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Le traitement Mid/Side expliqué

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Souvent, lorsque j’écoute des morceaux publiés dans mon groupe de coaching, je remarque que le traitement mid/side (milieu/latéral) est souvent très mauvais. L’absence d’un mixage M/S solide rend l’ensemble du mix mince et muddy, plutôt que large et net. C’est souvent le M/S qui fait la différence entre un mixage correct et un mixage exceptionnel. C’est pourquoi il nous a semblé pertinent d’écrire un article sur ce qu’est le traitement mid/side et sur la manière dont les producteurs peuvent y parvenir dans leur mix. Par conséquent, sans plus attendre, voici le traitement Mid/Side expliqué.

 

Qu’est-ce que le traitement Mid/Side?

Qu’est-ce donc que le traitement Mid/Side? En gros, si vous voulez un mixage qui sonne large, vous allez devoir vous concentrer sur le traitement mid/side. Souvent, ce type de mixage sonne « mieux » pour l’auditeur et permet au producteur d’intégrer plus d’éléments sonores dans son mixage, sans que celui-ci paraisse surchargé. Bien qu’un mixage à sonorité large puisse être obtenu par le biais d’un grand nombre de processus stéréo et de panoramiques différents, le traitement mid/side est une stratégie qui permet d’y parvenir et de créer un mixage dans l’espace.

 

Le Mid dans le traitement Mid/Side expliqué

La partie « mid » (milieu, au centre) du traitement mid/side est fondamentalement mono. Il s’agit des sons qui se trouvent au centre du mix. Les kicks, les snares, les mélodies entre 200 et 500 Hz (comme un pad) et tout autre son « statique » peuvent, et doivent souvent, être placés au milieu. Bien sûr, il y a des exceptions artistiques, mais c’est une bonne règle de base.

De même pour les basses en dessous de 100 Hz. C’est la meilleure pratique. Pourquoi? Si vous pressez un vinyle et que les basses sont en stéréo, l’aiguille va sauter. De plus, dans les clubs, ils effectuent une addition en série, où tout ce qui est en dessous de 100 Hz sera additionné en un signal mono. Mais si votre basse est en stéréo, et qu’elle est additionnée, elle peut rendre silencieuses les parties du mixage qui sont en phase.

 

Le Side dans le traitement Mid/Side expliqué

Le canal Side (latéral, sur les côtés) correspond aux extrémités du mixage. Remarque : à ne pas confondre avec le panning, qui permet de déplacer les sons spécifiquement dans le champ stéréo gauche ou droit. Le traitement Side est strictement situé à l’extrême droite, ou à l’extrême gauche, et est techniquement un signal mono.

Lorsque l’amplitude du Side est augmentée, l’auditeur entend un son plus large et plus complet. Une bonne façon de l’utiliser est d’augmenter la largeur des Leads, ou de déplacer stratégiquement un bus de percussion sur les côtés d’un mixage pour créer une expérience d’écoute plus complète.

Vous pouvez même faire preuve de créativité en élargissant certaines parties du mixage à différents intervalles du morceau. Par exemple, lorsque le refrain arrive, vous pouvez élargir les pistes pour lui donner plus de présence, ce qui le rend plus expressif pour l’auditeur.

Les pads sont également parfaits sur les côtés, puisque c’est un son qui vous « enveloppe », en quelque sorte. Les autres choses qui fonctionnent bien sur les côtés sont les bruits de fond, comme les enregistrements de terrain, ou les ambiances bizarres — ces choses fonctionnent bien sur les côtés, elles ne sont pas présentes. Seuls les éléments présents devraient être au milieu. Toutes les percussions décoratives peuvent techniquement se retrouver sur le côté – les hi-hats swinguants, les hits divers et variés, etc.

 

Le traitement du Side peut provoquer des problèmes de phase

Après avoir expliqué le traitement M/S à de nombreux débutants, il est normal qu’ils se mettent à l’utiliser. Cependant, le traitement du Side peut révéler l’un des ennemis les plus redoutables de la musique électronique : les problèmes de phase. En gros, la phase se produit lorsque vous avez deux sons identiques, de part et d’autre du champ stéréo, qui s’annulent mutuellement. Cela signifie que nous devons être judicieux avec les sons que nous plaçons sur les côtés. En général, « less is more » est une bonne approche pour la phase, car il y a moins de chances que les fréquences s’annulent.

