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Le compresseur multibande : astuces de compression (Pt. II)

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Afin de poursuivre avec d’autres conseils sur la compression, j’aimerais vous parler de mon outil préféré, pour un peu tout et n’importe quoi : le compresseur multibande. Pour beaucoup, cette bête est un peu difficile à apprivoiser, mais j’aimerais la décomposer pour que vous puissiez l’inclure à votre routine selon vos besoins. Avant de continuer, j’espère que vous avez lu le premier article sur la compression, et les deux articles sur l’utilisation des EQs.

Lignes directrices en matière de compression

Cas d’utilisation courante de la compression

Maîtriser le « harshness » (les sons agressifs). En utilisant un compresseur, vous pouvez régler l’attaque pour qu’elle soit rapide et la release pour qu’elle soit aussi assez rapide. L’ensemble de l’action du compresseur est ainsi rapide, ce qui permet de contrôler les sons agressifs et de les apprivoiser. Si l’attaque est trop rapide, cependant, elle peut saturer, vous devez donc jongler avec les réglages pour trouver votre sweet spot.

Pour ajouter du punch. Ici c’est le contraire, vous voudrez que l’attaque soit lente et que la release soit rapide. Le compresseur ne sautera pas immédiatement sur le transient, mais créera plutôt une certaine vivacité (snap). Le rapport devrait être d’environs 5:1, voire plus, pour obtenir cet effet dans la plupart des situations.

Pour ajouter de l’épaisseur (thickness). En utilisant votre compresseur en mode parallèle, vous pouvez le régler à environ 50 % du dry/wet, puis le compresser avec une attaque moyenne et une release moyenne-rapide. Je ferais en sorte que le ratio soit aussi élevé que possible. Si votre compresseur n’a pas d’option parallèle, vous pouvez utiliser le compresseur dans un bus AUX/Send.

Pour coller ensemble les éléments d’un mix (glue). Très similaire à l’épaisseur et au punch, vous voudrez l’ajouter à plusieurs pistes et bus à la fois. Encore une fois, compression parallèle, attaque lente, ratio élevé. Ça devrait fonctionner. Expérimentez avec des effets exagérés, puis baissez-le.

En résumé, une attaque rapide fait réagir rapidement le compresseur, ce qui signifie qu’il est là pour contrôler quelque chose. Une attaque lente permet d’améliorer le début du son. Le ratio est la part de cet effet que vous voulez en action, et la release, pour combien de temps.

Action multibande

Le compresseur multibande fonctionne exactement comme les cas d’utilisation expliqués ci-dessus, mais avec celui-ci, nous pouvons régler une gamme de fréquences à affecter. Par conséquent, vous pouvez régler l’épaisseur dans les médiums, contrôler l’agressivité des médiums hauts et améliorer les transients des aigus avec un seul compresseur, mais avec des réglages différents pour chaque section.

Le compresseur multibande possède une caractéristique supplémentaire : l’utilisation de crossovers qui fixent les points de début et de fin de chaque section. Un crossover est simplement une fréquence que vous réglez. Par exemple, le multibande à 3 bandes d’Ableton aura 2 fréquences de crossover. Vous réglez le crossover inférieur qui déterminera l’endroit où l’extrémité basse se termine dans les médiums (ex. 200 Hz) et l’autre sera l’endroit où les médiums se terminent et les aigus commencent (ex. 6 kHz).

Mon point de vue sur les compresseurs multibandes est que je les utilise comme un shelving EQ où je contrôle l’esthétique de chaque section d’une manière différente. Vous pouvez ensuite façonner le ton d’un son ou d’un mix, ou en extraire les moindres détails. Idéale pour les finitions, la compression multibande peut également être utilisée pour mettre en avant des parties de vos sons de la manière la plus efficace.

