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Formes de LFO : Un guide de modulation du son avec différentes formes d’ondes

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Êtes-vous arrivé au point où vous avez joué avec de nombreux échantillons (samples) et où vous avez envie de les retoucher un peu pour leur donner du caractère?

Comme vous le savez, j’enseigne la production musicale et le « niveau 1 » de la production musicale consiste à jouer avec des échantillons, des boucles et à les transformer en chansons. Une fois que vous aurez acquis une certaine aisance, vous pourrez commencer à peaufiner ces échantillons. Mais par où commencer?

Le principal problème des échantillons est qu’ils sont… morts. Par mort, je veux dire qu’ils sont statiques parce qu’ils ont été enregistrés et que s’ils sont joués en boucle, il n’y aura aucune variation, aucun changement. Sur le plan musical, cette répétition peut être difficile à écouter, car le cerveau s’agace d’une idée qu’il a comprise parce qu’il s’attend à ce qu’elle change. Pour les personnes souffrant de TDAH, cela peut même être une torture et comme beaucoup de musiciens souffrent de cette maladie, on peut s’attendre à ce qu’ils veuillent que quelque chose se passe.

 

« Je crains que l’auditeur s’ennuie avec ma chanson » est un obstacle que j’entends souvent lorsque je forme des gens.

 

La réponse à cette question est de se plonger dans la conception sonore (sound design). L’un des principaux points est d’apprendre à entendre les changements dans le son, car c’est le mouvement qui fait qu’un son évolue constamment. Il existe deux grands types de mouvements : ceux qui sont synchronisés avec un tempo et ceux qui ne le sont pas.

 

En ce qui concerne la manière d’apporter du mouvement à votre musique, parlons d’un outil dont j’abuse et dont je ne pourrais pas me passer : les oscillateurs à basse fréquence (Low Frequency Oscillators, LFO)..

 

Pourquoi les utiliser?

Un oscillateur à basse fréquence (LFO) est un composant fondamental dans le domaine de la synthèse audio et de la modulation sonore. Fonctionnant à des fréquences inférieures à la gamme des sons audibles, un LFO génère des formes d’ondes qui servent de signaux de contrôle plutôt que de sources sonores proprement dites. Ces formes d’onde (sinusoïdales, triangulaires, carrées, en dents de scie et aléatoires) fluctuent de manière répétitive et influencent divers paramètres du son, notamment la hauteur, l’amplitude et le timbre. En conférant des changements rythmiques ou cycliques à ces paramètres, les LFOs insufflent de la vie aux sons statiques, leur apportant du mouvement, de la texture et de la complexité. Largement utilisés dans la production de musique électronique et la conception sonore, les LFO sont des outils essentiels pour façonner les paysages sonores, ajouter de la dynamique et créer des motifs évolutifs qui captivent l’oreille de l’auditeur.

Lorsque vous écrivez vos idées/mélodies, vous pouvez dessiner votre automation pour plus de précision, mais l’idée d’utiliser des LFO est de déléguer certains mouvements à la machine. Les mouvements rapides apporteront des textures, tandis que les mouvements lents brouilleront les frontières entre le début et la fin de la modulation. Les mouvements avec une vitesse moyenne permettent de repérer les changements au niveau de l’oreille.

LFO

Dans cet article de blogue, nous allons nous plonger dans le monde des formes de LFO et leur influence sur le design sonore. Nous explorerons les caractéristiques de différentes formes d’ondes de LFO et la façon dont elles sonnent lorsqu’elles sont utilisées pour moduler un filtre, à la fois dans des scénarios de modulation rapide et lente. À la fin de ce guide, vous comprendrez mieux comment utiliser des formes de LFO spécifiques pour obtenir les effets sonores souhaités.

Utilisations du mouvement :

 

1. Onde sinusoïdale : Douce et subtile

L’onde sinusoïdale est la forme d’onde la plus simple et la plus fondamentale, produisant une oscillation douce et graduelle. Lorsqu’elle est appliquée pour moduler un filtre, une onde sinusoïdale peut créer des changements doux et subtils dans le son. Avec un taux de modulation lent, il confère au son une qualité apaisante, proche de la respiration. À mesure que le taux de modulation augmente, le son devient plus prononcé, ajoutant une sensation de mouvement sans être trop agressif.

