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Le piège du succès

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Je suis allé dans un club local pour écouter un ami roumain en visite pour une nuit entière de musique qui correspondait davantage à mes goûts, et alors que le DJ qui l’avait précédé était un peu linéaire et prévisible, mon ami a ouvert le bal avec de la musique aux sonorités fraîches. Il n’a pas lancé le top 10 de Beatport ou quoi que ce soit de directement lié au DJ précédent, pas même une introduction pour plaire à la foule. Il a lancé une techno obscure, ce qui était un peu audacieux, et il a rapidement enchaîné avec un morceau des années 90. L’idée principale de ce morceau était une voix disant « Get House », une chanson de Caliesto. Un beau contraste.

 

 

Rien qu’en entendant le sample, j’ai eu des flashbacks de raves, de lasers, de bracelets lumineux, de gens qui dansaient et transpiraient, juste à partir d’un simple sample que j’ai entendu, ce qui m’a ramené à une époque spécifique. Contrairement au DJ précédent, où toutes les chansons s’harmonisaient parfaitement, il n’y avait malheureusement rien de mémorable ou de tangible à en tirer. Je ne me souviens pas d’un seul moment, une semaine après. Il ne s’agit pas de critiquer la musique de quelqu’un, mais plutôt de dire que les idées solides vieillissent bien parce qu’elles créent des moments intenses. Si vous écoutez la chanson de Caliesto, vous vous rendrez compte qu’elle est relativement simple. Néanmoins, l’accroche est suffisamment captivante pour que tout le monde parle plus tard à ses amis de l’échantillon principal, dont les autres se souviennent probablement facilement.

Il m’est apparu que la définition du succès avait changé depuis les années 1990. Bien sûr.

 

Retour aux DJ

 

Comme je me suis remis au DJing, j’explore les options, car de nombreux outils sont maintenant disponibles. Par exemple, j’ai obtenu un compte professionnel sur Rekordbox et je l’ai associé à un compte sur Beatport. Cela me permet de synchroniser ma liste de lecture du magasin directement sur Rekordbox, d’ajouter les chansons que je veux et d’avoir ce catalogue infini à portée de main. C’est un peu comme Spotify, où votre limite est votre connaissance de la musique ou votre culture. Mais même si vous êtes novice ou limité, il existe des outils de découverte pour vous aider à rechercher ce que les autres aiment et jouent.

Après avoir synchronisé Beatport avec Rekordbox et ouvert la section musicale correspondante, j’ai été submergé. Si vous me connaissez, vous savez que la technologie me submerge rarement. Il m’a fallu beaucoup de temps pour y arriver, mais je regardais fixement la sélection et me sentais perdu. Je n’étais pas submergé par les possibilités; j’étais déconcerté par la quantité de déchets qui se trouvaient là.

Je ne suis pas là pour critiquer à nouveau la musique, mais plutôt à un niveau méta, en prenant du recul pour avoir une vue d’ensemble.

Le nombre de chansons qui sonnent exactement comme la précédente était flagrant. Certains de mes artistes préférés créent soudain des chansons avec des sons ou des préréglages douteux, et de nombreux nouveaux artistes créent de la musique avec des arrangements étranges et inutilisables.

Suis-je trop vieux pour cela ?

Non, ne vous inquiétez pas. Lorsque je commence à creuser, je trouve encore beaucoup de musique fantastique. Alors, que s’est-il passé exactement ?

 

Démocratisation de la musique et ouverture des opportunités commerciales

 

Dans les années 90, les logiciels de musique électronique visaient à permettre à un plus grand nombre de personnes de faire de la musique en la rendant plus accessible et plus abordable. Cela a ouvert la voie à d’innombrables mélomanes désireux de faire de la musique. Je serais hypocrite de me plaindre, car je faisais partie de ces gens qui n’avaient aucune formation musicale ; la technologie a été mon sauveur. Trente ans plus tard, ajoutez YouTube pour le partage des connaissances (alimenté par la motivation de la popularité des likes), et ajoutez des agrégateurs qui permettent à toute personne ayant une chanson terminée d’accéder à tous les magasins en ligne et à toutes les plateformes d’écoute en continu. Vous obtiendrez des albums de chiens qui aboient, des EP de techno réalisés par des enfants de huit ans, de la musique de drone alimentée par des pets et tout ce à quoi vous pouvez penser, vous pouvez probablement le trouver.