Voici quelques situations où les effets de la compression multibande peuvent être utiles :

  • Percussion molle : Si votre percussion a besoin de présence, d’épaisseur et de puissance, réglez vos crossovers pour pouvoir contrôler ce qui se passe entre 200hz et 800 Hz, puis jusqu’à 3khz. Renforcez la première section avec une attaque lente et un ratio élevé et essayez d’y ajouter du punch (reportez-vous aux notes ci-dessus sur la façon de procéder).
  • Pad pâle : Encore une fois, disons qu’un pad faible a besoin de présence, un boost entre 250 Hz et 600 Hz. Je compresserais également entre 4 kHz et 8 kHz pour ajouter un peu de brillance, ce qui fonctionne comme pour ajouter de l’épaisseur. Vous pourriez même abaisser votre section pour descendre jusqu’à 90 Hz afin d’obtenir une sensation analogique.
  • Swirl fou : Parfois, les effets de transition sont excellents, mais ne conviennent pas à votre chanson. J’aime contrôler les aigus de plus de 7 kHz d’une manière où ils ne frappent pas agressivement, mais font entrer les médiums de plus de 1 kHz en douceur. C’est une façon de contrôler l’agressivité et la présence; souvent très utile pour créer un mouvement oscillant et caoutchouteux (rubbery).
  • Mix terne : Un mix terne a généralement besoin de brillance qui peut être créée en excitant les aigus et les médiums. Il peut s’agir d’une combinaison de l’ajout d’épaisseur ou de la stimulation des transients. Je dirais d’essayer des sections pointues autour de 4khz à 8khz, puis une autre jusqu’à 11khz et même de compresser au-dessus avec une 3e section pour créer ce que l’on appelle la pixie dust (poussière de lutin).
  • Réverbération stellaire : Un multibande avec une réverbération, c’est beaucoup de plaisir pour moi ! J’aime renforcer les médiums au-dessus de 300 Hz et aussi créer de l’épaisseur entre 2 kHz et 6kHz. Vous pouvez ensuite contrôler les niveaux pour décider du ton de l’espace que vous créez pour votre chanson.
  • Création d’un kick profond : Compressez une section sous 50 Hz, puis une autre jusqu’à 120 Hz, plus une dernière qui va jusqu’à 500 Hz. Je peux vous garantir que si vous avez le ronronnement du sub, alors vous pouvez aussi ajouter un peu de punch autour des médiums pour avoir un kick super profond, mais percutant.

En ce qui concerne mes compresseurs multibandes préférés, en voici quelques-uns :

Neutron 2 (Izotope)

Outil général de mixage qui fait de lui le meilleur assistant pour résoudre de nombreux problèmes. Le transient shaper, les excitateurs, le gate, les compresseurs et tous les autres sont en mode multibande. On ne peut pas faire mieux que ça.

Drawmer 1973 (Softubes)

Le compresseur Drawmer est incroyable pour créer de l’ambient, alors imaginez si vous pouvez le régler en mode multibande, vous obtiendrez alors des moments éblouissants.

Fabfilter Pro-MB (Fabfilter)

Élégant, précis et transparent serait la meilleure façon de décrire celui-ci. Très utile pour la touche finale de votre mix.

VOIR AUSSI : Le combo égaliseur-compression (Pt. III)

La compression : Conseils et recommandations (Pt. I)

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Après deux articles importants sur les égaliseurs, il est temps de commencer à discuter de l’utilisation de la compression, car ces deux-là fonctionnent vraiment bien ensemble ! Je vous proposerai mes propres recommandations sur certains des meilleurs plug-ins VST de compression. Votre propre sélection de VST devrait toujours commencer par quelques-unes de ces deux catégories :
Pour les EQ :

  1. Un égaliseur paramétrique pour les besoins chirurgicaux.
  2. Un EQ Shelving pour la tonalité.
  3. Un égaliseur analogique pour la coloration.

Pour la compression, il y a aussi plusieurs choix et il est facile de se perdre, donc l’une des choses que je trouve importante pour commencer est d’expliquer les différentes familles de compresseurs (plus approprié pour les relier à des modèles).

FET

Ce type de compresseur est l’un des plus populaires sur le marché. Il est connu pour son agressivité et pour sa capacité à ajouter un max de punch aux sons, mixes, avec beaucoup d’attitude. Le compresseur FET, qui signifie Field Effect Transistor, est apparu plus tard dans l’histoire des compresseurs, lorsqu’ils ont remplacé les tubes par un modèle qui rendait les sons plus chauds et plus riches : il est immédiatement devenu un favori dans les studios. Le 1176 est un des plus populaires d’entre eux.

Utilisation : Punch incroyable sur les percussions et ajoute de la vie aux textures, ainsi qu’aux pads.

