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Croyances et idées reçues en production musicale

août 16, 2022/dans Blogue/par pheek

Vous faites peut-être de la musique depuis un certain temps ou vous êtes totalement novice en la matière, peut-être sur le point de vous lancer dans ce nouveau passe-temps, et vous avez ce sentiment accablant d’être dépassé ou perdu. Soyons honnêtes, certains passe-temps sont plus faciles que d’autres à démarrer. Vous avez peut-être essayé d’être DJ et vous avez vu à quel point il est rapide de s’y mettre, puis vous avez essayé d’être producteur et vous avez trouvé que la courbe d’apprentissage était raide. C’est pourquoi j’ai pensé écrire un article sur les différents défis auxquels les gens sont confrontés lorsqu’ils débutent et sur les solutions ou les stratégies que je donne aux étudiants pour surmonter les émotions difficiles.

CROYANCES ET IDÉES REÇUES EN PRODUCTION MUSICALE

Il existe tellement d’idées reçues sur notre passion qu’il est difficile d’en faire la liste, mais je vais essayer de démystifier les idées qui déroutent les personnes avec lesquelles je travaille.

« LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE EST FACILE À PRODUIRE » OU UNE VARIANTE, « SI VOUS AVEZ TOUT CE DONT VOUS AVEZ BESOIN, ALORS C’EST FACILE »

C’est honnêtement celle que je rencontre le plus souvent. Je discute aussi souvent avec des étrangers à ce sujet et j’ai recueilli un grand nombre de théories. Donc, pour commencer, dire que c’est facile, ce n’est absolument pas vrai. J’ai exploré la musique pendant 30 ans et il y a encore des moments où je ne suis pas totalement sûr de ce que je fais. De plus, j’apprends quelque chose de nouveau chaque jour où je pratique.

Faut-il tout savoir pour faire de la musique? Non, absolument pas. J’ai pu faire plus de 20 albums et sur certains d’entre eux, je ne faisais qu’effleurer la surface de ce qu’est la production.

L’idée que c’est facile vient de la comparaison avec quelqu’un qui prend une guitare et exécute parfaitement la théorie musicale, les rythmes et tout ce qui est lié à la musique. C’est plus difficile et c’est quelque chose que tout le monde ne peut pas faire. En apparence, la technologie a démocratisé la création musicale en créant un grand nombre d’outils, de logiciels et de matériels qui permettent à beaucoup de gens de faire plus que ce que tout le monde pouvait faire il y a plus de 30 ans. Cela ne veut pas dire que c’est plus facile.

Si vous voulez faire une boucle et jouer de la musique, oui, cela peut être similaire aux jeux vidéo et c’est honnêtement là que se trouve le plus grand plaisir. Quiconque veut aller plus loin aura vite l’impression que ce n’est pas suffisant et en voudra plus.

C’est là que la deuxième variante entre en jeu, avec l’idée que vous avez besoin de quelque chose d’autre pour le faire. Toutes les publicités auxquelles nous sommes exposés ou si vous parlez à d’autres producteurs, ils vous diront rapidement tout ce dont vous avez besoin… Ce qui est un peu un piège.

Je l’ai déjà dit plusieurs fois, mais pour faire de la musique, il faut au minimum un appareil capable de produire un son (téléphone portable, tablette, matériel informatique, ordinateur) et quelque chose pour écouter (casque, enceintes). C’est vraiment tout ce dont vous avez besoin.

Lorsque je dis cela aux gens, j’obtiens souvent la fameuse réponse « Je savais que c’était facile! ».

C’est alors que je lâche la bombe.

Oh oui, c’est facile… Il vous suffit de comprendre la théorie de base de la conception sonore, le flux du signal, les principes fondamentaux de la musique, l’ingénierie, la narration et peut-être aussi l’enregistrement, pour n’en citer que quelques-uns. Et encore, c’est déroutant parce qu’en tant que nouveau venu, vous pouvez être conscient du peu que vous savez et cela déclenche la confusion et la frustration.

C’est donc là qu’il y a un paradoxe. D’un côté, tout est là, mais cela ne signifie pas que vous saurez comment vous y prendre pour réaliser ce que vous voulez faire.

Mon approche est simple : il s’agit de convaincre toute personne qui se lance dans la musique de commencer par de petits pas. J’ai vu beaucoup de gens qui voulaient apprendre à jouer du piano et certains des premiers exercices qu’ils commencent sont de se familiariser avec les mains sur les notes, de jouer avec les gammes et, en gros, de s’entraîner à monter et descendre les touches. Si vous apprenez le piano, c’est ce que vous vous attendez à faire au début, car c’est la base du jeu.

En ce qui concerne la musique électronique, les gens ont des idées très variées. Ils veulent faire une chanson, ils veulent faire de la musique comme un artiste qu’ils aiment, ils veulent essayer ceci et cela… Il y a tellement de choses à faire et il n’y a pas vraiment de méthodologie, alors les gens essaient et échouent souvent.

D’autres mythes s’ensuivent.

« On fait une chanson en commençant par le début et en la terminant ».

Celle-ci est probablement la plus nuisible de toutes, car elle place les gens dans un flux de travail qui est contre-productif, aliénant et tout simplement pas amusant du tout. Si vous connaissez ce blogue, vous savez que je pense que faire une chanson à la fois est l’une des pires façons de travailler. Réfléchissons donc à ce que cela signifie pour vous de faire une chanson, ou à ce qu’une chanson est censée être.

Pour certains, c’est une petite histoire, pour d’autres, c’est une expérience, ou cela peut être un morceau à jouer par les DJ. Ce qu’elles ont toutes en commun, c’est qu’elles ont un début et une fin, plus quelques idées qui évoluent (ou non) au milieu. Certaines chansons ont une seule idée, d’autres plusieurs. Mais ce que cela signifie, c’est que chaque chanson a besoin d’au moins une idée. C’est là que la musique commence, en trouvant des idées. Cela signifie que vous pouvez écouter une musique que vous aimez et aimer quelque chose en elle. Peut-être avez-vous envie de sampler quelque chose d’un vieux disque ou simplement d’écrire vous-même les notes d’une mélodie.

J’insiste généralement sur l’importance de trouver des idées comme l’une des principales choses à faire, parce que ce n’est pas difficile à faire et parce que c’est amusant. L’autre chose que je dis aux personnes qui débutent est de passer d’innombrables heures dans leur logiciel de musique et de ne pas avoir d’autres objectifs que de tout tester avec une curiosité et une ouverture infinie. Plus vous avez d’objectifs face à quelque chose que vous ne comprenez pas, plus vous risquez d’être perdu et de vous désintéresser. L’une des principales conditions pour trouver le flux dans une activité est de faire quelque chose qui semble faisable, mais un peu difficile tout en s’amusant.

Il faut commencer par explorer, se familiariser avec le logiciel et faire de petites expériences.