Est-ce une mauvaise chose?

Ce n’est pas à moi d’en juger, mais l’avantage des gens qui sont de solides sélectionneurs est probablement ce qui peut permettre à un DJ de se démarquer de ses collègues. Mais en tant que producteur, je pense que la question est de savoir si l’on peut échapper à l’attrait de la vague de similitude de la musique de masse et, peut-être, ne pas être pertinent.

Absolument, mais il s’agit d’un sujet un peu compliqué à traiter car il est défini par de multiples aspects, tels que votre définition du fin (Definition of Done, DoD), votre culture, votre communauté et ce que vous considérez comme une réussite.

 

Le piège du succès

 

Tout ce que vous voyez ou identifiez comme un « problème » est directement lié à une micro-culture d’habitudes qui a créé cette situation. Par exemple, si votre chambre à coucher est en désordre, c’est que vous avez la terrible habitude de ne pas la ranger. Si vous voulez la nettoyer, une fois que vous l’aurez fait, elle restera dans cet état pendant un jour ou deux, jusqu’à ce qu’elle soit en désordre à nouveau. Le véritable objectif n’est pas d’organiser votre chambre, mais de développer des habitudes de propreté pour qu’elle reste propre.

Nous pouvons également transposer ce principe au secteur de la musique. Un nombre considérable de personnes qui me consultent en privé souhaitent terminer plus de musique parce que leur objectif est d’avoir du succès, ce qu’ils traduisent par :

  • La musique est terminée
  • La musique est signée sur un label

Les labels voient le succès en sortant de la musique qui finit par attirer l’attention et les ventes. Les DJs voient le succès dans les concerts et dans les vidéos Instagram avec des tonnes de likes.

Bien qu’il n’y ait rien de mal à cela, l’accent est mis sur quelque chose qui définit le succès d’une partie externe. Vous n’aurez peut-être jamais l’impression que c’est suffisant parce qu’il y aura toujours des options pour faire mieux, et bien que cela puisse devenir une dépendance, cela peut aussi être déprimant. Mais l’attrait de voir des personnes ayant beaucoup de likes, jouant sur la grande scène et ayant beaucoup de streams est une image que nous pouvons tous désirer; je peux le comprendre.

Considérer le succès des autres comme un objectif final est un piège, car cela ne met pas l’accent sur les habitudes que les artistes qui réussissent ont construites.

 

Derrière le succès d’un DJ, il y a la recherche quotidienne de musique ancienne et nouvelle, les répétitions et la recherche, mais aussi de nombreux échecs. Le succès d’un album tient à l’habitude qu’a le producteur de faire de la musique tous les jours et de créer 23 versions différentes de chaque chanson. Derrière le label à succès, il y a une équipe qui passe quotidiennement du temps à travailler en réseau avec les médias, les DJ et les festivals. Derrière chaque modèle, il y a beaucoup de choses cachées, et c’est là que réside le succès.

Alors que tout le monde débat des outils de génération de musique (ou d’images) par l’IA, je vois rarement quelqu’un parler de la façon dont cela vise les résultats et contourne les processus de création et la formation d’habitudes.

Si vous vous efforcez d’avoir de bonnes habitudes, les résultats suivront. Cela commence par ranger votre chambre, faire votre lit tous les jours et laver les draps une fois par semaine. Au final, votre chambre sera propre et le restera.

Il ne s’agit pas d’une invention pure et simple. Elle est tirée d’un livre intitulé Atomic Habits. J’ai découvert ce livre il y a des années, et il a eu un grand impact.

