Ma méthodologie de production musicale : Profondeur et astuces de mise en forme spatiale (Pt. III)

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Cet article sur les méthodes de production musicale est un article important. Dans le groupe avec lequel je travaille sur Facebook, je donne de la rétroaction aux gens et je dirais que, même si pour beaucoup d’entre eux, la partie avec laquelle ils ont le plus de difficulté est de trouver un mixage approprié, il y en a une majorité qui a des problèmes avec le champ stéréo. J’ai un tas de trucs qui peuvent aider à transformer un motif 2D en un royaume 3D à en perdre la tête. Commençons par discuter de quelques points concernant la création de musique en 2D, puis de la façon dont vous pouvez lentement la façonner.

Une chose essentielle pour que la musique soit claire, forte et puissante dans un club est d’avoir la majorité de vos sons « en mono », ou en termes techniques, d’avoir vos médiums solides. C’est pourquoi beaucoup de gens diront que faire un mono test sur votre mix pour voir si tout est audible est un bon moyen de savoir. Pourquoi ? Parce que si les sons sont déplacés de façon aléatoire, ils peuvent se mettre en phase avec d’autres, ce qui finira par les annuler une fois en mono.

Bien que cela puisse ressembler à de la magie vaudou si vous faites de la musique comme passe-temps, vous pouvez déposer un outil dans votre DAW pour rendre le signal mono afin que vous puissiez vérifier. (Astuce : dans Ableton Live, c’est l’effet Utility qui vous permettra de le faire).

L’outil Utility d’Ableton Live

C’est pourquoi vous voulez que vos basses fréquences (moins de 100hz) soient en mono. Pour vous assurer qu’il n’y a pas de conflits et que la basse sera épaisse et puissante. Encore une fois, dans Ableton Live 10, vous pouvez activer l’option « Mono Bass » sur l’outil Utility.

Pourquoi dis-je que c’est clair et simple : la profondeur est une chose amusante à avoir dans votre musique, mais si vous devenez trop intense avec elle, cela peut devenir un problème. Donc, tout d’abord, lorsque vous programmez vos motifs et votre musique, essayez de commencer en mono. Assurez-vous que tout est entendu et clair.

Une fois que vous avez créé les arrangements et que vous avez à peu près terminé, mais avant de commencer à mixer, commencez à répandre vos sons pour occuper l’espace en face de vous. Vous ne voulez pas tout avoir au milieu, ça va vous sembler étroit et sans vie. Il y a plusieurs façons d’y arriver et cela va un peu plus loin que le simple panning qui peut être un peu ennuyeux. (Note : beaucoup de mixes que je reçois ont tout en mono !)

CONSEILS POUR DONNER PLUS D’ESPACE À VOTRE MIX

Le Mid/Side est un excellent moyen d’utiliser l’espace dans un mix, mais il est souvent mal compris.

Voici quelques conseils pour donner de l’espace et de la vie, et si vous recherchez ce sujet sur Google, vous en trouverez bien d’autres :