Plug-ins recommandés :

FET Compressor (Softube)

FETpressor (PSP)

Black Limiting 76 (IkMultimedia)

Opto

Ce type est à peu près l’opposé du FET (bien qu’il y ait des gens qui argumenteraient à ce sujet). Le modèle Opto est lisse et super chaud. Pas idéal pour les percussions, mais je l’utilise en parallèle (voir les techniques ci-dessous), ce qui peut donner du corps au kick, par exemple. Le fonctionnement de ce modèle est très intéressant. Il s’agit essentiellement d’une lampe qui réagit au son entrant et s’allume en fonction du signal entrant. Je ne suis pas le meilleur pour expliquer cela, mais cela résume bien la situation, et cela fait que le compresseur Opto n’est pas le plus agressif, car il offre de la douceur.

Utilisation : Idéal pour les pads, les synthés, les textures. Je vous recommande de l’expérimenter avec des percussions, mais en mode parallèle.

Suggestions de VST :

Bx_Opto (Brainworx)

Opto compressor (IKMultimedia)

Le Renaissance Compressor de Waves offre également un mode Opto.

VariMu

Le VariMu est comme le prince des compresseurs de par sa finesse et son élégance. Manley a popularisé le VariMu avec leur célèbre version. C’est un cousin de l’Opto dans la façon dont il fonctionne, et il est aussi très doux. Souvent utilisé en mastering, il fonctionne comme un charme pour gérer les problèmes de punch ou pour garder de la cohérence dans un mix qui a besoin de glue général. Ce n’est pas la meilleure façon de créer du punch, mais lorsqu’il est utilisé en combinaison avec un autre compresseur, il peut vraiment créer de beaux résultats.

Utilisation : Sur votre mix ou sur un groupe. Il collera le tout de la manière la plus délicieuse qui soit.

Suggestions de plug-ins :

The Manley Compressor par UAD

MJUC de Klanghelm

DynaMU par IKMultimedia

VCA

Ce type de compresseur est également très populaire tout comme le FET. Je dirais que la plupart des compresseurs génériques sont souvent basés sur ce modèle. Comme il est basé sur le contrôle de tension, ce compresseur est un outil de type chirurgical. Il est vraiment efficace pour faire ressortir les percussions, mais il peut aussi être utilisé pour contrôler les transitoires (transients) violents.

Utilisation : Boostez vos kicks avec et contrôlez les transients des hats avec un autre réglage.

Mes préférés :

TDR Kotelnikov

U-He Presswerk

API 2500 (il y a quelques imitations de UAD et Waves, alors regardez par là).

Techniques

Vous avez peut-être les meilleurs plug-ins, mais si vous ne savez pas comment les utiliser, vous allez rater le plein potentiel de ces outils incroyables. Je dirais que si ce n’est pas le cas, sachez qu’un grand nombre de producteurs, même ceux qui ont de l’expérience, ont de la difficulté à les comprendre pleinement. Comme vous trouverez une multitude de tutoriels sur le Web, j’aimerais vous expliquer ma vision de manière simple.

Mais d’abord, laissez-moi vous expliquer ce que fait la compression. Il prend le son entrant et surveille la crête la plus forte (peak) et vérifie si elle est plus forte qu’un certain point : le seuil (threshold). Si c’est le cas, il poussera le signal situé au-dessus du seuil vers le bas. J’aime l’imaginer comme quand on rentre dans un bain, où l’eau monte en s’y asseyant. La façon dont un compresseur « pousse vers le bas » l’audio sera contrôlée par l’attaque (à quelle vitesse il réagit), le relâchement (pour combien de temps) et le rapport (de combien).

J’aimerais comparer le compresseur à un four, et la musique entrante à la pâte. Le compresseur ne fonctionne pas comme, disons, une réverbération où si vous le mettez sur un son, vous entendrez automatiquement ce qui est en train d’être modifié. Le fonctionnement des compresseurs VST est vraiment, pour moi, comme un four. Tu dois enfourner le son, le faire cuire, puis le sortir.