Briser les normes

 

Dans mon dernier article, où je donnais des conseils pour accélérer votre processus de travail, quelqu’un m’a demandé comment cela pouvait inonder le marché avec plus de musique copiée inutilement lorsque je l’ai publié sur les médias sociaux. Je lui ai demandé si ma musique l’était, et il m’a répondu que non (je connais cette personne, c’était donc une bonne discussion). Tout dépend de la manière dont vous utilisez votre vitesse et de vos intentions. Mais oui, si vous travaillez vite et sans but, vous risquez de vous retrouver dans la file d’attente pour faire une autre version du best-seller de Beatport, qui a probablement déjà existé 200 fois.

Mais comment briser les normes, les routines, les clichés?

 

Créer des habitudes basées sur l’originalité

 

C’est là que tout doit commencer. Cela implique de reconnaître ce qui rend une chanson originale, unique et mémorable.

 

 

S’exprimer de manière plus personnelle

 

Il existe deux types de producteurs populaires : ceux qui veulent ressembler à tout le monde et ceux qui ne veulent pas ressembler aux autres. Chacun d’entre eux est confronté à certains problèmes :

  • Sonner comme tout le monde ne vous élèvera pas au rang de leader. Cependant, cela peut s’avérer payant si vous trouvez d’autres personnes qui aiment rapidement les mêmes sons que vous.
  • Le fait de ne sonner comme personne vous marginalisera et vous aurez du mal à trouver votre communauté. Lorsqu’elle est bien menée, l’originalité peut être saluée et faire de vous un innovateur.

Mais être plus personnel dans sa musique ne signifie pas se transformer en extraterrestre. Cela signifie que vous pouvez prendre des idées connues mais les façonner pour qu’elles correspondent à ce que vous êtes. Par exemple, j’aime qu’il y ait une harmonie mélodique dans ma musique (en utilisant les tonalités fondamentales et les gammes), mais j’ai du mal à suivre les progressions d’accords typiques qui sont populaires dans les chansons (progressive, hip-hop lo-fi, etc.). Lorsque je crée des mélodies, je frappe les touches au hasard en utilisant mon oreille et je finis par organiser mes notes pour qu’elles aient un sens (pour moi). C’est bizarre pour quiconque s’intéresse à la théorie musicale parce que ça ne suit pas les conventions, mais ça a du sens parce que ce n’est pas faux d’un point de vue harmonique.

Mon ami Bryan, un musicien de jazz, m’a dit qu’il préférait mes mélodies bizarres à des chansons trop organisées parce qu’elles « me ressemblaient davantage ».

Un client utilisait sa voix pour chanter des notes qu’il convertissait en midi. Il avait l’impression que sa voix mettait en valeur une mélodie, quelque chose de très personnel.

C’est la même chose pour les percussions. Vous pouvez suivre les conventions ou jouer bizarrement avec ce que vous voulez… tout en restant sur la grille, pour que ce soit jouable par un DJ.

 

Maîtriser une ou plusieurs techniques de production musicale.

 

Plus vous maîtrisez une technique, plus vous pouvez en repousser les limites. Utiliser une méthode à son niveau le plus bas, c’est manquer cette zone où l’on peut extraire des idées totalement différentes de ce que tout le monde fait. Si l’on pense à J Dilla, il a maîtrisé l’échantillonnage et le swing groove, ce qui lui a donné sa signature reconnaissable.

Si vous pensez à la chanson de Caliesto que j’ai mentionnée, il s’agit également de comprendre l’exécution plus que de s’appuyer sur le contenu.

 

 

Croiser l’inspiration des genres.

 

Si vous lisez mon blogue, cette question revient souvent. Les chansons qui attirent l’attention sont généralement innovantes et, récemment, une nouvelle a annoncé que David Guetta avait fait de la musique country, ce qui est un bon exemple. On peut ne pas l’aimer, mais en termes de décisions commerciales, ce type prend toujours des décisions qui montrent la voie. Cela s’applique également à l’utilisation de l’échantillonnage comme moyen d’innover en permanence. Si vous pensez maîtriser cette technique, détrompez-vous.

Splice est également une excellente source d’inspiration. Leur IA qui suggère des idées pour commencer est assez innovante et utile. Elle vous permet de briser la routine et de choisir des échantillons d’autres genres.