  • Si le son/sample est en mono : essayez de le doubler en dupliquant le canal plusieurs fois, puis faites un panning et expérimentez. En pop, soul, R & B, les producteurs le font souvent et ont jusqu’à 4 duplicatas, répartis sur plusieurs tonalités pour donner des textures sonores. Vous pouvez utiliser un doubleur VST pour faire la même chose, mais il y a quelque chose d’excitant à le faire manuellement. Gardez à l’esprit qu’un clap est en fait 4 couches et ainsi de suite pour vos percussions. Essayez de créer quelque chose de sauvage.
  • Le panning autour de vos sons peut faire l’affaire, mais le rendu sera un peu fade si vous ne l’associez pas à une reverb de qualité. Même à des niveaux très bas, une réverbération créera de l’espace autour du son panoramique. C’est pourquoi je regroupe les percussions en familles (ex. tout organique, tout métal, tout bois, etc.) puis j’ai une réverbération par famille, pas par son.
  • Utilisez des effets stéréo : ceux-ci seront super utiles et par exemple un autopan aidera à donner de la vie et du mouvement. Il s’agit notamment du chorus, du delay, du phaser, du flanger et des wideners (bien sûr). Ceux-ci devraient être appliqués à un son, pas à une famille. Un seul de ces effets par chanson pour éviter les problèmes.
  • Réverbération de qualité : comme décrit ci-dessus, une réverbération de qualité change la donne. Les plug-ins de base ne sont jamais aussi bons qu’une équipe entière qui travaille à faire quelque chose de spécial. Par exemple, tous les plug-ins de Valhalla sont maintenant reconnus comme étant parmi les meilleurs de l’industrie et pour une raison, ils sonnent aussi bien que certaines unités matérielles. Tip Top qui fabrique des synthés modulaires a licencié leur réverbération pour leur z-Dsp 2. Si vous le pouvez, optez toujours pour la réverbération convolution pour votre musique et utilisez-en une seule, dans un AUX/Send. Donc, si vous êtes vraiment dans un morceau en 3D, gardez à l’esprit qu’une réverbération fera 80 % du travail. Le reste consiste à réduire le volume de certains sons pour donner l’impression qu’ils sont plus éloignés. De plus, filtrer les basses fréquences peut donner cette impression. Mélangé à une réverbération de qualité, vous aurez un bel espace.
  • Mid/Side : c’est l’un des aspects les plus mal compris du mixage parce qu’il est vraiment difficile à maitriser. Gardez les choses simples, ce terme fait référence à la façon dont votre espace a la forme de ce que vous avez devant vous. Mid correspond au milieu et les Sides sont situées où se trouvent les haut-parleurs/moniteurs. Si vous abusez trop des Sides, cela provoquera des problèmes de phase (vous l’entendrez dans le mono-check). Mais c’est vraiment intéressant de jouer avec le Mid/Side (aka MS) de vos groupes pour les « ouvrir » un peu.

Dernier conseil : Les basses doivent toujours être en mono et je m’assure habituellement qu’une partie de la mélodie l’est aussi, alors qu’elle peut être partiellement répartie. Le hat principal et les percussions doivent également être forts au milieu, mais vous pouvez alors faire en sorte que le son de soutien de la même famille soit réparti pour donner de la place.

Ma méthodologie de production musicale : le vaisseau mère (Pt. II)

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Je ne sais pas si vous êtes fan de films de science-fiction, mais je le suis. Une chose que j’aime beaucoup dans ce genre de films, ce sont les invasions d’extraterrestres, où ils tombent du ciel après avoir sauté d’un énorme vaisseau spatial ; où tous les méchants sont rassemblés et ensuite déployés. Dans la création musicale, j’applique un concept similaire à mes propres méthodes de production musicale et à ma méthodologie globale. Depuis que j’ai transmis cette idée aux gens que j’entraîne, je les vois faire des choses vraiment cool en utilisant le concept du « vaisseau mère ». Ils adaptent cette méthode à leur propre façon de faire de la musique, et quand ils me la montrent, j’apprends une chose ou deux sur la façon d’améliorer mes méthodes de production musicale.

Cet article porte sur le concept de vaisseau mère, et je partagerai un template Ableton Live vide que vous pouvez réutiliser pour votre propre travail. Je couvrirai également quelques fonctionnalités d’Ableton qui peuvent vous aider à concrétiser vos idées.

LE VAISSEAU MÈRE : PAR OÙ COMMENCER ?