Utilisez donc ces paramètres lorsque vous utilisez la compression :

  1. Signal entrant. Vous devrez augmenter le volume du signal entrant pour vous assurer qu’il atteint ou dépasse le seuil. Si le signal est trop faible, il ne sera pas traité.
  2. Seuil. Abaissez-le si nécessaire. Vous verrez que la plupart des compresseurs ont un « GR » pour la mesure de réduction de gain (gain reduction). Cela commencera à pomper lorsque le signal atteindra le seuil. Si rien ne se passe, abaissez le seuil et/ou augmentez le signal entrant.
  3. Attack/release. Une attaque rapide fera réagir rapidement le départ de pompage tandis qu’une attaque lente sera moins agressive. Vous pouvez ensuite ajuster le déblocage pour contrôler la durée du pompage.
  4. Ratio. C’est la quantité qui sera réduite. Par exemple, un rapport de 2:1 signifie que pour 2 dB au-dessus du seuil, il sera réduit de 1 dB au-dessus du seuil. Par exemple, 8:1 donne un résultat plus agressif.
  5. Make-up gain/Output. Votre signal de sortie sera réduit au cours du processus afin que vous puissiez utiliser le make-up gain pour ajuster le signal traité afin qu’il corresponde ou soit plus fort que le signal entrant.

Donc oui, ça sonne bizarre sur le papier, mais la compression consiste à baisser le volume pour rendre les choses plus fortes.

En ce qui concerne mon analogie avec le pain, vous devez vous assurer qu’il soit cuit (se compresse) avant de le sortir.

Maintenant, les techniques pour lesquelles vous pouvez utiliser la compression :

  1. Limiter. C’est l’utilisation la plus connue d’un compresseur. C’est un moyen de s’assurer que le son ne dépasse jamais un certain niveau. Idéal sur un bus master pour éviter de clipper. Vous pouvez l’utiliser dans une certaine mesure sur les bus pour maximiser le volume. Mais assurez-vous que ce n’est pas trop, car cela peut distordre dans le mastering.
  2. Side-chain, ducking. Populaire dans la musique électronique, cela fait que la compression fonctionne sur la base d’un signal entrant. J’y reviendrai dans un prochain article.
  3. Compression parallèle. Pour ce faire, vous devez mettre la compression dans un bus AUX/Send, puis lui envoyer tout ce qui a besoin de compression. Ceci assure que le signal original est mélangé avec le signal compressé, ce qui ajoute de la puissance, du volume et de la précision.
  4. Compression en série. À utiliser avec précaution, mais donne des résultats très puissants. Il s’agit de mettre deux compresseurs (ou plus) dos à dos. Un peut être en parallèle (grâce au dry/sewet) et le second, non. Cela donne des sons très puissants, percutants, lourds. Idéal pour les sons faibles et pâles..

C’est tout pour les bases de la compression ! Je parlerai ensuite de l’art de la conception sonore à l’aide de la compression et des égaliseurs.

VOIR AUSSI : Astuce de compression : Le compresseur Multi-bande (Pt.II)

Comment choisir vos EQ et les utiliser (Pt. I)

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Les gens me demandent souvent mon avis sur les meilleurs plug-ins audio, et il n’y a aucun doute qu’investir dans des égaliseurs et des compresseurs de qualité est l’une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour la conception sonore et le mixage. Vous pouvez faire des choses assez étonnantes rien qu’avec l’égaliseur et la compression, mais bien sûr, vous devez comprendre vos outils pour en tirer le meilleur parti. Dans cet article, je propose quelques exercices, conseils, ainsi qu’une couverture des principaux outils que j’ai rassemblés au cours des dernières années accompagnée de mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’EQ.

Les types d’égaliseurs

Il existe de nombreux types d’EQ et je crois que certains sont plus importants que d’autres. Il m’a fallu un certain temps pour comprendre comment les utiliser pleinement et comment choisir le bon pour des situations spécifiques. Ce sujet est en fait si vaste et si complexe que je pourrais faire une série d’articles sans jamais arriver au bout. Je vais essayer d’éviter d’être trop technique et je vais les expliquer en termes simples pour que tout le monde puisse comprendre.