Voici quelques petits projets que vous pouvez réaliser si vous êtes vraiment novice en la matière :

1- FAITES GLISSER UN MORCEAU OU DES ÉCHANTILLONS QUE VOUS AIMEZ DANS VOTRE LOGICIEL ET JOUEZ AVEC.

Coupez-le, ajoutez des effets, étirez-le, augmentez ou diminuez son pitch, détruisez-le sauvagement et voyez ce qui se passe. Notez ce que vous faites et soyez conscient que certains outils donnent des résultats spécifiques.

2- PASSEZ DU TEMPS À JOUER 1-2 NOTES SUR UN CLAVIER ET ÉCOUTEZ LES RÉSULTATS.

Cela signifie, testez tous les synthés que vous avez, les samplers. Jouez des notes longues ou courtes, et voyez comment ils se comportent. Enregistrez les notes et essayez d’enregistrer le son, détruisez-le.

3- ÊTRE RÉACTIF AU LIEU DE COLLECTIONNER.

L’une de mes approches en matière de musique consiste à choisir n’importe quel son et à me dire que si quelqu’un me payait 1000 dollars pour faire une chanson avec ce son, que ferais-je? Le problème pour de nombreuses personnes est qu’elles ont accès à beaucoup trop de choses et qu’elles vont passer toute la session de studio à chercher un son spécifique qu’elles ne trouveront jamais. Cela vous rend créativement paresseux. Vous apprendrez davantage en travaillant avec quelque chose de médiocre qu’en recherchant le son parfait. Vous pourriez même apprendre à créer des sons que vous aimez en faisant des gaffes.

Si nous sommes d’accord sur le fait que ce sont les idées qui font les chansons et que vous aimez des idées spécifiques, vous devez vous entraîner à jouer pour acquérir de l’aisance, de la spontanéité et du contrôle afin de pouvoir éventuellement créer vos propres idées. C’est pourquoi j’invite les gens à jouer avec ce qu’ils ont pour acquérir une certaine fluidité.

DONC, POUR RÉSUMER :

Pour faire de la musique, on n’a pas besoin de beaucoup.

Il y a beaucoup de choses à savoir, mais il n’est pas nécessaire de tout savoir pour s’amuser.

Si tu t’amuses, tu auras envie de passer du temps à explorer.

Reste curieux de ce qui te semble inutile ou trop compliqué.

L’exploration signifie la pratique.

La pratique apporte de nouvelles idées.

Les idées peuvent être transformées en chansons.

Il est plus facile de tirer le meilleur parti d’un son que de chercher le son parfait.

La simplicité est synonyme de sophistication.

Faire de la musique, c’est s’amuser. Si vous n’avez pas l’impression de vous amuser, vous ne le voyez pas sous le bon angle.

Dernière croyance qui cause du tort :

« J’AI DE GRANDES IDÉES EN TÊTE, MAIS JE N’ARRIVE PAS À LES METTRE ENSEMBLE DANS MES CHANSONS »

Tout ce que l’on a en tête est merveilleux, mais une fois que l’on essaie de le reproduire, les choses ne sont jamais vraiment identiques à ce que l’on attend. Depuis des années que je fais de la musique, je n’ai jamais vraiment réussi à traduire mon monde intérieur en sons. Peut-être que si vous êtes un chanteur ou un artiste folklorique, c’est plus facile, mais dans le domaine de la musique électronique, les choses sont complètement différentes. Vous pouvez avoir une belle idée de mélodie, mais il vous faut le bon son. Vous pouvez avoir le bon son, mais la mélodie risque de ne pas correspondre. Plus vous poursuivez quelque chose d’abstrait, moins vous aurez de prise sur ce que vous contrôlez réellement.

Il y a un grand nombre d’éléments qui peuvent vraiment obscurcir votre jugement et courir après quelque chose m’a toujours apporté de la frustration. J’ai parfois eu beaucoup plus de plaisir à travailler sur des idées simplistes qu’à me lancer dans un projet très ambitieux. Cela ne signifie pas que vous devez vous arrêter, mais il est important de comprendre où vous en êtes, techniquement, et de fonctionner avec vos compétences actuelles.

Quelqu’un m’a demandé comment faire de très longs morceaux techno comme le font certains artistes. Je lui ai répondu : « Ne fais pas ça ». Il était surpris et déçu. Je lui ai expliqué qu’il était plus important qu’il devienne d’abord très bon dans ce qu’il fait maintenant. Ensuite, une fois que la base est solide, on peut élargir et faire quelque chose d’un peu plus difficile. J’ai exploré des morceaux plus longs une fois que j’ai réussi à en faire de solides de 6 minutes, puis je suis passé à 8, puis 10, et enfin plus.

UN CONSEIL BONUS :

« Mon ami m’a dit que ce logiciel est nul »

J’aurais pu ajouter beaucoup de citations ici, mais ce que je veux dire, c’est que beaucoup de gens vous diront quelle est leur expérience et comment ils sont arrivés à certaines conclusions, mais au final, ce n’est que le point de vue de quelqu’un. Je me méfie toujours des gens qui me disent de ne pas faire quelque chose (surtout si je n’ai jamais demandé de conseils) et je suis plus curieux de ceux qui expliquent comment ils ont réussi à faire quelque chose que j’aime. Beaucoup de gens ont des règles auto-imposées qui sont super bizarres et qui ne sont soutenues par rien de technique. J’ai souvent entendu des affirmations bidon selon lesquelles un logiciel n’était pas assez bon (FLStudio, par exemple, est souvent décrié) ou qu’un plug-in n’est pas fait pour la musique, alors que je connais beaucoup de gens qui ont fait des idées incroyables avec les installations et les ressources les plus ridicules. Ce qui compte, ce n’est pas ce que vous utilisez, mais ce que vous en faites.

« Définition de fini » en production musicale

août 16, 2022/dans Blogue/par pheek

Il s’agit d’un scénario courant qui implique que quelqu’un doute de l’état d’avancement de sa chanson, principalement pour savoir si elle est terminée. Vous êtes peut-être cette personne. Vous avez l’impression que votre chanson est terminée, vous l’exportez, vous l’écoutez dans la voiture ou avec des amis et puis vous sentez cette vague de malaise qui vous envahit parce que vous remarquez toutes les erreurs et les choses qui ne vont pas. Laissez-moi vous rassurer : vous n’êtes pas seul et cette situation est plus fréquente que vous ne le pensez.

Le concept de définition de fini (Definition of Done, DoD en anglais) est un concept que j’ai emprunté au processus Agile, qui est typique des codeurs ayant affaire à un scrum master, principalement dans la gestion de projet. En Agile, il y a des sprints où un objectif est fixé, puis des tâches/actions sont entreprises pour atteindre un certain point. Ils conviennent que la tâche est terminée lorsqu’un certain nombre de critères sont remplis. Cela peut s’appliquer à n’importe quel projet, du désherbage de votre jardin à la préparation d’un repas.

