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Exploration technique des arpèges

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Dans le vaste monde de la musique, les arpèges font partie intégrante de la composition, comblant le fossé entre l’harmonie et la mélodie. En comprenant leurs racines, il est possible d’apprécier l’effet profond qu’ils ont eu sur la musique électronique moderne.

Origine des arpèges

Un arpège, dérivé du mot italien « arpeggiare« , qui signifie « jouer sur une harpe », désigne le fait de jouer les notes individuelles d’un accord de manière consécutive plutôt que simultanée. Historiquement, les arpèges trouvent leur origine dans la musique classique. Les guitaristes, pianistes et harpistes classiques les utilisent fréquemment pour exprimer mélodieusement les progressions d’accords.

D’un point de vue fonctionnel, un arpège peut transmettre l’essence d’un accord tout en apportant du mouvement. Il sert de pont entre l’harmonie, où les notes sont jouées simultanément, et la mélodie, où les notes sont jouées de manière séquentielle. Cet effet de pont confère une texture plus riche aux compositions, permettant une transition plus douce entre les sections harmoniques et mélodiques.

 

Arpèges dans la musique électronique

 

Avec l’évolution de la musique électronique, les arpèges ont trouvé une nouvelle plateforme d’exploration. Lorsque les synthétiseurs ont commencé à être commercialisés, ils comprenaient le plus souvent un arpégiateur interne. Même les options plus petites comme les Casios en avaient un simple. Les synthétiseurs, avec leur capacité à façonner et à moduler le son, constituaient l’outil idéal pour repousser les limites des arpèges traditionnels.

 

  1. Synthétiseurs et arpégiation : De nombreux synthétiseurs, qu’ils soient matériels ou logiciels, sont dotés d’arpégiateurs intégrés. Ces outils créent automatiquement des arpèges en fonction des notes jouées et des paramètres définis par l’utilisateur. Des paramètres tels que la direction (haut, bas, haut-bas), la gamme (nombre d’octaves couvertes) et le motif (la séquence rythmique de l’arpège) peuvent être réglés pour obtenir des effets tonaux spécifiques.
  2. Plug-ins d’arpège : Au-delà des capacités intégrées du synthétiseur, il existe des plug-ins logiciels autonomes dédiés à l’arpégation avancée. Ces outils offrent un contrôle étendu sur le comportement de l’arpège et peuvent être intégrés dans des stations de travail audio numériques (DAW). Ils sont souvent fournis avec des bibliothèques de modèles, ce qui donne aux producteurs un point de départ qu’ils peuvent ensuite peaufiner.
  3. Séquencement d’arpèges : Les séquenceurs, que l’on trouve généralement dans les boîtes à rythmes et les DAW, permettent de programmer des notes dans une séquence spécifique. Cette technique offre une approche manuelle de l’arpégiation, ce qui permet d’obtenir des motifs uniques et complexes qui dépassent les capacités des arpégiateurs traditionnels.

Lorsque les musiciens essaient un synthé pour la première fois, ils testent à un moment donné l’arpégiateur. Dans les années 70 à 90, la musique électronique utilisait plus souvent qu’à son tour des arpèges. Il pouvait s’agir de la basse ou de l’accroche principale.

L’impact sur la musique électronique

 

Dans la musique électronique, les arpèges apportent souvent une dynamique rythmique et une structure mélodique, en particulier dans des genres tels que la trance, la techno et la synthwave. La nature répétitive de ces genres se marie bien avec les motifs cycliques des arpèges.

 

En outre, grâce aux capacités d’élaboration du son des synthétiseurs, la qualité tonale des arpèges peut être manipulée. En modulant des aspects tels que les filtres, la résonance et les paramètres d’enveloppe en temps réel, les arpèges peuvent évoluer et se transformer tout au long d’une piste, ajoutant ainsi un intérêt dynamique.

Un aspect fascinant de la musique électronique réside dans le fait que nombre de ses mélodies sont construites à partir de séquences qui peuvent être reproduites efficacement à l’aide d’un arpégiateur. Il ne s’agit pas d’une simple coïncidence. La musique électronique, avec ses structures répétitives et l’accent mis sur l’évolution timbrale, privilégie souvent les motifs mélodiques linéaires et cycliques. Un arpégiateur excelle dans ce domaine, offrant une approche systématique de la création de ces mélodies.

