Intégrité artistique et théorie musicale

La semaine dernière, lors d’une de nos séances de coaching en ligne, nous avons discuté de l’importance de la théorie musicale. En décrivant mes propres opinions sur son importance, j’aimerais souligner les différentes étapes de découverte de la musique que j’ai traversées au cours de ma vie. Dans cet article, je développerai également certaines de mes réflexions sur l’état actuel de la musique.

Il est difficile d’identifier la première fois où j’ai entendu de la musique électronique, mais c’était probablement dans les années 70 et, évidemment, j’en suis tombé amoureux. Il y avait toute une tendance de science-fiction à l’époque, et tout ce qui touchait à la science-fiction était caractérisé par de la musique électronique. À l’époque, dans un océan de pop et de rock, la musique électronique était la plus étrange, elle n’avait pas son pareil. Elle avait ses propres règles, et alors que certaines personnes faisaient des reprises électroniques de chansons connues (que j’ai toujours détestées profondément), j’avais un intérêt prononcé pour la musique originale.

Au début des années 80, j’étais vraiment dans le breakdance et les débuts du hip-hop électronique ou de l’électro, qui faisaient fureur. L’utilisation des 808 était courante, et pour moi, ça a également été le coup de foudre. Ce que j’ai découvert plus tard, c’est le lien étroit entre les débuts du hip-hop et le jazz. Récemment, j’ai regardé un documentaire de Blue Note qui retrace les racines du hip-hop et du jazz, ce qui était très rafraîchissant.

Ce qui est inspirant dans ce documentaire, c’est la façon dont ce label, à ses débuts, essayait vraiment de donner aux artistes une chance de partager une vision très personnelle de la musique, sans se soucier des tendances ou des ventes. Ce qui est surprenant dans ce film, c’est que, pour la plupart, les artistes et les propriétaires de label parlent de ce qu’ils font en se plaçant sur le même plan que les musiciens électroniques à propos de leurs propres créations.

Ce type de vision a toujours fait écho en moi ; ce qui rend un artiste sain, c’est de s’efforcer d’être personnel avant tout. Si cela vous paraît évident, je suis sûr que vous savez aussi que ce n’est pas le cas pour beaucoup d’autres qui pourraient lire ce billet. C’est pourquoi je suis devenu un ami proche de Bryan, avec qui je fais du jazz. Il joue du saxophone depuis plus de 45 ans dans toutes sortes de contextes. Quand il s’agit d’apprendre la musique, de connaître les règles de progression des accords et des choses comme le cercle de quintes, il est probablement la meilleure personne avec qui discuter.

Nous avons eu une discussion sur ces soi-disant « règles » une fois. Son point de vue était très clair : le fait de connaître moins de règles pourrait en fait vous permettre d’être plus ouvert à l’innovation plutôt que de penser que certaines choses ne devraient pas être faites. Je peux comprendre cela, car lorsque j’entends parler de « règles d’ingénierie », j’ai souvent l’impression de m’empêcher de faire certaines choses en y adhérant. Bryan ne souhaite pas me guider en ce qui concerne les mélodies. « Il faut casser les schémas, mec! », dira-t-il, en parlant parfois de la façon dont ça marche dans le free jazz.

« Les règles de la musique ont pris des proportions démesurées dans les années 80, lorsque les musiciens ont compris qu’ils pouvaient gagner beaucoup d’argent s’ils connaissaient les ficelles du métier. À l’époque, tout le monde était plus intéressé par la répétition de recettes connues que par la création de quelque chose de personnel », dit-il. Nous avons discuté de la manière dont les élitistes de la musique ont élaboré des règles sérieuses pour limiter la pratique de la musique aux personnes riches qui pouvaient se permettre de suivre des cours de musique, ce qui a eu pour effet de la rendre moins accessible aux pauvres. Le dialogue autour de la théorie musicale a traditionnellement été à la baisse, des classes supérieures vers les classes inférieures — une communication à sens unique.

Le jazz a rendu la musique plus ouverte et plus accessible. Les débuts de l’époque des raves avaient une éthique similaire (vers 1987-1992), où la musique et la scène étaient vraiment axées sur l’inclusion et sur un grand F-you à l’industrie de la musique. Il y avait alors beaucoup de tension entre la musique électronique et les autres genres. La musique électronique était souvent mal comprise, raillée et dénigrée, probablement parce qu’elle était tout le contraire en termes de valeurs et de modes de vie.

