certaines des meilleures idées ne viennent pas en studio. Combien de fois avez-vous lavé la vaisselle ou fait une promenade, et avez eu une idée géniale pour une chanson ? Prendre de la distance par rapport à ce que vous faites est l’une des meilleures façons de voir votre bateau sous un angle différent. Dans mon article sur la production non linéaire, j’ai suggéré de prendre de nombreuses pauses et jours de congé. Travailler sur d’autres choses (comme un blog), donne à mon cerveau une pause pour se régénérer et trouver de nouvelles idées pour faire de nouvelles chansons.

Convertissez vos autres capacités en quelque chose de créatif. Chaque compétence latérale que vous avez peut être utilisée en relation avec votre musique ou votre passe-temps artistique. C’est une chose que j’aborde dans le coaching, où je vois comment une personne peut combiner des compétences musicales et non musicales. Par exemple, quelqu’un de la finance peut aider d’autres musiciens à faire des budgets ou à trouver des moyens qu’ils ignorent pour générer des revenus financiers. Tout ce que vous avez à faire est de voir où vous pouvez contribuer à votre communauté et de vous entourer d’autres artistes — une bonne façon de vous immerger dans le monde de la musique.

Ce qu’il est important de comprendre, c’est combien d’artistes ont le sentiment d’être au « mauvais endroit » lorsqu’ils ne sont pas en studio pour travailler sur la musique. Certaines des personnes que j’ai côtoyées travaillaient dans des écoles, dans l’informatique, la restauration, le design, l’architecture, le réseautage ou l’écriture, pour n’en nommer que quelques-uns. Le domaine où vos compétences professionnelles plus traditionnelles se chevauchent avec la musique est un excellent endroit pour commencer à réfléchir à la façon dont vous pouvez faire de l’argent avec la musique.

Objectifs musicaux : Se fixer des repères au lieu d’objectifs

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Vous entendez souvent parler d’établir des objectifs musicaux pour maintenir votre motivation et vous diriger dans la bonne direction. J’ai déjà discuté des meilleures façons de se fixer des objectifs et de les atteindre, mais au fil du temps, je ne sais pas si l’établissement d’objectifs est encore la façon la plus efficace de progresser.

Cependant, certains objectifs de votre liste peuvent encore être pertinents, cela dépend de la façon dont vous les fixez. Par exemple, chaque fois que j’ai des gens en coaching, nous discutons du fait que l’établissement d’objectifs devrait se faire de manière à pouvoir quantifier le succès de votre travail. Par exemple, les gens essaient souvent de se fixer comme objectif de « devenir un artiste connu », ce qui, d’une certaine manière, n’a aucun sens par rapport à « finir un album ». Le problème avec le premier objectif implique deux choses importantes :

  • Vous ne pouvez pas contrôler votre cercle d’influence. Que signifie exactement « devenir un artiste connu » ? Est-ce apparaitre dans les charts ou plutôt que 1000 personnes aient vos morceaux sur leurs playlists Spotify ? Vous ne pouvez pas contrôler cela du tout et le fait d’être vague dans vos objectifs vous mènera à l’échec.
  • Devenir un artiste connu peut se produire ou non. Si c’est le cas, vous n’êtes peut-être même pas au courant de votre réputation et certaines personnes pensent qu’elles sont connues, alors que ce n’est pas le cas (par exemple, acheter des « likes » sur Facebook ne veut rien dire).

Dans le deuxième objectif « finir un album », vous avez le contrôle total de ce but — vous pouvez clairement « définir de ce qui est fait ». Si cette définition est atteinte, alors vous avez terminé, et le but a été atteint. Travailler de cette façon peut être utile, mais je vous recommande fortement de fixer une date limite à votre objectif.

Il y a maintenant une autre alternative à l’établissement d’objectifs, que, faute d’une meilleure terminologie, je définirai comme l’établissement de repères (signposts). Par exemple, les panneaux de signalisation sont des repères que vous voyez lorsque vous conduisez et qui vous aident à connaître la direction à suivre, à vous amener là où vous voulez, et aussi à vous guider de façon fiable lorsque vous êtes perdu. J’aime bien le terme en français de « repères » — mais « signpost » en anglais garde une dimension importante reliée aux lieux physiques.

Qu’est-ce qu’un repère dans votre voyage musical ??