Connaissez d’abord votre musique. Quels que soient les genres que vous écoutez, apprenez connaitre leurs éléments et ce dont vous avez besoin. Si vous lisez régulièrement ce blog, vous savez que j’insiste toujours sur connaître et utiliser des références. Eh bien, la méthode du vaisseau mère commence aussi par l’utilisation de références. Il y a quelques questions essentielles que vous devez vous poser lorsque vous écoutez vos références :

  • Quels sont les sons prédominants ? Par exemple, en techno, le kick, les hats et la snare sont presque toujours là et pendant la majeure partie de la chanson. Il y a souvent des percussions et des effets, mais ce ne sont pas les acteurs principaux.
  • En quoi consiste la mélodie ? La mélodie a-t-elle un seul son (ex. synthétiseur) ou deux ou trois sons différents qui se parlent entre eux ?
  • Y a-t-il autre chose ? Parfois, nous pouvons nous perdre un peu dans une piste de référence, car il semble y avoir beaucoup de choses qui se passent, peut-être de petits sons en arrière-plan ou des tourbillons de grooves. C’est ce que j’appelle des distractions. Si vous voulez vraiment analyser une chanson, faites une boucle de 2 mesures juste au milieu ou quand la chanson est la plus complète, puis commencez à compter chaque son et donnez un sens à ce que vous entendez.

Une fois que votre chanson a été analysée, vous êtes prêt à construire un template.

LA CONSTRUCTION D’UN VAISSEAU MÈRE VIDE

Si vous avez envie de voir à quoi pourrait ressembler un template Ableton Live « Vaisseau mère vide », vous pouvez le télécharger ici :

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Il ne répond peut-être pas à vos besoins en tout temps, mais c’est quand même une excellente entrée en matière.

Ce modèle vide a été créé par ROOM323 que j’entraîne depuis presque 2 ans. Son modèle de départ est vraiment génial — peut-être même meilleur que le mien — alors je vais expliquer pourquoi je pense qu’il peut être vraiment utile.

  • Chaque son a sa propre piste.
  • Il y a juste assez de pistes pour tout couvrir et s’y limiter vous permet de rester concentré.
  • Les pistes d’arrière-plan et d’effets sont un bon rappel. Parfois nous oublions qu’un aspect de la chanson a été surutilisé, surtout pour des détails en arrière-plan. C’est aussi un rappel pour ne pas en faire trop.
  • Le stockage de vos boucles vous donne une vue extérieure de tout le potentiel que vous avez.
  • Il n’y a rien de mieux pour vous aider à prendre des décisions concernant vos différentes chansons.
  • Il peut être transformé en performance live !

COMMENT UTILISER LE TEMPLATE

La toute première partie de l’utilisation de ce template est de commencer par la collecte des « ingrédients principaux » (voir première partie de cette série). . Cela peut se faire en fouillant sur YouTube, en jammant avec un nouveau synthé VST de démo ou en traînant avec des amis tout en les enregistrant jouer au hasard avec des instruments. Tout peut être potentiellement bon, c’est la façon dont vous l’utilisez qui fera la différence.

« Ce n’est pas la note que vous jouez qui mauvaise — c’est la note que vous jouez après qui la rend bonne ou mauvaise » — Miles Davis

  1. Mettez chaque idée différente dans la piste appropriée du vaisseau mère.
  2. Vous aurez peut-être 5 idées fortes. Vous pouvez maintenant remplir les pistes qui manquent de contenu. Si vous avez une belle mélodie de guitare, alors vous aurez besoin de percussions, de kick, etc.
  3. Pour chaque idée, essayez d’avoir des variations différentes. Peut-être que votre première boucle était bonne, mais si vous retravaillez certains éléments, vous trouverez peut-être une autre option qui est assez cool également. Ces variations peuvent aussi être des scènes différentes de la première boucle.
  4. Il ne reste qu’à jammer !

C’est à peu près tout !

Quand je travaille avec ROOM323, j’aurai 20 idées différentes de lui, alors je pourrai sélectionner les 5 meilleures. De là, je vais choisir une rangée et la déposer dans la section d’arrangement pour commencer à construire une chanson. En termes de productivité, cette méthode est beaucoup plus efficace que de se limiter à une idée par projet qui est ensuite transformé en chanson. Une chose importante à garder à l’esprit, c’est que si pendant votre chanson, vous n’avez plus d’idées, alors vous pouvez simplement revenir dans vos 20 boucles originales pour choisir quelque chose de complémentaire.

