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Le guide de Pheek pour faire du Dub Techno

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Je pense que faire du Dub Techno est l’un des articles de blogue les plus demandés, et pendant des années, j’ai résisté. Je pense qu’il y avait une sorte de timidité et peut-être un manque de vocabulaire technique pour commencer à enseigner aux autres comment faire du Dub Techno. Mais je pense qu’il est temps de prendre une chance et d’ouvrir toutes les idées que j’ai compilées sur mon Dub Techno bien-aimé.

Ce billet n’expliquera pas nécessairement comment faire du dub techno traditionnel. J’aborderai certaines des questions les plus fréquemment posées à ce sujet, mais je tiens à développer la philosophie et l’esthétique elles-mêmes afin que vous puissiez en tirer le meilleur parti et l’intégrer à votre façon de travailler.

Les origines du Dub Techno

Avant d’aborder la façon de faire du dub techno, il est très important pour moi d’honorer les artistes qui sont à l’origine du genre et de parler de ses débuts. Pour cela, il y a quelques vidéos intéressantes de Dub Monitor. Ces deux vidéos expliquent mieux que moi les origines de la dub techno et son évolution.

Le dub techno est un sous-genre né de la fusion de deux styles musicaux influents : le dub et la techno. La musique dub elle-même trouve ses origines en Jamaïque à la fin des années 1960, avec des pionniers comme King Tubby et Lee « Scratch » Perry. La musique dub se caractérise par un usage intensif des effets, de l’écho, de la réverbération et de la manipulation des pistes existantes, en supprimant souvent les voix pour mettre l’accent sur le rythme et les éléments instrumentaux.

 

The Techno Connection : La techno, quant à elle, a vu le jour à Détroit au début des années 1980, avec des artistes comme Juan Atkins, Derrick May et Kevin Saunderson. La techno est connue pour ses rythmes répétitifs, ses sons synthétiques et son esthétique futuriste, souvent industrielle.

 

L’émergence du dub techno : Le dub techno a commencé à prendre forme au début des années 1990, lorsque des musiciens électroniques ont commencé à expérimenter la fusion des paysages sonores spacieux et chargés d’échos du dub avec les motifs rythmiques et les textures synthétiques de la techno, donnant ainsi naissance au dub techno. Le résultat est un genre qui conserve les rythmes hypnotiques de la techno tout en incorporant des éléments atmosphériques et dub.

 

Caractéristiques de base à prendre en compte lors de la création de dub techno : Le dub techno se caractérise par quelques éléments clés :

  • Paysages sonores de réverbération : Les producteurs de Dub techno utilisent de nombreux effets de réverbération et de delay pour créer des environnements sonores profonds et immersifs. Ces effets donnent à la musique une impression d’espace et de profondeur.
  • Minimalisme : À l’instar de la techno, le dub techno s’appuie souvent sur des compositions minimalistes qui mettent l’accent sur la répétition. L’utilisation d’éléments minimalistes permet d’obtenir une qualité méditative et induisant la transe.
  • Rythmes modérés : Alors que la techno peut avoir un rythme martelant et implacable, la dub techno a tendance à avoir des rythmes plus doux et plus calmes. Le rythme est souvent plus détendu et plus groovy.
  • Incorporation des techniques dub : Le dub techno incorpore les techniques caractéristiques du dub telles que l’écho, les dropouts et le déphasage pour créer un sentiment de mouvement et d’exploration au sein de la musique.

 

Pionniers notables : Parmi les premiers pionniers du dub techno, on peut citer Basic Channel, un duo allemand composé de Moritz von Oswald et Mark Ernestus, et leurs différents pseudonymes tels que Maurizio et Quadrant. Ces artistes ont contribué à façonner le genre et à créer un son distinctif.

 

Influence mondiale : L’influence du dub techno s’est rapidement étendue au-delà de l’Allemagne, avec des artistes et des labels du monde entier qui ont adopté le genre. Des labels comme Chain Reaction et Echocord ont joué un rôle important dans la promotion du dub techno, et des artistes de pays comme la Suède, la Finlande et le Japon ont contribué à son attrait mondial.

 

L’obsession du « comment faire » en faisant du Dub Techno

Au cours des 25 dernières années, j’ai assisté à d’innombrables discussions en ligne sur la façon dont le genre est créé. Les gens discutaient de l’équipement utilisé et étaient obsédés par l’idée de recréer le son original. Bien que je comprenne parfaitement cet état d’esprit, car je suis également obsédé par la façon dont certains sons sont produits, je ne peux m’empêcher de me demander pourquoi vous voudriez refaire exactement les mêmes choses. D’une certaine manière, cela explique pourquoi le genre n’est jamais mort au cours des dernières décennies. Il y a toujours des gens qui continuent à faire du dub techno.