La façon dont j’aborde les EQ est basée sur différentes actions :

  • Correction. Parfois, un son aura une partie qui sera agressive et ennuyeuse. Je corrigerai la situation en repérant où il semble y avoir un problème, puis je couperai les fréquences. Les coupes correctrices ne sont généralement pas trop étroites (Ex. Q de 3)
  • Chirurgical. Une résonance dans un son vous fait mal aux oreilles et cela nécessite une coupe très étroite. (Q de 6-8+).
  • Ajustements de tonalité. Un égaliseur peut être utilisé pour effectuer des changements de tonalité, par exemple pour décider si vous voulez que votre piste soit plus puissante ou plus claire en augmentant les graves ou les aigus.
  • Coloration. Certains égaliseurs ne sont pas transparents et apporteront une touche musicale aux changements qu’ils apportent. Cela ajoutera de la personnalité.
  • Coupures larges. Le contraire de chirurgical, où le Q rendra la courbe très large. Il fait des changements très subtils, quelque peu tonaux, un peu colorés et parfois un peu correctifs. Essayez-le à différents endroits sur un son et observez les changements.

ASTUCE : L’oreille humaine entendra une différence notable si vous coupez de 3-4 dB minimum. Si vous coupez 6 dB, ce sera assez évident.

Les principaux types d’égaliseurs sont :

  • Graphique/Fréquences fixes. Influencés par les anciens modèles et le premier égaliseur, les fréquences auxquelles vous aurez accès sont fixes et ne pourront être modifiées. Pour beaucoup de ces modèles, les fréquences sont basées par octave, mais certaines compagnies auront leur propre manière de décider lesquelles sont utilisées.
  • Paramétrique. Un égaliseur très populaire est le Q2 de Fabfilter qui vous permet d’ajouter un point n’importe où et de pouvoir ensuite façonner étroitement ce que vous voulez couper ou amplifier.
  • Shelving/Bande. C’est une partie du spectre qui sera touchée. Par exemple, sur les consoles de mixage DJ, les 3-4 boutons d’égalisation sont essentiellement des shelves de fréquences qui sont modifiées.
  • Dynamique. Celui-ci est avancé. Vous pouvez « commander » un point de votre EQ pour réagir en fonction de certaines conditions. Par exemple, si vous avez un enregistrement de batterie, vous pouvez ordonner que les aigus descendent de 3-4 dB si les cymbales frappent trop fort. Très pratique !

ASTUCE : Si vous aimez le son de l’analogique, vous voudrez peut-être creuser dans la suite d’Universal Audio qui fait l’émulation de pièces d’équipement classiques. La fidélité de la reproduction est absolument époustouflante !

Faisons maintenant quelques associations pour comprendre quel EQ fait quoi :

  • Les coupes chirurgicales et les coupes larges se font principalement à l’aide d’égaliseurs paramétriques. Ce type d’égaliseur vous permettra d’identifier précisément les fréquences indésirables, puis de les couper ou de les amplifier comme vous le souhaitez.
  • L’égaliseur correctif peut également être paramétrique, mais aussi graphique. Une correction peut avoir besoin de précision, mais parfois, ce n’est qu’un moyen de réaligner la courbe du son, ce qu’un égaliseur graphique peut faire facilement.
  • Ajustements de tonalité. Ceci se fait avec des shelves et des EQ à bande.
  • Coloration. Il s’agit essentiellement de fréquences fixes, mais si vous recherchez une émulation analogique ou des égaliseurs qui fournissent un type de saturation, alors vous obtiendrez également des couleurs et une personnalité.

Mes plug-ins d’égalisation préférés

Voici mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’égalisation qui sont des outils précieux à avoir dans votre arsenal. J’ai également inclus des solutions alternatives pour petit budget avec des EQ similaires.

1. Fabfilter ProQ2 (Chirurgical, Coupes larges, Correction, Tonal)

Ce plug-in semble avoir trouvé sa place dans la boîte à outils de nombreux producteurs, surtout parce qu’il peut faire à peu près tout cela. Qu’il s’agisse de courbes complexes, de retouches sur les shelves ou de copier la fréquence d’un son pour l’appliquer à un autre… les façons d’utiliser cette bête sont si nombreuses que vous devrez regarder un tas de tutoriels pour en découvrir toutes les fonctionnalités cachées.

Alternative budgétaire : TDR Nova GE par Tokyo Dawn

2. Electra de Kush Audio (Shelving, réplique analogique)

Peu connu des masses, mais cet EQ est une merveille absolue à avoir sous la main. Je l’utilise dans tous les mixages que je fais et les résultats sont toujours étonnants. Un peu difficile à prendre en main, car l’interface graphique est un peu bizarre, mais même si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, elle façonne le son d’une manière qui le fait ressortir et lui donne de la chaleur.