 

Évitez les packs d’échantillons et les préréglages populaires

 

Je ne le dirai jamais assez, mais certains genres s’appuient sur les mêmes packs. Contrairement à la drum and bass avec l’amen break, c’est un sample. Nous parlons ici d’un pack de multiples échantillons utilisés et réutilisés au point de briser toute chance de développement en tant que musicien. Compte tenu du nombre d’échantillons auxquels nous avons accès, j’ai du mal à comprendre pourquoi cela se produit.

Utiliser les mêmes packs d’échantillons revient à vouloir sonner comme les autres. L’une des excellentes fonctionnalités d’Ableton Live 12 est la fonction « Find similar samples » (trouver des échantillons similaires) qui, d’un simple clic, propose un large éventail d’options. Ainsi, vous pouvez peut-être commencer avec une base de quelques échantillons, puis plonger dans votre bibliothèque pour obtenir des échantillons aux sonorités similaires.

 

Tout en préconisant les préréglages, principalement pour l’auto-éducation, je vous encourage également à les modifier un peu afin de trouver diverses couleurs que vous ne saviez pas avoir sous le nez. En masterisant et en écoutant la musique d’un client, il m’arrive souvent de me dire « Ah, il a utilisé tel synthé avec tel preset », ce qui n’est pas un problème, mais que je trouve un peu paresseux. Mais c’est moi, ce qui veut dire que d’autres peuvent aussi penser cela. Si vous aspirez à sortir un album, vous ne voudrez peut-être pas qu’un label pense la même chose de votre musique.

Bien qu’il n’y ait pas de « recherche de presets similaires » dans Live, vous pouvez en quelque sorte contourner le problème en créant une macro de votre plugin en associant des paramètres à des boutons (en tant que groupe), puis en créant des instantanés de vos boutons. Si vous vous enregistrez en train de jouer avec vos snapshots, vous verrez que la position du bouton est également enregistrée. Vous pouvez ensuite effectuer un balayage entre les positions. Il y a aussi un patch max qui peut le faire ici.

 

J’espère que cela vous sera utile!

 

Photo par Matthew Moloney sur Unsplash

Concept de miniatures en musique

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Il m’arrive parfois de trouver de superbes vidéos avec des techniques de production que j’adore. Après les avoir pratiquées, j’ai pensé les partager avec vous pour que vous puissiez bénéficier de cette découverte. Dans ce cas-ci, il s’agit du concept de miniatures et de la façon dont il est associé à certains principes de conception sonore que j’ai appliqués. Récemment, j’ai rejoint le programme Sound and Synthesis de Sarah Belle Reid, qui s’est avéré très instructif. Une fois que j’ai commencé à me plonger dans la conception sonore et ses mécanismes, j’ai non seulement commencé à comprendre l’ADN du son sous un angle différent, mais aussi dans le contexte d’une chanson.

 

 

Qu’est-ce qu’une miniature?

En parcourant YouTube récemment, j’ai trouvé cette vidéo qui m’a emballé. La miniature est un pas en arrière par rapport à la création de chansons et a la perspective d’utiliser un son dans un concept de bulle minuscule. Il s’agit d’une idée de 10 secondes à 1 minute. Rien de plus. Il ne s’agit pas d’essayer d’intégrer autant d’éléments que possible, mais plutôt de prendre un son et de voir comment en tirer le meilleur parti. Lorsque j’enseigne la production musicale, il y a un autre exercice que j’aime suggérer aux étudiants : prendre un son très basique (sample) et le transformer en « idée principale ». Pour ce faire, je suggère de choisir d’abord un son aléatoire, de préférence quelque chose que vous considérez comme ennuyeux, puis de le jouer de façon répétée pour en tirer un motif. Modifiez éventuellement la hauteur du son, mais parfois, il suffit de le laisser à sa hauteur d’origine. Voyez comment vous pouvez en tirer une phrase et composez une chanson (1 à 2 minutes) à partir de ce seul élément. Parfois, je vois un sourcil se lever en signe de doute, mais j’explique alors que n’importe quel son, en soi, peut être une chanson. Par exemple, John Cage a créé une chanson pour les taper dans les mains :