Une chose étonnante à propos d’Ableton 10 est que vous pouvez déposer une chanson/sample depuis le navigateur et le déposer dans votre chanson. Il importera votre idée telle que vous l’avez laissée. Cela signifie que vous pouvez construire votre vaisseau mère dès aujourd’hui en ajoutant toutes vos boucles inachevées !

 

VOIR AUSSI :

MA MÉTHODOLOGIE DE PRODUCTION MUSICALE : PROFONDEUR ET ASTUCES DE MISE EN FORME SPATIALE (Pt. III)

Ma méthodologie de production de musique électronique (Pt. I)

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J’ai réfléchi récemment à la façon de consolider les nombreuses valeurs, observations et principes que je partage régulièrement sur ce blog dans un résumé de méthodes et méthodologie de production musicale. Je donne régulièrement de la rétroaction dans notre groupe Facebook et je trouve que je me répète souvent en ce qui concerne certains détails et points qui me semblent fondamentaux. Il n’y a pas si longtemps, j’ai écrit un post avec une check-list pour voir si tout avait été couvert afin de savoir si votre chanson est terminée, mais que diriez-vous d’une liste de choses à faire pour commencer ? Et quels sont les points majeurs à considérer en amont pour ne pas se perdre ?

Laissez-moi vous décrire mon propre état d’esprit avant de commencer à travailler sur la musique ; cela m’aide beaucoup et je pense que je pourrais aussi vous donner un coup de pouce en termes de productivité.

L’INTENTION

Avez-vous déjà eu des séances magiques ou d’autres au cours desquelles vous avez eu l’impression d’avoir fait les mêmes choses, d’avoir commencé à douter de ce que vous faisiez ? Faire de la musique semble être aussi simple que de pratiquer un sport, mais on ne peut pas le prévoir ou le contrôler, ce qui peut être frustrant. J’ai commencé à noter un dénominateur commun dans toutes mes bonnes sessions : elles ont toutes été commencées avec une intention précise. Ce que j’entends par là, c’est qu’avant — avant même d’ouvrir la session de travail — je passais du temps à développer une idée précise de ce que je voulais faire dans cette session. Il peut s’agir d’une simple conception sonore, d’un mixage, d’un arrangement ou d’un travail sur la session d’un client.

Je résumais en me disant : « Aujourd’hui, à la fin de la journée, je devrais avoir fait X. » Le X étant une sorte d’objectif que je peux facilement quantifier, comme par exemple la finition d’une piste.

Cette habitude importante me met de bonne humeur, m’aide à me concentrer et me prépare à relever de plus grands défis.

Le mood board

Le terme « mood board » est souvent utilisé dans le design visuel. C’est essentiellement un tableau d’affichage avec toutes sortes d’images : l’ambiance, l’esthétique, les concepts. Parfois il peut s’agir d’une texture ou d’un dessin, mais il peut aussi s’agir de quelques images : cela devient une référence pour tous les membres de l’équipe.

Un exemple de mood board graphique (image utilisée avec l’aimable autorisation de https://www.sophierobinson.co.uk)

C’est à peu près la même chose en audio. J’ai un énorme dossier avec de la musique que j’aime pour servir de référence. J’ai aussi des playlists sur YouTube de chaque référence par client. J’en ai une autre sur Soundcloud pour trouver des idées, de l’inspiration et des arrangements. La qualité audio de Soundcloud n’étant pas si bonne, je l’utilise plus pour des idées que pour n’importe quel mix/mastering. Parfois c’est des chansons, parfois c’est juste des atmosphères simples ou un air bizarre juste pour sa réverbération (que je peux utiliser en convolution). Il y a de nouvelles chansons incroyables que je vois dans mon flux tous les jours et je veux vraiment marquer celles que je vois. Honnêtement, j’ai même un mood board sur Instagram/Pinterest. Certaines images m’aident aussi à générer des idées sonores. Ouais, je suis bizarre comme ça.