 

Comment corriger la phase

Si vous voulez corriger la phase tout en gardant les éléments en stéréo, l’astuce consiste à faire en sorte qu’un des sons se révèle immédiatement l’un après l’autre, afin qu’ils ne soient pas en phase. Cela peut être fait avec un délai très court. Une fois réglé, le son se produira perceptiblement au même moment, mais sera légèrement retardé, ce qui permettra à l’autre son d’apparaître derrière l’autre et d’être entendu.

Une façon plus immédiate et définitive de corriger la phase est de rendre le son plus mono. Il existe un outil que vous pouvez utiliser, appelé SPAN. Ce plug-in vous permet de voir en jaune, le mono, et en rouge, le signal latéral. Lorsque le rouge dépasse le jaune, vous devez le réduire. L’outil que vous utiliserez pour résoudre ce problème est le plug-in Utility, natif d’Ableton. Vous pouvez contrôler la largeur (Width) dans celui-ci. Si vous voulez que ce soit plus mono, il suffit de régler la largeur vers le bas, puis d’augmenter le volume. 

mid side processing can be explained well with the VST SPAN. Here's a photo of it.

Cependant, disons que vous avez un signal purement mono auquel vous voulez ajouter une subtile largeur stéréo. Certains effets peuvent avoir un impact sur ce point. Vous pouvez utiliser une réverbération avec un faible decay (sinon elle sera trop forte).

Vous pouvez également utiliser un chorus. Eventide a créé un harmonizer qui est magnifique pour cela. Il s’agit de deux delays — gauche et droit — et lorsque vous jouez avec le delay de l’un et de l’autre, cela crée un signal/une forme bizarre, et vous pouvez ensuite jouer avec le wet/dry pour ajouter des degrés de stéréo. Cependant, si vous n’avez pas l’argent, vous pouvez utiliser le echo delay et contrôler le gauche-droit. Avec un délai très court, vous pouvez créer un peu plus de phase et de largeur que vous pouvez ajuster en jouant avec l’ouverture et la fermeture.

 

L’égalisation en mode Mid/Side est un incontournable

À mon avis, tous les égaliseurs devraient être faits en mode M/S. Parfois, les gens entendent des choses qu’ils n’aiment pas dans le mixage, et si vous coupez simplement, vous coupez la gauche et la droite en même temps. Cependant, il arrive que vous souhaitiez qu’un son soit égalisé différemment, en fonction du canal dans lequel il se trouve.

Par exemple, disons que vous avez un synthé dans votre canal gauche, et qu’il n’existe pas autant dans votre canal droit. Lorsque vous placez une percussion décorative, il y aura très probablement un croisement dans le panning.

Mais puisque le synthé est principalement dans le canal gauche, la percussion dans le canal gauche va devoir être égalisée différemment pour ne pas entrer en conflit avec ce synthé. Cependant, puisqu’il y a tout cet espace ouvert dans le canal droit, il n’est pas nécessaire d’égaliser certaines des fréquences, permettant à ce son de mieux s’exprimer.


Fabfilter ProQ3 vous permet d’entrer facilement en mode M/S pour l’égalisation, et de faire des coupes précises dans le son. Si vous n’avez pas ProQ3, vous pouvez aussi délier la gauche et la droite dans Ableton. Sur l’EQ8, il y a un mode appelé stéréo, mais vous pouvez dissocier gauche/droite en cliquant sur edit et en sélectionnant gauche ou droite. Vous pouvez également passer en mode M/S (Mid/Side), où vous pouvez éditer soit le milieu, soit le côté, ou encore traiter la gauche et la droite indépendamment. Lorsque vous faites cela, votre son paraît plus organique, car vous ne coupez pas à un seul endroit. 

A photo of ProQ 3 which has a mid/side processing mode.

D’autres plugins qui ont un impact sur la largeur et la phase :

 

Panman

mid side processing explained through the vst Panman. This is a photo of that VST.

 

 

 

 

 

 

 

 

PanMan ouvre vraiment toutes les possibilités du panning. Tout d’abord, il s’agit d’une émulation matérielle, qui permet aux producteurs d’imiter le style du matériel de panoramique vintage. Vous pouvez également déclencher le panning si la piste atteint un certain paramètre. L’automatisation vous permet de générer des rythmes complexes et des effets étonnants.

 

Microshift 

This is an image of Microshift, a great plugin for modifying your stereo field

Besoin de largeur? Eh bien, Microshift en a à revendre. Il vous offre 3 types distincts d’élargissement stéréo en appuyant sur un seul bouton. Il utilise un algorithme spécifique pour décaler le pitch et ajouter du retard à votre son, qui se transforme au fil du temps pour générer une largeur stéréo brillante. Il est très facile de jouer avec et peut être utilisé pour donner plus de saveur aux instruments, ou créer de beaux mélanges.