Dans un monde qui n’est pas celui du monde numérique, avec des 1 et des 0, le concept de « fini » peut être un peu délicat, car le niveau de maîtrise peut changer selon la personne qui établit la définition de fini. En d’autres termes, vous pourriez convenir que ma définition de fini sur une chanson sera très différente de celle d’une personne novice en musique. Et ce n’est pas grave.

Il existe quelques concepts que nous pouvons examiner et qui vous aideront à vous défaire des murmures de votre voix intérieure.

Une chanson n’est jamais vraiment terminée

Celle-là fait mal, hein? Mais je vous le dis, il n’y aura jamais un domaine où l’incertitude peut vous frapper plus que la musique, principalement parce que les choses sont abstraites dans le monde des sons. Votre principal ennemi est vraiment vous-même et le jugement que vous portez sur ce que vous faites change tous les jours, parfois même en une journée. Vous ne le saurez jamais vraiment, honnêtement, mais il y a certaines choses qui peuvent vous aider. Je ne m’adresse pas à vous pour vous dire de laisser tomber. Ce qui m’intéresse, c’est de savoir jusqu’à quel point je peux vivre avec des imperfections et jusqu’à quel point une personne au hasard les remarquera. C’est là que ça compte.

Il y a un certain nombre de choses que nous ne savons pas et il y a aussi une zone grise de choses que nous ne savons même pas que nous ne savons pas. Votre chanson se situe entre les deux et votre futur moi, dans 10 ans, comprendra avec plus de compassion que cette chanson a été réalisée dans les limites techniques du moment. Et c’est vraiment bien, croyez-moi.

Les références révèlent la vérité

C’est là que beaucoup de gens échouent. Vous ne pouvez pas savoir que vous avez terminé si vous n’avez pas de modèle. Par exemple, vous pouvez cuisiner une pizza, mais honnêtement, si vous n’en avez jamais mangé (je vous plains!), il est assez difficile de la comparer à quoi que ce soit. J’ai mangé l’une des meilleures pizzas de ma vie à New York et ce goût s’est forgé comme mon préféré. Chaque fois que je mange une pizza maintenant, que ce soit à l’aéroport ou dans un petit restaurant, mon esprit la compare à celle que j’ai mangée à New York. C’est la même chose avec le son. Lorsque je fais du mastering ou du mixage, j’ai des modèles d’autres projets et je sais exactement comment je veux que ça sonne.

Pour les arrangements, ce qui est facile, c’est de charger un morceau dans Ableton ou dans votre DAW et de s’en servir comme d’un moule. J’encourage les gens à faire une écoute critique, à compter combien de sons ils entendent dans la référence et à la comparer à la leur. Très souvent, les gens ont beaucoup trop de choses qui se produisent en même temps ou peut-être qu’il y a un élément de moins — et cela aide beaucoup. Même chose pour les niveaux, dans le mixage.

Mais je veux sonner de manière unique… je vous entends dire. Bien sûr, vous y arriverez, mais vous devez d’abord acquérir de solides compétences en matière de finition des chansons.

Encore une fois, la plupart du temps, quand quelqu’un n’arrive pas à déterminer s’il a terminé ou non, je lui demande d’abord « comparé à quoi? ». Principalement parce que si on ne compare pas avec quoi que ce soit, on se sent juste arbitraire dans la décision et c’est pourquoi vous aurez l’impression de dire oui ou non, selon votre humeur et votre niveau d’insécurité.

Enfin, faites attention à ne pas vous comparer à un fichier masterisé. Vous risquez de vous mettre en situation d’échec si vous vous comparez à une chanson qui a été faite par un musicien qui a plus d’expérience que vous, qui a sorti beaucoup de musique et aussi, si la chanson est masterisée et que la vôtre ne l’est pas, eh bien, ce ne sera pas égal. Vérifier les volumes (par exemple, snare ou kick), ainsi que d’autres détails, donne lieu à un combat plus équitable.

Demandez une rétroaction

Il existe de multiples façons de demander une rétroaction et de nombreux endroits pour le faire également. Vous pouvez en obtenir gratuitement dans mon groupe Facebook (quand je suis libre) ou par le biais de mon programme Patreon. Vous pouvez demander à d’autres producteurs, même s’ils ne sont pas très expérimentés, mais assurez-vous qu’ils écoutent dans le bon état d’esprit, ou dans le bon contexte (certains écoutent sur leur téléphone, non!).

Faites des pauses et prenez du recul

Cela a été dit à maintes reprises sur ce blogue, mais les sessions de studio de plus d’une heure peuvent vous conduire à vous tromper sur ce que vous faites. Vous pouvez penser que c’est génial ou nul, peut-être que ce n’est ni l’un ni l’autre parce que votre jugement, honnêtement, s’arrête après 1 h de travail. Cela s’appelle la fatigue décisionnelle et vous en avez peut-être déjà fait l’expérience.

Je fais des sessions de 1 h max, mais de préférence de 20 minutes à la fois, avec des pauses. Je laisse mes morceaux dormir pendant des semaines ou des mois. Quand je les rouvre, je veux les avoir suffisamment oubliées pour avoir l’impression d’écouter la chanson de quelqu’un d’autre et on sait tous à quel point on est bon critique quand ce n’est pas la nôtre. Je crée des projets et les retravaille souvent 3 ou 4 ans plus tard. C’est vraiment amusant et finalement, quand vous créez ces sessions, vous en avez un paquet et vous redécouvrez toujours des pépites dormantes.

Lorsque j’ai une très bonne idée et que je sens que ce serait vraiment bien, je m’arrête généralement là et JE NE TRAVAILLE PAS DESSUS! Je la laisse dormir pendant des mois. Surtout parce que ce que je pense être une idée géniale peut ne pas en être une et si c’est le cas, je veux que ce soit mon futur moi qui s’en occupe. D’ici là, j’aurai réfléchi, accumulé de nouvelles idées, acquis de nouveaux plug-ins et de l’expérience, de sorte que lorsque j’ouvrirai ce joyau endormi, j’aurai tout ce qu’il faut pour le transformer en ce que je veux. Parfois, je travaille sur une super chanson et il me manque peut-être quelque chose, alors je peux aussi saisir cette idée et la transformer en une bombe presque finie, qui sera certainement au-delà de ce que j’attendais.