Il s’agit de quelque chose sur lequel vous pouvez compter, comme une communauté dont vous voulez faire partie, ou un son spécifique dans lequel vous voulez plonger à 100 %. Je vais vous donner les meilleurs exemples de la façon dont j’ai appliqué l’approche communautaire dans ma vie et pourquoi je m’en inspire parallèlement au type d’établissement d’objectifs que nous avons décrit ci-dessus.

À Montréal, à la fin des années 90, nous avons eu la chance d’avoir un noyau solide de gens et de producteurs qui se sont rassemblés autour du festival MUTEK, ce qui était notre communauté, mais aussi une sorte de repère : une direction. C’était un endroit où nous pouvions jouer la musique que nous apprécions tous (arrangés selon nos goûts personnels) et où nous pouvions aussi discuter de la production musicale. Donc, à l’époque, un de mes objectifs était de jouer à MUTEK, mais en même temps, c’est cette communauté qui nous dictait le son que nous devions avoir pour l’atteindre.

Un autre repère (ou signpost) était une sorte de « cible » musicale que j’ai fixée par l’intermédiaire de Ricardo Villalobos. J’étudiais sa musique, ses sets, et la question récurrente que je me posais était : « Est-ce qu’il va jouer un de mes morceaux ? » Il n’y avait pas vraiment d’autres objectifs derrière que de le voir jouer ma musique, mais c’était plutôt un point de référence sur la façon dont ma musique pouvait être faite ou adaptée.

Je fais souvent du mix/mastering pour des artistes/labels ou du coaching, et une chose que je vois souvent, c’est que les gens sont un peu perdus pour déterminer à qui s’adresse leur musique. Qui voulez-vous atteindre exactement ? Qui vous inspire ? Quelle communauté vous soutiendrait et vous encouragerait ? C’est le type de question à considérer sérieusement, car je travaille souvent avec des gens qui sont loin de la communauté physique dont ils aimeraient faire partie et qui dépendent fortement d’Internet pour être en contact. Par exemple, je pense à des gars d’Amérique du Sud qui aiment les artistes roumains — c’est une sacrée distance !

Dans plusieurs articles précédents, j’ai parlé de l’importance du réseautage. Voici quelques façons de vous aider à trouver vos propres repères :

  • Localement. Y a-t-il un club, une salle ou un promoteur qui book et joue la musique que vous aimez ? Où se trouve l’endroit le plus proche de vous qui pourrait être votre référence locale ? C’est très important, car vous pouvez rencontrer des gens qui ont les mêmes goûts que vous. C’est peut-être un festival auquel vous pouvez assister dans une autre ville, comme MUTEK (cela me rappelle une énorme communauté du Colorado qui avait l’habitude de venir à MUTEK par groupe de 20 personnes ! Ils ont forgé des liens lors de leurs voyages).
  • En ligne. Je trouve qu’il est important de trouver un crew qui fait de bons podcasts, des DJ sets, ou de la musique qui vous donne la chair de poule. Un piège serait cependant de viser trop haut, des artistes renommés ou des organisations (ex. Time Warp en Allemagne) si grandes qu’en devenir partie intégrante peut vite devenir un casse-tête. Il existe de nombreux festivals plus petits qui ont le même genre de musique, mais à plus petite échelle, vous pouvez grandir avec eux. Cela dit, essayez de réduire l’échelle, ou suivez les plus grands noms, mais essayez de connecter avec les autres, plus petits, qui aiment la même musique et qui sont aussi en train de percer.
  • Esthétique, genre, humeur, direction. . Essayez de trouver des artistes que vous aimez qui émergent et qui ont l’air stable et sérieux à propos de leur métier. Vous n’avez pas besoin de les contacter ; il s’agit plutôt de suivre leur production et de les soutenir. Soyez un fan, quelqu’un qui encourage et donne, sans rien attendre en retour. Nourrir les gens qui vous inspirent est aussi une bonne façon d’investir en vous-même. J’ai soutenu et encouragé des artistes qui ont commencé à bien marcher, mais qui ont ensuite disparu. C’est une déception, et parfois je me demande ce que j’aurais pu faire d’autre pour aider. Voir quelqu’un que vous aimez performer est une grande motivation pour votre propre art !

J’adorerais entendre ce que vous considérez comme étant vos propres repères !