 

MStereoGenerator

an image of MStereoGenerator, an excellent plugin for stereo imaging

Avec MStereoGenerator, vous pouvez convertir des enregistrements mono en stéréo (ou même en surround). MStereoGenerator est un expandeur mono vers stéréo (ou même surround) unique et naturel, qui donne à vos pistes un son plus large, plus fort et plus percutant.  Il est particulièrement efficace pour les instruments acoustiques.

 

Panshaper 3 DE Cableguys

An imagine of Panshaper, which allows you to do crazy stuff with MS Processing and panning.

PanShaper 3 donne une autre dimension au contrôle de votre champ stéréo. Le LFO en temps réel, qui peut être dessiné sur chaque bande, et le suiveur d’enveloppe vous permettent de concevoir des modèles de panoramique dynamiques et évolutifs et de réaliser des modifications stéréo en quelques secondes.

 

Energy Panner

an image of Energypanner which allows for dynamic panning responsiveness to inputs

Energy Panner réagit à l’intensité du son en se déplaçant en fonction de celle-ci. Une batterie qui bouge sur le rythme, des notes de synthé qui se déplacent sur l’attaque, et bien d’autres comportements sont possibles. Que ce soit en stéréo ou en Dolby Atmos, Energy Panner est un plug-in dont vous ne devriez pas vous passer.

 

Width Shaper 2 DE Cableguys

an image of the vst WidthShaper 2 which allows for amazing stereo mid/side processing.

Avec WidthShaper 2, vous pouvez régler votre image stéréo dans les moindres détails. Avec trois bandes de réglage stéréo mid/side, chacune dotée de son propre LFO et suiveur d’enveloppe pouvant être dessiné, vous pouvez obtenir un contrôle précis du son. Il est parfait pour la conception sonore, le mixage et le mastering, et peut être utilisé sur des pistes individuelles et des bus.

Une fois qu’on vous aura expliqué le traitement mid/side, vous verrez que la stéréo ne se limite pas à la gauche et à la droite. Avec l’égalisation M/S, vous pouvez couper de manière chirurgicale dans les sons et les faire s’adapter précisément dans un mixage. Vous pouvez étendre et rétracter les sons à différents endroits de votre mixage, créant ainsi des effets illusoires, presque psychédéliques, dans la musique qui sont presque inexplicables, puisqu’ils sont mieux décrits comme de l’espace que de la musique.

Cependant, avec ce pouvoir, vient la responsabilité de ne pas déphaser vos sons, et de ne pas détruire le punch de vos chansons. Garder à l’esprit l’espace et la façon dont les sons sont liés les uns aux autres est une compétence primordiale dans la production musicale, et un aspect souvent négligé.

Je comprends que cela puisse être compliqué. Si vous avez besoin de coaching ou si vous voulez simplement me déléguer ce processus, je suis disponible pour vous aider. Découvrez tous mes services ici.

Conseils pour une meilleure clarté dans votre mix

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La clarté d’un mix n’est pas quelque chose que les gens comprennent ou perçoivent bien lorsqu’ils débutent, mais il s’agit d’une composante magique d’une chanson qui distingue souvent les mixages professionnels des mixages amateurs. Les mixes au son clair attirent instantanément votre attention parce qu’ils sont précis, ouverts, aérés et faciles à comprendre. Si la clarté d’un mix peut sembler facile à créer, elle est en fait très difficile à atteindre.

Je peux dire que je commence moi-même à mieux comprendre la clarté. Si vous connaissez bien ma musique, vous savez que j’aime la musique chargée et que mes chansons sont généralement assez pleines, avec de multiples couches de sons. C’est un défi pour moi d’obtenir un mixage clair à cause du nombre de sons que j’utilise, mais c’est aussi la meilleure façon de m’entraîner à mixer clairement, car c’est plus difficile que si je n’utilisais qu’un petit nombre de sons.

Voici quelques points que j’ai appris en créant de la clarté dans mes propres mix.

« Less is more », moins il y en a, plus c’est clair

Moins vous en avez, plus votre chanson sera claire. Rien ne rentre en confrontation et il y a moins à essayer de trouver un endroit approprié pour chaque élément. Lors du mixage, vous devez trouver un endroit approprié pour chaque son que vous utilisez. Si vous avez 5 hi-hats, 3 claps et 5 mélodies, cela peut devenir un véritable défi.