L’INGRÉDIENT PRINCIPAL

Dans le risotto par exemple, le riz est l’ingrédient principal mais ce plat peut être modifié de différentes manières. L’audio fonctionne de manière similaire.

Cet ingrédient principal est au cœur de votre prochain projet. Je compare souvent faire de la musique avec préparer un repas : je trouve que le fait de compter sur un premier ingrédient important aide à développer un thème pour une chanson. Plus vous travaillez sur quelque chose, plus vous voudrez en ajouter. Rappelez-vous que les chansons sont divisées en sections et ma règle est d’avoir soit un changement majeur, soit un son ajouté par section. Les chansons ont, en général, 3-4 sections. Certaines n’en ont que 2 !

Ainsi, cela signifie que votre ingrédient principal pourrait — en théorie — avoir des changements majeurs 2-3 fois maximum dans une chanson pour rester compréhensible. Bien sûr, c’est ma règle personnelle. Vous avez peut-être d’autres points de vue, et ce n’est pas grave. L’ingrédient principal aura aussi des frères et sœurs. Je forme généralement une famille de 3 sons par chanson. Les ingrédients principaux auront 1 frère et 1 sœur. Le frère sera semblable à l’ingrédient principal comme un moyen de le compléter. Par exemple, une note plus aiguë. Le son de la sœur sera en opposition avec l’ingrédient principal. Par exemple, si l’ingrédient principal a une attaque rapide, la sœur aura une attaque lente.

La mise en place de ces idées m’aide vraiment à voir rapidement ce dont j’ai besoin. Mais connaître cette méthode n’aide pas à trouver les sons réellement. Les sons me viennent à l’esprit de bien des façons : sampler quelque chose que vous aimez, utiliser les jams que vous avez faits sur une machine et enregistrés, recycler des idées plus anciennes, parcourir les possibilités infinies de YouTube, aller dans un magasin local et acheter le disque le plus bizarre que vous pouvez trouver, apprendre une nouvelle façon de concevoir un son à partir d’un tutoriel que vous avez vu, etc. L’idée est d’avoir du matériel à manipuler.

NOTE : Quand je rencontre un obstacle, je fais généralement un remix pour quelqu’un que je connais, pour le plaisir. Remixer est facile et amusant. Vous essayez de jongler avec les éléments et de garder certains d’entre eux fidèles à l’original pour rendre le remix reconnaissable d’une certaine manière. Dans les remixes, on vous donne déjà l’ingrédient principal, puis c’est à la créativité de faire le reste.

LES FONDATIONS DE LA MAISON

Je vous invite à voir votre chanson comme un plat, mais maintenant imaginons-la aussi comme une maison. Pour en construire une, vous avez besoin d’une base solide. Le solide, ce n’est pas pour la rendre forte ou grande. Il s’agit d’être clair. En termes musicaux, nous appelons la fondation sa note fondamentale, la partie la plus basse. Par conséquent, je trouve que mettre quelques notes dans la basse/sub donnera des idées, du support pour la mélodie à venir dans les médiums. Mais si c’est muddy dans les basses fréquences, toute la chanson en pâtira.

ASTICE : Essayez de garder seulement 1 ou 2 éléments en dessous de 80hz.

UNE ACCROCHE (HOOK)

Votre chanson sera mémorable pour les autres s’ils peuvent la chanter à quelqu’un qui ne l’a jamais entendue. Demandez à un ami pour voir si c’est possible. Sinon, votre chanson sera classée dans la catégorie « musique intentionnelle » (dans la même veine que la musique percussive africaine) où vous ne pouvez pas la chanter. Dans la techno, tout le mouvement de la musique roumaine est en partie construit autour d’une combinaison de chansons avec et sans accroches. Ce qui rend cela addictif, c’est qu’on a le sentiment de pouvoir chanter en retour, mais finalement non, et puis quand on mixe, l’interaction de 2 chansons révèle quelque chose à laquelle on ne s’attendait pas.