Décidez quand vous vous sentez bien

Cette question peut être déroutante ou tellement évidente que vous pouvez vous sentir pris au dépourvu. Pensez à la dernière fois que vous avez vu l’un de vos amis sur son fil d’actualité Facebook dire qu’il avait abandonné sa carrière de DJ ou quelque chose comme ça… eh bien, en fait, il prend une décision quand il se sent mal. Si vous décidez d’abandonner, vous avez accumulé de la frustration. C’est la même chose pour vos projets. Comme le suggère la recommandation précédente, faire des pauses et attendre avant de prendre une décision est tout à fait sain et vous permet d’attendre le moment où vous vous sentez vraiment bien dans votre chanson. Surtout si vous avez l’impression que la moitié du temps où vous l’écoutez, c’est bon pour la poubelle. Dans le doute, la plupart du temps, les pauses sont cruciales. Si 90 % du temps vous avez le sentiment que quelque chose a besoin d’être corrigé, alors faites-le.

Comment établir votre définition de fini :

Maintenant que nous avons abordé les stratégies permettant de savoir si votre chanson est terminée, examinons comment établir votre propre définition du terme « fini ».

1- Choisissez une référence (ou plusieurs), comme nous l’avons vu précédemment. Il s’agit de donner le ton, l’esthétique, la direction. Décidez et engagez-vous sur ce que sera cette chanson (une ballade? un drone ambiant? une bombe pour le dancefloor?) puis trouvez quelque chose de solide qui vous servira de référence. Vous vous y référerez.

2- Analysez votre référence et sachez quelles sont les exigences minimales. Comprenez à l’avance ce que vous ne pouvez pas faire à partir de celle-ci et ce que vous pouvez contrôler. Demandez de l’aide, consultez des tutoriels et faites le maximum.

3- Décidez à l’avance ce que vous allez faire et ce que vous ne pouvez pas faire. Si vous vous connaissez et que vous connaissez les parties où les choses sont un peu plus difficiles, vous pouvez toujours demander de l’aide. Il y a cette idée fausse que l’on devrait être capable de tout faire soi-même, mais c’est contre-productif. Voulez-vous être moyen dans tous les aspects de la production? L’idéal est de s’amuser d’abord et de s’améliorer, mais vous pouvez aussi demander de l’aide : des amis, d’autres producteurs, moi-même.

4- Fixez-vous un plan. Vous pouvez vous fixer une échéance, mais aussi des zones de non-actions à entreprendre.

5- Définissez quelques points de ce que seraient certains objectifs de « fini ». Il peut s’agir de l’étendue du mixage que vous voulez faire (ex. je vais passer 2 h maximum au mixage). Ou « Je veux que ma batterie soit très punchy » comme un objectif à atteindre. Peut-être que votre chanson ne sera jamais aussi punchy que ce dont vous rêvez, mais lorsque vous demandez un retour à quelqu’un qui ne l’a jamais entendue, vous pouvez lui demander s’il pense qu’elle a du punch. Si vous demandez un avis général et vague, vous obtiendrez des réponses vagues.

6- Testez en contexte. Jouez votre morceau dans un mix de DJ ou demandez à un ami DJ de le jouer. Voyez ce qui se passe, comment il sonne par rapport aux autres morceaux. Ce seul fait peut révéler de nombreux défauts et points forts. J’aime aussi glisser une référence dans mon DAW et jouer mon morceau avec un autre, les mixer ensemble, pour que je puisse voir si cela fonctionne avec les arrangements.

Conclusion

Cette approche a prouvé à de nombreuses reprises avec des clients qu’elle fonctionne. Plus vous êtes préparé, mieux c’est. Devez-vous toujours faire cela? Non. Je le fais surtout lorsque j’ai des périodes où je manque d’inspiration ou lorsque je suis engagé pour un contrat plus important. Mais c’est bien de le mettre en pratique ici et là, de sorte que lorsque vous êtes confronté à des défis, vous ne vous lancez pas là-dedans sans avertissement. Cela pourrait en fait se retourner contre vous.

Photo par Brett Jordan sur Unsplash

Réflexions sur les idées « moyennes »

juin 28, 2022/dans Blogue/par pheek

Ce qui bloque nombre de gens dans la création musicale, c’est la recherche de l’idée parfaite. Souvent, ils pensent qu’ils doivent faire quelque chose de révolutionnaire pour que cela vaille la peine de travailler dessus. Ce n’est pas le cas. Il existe de nombreuses chansons que les artistes considéraient comme médiocres, mais qui ont fini par devenir des succès pour eux. Deadmau5 en est un bon exemple : il pensait que son tube « Strobe » ne fonctionnerait que sur une face B. Il s’avère que c’est l’une de ses chansons les plus célèbres.

Si vous avez un processus et savez comment créer un mood board, il est possible de transformer des chansons moyennes en grandes chansons, ou des chansons moyennes en chansons que les gens apprécieront pour d’autres raisons. Ceci étant dit, cet article portera sur l’importance de travailler sur des idées moyennes.

TRAVAILLER SA MUSIQUE POUR LE PLAISIR

Parfois, les plus grandes surprises en musique viennent de ce que l’on fait dans le noir, sans savoir si ce sera bon ou pas. Ces moments impliquent de bricoler, de créer des boucles, d’extraire des sons de notre banque de samples et de tripoter des synthés juste pour le plaisir. Cependant, il arrive que l’on y travaille pendant des heures, que l’on n’y voie aucun potentiel et que l’on soit frustré. Par exemple, en ce moment, je travaille sur un nouveau set techno live, et rien ne me semble très inspirant. Cependant, je me rends compte que si je continue à travailler dessus, en suivant ma liste de contrôle et mon processus, quelque chose d’intéressant finira par se produire. Je comprends que, même si ce n’est pas la meilleure composition, cela pourrait être une face B, qui présente ses propres avantages et dont je parlerai plus loin dans cet article.

LE PROCESSUS

Tout d’abord, passons en revue ma liste de contrôle et mon processus. La première étape de mon processus est ce que j’appelle une « production non linéaire ». La production non linéaire est une façon de travailler où, dans un premier temps, vous résumez des idées, et vous empilez un tas de sons que vous aimez dans la vue « Live », au lieu de la vue « Arrangement ». Cela vous permet essentiellement de construire un mood board de sons dans lequel vous pouvez puiser et avec lequel vous pouvez jouer. Pour ce faire, je me force à enregistrer tout ce qui sort, littéralement tout et n’importe quoi. Ensuite, je commence à activer et désactiver des clips et voir ce qui se passe. Souvent, en faisant cela, j’obtiens bien plus que des boucles : j’obtiens des phrases entières qui deviennent des parties entières de la composition. Et comme je fais de la techno, basée sur des boucles et suivant un modèle prévisible, les choses commencent à se mettre en place.

Avant de continuer, j’ai une remarque à faire : je ne vais jamais au studio dans le but de faire de la musique moyenne. Les gens qui insinuent que je fais cela après avoir dit qu’ils devraient travailler sur de la musique moyenne, sont en quelque sorte offensants. J’essaie toujours de faire quelque chose de bien.