Prenons l’exemple des morceaux électroniques classiques : nombre d’entre eux présentent des mélodies qui tournent autour d’un schéma de notes défini, évoluant davantage par la manipulation du son (comme les balayages de filtre ou les changements de résonance) que par la variation des notes. Cette approche fournit une base cohérente sur laquelle le reste de la piste peut évoluer, permettant à d’autres éléments, comme le rythme et l’harmonie, de jouer un rôle plus dynamique.

Motifs parallèles et modulés

 

1. Arpèges parallèles :

  • Méthode : Commencez par régler deux arpégiateurs avec la même entrée de note, mais réglez l’un d’eux pour qu’il fonctionne dans une plage d’octave plus élevée que l’autre. Vous obtiendrez un motif mélodique harmonisé où les deux arpèges joueront en tandem, produisant un son plus riche.
  • Expérience : Modifiez légèrement le rythme ou la longueur du gate d’un arpégiateur. Cela introduit un effet de déphasage, où les deux arpèges se synchronisent et se désynchronisent, créant une tension et un relâchement rythmiques. Une autre expérience amusante consisterait à créer une macro à partir d’un arpège, ce qui permettrait de disposer d’un outil parallèle. Assurez-vous que votre instrument de réception est polyphonique, car il y aura beaucoup de notes. Je recommande d’essayer les arpèges à différentes vitesses avec un modificateur de hauteur/octave pour qu’ils jouent des notes de différentes octaves.

 

2. Arpèges côte à côte se modulant l’un l’autre :

  • Méthode : Utilisez la sortie d’un arpégiateur pour moduler les paramètres d’un second arpégiateur ou de son synthétiseur associé. Par exemple, vous pouvez régler la sortie de vélocité de l’Arpégiateur A pour contrôler la coupure du filtre ou la résonance du synthé de l’Arpégiateur B.
  • Expérience : Introduisez un LFO (Low-Frequency Oscillator) lent pour moduler un paramètre de l’arpégiateur A (comme son taux/vitesse). Les modulations affectant l’Arpégiateur B changeront au fil du temps, introduisant une dynamique évolutive dans le morceau. J’aime que le premier Arp soit lent et aléatoire et que le second soit plus rapide, avec des notes plus aiguës.

Power user super combo

 

 

 

 

 

 

CONSEIL : les arpégiateurs deviennent très puissants si vous utilisez l’outil Expression Control afin de pouvoir moduler le gate, les pas, la vitesse et la distance. Cette méthode permet d’obtenir des idées d’accroches en quelques minutes.

Plug-ins

Il existe de nombreux plugins qui peuvent être de bonnes alternatives à l’arpège habituel de votre DAW. Il est toujours bon d’avoir des plug-ins tiers pour sortir du son générique du DAW.

Stepic

Il s’inspire des différentes options modulaires existantes. Elles sont toutes regroupées dans un plug-in qui fait un peu ce que de nombreux outils gratuits font comme Snake, mais bien sûr, la note de base jouée influencera la séquence, ce qu’un outil comme Snake ne fait pas. Stepic est souvent utilisé en ligne dans les tutoriels de création de musique Ambient. Il est idéal pour créer des mélodies génératives et psychédéliques.

 

Cthulhu

Tout ce que font les gars de Xfer est toujours solide et bien pensé. Celui-ci ne déroge pas à la règle. Grâce aux nombreux presets existants, vous pouvez également modifier votre propre séquence de manière aléatoire et rapide.

 

Seqund

AlexKid a créé de nombreux outils pour Ableton Live et chacun d’entre eux a trouvé sa place dans le flux de travail de nombreuses personnes, que ce soit pour commencer une idée ou en arranger une. Celui-ci est similaire à Stepic d’une certaine manière, mais avec un flux de travail différent. L’interface est plus propre et plus facile à lire que Stepic, ce qui en fait un outil rapide pour ajouter des mélodies décoratives ou des lignes de basse simples. Le randomiseur dispose d’options intéressantes pour contrôler ses résultats.

 

Conclusion

Depuis leurs origines dans les expressions classiques jusqu’à leurs applications modernes dans la musique électronique, les arpèges sont restés un outil incontournable pour les musiciens. Grâce aux synthétiseurs et aux plug-ins, les producteurs de musique électronique disposent d’une vaste palette pour expérimenter et innover. Au fur et à mesure que la technologie progresse, il est certain que l’utilisation et l’évolution des arpèges dans les paysages électroniques continueront à captiver et à inspirer.

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!