Je pense qu’il y a différentes motivations pour rejoindre l’esthétique du son dub techno. D’une part, je le vois comme une expérience d’apaisement et d’autre part, par passion, pour rejoindre d’autres personnes qui en font aussi.

Mais je pense que les gens sont perplexes quant au fait qu’une chose qui semble si simple puisse être si déroutante à réaliser.

Les principaux aspects de la création de Dub Techno

J’aimerais couvrir plusieurs techniques et stratégies pour infuser votre musique avec une approche dub techno tout en m’assurant que nous appliquons certains réglages qui peuvent donner à votre musique une esthétique similaire.

La première chose à expliquer est qu’il y a 3 catégories principales à prendre en compte lors de la création de dub techno :

  1. La conception sonore (Sound design)
  2. La modulation
  3. La couleur.

Le dub techno a sa propre touche et son propre son qui seront explorés ci-dessous.

Conception sonore du Dub Techno

L’une des principales caractéristiques du dub techno réside dans les pads et les stabs qui sont flous, mélancoliques et énigmatiques. En soi, ces pads ne sont pas nécessairement très complexes à réaliser. J’ai trouvé de nombreux tutoriels sur YouTube et voici 3 de ceux que je préfère. Je trouve qu’ils sont bien expliqués et qu’ils montrent de manière similaire comment les reproduire.

 



Comment faire des accords Dub Techno

Comme vous le voyez dans ces tutoriels, la façon dont le synthé est configuré est plutôt simple : c’est généralement un accord qui se répète, mais il a une modulation et une couleur spécifiques, comme je l’ai expliqué plus tôt. Une fois que vous aurez commencé à expérimenter avec ce pad, vous serez déjà dans le coup et aurez les bases pour faire du dub techno.

Mais honnêtement, lorsque j’ai découvert comment faire, j’ai pensé qu’il serait plus logique de s’inspirer de ces techniques mais d’aller un peu plus loin dans la conception du son.

Dans mes précédents albums dub Tones of Void, Intra, et White Raven, j’ai essentiellement utilisé un tas de synthétiseurs mais je les ai gardés très sombres (par exemple, des notes basses autour de 1-3 octaves) avec peu d’harmoniques (filtrées). Une fois que vous aurez compris que n’importe quel synthé peut faire cela, vous ne serez pas limité au son classique de la dub techno.

Comment créer des mélodies dub techno

Lorsqu’il s’agit de créer des mélodies, les approches sont multiples. Il y a le classique une note (oui, une note) de la dub techno old school (Basic Channel, Chain Reaction) et il y a aussi une approche plus structurée (Pablo Bolivar, Yagya), une dub techno presque orientée vers la pop. Les deux fonctionnent, mais la nature harmonique des mélodies est souvent dans une tonalité mineure, la tonalité de base en ré étant souvent un choix populaire.

Comment créer une basse dub techno

Dans le dub techno, la basse est souvent très simple, avec une seule note. Le simple fait d’utiliser des oscillateurs sinusoïdaux et de les pousser vers l’avant dans le mixage constitue souvent l’esthétique du dub.

Options de synthés Dub Techno

Comme nous l’avons vu dans les 3 vidéos, le dub peut facilement être créé dans n’importe quel contexte avec n’importe quel synthétiseur logiciel. Au fil des ans, j’en ai essayé et testé un grand nombre. Bien que les plugins natifs d’Ableton puissent faire le travail, VCV a été mon terrain de jeu mais ce n’est pas pour tout le monde même si c’est gratuit et qu’il y a tellement de tutoriels. Voici quelques-uns des synthétiseurs logiciels que les gens adorent.