 

Les mouvements sinusoïdaux sont également les plus proches de la nature.

  • Onde sinusoïdale : L’essence de la douceur

L’onde sinusoïdale est une forme d’onde fondamentale qui ressemble beaucoup aux oscillations naturelles que l’on trouve dans divers phénomènes, du mouvement des pendules aux ondes sonores. Ses pics et ses creux lisses et arrondis reproduisent le comportement de nombreux processus naturels, ce qui lui confère une élégance organique.

  • Contenu harmonique et complexité :

L’onde sinusoïdale a le contenu harmonique le plus simple de toutes les formes d’onde. Il s’agit d’une fréquence unique sans harmoniques supplémentaires. Ce manque de complexité contribue à sa qualité naturellement apaisante et douce. Lorsque l’onde sinusoïdale est utilisée comme forme de LFO pour moduler un filtre, elle confère au son un mouvement progressif, presque continu. Cette caractéristique s’apparente aux changements subtils de la nature, tels que le doux flux et reflux des vagues ou les changements progressifs de la configuration du vent.

  • Emulation de phénomènes naturels :

De nombreux sons naturels, tels que le gazouillis des oiseaux, le bruissement des feuilles et même les vocalisations humaines, présentent un certain niveau de douceur et de continuité dans leurs vibrations. En utilisant une forme de LFO à onde sinusoïdale, vous imitez essentiellement ces modèles de mouvement naturels. Les sons synthétisés semblent ainsi plus en phase avec l’environnement, ajoutant une touche organique qu’il est souvent difficile d’obtenir avec des formes d’onde plus complexes.

  • Dynamiques subtiles :

La modulation lente et graduelle offerte par un LFO à onde sinusoïdale peut être comparée à la subtilité des changements de la nature. Pensez à la façon dont le lever et le coucher du soleil ou les changements de saison entraînent des transformations qui sont douces mais perceptibles au fil du temps. De même, l’utilisation d’un LFO à onde sinusoïdale peut introduire une dynamique subtile dans vos paysages sonores, créant une impression d’environnements évolutifs qui sont familiers et apaisants pour l’oreille.

  • Esthétique organique :

Lors de la création de musique ou de paysages sonores, une esthétique organique peut être particulièrement attrayante. Elle résonne avec les auditeurs à un niveau subconscient, invoquant un sentiment de calme et de confort. En utilisant les qualités sonores naturelles d’un oscillateur sinusoïdal comme forme de LFO, vous conférez à vos compositions un élément d’authenticité qui peut renforcer leur impact émotionnel.

La douceur innée, la simplicité harmonique et la ressemblance avec les phénomènes naturels font de l’onde sinusoïdale un outil puissant pour créer des modulations organiques et naturelles. En incorporant des LFO en forme d’onde sinusoïdale dans votre conception sonore, vous puisez dans l’essence de la subtilité et de la fluidité de la nature, ce qui confère à vos compositions une qualité plus authentique et une résonance plus émotionnelle. La musique électronique étant souvent froide et très artificielle, l’inclusion de quelque chose de plus organique peut constituer un contraste agréable.

 

2. Onde triangulaire : Équilibrée et polyvalente

L’onde triangulaire combine la douceur de l’onde sinusoïdale avec des contours plus définis. Cette forme d’onde est souvent utilisée pour obtenir un effet de modulation équilibré. Lorsque l’on module un filtre avec une onde triangulaire, on obtient un son qui évolue progressivement entre ses points les plus hauts et les plus bas. À faible vitesse, elle crée des textures évolutives et, à vitesse élevée, elle confère une qualité rythmique sans être trop brusque.

 

3. Onde en dents de scie : Construction et dynamique

L’onde en dents de scie a un bord ascendant abrupt et un bord descendant doux. Lorsqu’elle est utilisée pour moduler un filtre, elle produit un effet de construction et de dynamique. À des taux de modulation lents, l’onde en dents de scie peut créer un effet de balayage, ouvrant et fermant progressivement le filtre. Lorsque le taux de modulation augmente, elle génère un mouvement agressif et percutant, idéal pour créer des transitions dramatiques ou faire évoluer les textures.