Comment nettoyer un mix et le rendre plus clair?

Je vois beaucoup de clients qui ont du mal à nettoyer leurs mix. La plupart des artistes souffrent d’un étrange processus de pensée qui se résume à quelque chose comme « J’ai peur que l’auditeur s’ennuie, donc je vais remplir mon mix avec autant de choses que possible pour qu’il ne soit jamais déçu ». À cela, je répondrais qu’il y a un remède dans votre DAW… le bouton « mute »! Laissez-moi vous expliquer :

1 – Mettez en boucle une section de votre chanson, la partie où elle est la plus chargée.

2 – Mettez tout en « mute », puis commencez par remettre vos sons essentiels. Quel est le plus petit nombre de sons pouvant communiquer clairement l’idée de votre chanson? Le fait de mettre en sourdine certaines parties d’une chanson crée parfois des perspectives intéressantes et peut révéler des choses dont vous n’aviez pas conscience dans vos arrangements — il faut souvent moins de sons pour créer un mix clair. Cela peut vouloir dire pas de remplissage, pas de décorations, pas d’arrière-plan, juste l’essentiel.

3 – Vos sons essentiels partagent-ils un espace commun dans le spectre des fréquences?

Techniquement, si vous en avez moins, les sons sont susceptibles d’occuper moins d’espace et de se heurter moins fréquemment les uns aux autres. En général, il y a quelques zones où vos sons peuvent entrer en conflit :

  • Fréquence : Si vous divisez le spectre en 4 ou 5 bandes, vous voulez que chaque bande ait le même nombre de sons. Les basses fréquences seraient inférieures à 100 Hz, puis 100 à 1 K pour les moyennes, 1 K à 3 K pour les moyennes hautes, 3 K à 10 K pour les hautes, puis 10 K+ pour les sons aériens et les transitoires. Si vous avez du mal à couper vos sons, vous pouvez également isoler certains sons dans différentes bandes.
  • Amplitude : Aussi appelée volume, l’amplitude est souvent mal comprise. Les gens veulent que tout soit TRÈS fort et ont peur que les sons secondaires ne soient pas entendus. Tout se fait entendre dans un mix et parfois, les choses qui sont moins fortes sont bien meilleures. Certains sons doivent être les plus forts, puis les autres doivent être mixés par rapport à ceux-ci. Plus la distance d’amplitude entre vos sons est grande, plus ils auront l’impression de respirer. C’est votre gamme dynamique, un concept qui est souvent mal compris. Je vous recommande de jouer avec des niveaux ici et là. Avoir une modulation sur l’amplitude d’un son est un bon moyen de créer une bouffée d’air frais dans un mix. Vous pouvez utiliser un outil comme MTremolo pour vous donner un coup de main à cet égard.
  • Longueur du sample : C’est quelque chose que beaucoup négligent, mais qui est très important lorsqu’il s’agit d’échantillons. Dans de nombreux cas, les échantillons que les gens utilisent sont trop longs (trop de decay) et cela peut causer beaucoup de bruit, surtout une fois compressé. Prenez les kicks, par exemple ; les gens adorent les gros kicks, mais ne réalisent pas à quel point un long kick est problématique dans les basses fréquences, surtout en mastering. Il coule dans les basses et tout devient mou. J’utilise souvent Transient Shaper (by Softubes) pour raccourcir kicks ou d’autres éléments de percussion. Vous pouvez pousser l’attaque si vous voulez et réduire le decay. Vous pouvez également réduire le decay d’un sample dans Ableton si vous allez dans « Preserve » pour le faire passer en « Trans », vous assurer que c’est à sens unique, et jouer avec le pourcentage pour supprimer le decay.
  • Espace stéréo : Je l’ai déjà expliqué et je m’abstiendrai de me répéter, mais la clarté stéréo est cruciale. Si vos sons sont diffusés de façon incontrôlée, vous risquez d’avoir des problèmes de phase, ce qui signifie que vous vous retrouverez avec des trous et des sons fantômes alors qu’ils devraient être entendus. Je sais que la découverte des problèmes de phase peut être un mystère pour beaucoup de nouveaux producteurs, mais avec un bon système de mesure, vous pouvez les voir. Vous pouvez aussi écouter une partie de votre chanson en mono pour voir si tout se passe bien.