Cependant, je ne suis qu’un être humain, et parfois j’ai des idées moyennes que je décide de travailler afin de voir ce qui se passe. Parfois, quelque chose d’amusant se produit, ce qui me permet de faire un arrangement fantôme en passant par ma liste de contrôle. Une partie de ma liste de contrôle consiste à ajouter une ligne de basse groovy. C’est fondamental pour beaucoup de mes morceaux. Ensuite, je me demande s’il est approprié de répondre à cet appel avec un arrangement similaire. Par exemple, est-ce qu’un lead répond bien à la ligne de basse?

Une fois que j’ai déterminé cette partie fondamentale de la structure, je me dis : « Puis-je créer un élément complémentaire, comme un son de fond? » Je commence donc à parcourir mon mood board et à choisir des sons qui, selon moi, s’intégreront bien à l’arrière-plan. Il peut s’agir de bruitages, d’enregistrements de terrain ou même de textures à ajouter à l’instrumentation.

Ensuite, je commence à construire vers l’extérieur, car normalement ce que je fais dans l’esquisse finit par être la partie centrale de l’arrangement. J’ajoute donc une outro et une intro. Une fois que ces parties sont terminées, je commence à penser à tous les éléments qui font plaisir à l’oreille — les détails et les fioritures. Cela inclut généralement un élément bizarre qui rend la chanson folle et inhabituelle. Puis, une fois que j’ai rassemblé tous ces éléments, il arrive que quelque chose de moyen puisse devenir assez cool.

LE TEMPS GUÉRIT TOUS LES MAUX

Alors que se passe-t-il quand vous faites tout ça, et que le résultat est un peu « bof »? Facile. Il suffit de se détendre une minute. Très souvent, les étudiants enregistrent quelque chose qu’ils considèrent comme médiocre sur le moment, mais lorsqu’ils l’écoutent dans un autre état d’esprit, cela change. Ce que vous pensiez être ennuyeux il y a un moment peut sembler excitant maintenant, ou du moins, valoir la peine d’être travaillé.

La perception sera toujours l’ennemi du progrès. Nous devons tous nous rappeler que certaines musiques sonnent bien à certains moments, et à d’autres, moins bien. De même, il arrive qu’un son ne vous plaise pas particulièrement dans le contexte dans lequel il se trouve, mais qu’une fois associé à une autre esquisse, il prenne une vie qui lui est propre. Ou il peut être moyen, et c’est correct! Comme je l’ai déjà dit, ce qui est moyen pour vous peut être génial pour un autre auditeur.

L’AVANTAGE DES FACES B

Le fait est que les morceaux ordinaires, à mon avis, résistent à l’épreuve du temps plus longtemps que les arrangements compliqués. Quand je fais du mastering, beaucoup des idées que j’aime ne sont pas si originales ou révolutionnaires, elles sont plutôt efficaces car elles couvrent tous les éléments d’une chanson que je trouve importants. Les trucs extravagants? Pas vraiment. Peut-être quelques compositions des Chemical Brothers ou de Plastikman, mais globalement, non, du moins à mon avis.

Les faces B font souvent partie de la meilleure musique qui soit, surtout du point de vue d’un DJ. Elles sont typiquement fonctionnelles et remplies de moins de fioritures que le single principal. Elles peuvent donc être facilement mixées et utilisées comme un outil, permettant aux DJ de créer des moments uniques à la volée pendant leurs sets. Pour cette raison, ils n’obtiendront peut-être pas autant de lectures sur des sites comme Spotify, mais ils pourraient être plus performants sur des sites comme Beatport ou Traxsource.

Une fois encore, je dois mentionner le cas de Deadmau5 “Strobe”. Il pensait qu’il s’agirait d’une face B, il l’a donc soumise en tant que face B au label, et c’est devenu l’une de ses plus grandes chansons. Ce que vous pensez être une face B pourrait devenir votre titre principal.

TRANSFORMER L’ORDINAIRE EN EXPÉRIMENTAL

Une chose que les gens oublient, c’est que parfois il est bon de faire de la musique expérimentale à partir de musique ordinaire. Vous vous souvenez de cette idée moyenne que vous avez eue auparavant? Vous pouvez la rendre extraordinaire avec quelques astuces simples. Tout d’abord, construisez une longue chaîne d’effets sur l’une de vos pistes de retour. Ensuite, prenez des canaux et commencez à les envoyer sur le retour. En faisant cela, vous pouvez vous retrouver avec des motifs syncopés vraiment bizarres et des textures très éloignées de ce que vous avez fait à l’origine. Vous pouvez soit laisser ces textures tout au long du morceau, soit les utiliser pour créer des moments de surprise afin de décontenancer l’auditeur. Par exemple, je suis récemment allé voir Chaos in the CBD et l’un des moments les plus forts de leur concert a été, au milieu du set, cette fusion sonique sauvage, qui partait d’un montage d’une chanson des années 90. J’ai trouvé ça génial parce qu’ils ont pris quelque chose de vieux et l’ont rendu nouveau, quelque chose que j’ai abordé dans l’articule sur Murakami.

FAITES DE LA MUSIQUE POUR VOUS

Beaucoup de gens se préoccupent de faire de la musique pour les autres, qu’il s’agisse d’un DJ ou d’un label. Pourtant, la plupart des grandes musiques proviennent de personnes qui les font pour elles-mêmes. Lorsque vous faites de la musique pour un DJ ou un label, vous vous retrouvez souvent à essayer de lire dans leurs pensées et à suranalyser leurs intentions. Les propriétaires de labels se plaignent alors que tous les morceaux qu’ils reçoivent sonnent exactement de la même façon. Bien que ce soit un produit de leur propre fait, car ils ne signent souvent que des morceaux qui correspondent à leur méta, en même temps, ils n’ont pas tort. Les producteurs mémorables n’essaient pas d’imiter. Au contraire, ils créent quelque chose que les autres essaient d’imiter. Et pour créer quelque chose d’unique, il faut que cela vienne d’un lieu d’authenticité. Et parfois, si vous vous contentez d’esquisser des idées, de former un mood board et de travailler sur des chansons qui ne correspondent pas tout à fait à un paradigme, c’est là que des choses vraiment fascinantes se produisent.

LA GRANDEUR EST LA SOMME DE CHOSES MOYENNES

En d’autres termes, ne vous préoccupez pas de choses moyennes ou non, commencez simplement à produire. Après tout, si vous essayez de vous faire remarquer, les algorithmes favorisent la fréquence, alors continuez à sortir des choses. La plupart n’auront pas un succès fou, mais si vous continuez à le faire, de temps en temps, vous pouvez obtenir un hit.

Différence entre la musique artistique et la musique commerciale

avril 3, 2021/dans Blogue/par pheek

On me demande souvent quelle est la différence entre la musique artistique et la musique commerciale. Et bien qu’il y ait beaucoup de subjectivité dans la musique, je pense avoir une assez bonne réponse à cette question.