 

4. Onde carrée : Intensité On-Off

L’onde carrée alterne entre deux niveaux, créant un effet de pulsation on-off. Lorsqu’elle est appliquée à la modulation du filtre, elle introduit une qualité rythmique distincte dans le son. À faible vitesse, elle produit un effet de gate, avec un fondu on-off. Au fur et à mesure que le taux de modulation augmente, l’onde carrée génère un rythme pulsé clair, qui permet d’ajouter une complexité rythmique au son.

Comme toute forme de LFO, vous pouvez jouer avec la profondeur de sa sortie (output depth). Si vous maintenez une faible profondeur pour une forme carrée, vous obtiendrez une belle variation, mais en deux étapes.

 

5. Ondes aléatoires/bruits : Chaotiques et expérimentales

La forme d’onde aléatoire ou bruit introduit un élément de chaos et d’imprévisibilité dans la modulation. Lorsque l’on module un filtre, cela crée un sentiment d’aléatoire et de texture. À des rythmes plus lents, ces ondes peuvent ajouter une subtile couche de complexité au son, en imitant les variations naturelles. À des vitesses plus élevées, elles produisent un effet glitchy et expérimental, ce qui les rend parfaites pour créer des paysages sonores uniques.

Je recommande l’utilisation d’onde aléatoire pour les sons que vous ne voulez jamais voir identiques deux fois, comme la vélocité d’un son, la longueur d’une percussion, la tonalité d’un pad. C’est très utile pour ajouter des variations, lentes ou rapides.

ASTUCE : Utilisez l’option Smooth pour obtenir des changements moins brusques.

 

6. Sortie binaire : Langage informatique

Lorsque j’ai mis à jour mes connaissances en septembre 2021, la forme « Binary » (Binaire) d’Ableton Live pouvait faire référence à un dispositif, une fonctionnalité ou un concept spécifique introduit après cette date. Cependant, si nous discutons d’une fonctionnalité liée aux opérations ou à la manipulation binaires, voici une explication générale de la manière dont les opérations binaires peuvent être utilisées dans un contexte de production musicale :

1. Opérations binaires :

Les opérations binaires impliquent la manipulation de données binaires, qui consistent en des séquences de 1 et de 0. Dans les logiciels de production musicale comme Ableton Live, les opérations binaires peuvent être utilisées pour générer des motifs rythmiques, créer des variations et ajouter de la complexité à votre musique. Elles peuvent être particulièrement utiles pour créer des rythmes glitchy, syncopés ou expérimentaux.

2. Step Sequencers et rythmes binaires :

Les séquenceurs pas à pas (step sequencers) sont couramment utilisés pour créer des motifs de notes ou d’événements dans le temps. Dans le contexte de la production musicale, un séquenceur binaire peut vous permettre d’activer ou de désactiver des pas, créant ainsi un motif binaire. Chaque pas représente un chiffre binaire (1 ou 0), qui correspond à une note ou à un événement actif ou inactif.

Par exemple, si vous avez un schéma binaire de « 101010 », il peut se traduire par un rythme répétitif de long-court-long-court-long-court dans un contexte musical. Cela peut être un excellent moyen de générer des rythmes intéressants et irréguliers qui s’écartent des motifs quantifiés traditionnels.

3. Création d’effets de glitch :

La manipulation binaire peut également être utilisée pour créer des effets de glitch. En activant et désactivant certains paramètres, vous pouvez introduire des variations inattendues et imprévisibles dans vos sons. Ceci est particulièrement utile pour les genres tels que le glitch, l’IDM et la musique électronique expérimentale.

4. Conception sonore :

L’intégration de motifs binaires dans votre conception sonore peut donner lieu à des textures et des timbres uniques. Vous pouvez utiliser des motifs binaires pour moduler divers paramètres de vos synthétiseurs et effets, produisant ainsi des sons évolutifs et dynamiques.

5. Automation et contrôle :

Si Ableton Live a lancé une fonction nommée « Binary », elle pourrait également impliquer l’automation binaire, où vous pouvez utiliser des motifs binaires pour automatiser divers paramètres dans votre projet. Cela pourrait ajouter une couche de complexité et de mouvement à votre musique au fil du temps.