Avez-vous besoin d’une accroche ? Non. Mais si vous n’utilisez jamais d’accroches dans votre musique, essayez d’en faire une. Ou si vous ne faites de la musique qu’avec des accroches, essayez d’en faire une qui semble… vide. C’est un défi assez difficile de sortir de votre zone de confort, mais cela peut aussi vous faire découvrir des choses que vous ne pensiez pas pouvoir faire.

David Lynch a dit : « Les idées sont comme les poissons. Si vous voulez attraper de petits poissons, vous pouvez rester dans les eaux peu profondes. Mais si vous voulez attraper de gros poissons, vous devez aller plus loin. »

C’est tout pour la première partie sur les méthodes et la méthodologie de production musicale — je vous en dirai plus la semaine prochaine.

 

Voir aussi :

Ma méthodologie de production de musique électronique (Pt. II)

Comment atteindre un équilibre tonal dans le mix?

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L’un des plus grands défis dans la finition d’une chanson est d’ajuster correctement l’équilibre tonal. Il n’y a aucun doute que cette partie est déroutante. Beaucoup de gens — même des producteurs expérimentés — vont encore avoir des problèmes avec l’équilibre tonal certains jours. Il existe des outils et des méthodes pour corriger l’équilibre tonal, mais c’est toujours un défi. Je pense qu’il est important de partager quelques conseils sur la façon dont vous pouvez faciliter le réglage de l’équilibre tonal.

QU’EST-CE QUE L’ÉQUILIBRE TONAL ?

Je vais faire simple : l’équilibre tonal, de mon point de vue, consiste à diviser votre chanson en trois sections de fréquence et à trouver comment les ajuster. Par exemple, dans certains genres, vous voulez que le son soit totalement équilibré, alors que pour la musique électronique orientée vers la danse, vous voudriez que les graves soient plus forts dans le mix. Bien que cela semble extrêmement simple à réaliser, en réalité, cela peut être un cauchemar.

Le plus gros problème avec l’équilibre tonal est que si votre tonalité est fausse, votre travail, lorsqu’il est joué dans un contexte spécifique (ex. dans un club), sonnera complètement faux par rapport à des chansons similaires du même genre.

Les problèmes courants d’équilibre tonal sont les suivants :

Manque dans les basses fréquences : La chanson sonnera faible, avec moins d’énergie et creuse.

Basses fréquences trop fortes : La chanson sera muddy et manquera de corps.

Médiums manquants : La chanson sera vide, sans punch ni corps, et de loin.

Trop de médiums : La chanson devient inutilement agressive et désagréable.

Manque dans les aigus : La chanson manque de définition et de précision dans les sons.

Les aigus sont trop forts : La chanson est fatigante et rêche.

UTILISER LES BONS OUTILS POUR AJUSTER L’ÉQUILIBRE TONAL

Le monitoring est bien sûr crucial pour ajuster l’équilibre tonal d’une chanson. Je dirais que 75 % du temps je reçois un fichier à masteriser et que l’équilibre tonal est complètement déséquilibré, principalement à cause de l’environnement sonore de l’artiste. Bien que nous n’ayons pas tous le budget ou l’espace nécessaire pour avoir un studio entièrement traité, il y a certaines choses que vous pouvez encore faire :

  • Validation croisée. Avec mes haut-parleurs, je vérifierai toujours périodiquement un mixage avec un casque d’écoute pendant que je travaille. J’aime avoir une perspective différente et je trouve que le son que j’ai entre les deux révèle souvent une perspective qui me manquait.
  • Mixer à faible volume. Vous serez surpris d’entendre automatiquement ce qui ne va pas. Réduisez de moitié le niveau de volume avec lequel vous travaillez et écoutez comment le kick sonne, puis la mélodie par rapport à lui, puis la partie haute fréquence, etc. Contre-valider avec une piste de référence.
  • Utilisation d’un subwoofer. Beaucoup de gens vous diront que vous n’avez pas besoin d’un subwoofer pour faire un bon mixage, mais ça aide certainement d’avoir une idée de ce qui se passe là en bas. Beaucoup d’entre nous auront des problèmes avec les voisins alors je vous suggère de n’utiliser qu’avec parcimonie juste pour vérifier votre mix. Une bonne alternative est d’obtenir un Subpac.