Alternative budgétaire : RetroQ de PSP

3. BX_Hybrid V2 de Brainworx (Correction, shelving)

Je ne pense pas qu’il y ait un autre plug-in capable de produire les mêmes résultats. Pas aussi polyvalent que le ProQ2, mais ce qui le distingue, c’est qu’il coupe le son en douceur et lisse les choses. Quand j’ai des gens qui étudient le mixage avec moi, je leur demanderais toujours d’acheter celui-ci comme le tout premier EQ à avoir et à utiliser.

Alternative budgétaire : Voxengo Prime EQ

4. Passive EQ par Native Instruments (Shelving, correction, couleur)

Cette émulation du célèbre égaliseur Massive-Passive de Manley est une bombe. J’adore le placer dans un bus avec tout mon contenu mélodique et le transformer en quelque chose qui, comme par magie, devient organique et chaleureux. Il nécessite un peu d’exploration, mais lorsque vous aurez mis la main dessus, vous aurez toujours envie de l’utiliser. Je le trouve assez puissant pour la conception sonore comme moyen de donner de la chaleur dans les basses fréquences.

5. F6 Floating band dynamic EQ de Waves.

Je ne suis pas un grand fan de Waves et de leurs tactiques agressives de vente, mais ce plug-in est vraiment utile. Comme décrit ci-dessus, avec un égaliseur dynamique, vous pouvez apprivoiser certaines fréquences qui se produisent de façon aléatoire. Le problème avec un égaliseur statique, c’est que vous couperez en permanence une fréquence, donc si ce que vous essayez de couper n’est pas toujours là, vous pourriez couper quelque chose qui n’a pas besoin d’être ajusté. C’est pourquoi vous pouvez avoir plus de contrôle avec un égaliseur dynamique. Celui-ci est également très facile à utiliser si vous êtes familier avec le concept et le fait que vous pouvez l’utiliser en MS le rend très polyvalent. Pas aussi facile et fantaisiste que celui de Fabfilter, mais il en fait plus, d’autres façons. Attendez que le prix baisse, vous pourriez l’obtenir autour de 29 $-49 $ si vous êtes assez patient.

Dans le prochain article, j’irai plus en détail dans mes plug-ins préférés et j’expliquerai aussi certains moyens pour en tirer le meilleur parti.



Voir aussi :

Les meilleurs plugins d’égalisation et divers conseils (Pt. II) 

Ma méthodologie de production musicale : Profondeur et astuces de mise en forme spatiale (Pt. III)

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Cet article sur les méthodes de production musicale est un article important. Dans le groupe avec lequel je travaille sur Facebook, je donne de la rétroaction aux gens et je dirais que, même si pour beaucoup d’entre eux, la partie avec laquelle ils ont le plus de difficulté est de trouver un mixage approprié, il y en a une majorité qui a des problèmes avec le champ stéréo. J’ai un tas de trucs qui peuvent aider à transformer un motif 2D en un royaume 3D à en perdre la tête. Commençons par discuter de quelques points concernant la création de musique en 2D, puis de la façon dont vous pouvez lentement la façonner.

Une chose essentielle pour que la musique soit claire, forte et puissante dans un club est d’avoir la majorité de vos sons « en mono », ou en termes techniques, d’avoir vos médiums solides. C’est pourquoi beaucoup de gens diront que faire un mono test sur votre mix pour voir si tout est audible est un bon moyen de savoir. Pourquoi ? Parce que si les sons sont déplacés de façon aléatoire, ils peuvent se mettre en phase avec d’autres, ce qui finira par les annuler une fois en mono.

Bien que cela puisse ressembler à de la magie vaudou si vous faites de la musique comme passe-temps, vous pouvez déposer un outil dans votre DAW pour rendre le signal mono afin que vous puissiez vérifier. (Astuce : dans Ableton Live, c’est l’effet Utility qui vous permettra de le faire).

L’outil Utility d’Ableton Live

C’est pourquoi vous voulez que vos basses fréquences (moins de 100hz) soient en mono. Pour vous assurer qu’il n’y a pas de conflits et que la basse sera épaisse et puissante. Encore une fois, dans Ableton Live 10, vous pouvez activer l’option « Mono Bass » sur l’outil Utility.