Mes connaissances étant basées sur les renseignements disponibles en date de septembre 2021, je recommande de consulter la documentation officielle, les guides d’utilisation ou les ressources en ligne d’Ableton Live pour obtenir les renseignements les plus récents et les plus exacts sur la fonctionnalité « Binary » d’Ableton Live. Vous y trouverez des instructions pas à pas sur la manière de l’utiliser efficacement dans votre flux de production musicale.

 

CONSEIL : Pour mieux comprendre comment une modulation affecte le son, associez le LFO à un Utility afin d’entendre la modulation d’amplitude (volume), qui est plus facile à entendre car elle est très évidente.

 

 

LFO modulé par un LFO

Le concept consistant à utiliser un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO est une technique amusante qui permet d’obtenir des motifs de modulation complexes et non linéaires. Voyons comment cela fonctionne et pourquoi cela conduit à des résultats non linéaires :

 

Principes de base de la modulation LFO :

Les oscillateurs à basse fréquence (LFO) sont généralement utilisés pour moduler des paramètres tels que la hauteur, l’amplitude, la coupure du filtre, etc. Ils génèrent des formes d’ondes à des fréquences inférieures à celles du son audible, ce qui entraîne une modulation dans le temps. Ces formes d’onde comprennent les ondes sinusoïdales, triangulaires, en dents de scie, carrées et aléatoires, chacune ayant des caractéristiques uniques.

Modulation de la vitesse du LFO :

Lorsque vous utilisez un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO, vous introduisez une couche de complexité dans le processus de modulation. Au lieu d’affecter directement le paramètre sonore lui-même, vous modifiez la vitesse à laquelle un autre LFO oscille. Cela signifie que le taux de variation de la modulation devient variable et dynamique.

Avez-vous déjà entendu le bruit d’une balle qui rebondit? Cette technique permet d’atteindre cet objectif.

 

Effets non linéaires :

La clé pour comprendre les effets non linéaires réside dans la manière dont les taux de modulation interagissent. Lorsqu’un LFO module la vitesse d’un autre LFO, le motif de modulation résultant devient complexe et moins prévisible qu’une simple modulation linéaire.

Considérons le scénario suivant : Supposons qu’un LFO (LFO1) module la vitesse d’un second LFO (LFO2). Lorsque le LFO1 varie sa vitesse, il introduit des fluctuations dans la vitesse à laquelle le LFO2 module le paramètre cible. Il en résulte une interaction complexe des vitesses de modulation qui peut conduire à des résultats inattendus et non linéaires.

Par exemple, si le LFO1 oscille entre des vitesses rapides et lentes, la modulation du LFO2 s’accélère et se ralentit en conséquence, ce qui entraîne des modèles de modulation irréguliers et évolutifs. Ces irrégularités créent un sentiment d’imprévisibilité et de complexité dans la modulation, ce qui peut ajouter une saveur unique et expérimentale à votre conception sonore.

Applications :

  • Texture et mouvement : La modulation de la vitesse d’un LFO avec un autre LFO peut ajouter des couches de texture et de mouvement à vos paysages sonores. Le changement constant des taux de modulation permet de créer des textures sonores complexes qui évoluent avec le temps.
  • Rythmes dynamiques : La modulation non linéaire introduite par cette technique peut donner lieu à des rythmes dynamiques et évolutifs. C’est un excellent moyen d’injecter de la complexité rythmique dans votre musique, idéal pour les genres tels que l’IDM, l’ambient et la musique expérimentale.
  • Conception sonore expérimentale : Si vous souhaitez obtenir des sons expérimentaux ou d’un autre monde, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO peut conduire à des résultats non conventionnels et imprévisibles qui peuvent faire sortir votre conception sonore du lot.

En résumé, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO introduit une couche de complexité et d’imprévisibilité dans vos schémas de modulation. Cette technique permet d’obtenir des résultats non linéaires riches en textures, en mouvements et en rythmes dynamiques. C’est un outil puissant pour les concepteurs sonores qui cherchent à repousser les limites de la modulation conventionnelle et à créer des paysages sonores uniques.

ASTUCE : Le nombre de LFO à utiliser dans un projet n’est pas important. Mais vous obtiendrez plus de cohésion si vous utilisez quelques « LFO maîtres » qui contrôlent plusieurs paramètres dans le morceau, car ils déplaceront tous les éléments ensemble, créant ainsi un effet orchestral.