Avant d’entrer dans le vif du sujet, je tiens à préciser que tous les musiciens sont des artistes. Cependant, il y a une différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Les gens ont des raisons différentes pour lesquelles ils font de la musique. Certains le font parce qu’ils veulent la gloire, ou du moins une gloire relative dans leur niche ou leur domaine. D’autres le font parce qu’ils ont un désir insatiable d’innover. Et quand ils innovent, ils prennent souvent des risques. Et c’est ce risque qui sépare les deux.

Je suppose que la majorité d’entre eux le font pour se situer quelque part au milieu, c’est-à-dire qu’ils souhaitent être remarqués, mais ont en même temps un désir inné de créer quelque chose de révolutionnaire. Ensuite, à partir de ce milieu, ça penche d’un côté ou de l’autre, en fonction de l’individu.

S’il est possible d’être à la fois artistique et commercialement prospère, il faut souvent faire des concessions en fonction de ses motivations.

Tout d’abord, définissons ce que j’entends par les deux.

MUSIQUE COMMERCIALE

Dans mon esprit, la musique commerciale ne signifie pas nécessairement le Top 40. Il existe des tonnes de musique commerciale que vous n’entendrez jamais sur une radio pop. Mais vous pouvez l’entendre sur une station de radio spécifique à un genre. Et pour être diffusées sur ces stations, les chansons ont généralement fait l’objet de groupes de discussion, où des consultants et des études de marché ont déterminé quelle était la formule gagnante pour une chanson. Il peut s’agir de la longueur, de la structure de la chanson, de l’instrumentation et du contenu lyrique, entre autres facteurs.

En d’autres termes, c’est de la musique basée sur des modèles ou des formules.

Puisqu’il s’agit avant tout d’un blogue sur la musique dance, concentrons-nous sur la techno. Si vous regardez le Top 100 des chansons techno de Beatport, le son techno dominant de nos jours est de 130 BPM +/-3 BPM.

Ils ont tous une sorte d’« intro DJ » pour faciliter le mixage, généralement un kick ou une ligne de synthé répétitive. En outre, leurs breakdown se produisent à peu près aux mêmes moments — 2 ou 3 breakdown plus courts dans la première moitié du morceau, suivis d’une longue montée en puissance et d’un breakdown quelque part dans le dernier tiers du morceau.

Il n’y a pas beaucoup de variations dans la composition, car c’est une musique conçue pour être mixée par des DJ, et dès que l’on change la composition, elle devient plus difficile à mixer pour un DJ.

En fait, ce type de musique, quel que soit le genre, est conçu pour être compris rapidement par les gens.

LA MUSIQUE PEUT TOUJOURS ÊTRE COMMERCIALE, MÊME SI ELLE EST UNDERGROUND.

Vous avez donc créé un morceau de Rominimal, qui est sans aucun doute un genre underground. Cependant, l’underground ne signifie pas qu’il n’est pas commercial. S’il s’agit d’un morceau Rominimal qui suit la même formule que ce qui l’a précédé, empruntant des sons et des structures à des pionniers comme Raresh, Petre Inspiresu et Rhadoo, il y a de fortes chances qu’il existe pour être vendu à d’autres DJs Rominimals, plutôt que pour l’art. Un producteur qui adopte une approche artistique prendrait le cadre Rominimal et le retournerait, tout comme ces trois pionniers l’ont fait lorsqu’ils ont réimaginé la minimale.

MUSIQUE ARTISTIQUE

La musique artistique est une musique qui ne cherche pas à être autre chose, ni plus ni moins. C’est une musique qui vient d’un lieu d’authenticité, plutôt que d’un désir d’être entendu ou compris. Elle implique des structures de chansons non conventionnelles, des timbres réimaginés, comme le couvercle d’une poubelle en guise de snare, des paroles en flux de conscience, des signatures temporelles bizarres, des changements de tonalité, etc. En d’autres termes, la musique artistique prend des risques.

L’ÉQUILIBRE ENTRE L’ART ET LE COMMERCIAL

Il convient de noter que la musique artistique peut également connaître un succès commercial, et même être populaire. Il existe de nombreux artistes à succès dont la musique est artistique. Parmi les exemples classiques, citons The Clash, The Talking Heads et Pink Floyd. Des exemples plus modernes sont Radiohead et Billie Eilish.

Alors, qu’est-ce qui fait que ces musiciens se concentrent sur l’art plutôt que sur le commerce? Bien qu’ils aient leurs succès commerciaux, ceux-ci ne définissent pas l’ensemble de leur catalogue.

EXEMPLES CLASSIQUES

Pink Floyd, avec son tube « Money », est en ⅞ et utilise beaucoup de sonorités folles. Cependant, cette chanson est probablement jouée des milliers de fois par jour, et ce, depuis presque 50 ans. C’est cette signature temporelle et l’utilisation de sons qui font la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Un autre bon exemple de ceci est « Losing My Religion » de REM. Il n’y a pas de refrain discernable dans cette chanson. Ce ne sont que des couplets, avec une mélodie qui se répète. Elle fait également une large place à la mandoline. Pourtant, elle reste l’une de leurs chansons les plus populaires, même si elle bouscule les conventions. Lorsqu’il s’agit d’évaluer la différence entre la musique artistique et la musique commerciale, l’examen de la structure est un bon point de départ.

EXEMPLES MODERNES

Un exemple de chanson artistique pop moderne est « Uncle Ace » de Blood Orange. Ce qui est intéressant dans cette chanson, c’est qu’elle ressemble à quelque chose qui aurait été écrit par Prince. Elle comporte également des parties qui ressemblent à un refrain, mais en réalité, elle n’en a pas.

La structure de la chanson va plutôt comme suit : intro>couplet>pont>couplet 2>pont/accroche>pre-outro>outro, sans qu’on puisse discerner de parties similaires les unes aux autres, à part peut-être les couplets. Une fois encore, c’est cette structure qui fait la différence entre la musique artistique et la musique commerciale.

Une autre artiste contemporaine qui fait de la musique commerciale artistique est Billie Eilish. Son tube « Bury A Friend » est une chanson en shuffle et syncopée qui sample une perceuse dentaire, un four Easy Bake, du verre et un pistolet à agrafes.

La structure de sa chanson est tout aussi étrange. Elle va de la façon suivante : accroche>couplet>pré-refrain>drop>accroche>couplet 2>couplet 2 alternatif>pont>pré-refrain>drop>accroche. La plupart des chansons modernes ayant ce niveau de notoriété sont de la forme couplet, refrain, couplet, refrain, pont, refrain.

Dans la musique électronique, la musique artistique devient un peu plus apparente. De bons exemples sont Aphex Twin, Squarepusher, Arca, SOPHIE et Burial. Cependant, ils ont tous du succès, et c’est souvent à dessein.