 

Revenons donc aux miniatures. Pensez à de petites idées qui fonctionnent, idéalement avec 1 ou 2 sons. Regardez la vidéo ci-dessous :

 

Le titre un peu « piège à clics » m’a d’abord fait lever les yeux au ciel, mais je l’ai ensuite consulté pour y trouver quelque chose d’assez amusant. Pour résumer, il suggère d’écrire des idées sur une carte, ce qui créera un petit défi, comme une idée miniature. Ces idées ont certains critères :

En voici un exemple :

 

On oublie souvent que les chansons sont une collection de sons et de sonorités qui évoluent d’elles-mêmes, que ce soit pendant un court laps de temps ou pendant toute la durée de la chanson. L’idée de créer des miniatures devient utile parce que vous créez des idées qui peuvent être incluses plus tard dans une chanson. Envisager la production musicale de manière modulaire (pas au sens de synthétiseur modulaire) peut vous aider à travailler sur différents éléments de vos chansons avant de vous plonger dans les arrangements. L’une de mes principales sources de plaisir coupable est de trouver des boucles amusantes sur Splice comme point de départ, donc construire mes boucles est utile pour créer des chansons plus tard.

 

Enveloppes et macro-enveloppes

L’un des éléments que nous avons abordés dans la conception sonore est la façon dont les enveloppes façonnent les sons en fonction de leur forme. Mais lorsque l’on pense à des miniatures ou à des chansons, il peut être utile de penser à une macro-enveloppe. Ce que je veux dire ici, c’est qu’il y a une évolution dans l’ensemble de la chanson. Un exercice que Sarah nous a donné pour une performance consiste à dessiner la forme de l’évolution de votre chanson ou de votre motif pendant toute la durée de l’expérience. Il pourrait commencer brusquement, s’estomper, puis devenir de plus en plus fort jusqu’à la fin. Si vous êtes un utilisateur de Shaperbox comme moi, vous savez que vous pouvez utiliser ses enveloppes internes pour modeler l’amplitude ou le filtre sur une longue période. Cela devient pratique si vous voulez une modulation lente et répétitive.

 

Si vous voulez des idées de miniatures, je vous encourage à regarder la vidéo plus haut. J’y ai trouvé une inspiration immédiate pour mes sons.

 

Les outils pour comprendre vos références

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Nous sommes tous passés par là : nous nous efforçons de composer la mélodie parfaite ou d’écrire des paroles captivantes, mais nous sommes freinés par la recherche incessante de l’originalité. Et si nous vous disions qu’il existe un moyen de sortir de cette impasse créative et de découvrir une toute nouvelle dimension d’idées musicales?

 

Quel que soit le nombre de fois où je me mets devant mon ordinateur pour faire de la musique, je me trouve souvent dans deux modes : essayer de faire de la musique qui sera complètement originale ou essayer d’émuler des idées que j’aime (c’est à dire le contraire d’être original). Dans la plupart des cas, j’oublie que je m’amuse jusqu’à ce que j’atteigne la zone. Heureusement, il existe de nombreuses techniques qui peuvent être comprises à partir de la musique que nous aimons et il existe également de nombreux outils facilitant la compréhension de la magie derrière certaines chansons. Je vais vous proposer quelques outils que j’utilise lorsque je fais de la production pour des clients.

 

Récemment, j’ai lu le livre d’Austin Kleon, « Steal Like an Artist » (Volez comme un artiste), où j’ai découvert cinq idées précieuses pour lancer votre exploration musicale. J’ai eu le sentiment que cela pouvait s’appliquer à la musique.

La révolution des remixes :

 

Dans un monde débordant de musique, trouver l’originalité absolue peut ressembler à chercher une aiguille dans une botte de foin. Mais n’ayez crainte! Kleon suggère d’adopter le concept de remix : un collage créatif d’idées et d’influences existantes. N’oubliez pas que même les musiciens les plus renommés ont été inspirés par les sons d’antan. Alors, plongez dans les archives, explorez différents genres et laissez la magie de la pollinisation croisée libérer vos prouesses musicales!