Pourquoi dis-je que c’est clair et simple : la profondeur est une chose amusante à avoir dans votre musique, mais si vous devenez trop intense avec elle, cela peut devenir un problème. Donc, tout d’abord, lorsque vous programmez vos motifs et votre musique, essayez de commencer en mono. Assurez-vous que tout est entendu et clair.

Une fois que vous avez créé les arrangements et que vous avez à peu près terminé, mais avant de commencer à mixer, commencez à répandre vos sons pour occuper l’espace en face de vous. Vous ne voulez pas tout avoir au milieu, ça va vous sembler étroit et sans vie. Il y a plusieurs façons d’y arriver et cela va un peu plus loin que le simple panning qui peut être un peu ennuyeux. (Note : beaucoup de mixes que je reçois ont tout en mono !)

CONSEILS POUR DONNER PLUS D’ESPACE À VOTRE MIX

Le Mid/Side est un excellent moyen d’utiliser l’espace dans un mix, mais il est souvent mal compris.

Voici quelques conseils pour donner de l’espace et de la vie, et si vous recherchez ce sujet sur Google, vous en trouverez bien d’autres :

  • Si le son/sample est en mono : essayez de le doubler en dupliquant le canal plusieurs fois, puis faites un panning et expérimentez. En pop, soul, R & B, les producteurs le font souvent et ont jusqu’à 4 duplicatas, répartis sur plusieurs tonalités pour donner des textures sonores. Vous pouvez utiliser un doubleur VST pour faire la même chose, mais il y a quelque chose d’excitant à le faire manuellement. Gardez à l’esprit qu’un clap est en fait 4 couches et ainsi de suite pour vos percussions. Essayez de créer quelque chose de sauvage.
  • Le panning autour de vos sons peut faire l’affaire, mais le rendu sera un peu fade si vous ne l’associez pas à une reverb de qualité. Même à des niveaux très bas, une réverbération créera de l’espace autour du son panoramique. C’est pourquoi je regroupe les percussions en familles (ex. tout organique, tout métal, tout bois, etc.) puis j’ai une réverbération par famille, pas par son.
  • Utilisez des effets stéréo : ceux-ci seront super utiles et par exemple un autopan aidera à donner de la vie et du mouvement. Il s’agit notamment du chorus, du delay, du phaser, du flanger et des wideners (bien sûr). Ceux-ci devraient être appliqués à un son, pas à une famille. Un seul de ces effets par chanson pour éviter les problèmes.
  • Réverbération de qualité : comme décrit ci-dessus, une réverbération de qualité change la donne. Les plug-ins de base ne sont jamais aussi bons qu’une équipe entière qui travaille à faire quelque chose de spécial. Par exemple, tous les plug-ins de Valhalla sont maintenant reconnus comme étant parmi les meilleurs de l’industrie et pour une raison, ils sonnent aussi bien que certaines unités matérielles. Tip Top qui fabrique des synthés modulaires a licencié leur réverbération pour leur z-Dsp 2. Si vous le pouvez, optez toujours pour la réverbération convolution pour votre musique et utilisez-en une seule, dans un AUX/Send. Donc, si vous êtes vraiment dans un morceau en 3D, gardez à l’esprit qu’une réverbération fera 80 % du travail. Le reste consiste à réduire le volume de certains sons pour donner l’impression qu’ils sont plus éloignés. De plus, filtrer les basses fréquences peut donner cette impression. Mélangé à une réverbération de qualité, vous aurez un bel espace.
  • Mid/Side : c’est l’un des aspects les plus mal compris du mixage parce qu’il est vraiment difficile à maitriser. Gardez les choses simples, ce terme fait référence à la façon dont votre espace a la forme de ce que vous avez devant vous. Mid correspond au milieu et les Sides sont situées où se trouvent les haut-parleurs/moniteurs. Si vous abusez trop des Sides, cela provoquera des problèmes de phase (vous l’entendrez dans le mono-check). Mais c’est vraiment intéressant de jouer avec le Mid/Side (aka MS) de vos groupes pour les « ouvrir » un peu.

Dernier conseil : Les basses doivent toujours être en mono et je m’assure habituellement qu’une partie de la mélodie l’est aussi, alors qu’elle peut être partiellement répartie. Le hat principal et les percussions doivent également être forts au milieu, mais vous pouvez alors faire en sorte que le son de soutien de la même famille soit réparti pour donner de la place.