Les erreurs de mix qui provoquent le chaos

Il existe un certain nombre d’outils et d’habitudes qui peuvent créer le chaos dans un mix — je les rencontre souvent, et en voici quelques exemples pour lesquels je peux donner des conseils :

1- Utilisation de boucles de samples : Il n’y a rien de mal à utiliser une boucle préfabriquée ou à échantillonner quelque chose à partir d’une source, mais vous ne pourrez pas accéder aux sons de la boucle individuellement, et vous risquez de vous faire piéger en traitant des problèmes qui existent déjà dans la boucle ou l’échantillon. Si vous utilisez une boucle, placez-la au centre de votre chanson et assurez-vous que les autres samples s’y rattachent. Conseil : L’utilisation de boucles chargées peut être un peu problématique, mais vous pouvez utiliser un compresseur multibande pour les contrôler, ou les mettre en mono et utiliser un outil stéréo multibande comme la the Shaperbox 2 pour décider de la position de chaque son.

2- Cauchemars d’autopan : Faire bouger les choses peut sembler passionnant, mais cela n’aide pas à mixer avec clarté si vous en faites trop. Utiliser plusieurs effets d’autopan sur les sons peut être cool, mais l’oreille humaine ne peut gérer qu’un certain nombre de choses complexes. Si à la première écoute, on ne peut pas comprendre le mouvement clairement, il y a des chances que la modulation n’aide pas. Conseil : n’utilisez qu’un seul effet d’autopan par morceau, au maximum.

3- Delays et reverbs : Les reverbs et delays multiplient ou allongent les sons, les chansons sont plus chargées et donc potentiellement plus confuses. La réverbération peut être utile, mais un type comme Hall peut rendre les choses un peu difficiles. Je vous recommande de régler votre réverbération sur une courte durée et sur un faible niveau de wet/dry. Une réverbération plus sombre peut également aider à préserver les aigus de votre chanson. Conseil : L’utilisation de la réverbération avec une Chamber/Room au début peut vous aider à comprendre combien vous devez en utiliser. De plus, si vous pouvez utiliser un delay au lieu d’une réverbération pour créer des sons plus larges, utilisez un égaliseur pour apprivoiser les fréquences qui entrent en conflit.

4- Compression intense : La compression colle et ajoute du corps aux sons, mais un compresseur avec une release lente et un ratio élevé peut aussi gâcher la précision d’un son. Garder certains transitoires intacts peut vraiment aider un son à sortir d’un mixage. Si vous compressez, utilisez peut-être le rapport magique de 1:1.5 avec une attaque lente pour aider les transitoires à ressortir. Conseil : La compression parallèle est toujours utile pour la clarté.

Mon dernier conseil général est de toujours vérifier votre mix en mono… ça aide vraiment!

J’espère que cela a été utile.

Ma méthodologie de production musicale : Profondeur et astuces de mise en forme spatiale (Pt. III)

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Cet article sur les méthodes de production musicale est un article important. Dans le groupe avec lequel je travaille sur Facebook, je donne de la rétroaction aux gens et je dirais que, même si pour beaucoup d’entre eux, la partie avec laquelle ils ont le plus de difficulté est de trouver un mixage approprié, il y en a une majorité qui a des problèmes avec le champ stéréo. J’ai un tas de trucs qui peuvent aider à transformer un motif 2D en un royaume 3D à en perdre la tête. Commençons par discuter de quelques points concernant la création de musique en 2D, puis de la façon dont vous pouvez lentement la façonner.

Une chose essentielle pour que la musique soit claire, forte et puissante dans un club est d’avoir la majorité de vos sons « en mono », ou en termes techniques, d’avoir vos médiums solides. C’est pourquoi beaucoup de gens diront que faire un mono test sur votre mix pour voir si tout est audible est un bon moyen de savoir. Pourquoi ? Parce que si les sons sont déplacés de façon aléatoire, ils peuvent se mettre en phase avec d’autres, ce qui finira par les annuler une fois en mono.

Bien que cela puisse ressembler à de la magie vaudou si vous faites de la musique comme passe-temps, vous pouvez déposer un outil dans votre DAW pour rendre le signal mono afin que vous puissiez vérifier. (Astuce : dans Ableton Live, c’est l’effet Utility qui vous permettra de le faire).

L’outil Utility d’Ableton Live

C’est pourquoi vous voulez que vos basses fréquences (moins de 100hz) soient en mono. Pour vous assurer qu’il n’y a pas de conflits et que la basse sera épaisse et puissante. Encore une fois, dans Ableton Live 10, vous pouvez activer l’option « Mono Bass » sur l’outil Utility.