QU’EST-CE QUI FAIT LE SUCCÈS DE LA MUSIQUE ARTISTIQUE?

DES THÈMES ET/OU DES PAROLES POPULAIRES

Le dernier SOPHIE en est un excellent exemple. L’une de ses chansons les plus populaires, « Immaterial », est presque un morceau de house tropicale et de reggaeton décalé. Cependant, elle est parsemée de sons atonaux et de chant yodel. Au final, c’est une chanson assez déroutante. Cependant, la chanson répète les mêmes paroles simples encore et encore, et ces paroles parlent de matérialisme, quelque chose que nous pouvons comprendre. De plus, elle utilise des vocalises R & B, auto-tunées, qui sont courantes dans la musique pop contemporaine.

On peut dire la même chose d’artistes comme Arca. Si la majorité de leur musique ressemble à une dystopie ambiante et distordue, les rythmes sont en grande partie des rythmes hip-hop. C’est pourquoi ils ont travaillé avec des artistes grand public tels que Kanye West.

MARKETING D’EXCEPTION

Les bons exemples ici sont Boards of Canada et Burial. Tous deux ont cultivé une sorte de mystère autour de leur travail. Ils ne se produisent pas en concert et, bien que leur identité soit connue, ils sont entourés de mystère. Prenez Burial par exemple. Même lorsqu’il était en lice pour un Mercury Prize, son identité était encore spéculée. Cependant, bien qu’il soit en lice pour l’une des récompenses culturelles les plus prestigieuses de Grande-Bretagne, sa musique est loin d’être pop. C’était du lo-fi, du future-garage fait à partir d’échantillons de vidéos YouTube et de jeux vidéo. Comparée aux chansons de l’époque, elle semblait mince. Mais cela n’avait pas d’importance, à cause des questions autour de son identité.

Boards of Canada s’intéresse aussi au mystère. Lorsqu’ils ont sorti leur dernier album, Tomorrow’s Harvest, ils ont construit une énigme que les fans ont dû résoudre, révélant lentement des détails et d’autres énigmes jusqu’à ce que les fans réalisent qu’il s’agissait d’un nouvel album.

AVOIR UN SUCCÈS COMMERCIAL, PUIS FAIRE UN VIRAGE À 180

Le meilleur exemple de ce phénomène est celui de Radiohead. Ils ont explosé avec leur single post-grunge et brit-pop « Creep », qui suivait la structure traditionnelle des chansons. Ils ont ensuite enchaîné avec l’album The Bends, qui contenait la même chanson brit-pop « High And Dry ». Puis ils ont commencé à s’ennuyer.

Leur album suivant, Ok Computer, avait toujours sa structure orientée rock, mais a commencé à s’appuyer davantage sur le timbre et la texture au lieu des sons rock traditionnels. Ils ont introduit plus de pédales dans leur panoplie, et se sont concentrés sur l’utilisation du studio comme un instrument, en s’inspirant des premiers artistes britanniques comme les Beatles. Il y a même eu des vignettes expérimentales comme « Fitter Happier », un morceau d’enfer ambiant qui critique l’engourdissement de la société par les commodités et les produits pharmaceutiques.

Alors que Ok Computer avait un pied dans le commercial, un pied dans l’expérimentation, c’est avec Kid A qu’ils ont fait un virage à 180 °, remplaçant les guitares par des synthétiseurs, les batteries par des boîtes à rythmes. Leurs chansons ont commencé à avoir une structure moins discernable, se concentrant davantage sur les thèmes et le timbre. Cependant, la voix de Thom Yorke reste une constante, ce qui permet aux anciens fans de trouver un point d’ancrage dans leur nouveau son avant-gardiste. Bien sûr, cela a aliéné certains fans, mais Radiohead continue de sortir des albums et de faire des tournées à guichets fermés. Si vous voulez un bon exemple d’une chanson qui ressemble à l’une de leurs chansons rock les plus commercialement viables, mais qui, en réalité, a un arrangement complexe et unique, regardez cette vidéo sur l’arrangement de « How To Disappear Completely ».

L’INTENTION COMPTE DANS LA DIFFÉRENCE ENTRE LA MUSIQUE ARTISTIQUE ET LA MUSIQUE COMMERCIALE

En fin de compte, il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de créer ; tout dépend de votre intention. Si vous voulez faire de la musique qui soit facile à comprendre pour les gens, afin qu’elle soit plus largement acceptée, alors vous devez absolument le faire. C’est probablement le moyen le plus sûr de gagner de l’argent en tant que musicien et, au bout du compte, plus de gens écouteront et apprécieront votre musique. Vous pourriez même connaître la gloire.

Si vous voulez faire de la musique abstraite, ambient, noize, allez-y aussi! Il n’y a aucune honte à cela. Vous faites de l’art pour l’amour de l’art, et rien d’autre. Vous êtes fidèle à vous-même et à personne d’autre. Même si vous n’y trouverez pas la gloire et la fortune, vous pourrez au moins vous sentir comblé par la créativité.

Gardez juste à l’esprit que, même si c’est possible, il est difficile de concilier les deux. Donc, lorsque vous créez, tout dépend de votre intention.

Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

février 25, 2018/dans Blogue, Production/par pheek

De temps à autre, l’excitation d’ouvrir une session, entièrement inspiré, pleinement motivé, littéralement gonflé à bloc me frappe, et c’est incroyable. Sérieusement, d’après mon expérience, il n’y a vraiment rien qui m’excite autant parce que quand tu sais que ton idée est bonne et que tout semble s’assembler parfaitement, tu sais que ça va être énorme. C’est différent cette fois-ci. Alors, vous commencez, vous ouvrez un drum rack, vous mappez le midi, vous ajustez la saturation… telleeeeeeeement bon… puis, votre Facebook bipe, le gars de l’assurance appelle, votre plug-in freeze, et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous avez complètement perdu le groove, le rêve est terminé avant qu’il ne commence. Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes à l’infini.

Pourquoi l’inspiration s’évanouit-elle si vite ? Pourquoi y a-t-il tant d’obstacles ? S’asseoir pour faire de la musique doit-il toujours être aussi difficile ? Si vous vous rappelez l’expérience que j’ai décrite ci-dessus, vous avez goûté à l’amertume du bouc émissaire en musique.

Il faudra toujours résoudre des problèmes et surmonter des obstacles, à la fois imprévus et prévisibles. Mais pour le meilleur ou pour le pire, ils font partie intégrante de la musique. Questions et distractions… Au lieu de les combattre, nous devons réduire au minimum leur effet sur nous et, dans la mesure du possible, réduire au minimum les risques de distractions.