    • Il y a aussi des outils que vous pouvez utiliser dans vos productions pour vous aider. J’en utilise beaucoup, mais voici quelques-uns de mes préférés :

    Reference

    Ce plug-in m’a sauvé la vie plusieurs fois. Vous chargez votre piste de référence, ajustez le volume pour qu’il corresponde à celui de la piste de référence, puis vous pouvez basculer entre votre mix et la référence. Il y a même des graphiques dynamiques pour vous montrer quelle partie de votre mix est trop forte ou manquante par rapport à la piste de référence.

    Si la piste est déjà masterisée, vous ne pourrez pas compter sur le vumètre de compression, mais les niveaux seront utilisés de la même manière. Pour 60 $, c’est certainement un élément essentiel à avoir dans sa collection.

    Shelving/EQ à bande

    Quand j’ai commencé à faire de la musique, je n’aimais vraiment pas mettre les EQ en shelf car je sentais qu’ils n’étaient pas utiles, mais une fois que j’ai commencé à les étudier, je dois dire que c’est presque devenu une de ces obsessions qu’on peut avoir pour un plug-in. Il y en a beaucoup, alors je vais en nommer quelques-unes et vous expliquer comment en tirer le meilleur parti.

    • Tonelux (Softubes): L’un des outils les plus reconnus et les plus acclamés sur le marché. Il permet de faire les choses rapidement. Souvent en solde aussi.
    • Solid EQ (Native Instruments): J’adore celui-ci parce que vous avez une certaine précision sur ce que vous faites et c’est un bon mélange entre un égaliseur musical et un égaliseur transparent.
    • Maag Audio EQ4: Celui-ci est parfait pour les aigus. C’est l’un des plus utilisés dans l’industrie du mastering pour obtenir un son « aérien » approprié.
    • Hammer DSP (Kush Audio): Très musical, chaleureux et remarquable en tout temps. Souvent, il suffit de jouer avec dans le bus principal pour révéler toutes les différentes ambiances qu’une chanson peut avoir.
    • Sie-Q (Sound Toys): Un peu comme Hammer. Musical, et assez magique dans la façon dont il gère les médiums.
    • ValvEQ (Kazrog): Une bonne alternative au coûteux Bax EQ de Dangerous. Il gère également votre tonalité en mode MS.

    UTILISER LES BONNES TECHNIQUES D’ÉQUILIBRE TONAL

    Si l’égalisation, la validation croisée et d’autres outils ne semblent pas fonctionner pour vous, je vous recommanderais une technique très simple pour vous aider.

    Fondamentalement, nous limiterons notre équilibre tonal à trois sections, mais vous pouvez en dégager quatre ou cinq si vous voulez. Cependant, plus le nombre est bas, plus cela sera facile par la suite. Sachant cela, je vous encourage à utiliser Ableton Live 10 pour l’utilisation de la fonction de groupe dans les groupes. Vous pouvez créer des groupes alternatifs où vous passez toutes les pistes en utilisant les basses fréquences dans un groupe, puis les médiums, en terminant par les aigus.

    Si vous n’avez que trois groupes ou bus, vous limitez vraiment vos options à ces 3 faders à contrôler. Moins vous en avez devant vous, plus vous serez concentré.

    Comme je le fais d’habitude, je vais commencer par le spectre principal et le mettre le plus fort, puis mixer les 2 autres en conséquence. J’ai souvent l’impression que le fait de connaître d’abord le niveau de basses fréquences m’aidera grandement à régler le reste.