Le premier exercice que je propose à tout client qui se trouve confronté au syndrome de la page blanche, c’est de se procurer un tas de boucles et de commencer à les remixer, sans aucun objectif. Bien qu’il s’agisse du meilleur remède dans la plupart des cas, certains ont l’impression qu’il s’agit d’un vol de samples, de copie etc. Mais quand l’esprit est bloqué, c’est surtout parce qu’on réfléchit trop. Le fait de commencer par un simple exercice consistant à jouer avec des idées toutes faites n’est qu’une porte ouverte qui permet de revenir en arrière et de développer ensuite ce qui nous semble le plus pertinent.

 

Astuce: Il est difficile de ne pas s’amuser en utilisant la grande quantité de boucles de qualité que vous trouverez surSplice. Il offre également la possibilité de louer des synthés, des plugins ou d’avoir des presets pour les genres que vous aimez. Il dispose également d’une application de bureau qui vous permet de prévisualiser les boucles, puis de les importer dans votre DAW. J’apprécie également le fait que vous puissiez synchroniser l’application avec le tempo de votre projet en utilisant le VST Splice.

 

Une autre alternative consiste à utiliser Loopcloud, qui ressemble un peu à Splice, mais qui propose également des outils tels qu’une boîte à rythmes très agréable où vous pouvez importer n’importe quel son de la bibliothèque.

 

Astuce 2: J’aime utiliserSoundsnap pour les samples. Il contient de nombreux sons naturels, des enregistrements de terrain et des enregistrements aléatoires. Il est utilisé dans les films et peut l’être également dans vos chansons.

 

Échangez les idées, pas votre identité :

En tant que musiciens, il est naturel d’aspirer à un son unique qui nous distingue. Cependant, essayer de forcer l’originalité conduit souvent à une paralysie créative. Au lieu de cela, prenez exemple sur Kleon (littéralement!) et volez des idées sans vergogne. Mais voici l’astuce : concentrez-vous sur les éléments que vous admirez et retravaillez-les pour en faire quelque chose de tout à fait personnel. Reconnaissez les mérites, mais n’ayez pas peur d’y mettre votre grain de sel. Après tout, le monde n’a pas besoin d’un autre copycat, il a besoin du mélange extraordinaire que vous seul pouvez créer!

Toutefois, l’art du remixage peut s’avérer plus subtil. Vous pouvez écouter Keith Jarrett, un vieux dub de Studio One, du classique moderne et prêter attention aux sons utilisés, à la façon dont ils sont exprimés (mélodie) et à l’espace créé.

 

Que remarquez-vous? Les notes sont-elles lentes ou rapides? Le son est-il dense ou aéré? Quelle est la signature temporelle?

 

Écrivez les notes, puis appliquez le concept à tout ce que vous faites. C’est la pollinisation croisée.

ASTUCE : Vous pouvez acheter des packs MIDI ou des mélodies MIDI un peu partout et chercher des idées qui ne sont pas dans les genres que vous faites. Les notes MIDI ne produisent pas de son, ce ne sont que des mélodies. Vous pouvez utiliser des sons harmoniques aléatoires ou des synthétiseurs de votre choix afin d’extraire des mélodies qui sortent de votre routine.

ASTUCE 2 : De nombreux clients ne réalisent pas qu’une des mesures à prendre pour que leurs chansons paraissent plus professionnelles est d’utiliser une tonalité de base avec une gamme. J’aime les nombreux outils de Captain Plugins. Ils ont des plugins de studio qui vous permettent de comprendre la tonalité et la gamme des idées importantes ou de vos propres mélodies (par exemple, certains clients improvisent des mélodies pour découvrir plus tard qu’elles sont dans une gamme spécifique sans le savoir!) Vous pouvez également jeter un œil à Tonic pour ce type d’analyse.