Pourquoi dis-je que c’est clair et simple : la profondeur est une chose amusante à avoir dans votre musique, mais si vous devenez trop intense avec elle, cela peut devenir un problème. Donc, tout d’abord, lorsque vous programmez vos motifs et votre musique, essayez de commencer en mono. Assurez-vous que tout est entendu et clair.

Une fois que vous avez créé les arrangements et que vous avez à peu près terminé, mais avant de commencer à mixer, commencez à répandre vos sons pour occuper l’espace en face de vous. Vous ne voulez pas tout avoir au milieu, ça va vous sembler étroit et sans vie. Il y a plusieurs façons d’y arriver et cela va un peu plus loin que le simple panning qui peut être un peu ennuyeux. (Note : beaucoup de mixes que je reçois ont tout en mono !)

CONSEILS POUR DONNER PLUS D’ESPACE À VOTRE MIX

Le Mid/Side est un excellent moyen d’utiliser l’espace dans un mix, mais il est souvent mal compris.

Voici quelques conseils pour donner de l’espace et de la vie, et si vous recherchez ce sujet sur Google, vous en trouverez bien d’autres :

  • Si le son/sample est en mono : essayez de le doubler en dupliquant le canal plusieurs fois, puis faites un panning et expérimentez. En pop, soul, R & B, les producteurs le font souvent et ont jusqu’à 4 duplicatas, répartis sur plusieurs tonalités pour donner des textures sonores. Vous pouvez utiliser un doubleur VST pour faire la même chose, mais il y a quelque chose d’excitant à le faire manuellement. Gardez à l’esprit qu’un clap est en fait 4 couches et ainsi de suite pour vos percussions. Essayez de créer quelque chose de sauvage.
  • Le panning autour de vos sons peut faire l’affaire, mais le rendu sera un peu fade si vous ne l’associez pas à une reverb de qualité. Même à des niveaux très bas, une réverbération créera de l’espace autour du son panoramique. C’est pourquoi je regroupe les percussions en familles (ex. tout organique, tout métal, tout bois, etc.) puis j’ai une réverbération par famille, pas par son.
  • Utilisez des effets stéréo : ceux-ci seront super utiles et par exemple un autopan aidera à donner de la vie et du mouvement. Il s’agit notamment du chorus, du delay, du phaser, du flanger et des wideners (bien sûr). Ceux-ci devraient être appliqués à un son, pas à une famille. Un seul de ces effets par chanson pour éviter les problèmes.
  • Réverbération de qualité : comme décrit ci-dessus, une réverbération de qualité change la donne. Les plug-ins de base ne sont jamais aussi bons qu’une équipe entière qui travaille à faire quelque chose de spécial. Par exemple, tous les plug-ins de Valhalla sont maintenant reconnus comme étant parmi les meilleurs de l’industrie et pour une raison, ils sonnent aussi bien que certaines unités matérielles. Tip Top qui fabrique des synthés modulaires a licencié leur réverbération pour leur z-Dsp 2. Si vous le pouvez, optez toujours pour la réverbération convolution pour votre musique et utilisez-en une seule, dans un AUX/Send. Donc, si vous êtes vraiment dans un morceau en 3D, gardez à l’esprit qu’une réverbération fera 80 % du travail. Le reste consiste à réduire le volume de certains sons pour donner l’impression qu’ils sont plus éloignés. De plus, filtrer les basses fréquences peut donner cette impression. Mélangé à une réverbération de qualité, vous aurez un bel espace.
  • Mid/Side : c’est l’un des aspects les plus mal compris du mixage parce qu’il est vraiment difficile à maitriser. Gardez les choses simples, ce terme fait référence à la façon dont votre espace a la forme de ce que vous avez devant vous. Mid correspond au milieu et les Sides sont situées où se trouvent les haut-parleurs/moniteurs. Si vous abusez trop des Sides, cela provoquera des problèmes de phase (vous l’entendrez dans le mono-check). Mais c’est vraiment intéressant de jouer avec le Mid/Side (aka MS) de vos groupes pour les « ouvrir » un peu.

Dernier conseil : Les basses doivent toujours être en mono et je m’assure habituellement qu’une partie de la mélodie l’est aussi, alors qu’elle peut être partiellement répartie. Le hat principal et les percussions doivent également être forts au milieu, mais vous pouvez alors faire en sorte que le son de soutien de la même famille soit réparti pour donner de la place.