Du début des années 90 jusqu’à environ 2010, l’une des valeurs les plus importantes dans la plupart des branches de la musique électronique était le sens de la nouveauté. À l’époque de mes premières raves, nous nous attendions à être défiés musicalement. Nous voulions entendre de la musique que nous n’avions jamais entendue auparavant, et nous voulions même être désorientés. Les DJ faisaient un énorme mélange de différents styles, et le beat-matching n’était pas aussi important qu’il semble l’être aujourd’hui. C’est devenu de plus en plus organisé et les DJ les plus populaires sont devenus les plus structurés, et finalement les DJ ont commencé à jouer des sets d’un seul genre. Un genre émergeait, restait pendant un certain temps, puis devenait « mauvais » jusqu’à ce qu’un autre l’usurpe en s’effaçant dans le passé. Cette progression a fait de nombreuses victimes : Trance, Techno, House, Drum and Bass, etc. C’était assez différent d’aujourd’hui où il y a de la place pour tout et où ce sont les artistes qui vont et viennent à la place des genres. Peut-être qu’ils ne « vont » jamais vraiment, mais l’attention des médias se déplace souvent vers d’autres artistes du même genre qui sont légèrement « différent ».

Mais revenons à la théorie musicale et aux progressions d’accords académiques.

Souvent, les gens font des mélodies basées sur un concept ou une règle qu’ils ont en tête, ou sur quelque chose qu’ils ont déjà entendu. Une chose que les gens me disent souvent, c’est que lorsqu’ils lisent sur la théorie musicale et qu’ils essaient ensuite de l’appliquer dans leur propre travail, ils ont l’air ringards ou trop pop. La question est donc de savoir s’il existe un moyen de connaître les règles concernant les mélodies et de faire quelque chose qui sonne bien.

C’est une question à laquelle il est un peu difficile de répondre.

Soit vous comprenez d’abord les tonalités associées à un genre et vous essayez ensuite de les réinterpréter à votre manière, soit vous ne le faites pas. Mais pour moi, cela soulève des questions concernant l’intégrité artistique — peut-être voulez-vous travailler dans un genre tout en créant un fort sentiment d’originalité. Est-ce possible?

Eh bien, si vous choisissez un genre qui vous parle vraiment et dans lequel vous voulez travailler fortement, c’est une certaine décision que vous prenez sur qui vous êtes en tant qu’artiste. Mais à mon avis, la qualité du vocabulaire que l’on peut développer dans la musique électronique vient d’abord et avant tout de la compréhension du sound design.

Cela dit, la compréhension de la théorie musicale est d’une grande aide pour comprendre comment jouer une note particulière. Il existe de nombreux outils pour vous aider à améliorer vos connaissances tonales et théoriques. En voici quelques-uns :

• Instascale: Je ne connais pas encore celui-ci, mais j’ai entendu de bonnes choses.
• Scaler: Pour vous aider à comprendre les progressions d’accords en vous proposant ce qui pourrait suivre votre mélodie, en fonction d’un genre.
• Melodyne: un des plug-ins les plus utilisés pour la correction de hauteur.
• Captain Plugins: La suite complète vous donne accès à des outils qui facilitent la création de mélodies, la détection de la hauteur, la création de basses et peuvent faire une énorme différence dans la création de structures musicales.

Une chose que je fais souvent, c’est travailler avec mes pistes de référence en utilisant un plug-in de détection de pitch (Mixed in Key, studio edition) et je m’en sers comme point de départ. Ensuite, si vous voulez générer un point de départ différent, j’utiliserais Rozzer (patch Max for Live gratuit) qui génère un motif aléatoire. Cela m’aide généralement à trouver un motif pour une chanson. Andrew a également quelques bonnes suggestions :

Une chose qui m’aide beaucoup pour faire des mélodies est de travailler avec ce qui est proposé au lieu d’essayer de trop contrôler la production. Si vous commencez à travailler avec une mélodie attendue dans votre tête, vous risquez de passer des heures à essayer de la recréer et elle finira par sonner mal. Vous devez en quelque sorte trouver la bonne mélodie pour le bon son. C’est là qu’il est facile de descendre dans le terrier du lapin blanc.

C’est pourquoi, si vous travaillez avec ce que vous avez et que vous essayez d’en tirer le meilleur parti, vous risquez de vous retrouver avec quelque chose de plus original. J’enregistre beaucoup d’idées en MIDI et j’y reviens généralement en essayant une grande série de presets jusqu’à ce que je trouve ce qui me semble correspondre parfaitement, puis je modifie les sons (c’est là que les connaissances en matière de conception sonore sont utiles).

Dans ce blogue, je parle souvent de rester aussi ouvert d’esprit que possible et de lâcher prise sur le contrôle. La notion de contrôle sur ce que l’on fait vient avec la pratique. Il en va de même pour la compréhension de la théorie musicale. Vous devez faire beaucoup de projets et de chansons pour devenir plus fluide et plus compréhensif dans ce que vous faites. Mais pour y parvenir, il faut d’abord vraiment lâcher prise!