 

Cultivez vos influences :

Avez-vous déjà entendu le dicton « Vous êtes ce que vous mangez »? Dans le monde de la musique, « Vous êtes ce que vous écoutez ». Entourez-vous d’un large éventail d’influences musicales. Des compositions classiques aux expériences d’avant-garde, absorbez tout comme une éponge musicale. En créant une tapisserie unique d’influences, vous développerez une riche palette de sons dans laquelle vous pourrez puiser. N’ayez donc pas peur de vous lancer dans une aventure sonore, vous pourriez bien trouver l’étincelle qui enflammera votre génie musical!

 

Pour faire de la musique de qualité, il faut être exposé à des chansons de qualité.

 

Cela signifie que vous devez écouter de la musique autant que vous en faites. À partir de ce que vous écoutez, essayez de diversifier votre répertoire autant que possible. Lorsque vous découvrez un artiste que vous aimez, fouillez ses racines, ses premières œuvres et ses œuvres récentes.

 

Faites-vous des amis qui aiment profondément la musique et demandez-leur des recommandations. On ne demande pas assez aux gens quels sont leurs favoris, mais c’est un sujet très apprécié si vous aimez la musique.

 

J’adore ce patch max qui ouvre le répertoire de tous les sons de Freesound.org. J’aime ce site parce qu’il est gratuit, mais aussi parce qu’il permet de demander des samples au hasard. J’aime aussi cette page qui me donne des vidéos Youtube à regarder au hasard…

 

TIP: Elphnt a fait un patch sympa qui vous propose des idées pour démarrer de nouvelles idées ou si vous manquez d’idées à un moment donné.

 

Les contraintes vous libèrent :

 

Contrairement aux idées reçues, les contraintes peuvent être le meilleur ami du musicien. Kleon souligne l’importance de fixer des limites pour libérer sa créativité. En vous imposant des limites spécifiques, telles que des restrictions de temps, des instruments limités ou même des structures de chansons inhabituelles, vous obligez votre esprit à sortir des sentiers battus. Ces défis auto-imposés deviennent le catalyseur de l’innovation, ouvrant la voie à des percées musicales que vous n’auriez jamais crues possibles.

 

ASTUCE : faites-vous un kit de batterie et quelques échantillons pour créer vos chansons. Choisissez une chanson au hasard et utilisez-la comme modèle pour la vôtre (BPM, section, ambiance, tonalité, gamme, etc.). J’adore l’outil de Decoda parce qu’il peut vraiment aider à extraire une mélodie ou à comprendre comment une chanson est arrangée.

 

Profitez du voyage :

 

Créer une musique remarquable n’est pas un sprint, c’est un marathon qui dure toute une vie. Alors que vous vous embarquez dans votre odyssée musicale, n’oubliez pas d’apprécier le voyage. Kleon encourage les artistes à embrasser le processus plutôt que d’être obstinés par le résultat final. Chaque composition, chaque séance d’entraînement et chaque faux pas constituent une partie essentielle de votre développement en tant que musicien. Alors, attachez votre ceinture et savourez l’aventure, car c’est le voyage lui-même qui fait de vous l’artiste que vous êtes censé être.

 

Mais que se passe-t-il lorsque l’on est père ou que l’on a un travail exigeant et que l’on ne peut pas consacrer beaucoup de temps à son passe-temps favori? Le voyage se complique un peu. Pouvez-vous encore vous réjouir des résultats sans avoir le temps de faire ce qu’il faut pour lancer votre projet?

 

Voilà pour les musiciens intrépides! Armé des précieux conseils d’Austin Kleon tirés de « Steal Like an Artist », vous possédez désormais les armes secrètes pour vous libérer du carcan des blocages créatifs. Embrassez la révolution du remix, piochez des idées avec fierté, cultivez vos influences, épanouissez-vous dans les contraintes et, par-dessus tout, savourez le voyage.

N’oubliez pas que le monde de la musique est votre univers. Alors plongez sans crainte, créez sans complexe et laissez vos mélodies volées remodeler le tissu même de l’innovation musicale.