EN REPENSANT À PRESQUE 100 % DES CONSULTATIONS ET AU COACHING QUE J’AI PU FAIRE, JE TROUVE QU’IL Y A QUATRE PRINCIPAUX « PROBLÈMES » QUI SEMBLENT TOURNER AUTOUR ET ACCAPARER NOTRE ATTENTION. BIEN QU’IL Y AURA TOUJOURS UNE CERTAINE FORME DE DISTRACTION, SI NOUS TRAVAILLONS À MINIMISER CES QUATRE PROBLÈMES, NOUS SERONS PLUS À MÊME DE RESTER SUR LA BONNE VOIE LORS DE NOTRE PROCHAINE SESSION.

Nous parlons de solutions créatives à des problèmes communs.

Problème numéro un : comment et où vous inspirez-vous ? Je crois qu’il y a une énergie spéciale qui vient à nous quand elle sait que nous sommes dévoués à elle. Quand je dis elle, je veux dire le travail. Les coureurs professionnels disent que la partie la plus difficile de courir un marathon, c’est simplement d’avoir la motivation de mettre ses chaussures et de quitter la maison. Boom. Il suffit de vous poser et de commencer — ouvrez votre DAW, et commencez à faire du bruit, vous allez bientôt devenir excité et vous orienter vers quelque chose de cool. L’une des approches les plus importantes et les plus simples de la production musicale, que je recommande toujours, est de faire de la musique quand on se sent bien. J’ai lu plusieurs articles sur l’importance des rituels — où vous concevez et réalisez un rituel qui vous rend heureux à l’intérieur et à l’extérieur, et dans cette zone, votre esprit entrera dans un espace très positif, ce qui est super important lorsque nous exigeons de la créativité et de l’imagination.

Problème numéro deux : comment puis-je savoir assez de choses sur la production musicale pour être un one-man band ?
C’est impossible de tout savoir, et vous n’en avez pas besoin. Ce que vous voulez vraiment connaître, ce sont les tenants et aboutissants de votre DAW, et les instruments que vous utilisez. Si vous avez acheté tous les derniers synthétiseurs et que chacun d’entre eux est différent, il vous faudra un certain temps pour les connaître tous à 100 %. Alors que si vous utilisez un ou deux instruments, lisez les manuels et apprenez tout ce que vous pouvez JUSTE sur ces deux synthétiseurs – vous serez beaucoup plus rapide pour produire et atteindre les sons que vous voulez en connaissant moins (moins d’instruments à apprendre), et en vous concentrant plus (maîtrisant ceux que vous utilisez).

Less is more (moins, c’est plus). J’ai regardé une interview vidéo d’un producteur qui a fait des tracks pour Kendrick Lamar ~ le mec a 18 ans, et enregistre tout dans Garage Band sur son iPhone. Il a une guitare et un téléphone. C’est tout, et il fait d’énormes avancées dans son travail, même avec l’équipement le plus rudimentaire.

Trouvez un moyen d’être absorbé. Demandez-vous quelle partie de la production musicale vous fait oublier le temps, la nourriture et tout le reste ? C’est un espace où vous êtes dans la zone, totalement absorbé, et où rien d’autre ne compte. Adoptez ce processus et soyez conscient du fait que lorsque cela se produit, il se peut que vous n’atteigniez pas ce niveau de concentration et de résultats lors d’autres étapes en cours de route. Pour certains, cet état ne viendra à eux qu’en mixant, et pour d’autres, il viendra tout en étant enfermé dans un mixdown, etc. sachez trouver votre flow.

Problème numéro trois : comment puis-je m’en tenir à une direction dans ma musique ?
Bien qu’il n’y ait pas de réponse claire à cette question, je vais simplifier les choses en disant que — vous avez de multiples options, et vous n’avez pas à vous engager dans une seule. Enregistrez les deux idées, et utilisez la fonction « enregistrer-sous », vous permettant d’enregistrer une deuxième version de la track et de décider plus tard dans quelle direction vous préférez vous engager.

Et enfin problème numéro quatre : quel sera le futur de ma chanson ?

Personne ne peut voir l’avenir, donc c’est impossible à savoir. Je ne crois pas que ce soit une utilisation productive de votre temps de rêver de ce qu’elle pourrait être un jour… sans l’avoir terminée, elle restera sur votre disque dur pour toujours, ce qui n’est pas ce que vous souhaitez. Ce qui importe maintenant, c’est de se concentrer sur les choses importantes :
Faire de la musique, terminer des projets, promouvoir votre travail, établir des contacts avec d’autres producteurs.

(Pour en savoir plus sur la façon de vous promouvoir en tant qu’artiste de manière personnelle, consultez cet article.)

Pour conclure, la résolution de problèmes peut être aussi compliquée ou aussi simple que vous le souhaitez. Alors qu’une étude a suggéré que devant l’anxiété, une des meilleures choses à faire est de prendre une pause de 2 jours, je vous encourage à prendre une semaine de congé pour commencer.

Photo par Oskar Wimmerman sur Unsplash

Dans un excellent article de psychologie, j’ai lu que lorsqu’on est confronté à un défi, il est essentiel de comprendre exactement avec quoi on est mis à l’épreuve — c’est-à-dire qu’il faut savoir quel est le vrai problème. Pour savoir et comprendre quel est le problème, vous devez être capable de l’expliquer à quelqu’un d’autre avec clarté, avec une description claire. Comprendre le problème et les options qui s’offrent à vous. J’ai lu que les négociateurs qui s’entretiennent avec des terroristes lors de prises d’otages élimineront de nombreuses options, jusqu’à ce qu’il en reste deux, afin de parvenir à une résolution rapide et satisfaisante. Réduisez vos options pour avancer rapidement. Prendre une décision à la hâte peut aussi avoir un effet négatif, alors ne vous sentez pas obligé de toujours prendre une décision tout de suite — donnez-vous du temps pour vous éloigner du problème et faites confiance à votre cerveau pour comprendre qu’en arrière-plan, sous la surface, une solution créative émergera à un moment donné, souvent quand on s’y attend le moins.

Au bout du compte, pour gagner plus, marquer plus de points, franchir la ligne d’arrivée plus souvent, il faut être autant créatif pour trouver des solutions aux problèmes que dans tous les autres domaines de vos productions. Mettez en place un système qui minimise les risques de distraction.

Conseil rapide — chaque Mac a une application appelée Automator, où vous pouvez assigner une chaîne de commandes pour tout ce que vous souhaitez faire. Regardez cette vidéo pour configurer une façon rapide de fermer tous les programmes, désactiver le wifi, lancer Live et démarrer votre session rapidement.

Cheers, JP.

Archive d’étiquettes pour : terminer ses tracks

Croyances et idées reçues en production musicale

CROYANCES ET IDÉES REÇUES EN PRODUCTION MUSICALE

« LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE EST FACILE À PRODUIRE » OU UNE VARIANTE, « SI VOUS AVEZ TOUT CE DONT VOUS AVEZ BESOIN, ALORS C’EST FACILE »