 

Les LFO comme mélodies et outils de composition

 

Il est certain que les LFO combinés à un module sample and hold dans le monde des synthétiseurs modulaires peuvent produire des mélodies intrigantes et uniques. Le type de forme d’onde LFO utilisé en conjonction avec le module de sample and hold influence directement le caractère des mélodies générées.

Si vous regardez une mélodie sur le piano roll, vous verrez que les notes montent et descendent, ou montent puis descendent. Ce sont les formes que peut prendre un LFO.

Comment le paramétrer?

Envoyez la sortie du LFO vers un Sample and hold. Il est possible d’appuyer sur le sample & hold au moment où l’on souhaite qu’une note soit jouée. Le sample and hold examine les données envoyées par le LFO au moment où il a été sollicité, puis émet la note qui peut être envoyée à un oscillateur.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voyons comment différentes formes de LFO contribuent à des types de mélodies spécifiques :

1. LFO en dents de scie : Mélodies ascendantes progressives

L’utilisation d’un LFO en dents de scie avec un module Sample and Hold permet de créer des mélodies qui montent progressivement. Lorsque le LFO en dents de scie monte en puissance, il déclenche le sample and hold pour capturer et maintenir la tension à des points spécifiques. La mélodie qui en résulte a un caractère ascendant, en escalier, chaque note étant légèrement plus haute que la précédente. Cette combinaison est bien adaptée pour créer de l’anticipation et de la tension dans une composition.

 

2. LFO carré : Motifs progressifs et rythmiques

Un LFO carré associé à un module Sample and Hold génère des mélodies rythmiques en escalier. La nature on-off de l’onde carrée provoque des changements brusques dans la tension échantillonnée, créant ainsi des pas distincts dans la mélodie. Lorsqu’il est utilisé à différents taux, le LFO carré confère une qualité rythmique aux mélodies, les rendant dansantes et syncopées.

 

3. LFO triangle : Mélodies douces et fluides

Un LFO triangulaire combiné à un module Sample and Hold produit des mélodies au caractère doux et fluide. La montée et la descente graduelles de la forme d’onde triangulaire influencent la tension échantillonnée, ce qui permet d’obtenir des mélodies qui passent d’une note à l’autre de manière moins abrupte que les ondes carrées ou en dents de scie. Cette combinaison est idéale pour créer des mélodies qui évoquent un sentiment de fluidité et de mouvement.

 

4. LFO aléatoire/bruit : Mélodies chaotiques et expérimentales

L’association d’un LFO aléatoire ou bruyant avec un module Sample and Hold permet d’obtenir des mélodies chaotiques et expérimentales. La nature imprévisible de la forme d’onde aléatoire amène le module Sample and Hold à capturer des tensions variables, ce qui donne lieu à des mélodies qui semblent errer de manière imprévisible. Cette combinaison est parfaite pour générer des mélodies avant-gardistes ou ambiantes qui remettent en question les attentes musicales traditionnelles.

 

5. LFO sinusoïdal : Mélodies sereines et éthérées

L’utilisation d’un LFO sinusoïdal avec un module Sample & Hold produit des mélodies sereines et éthérées. Les ondulations douces de la forme d’onde sinusoïdale se traduisent par de légères fluctuations de la tension capturée. Les mélodies qui en résultent sont subtiles et apaisantes, avec une qualité onirique qui convient bien aux compositions ambiantes ou méditatives.

 

Merci d’avoir lu mon hommage à un outil souvent négligé dans la musique et vous savez maintenant pourquoi je suis amoureux de toutes les possibilités qu’il offre.

 

Le bruit en musique

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Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.

 

Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.

 

Le bruit dans la musique peut être nostalgique.

 

Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.

 

Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.

 

Le bruit blanc – Une fondation sifflante :

 

Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.

 

J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.

 

Le bruit rose – Une alternative plus douce :

 

Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.

 

Il existe également diverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.

 

Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :

 

Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.

 

Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.

 

 

 

Bruit numérique – Possibilités infinies

Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.

Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :

  • Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
  • Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
  • Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
  • Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
  • Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.

En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.

 

Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs

 

Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.

Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.

 

Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels

 

Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.

 

Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité

Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.

  1. Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
  2. Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
  3. Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
  4. Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
  5. Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
  6. Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
  7. Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.

 

Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.

 

Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.