  • Diva : De nombreuses pistes que j’entends en mastering utilisent Diva. Il a une sonorité distincte, mais dans le bon sens du terme. Le son est chaud et riche, et il est proche de certaines options matérielles. Le prix est élevé, mais vous obtenez le son que nous aimons.
  • Pigments : Pigments est polyvalent, ouvert, puissant et extrêmement créatif. Le terrain de jeu est immense, avec l’option d’un magasin de presets dans le synthé lui-même. Il faut travailler un peu pour obtenir le son dub, mais il est agréable.
  • TAL-U-NO-LX Synth : Le Juno a été utilisé au fil des ans comme synthé par défaut pour la dub techno, principalement pour les accords. Cette option de synthé fonctionne bien et est proche de la réalité.
  • Go2 : Bon marché, mais avec de grands résultats. Même les préréglages vous offrent quelques options intéressantes pour commencer. J’aime beaucoup celui-ci.
  • Bleu-III : Rob Papen à nouveau et celui-ci est profond. Ce n’est pas pour les débutants, car on peut facilement s’y perdre, mais les sons que l’on obtient sont très impressionnants.
  • Prophet VS-V : Peu de gens le savent, mais il a été dit que le Prophet VS était ce que les premiers gars de Chain Reaction utilisaient. Quand il y a eu une version VST, nous avons tous salivé. Bien qu’il soit très puissant et agréable, il n’est pas le plus facile à programmer. Mais le son est très impressionnant.
  • Prophet 5 : c’est un synthé que nous avons tous utilisé pendant des années au début des années 2000 lorsque nous voulions un son dub. Il a si bien vieilli et il est agréable à utiliser. Vous disposez de nombreuses options pour les synthés, les pads et les stabs. Recommandé et souvent en promotion.
  • Orange Vocoder : Ce n’est pas un synthé à proprement parler, puisqu’il s’agit bien sûr d’un vocodeur, mais il a été utilisé par de nombreuses personnes, car vous pouvez y mettre n’importe quel son et ce plugin le transformera en un son de synthé sophistiqué. Vraiment puissant et une bonne alternative aux synthés.

 

Le dub est une vibration et une esthétique, pas une bible. Vous prenez l’esthétique et l’appliquez à n’importe quel son.

Une fois que vous avez choisi votre esthétique, vous pouvez appliquer le concept à tous les synthés que vous possédez.

Ce dont vous avez besoin, c’est de créer et d’amplifier vos harmoniques avec de la saturation (les tubes et les bandes font très bien l’affaire), puis d’avoir un filtre coloré et d’envoyer le tout dans un délai et une réverbération pour l’aspect cosmétique. Cela signifie que si vous avez n’importe quel synthé, vous pouvez le rendre sale avec une saturation et ensuite le filtrer. La réverbération fera alors son travail.

Ce qui fera la différence, c’est de jongler avec les différents genres de saturation : distorsion, amp et saturation elle-même. L’utilisation d’une combinaison des trois permet d’obtenir de très belles couleurs, mais veillez à ne pas trop exagérer. Gardez à l’esprit que lors du mastering, le son sera amplifié, de sorte que ce qui semble être une distorsion agréable peut devenir écrasant par la suite.

Vous trouverez ci-dessous quelques-uns de mes outils de saturation.

Plugins de saturation utilisés dans le dub techno

  • Surge XT : (GRATUIT !) Il s’agit d’un collectif de développeurs qui ont réussi à créer un synthétiseur impressionnant et des effets gratuits de haute qualité. Leur Chow Tape est tout à fait étonnant, de même que tous les autres outils de distorsion/saturation. Un must, et en plus, c’est gratuit.
  • RC-20 : Celui-ci est devenu populaire dans la communauté hip-hop lofi en tant que plugin incontournable. Il ajoute des accents lofi, mais c’est un élément que le dub techno possède également, et l’utilisation croisée est donc tout à fait pertinente.
  • Reamp : Les gars derrière ce produit sont très solides et celui-ci a une belle série de plugins qui sont tous très bien conçus. J’aime la couleur de celui-ci.
  • Saturne 2 : Tout Fabfilter est une référence dans son domaine. Saturne ne fait pas exception, car il est très efficace dans ce qu’il fait, c’est-à-dire rendre tout ce qui est trop beau, un peu plus laid, plus sale.
  • PSP Saturator : PSP est l’une de mes sociétés préférées pour ses plugins. J’adore leurs égaliseurs et compresseurs et ce saturateur fait un excellent travail sur les pads.
  • Satin : C’est un outil très pratique. Il s’agit d’une saturation/simulation de tape, mais aussi d’un tape delay qui peut créer des réverbérations bizarres et des signaux wobbly. Une fois que vous aurez commencé à l’utiliser, vous l’utiliserez en permanence.

Plugins de réverbération pour le dub techno

Bien que l’option de réverbération d’Ableton puisse faire l’affaire, je m’en remets toujours à des VST tiers pour cette partie. Il est difficile de ne pas mentionner les plugins Valhalla. Le Supermassive est gratuit et la Digital Reverb est en quelque sorte le complément parfait pour le dub. Si vous devez choisir, je vous recommanderais d’expérimenter les modèles à « plaques » et d’utiliser également un « hall » pour les notes soutenues.

Quoi qu’il en soit, pour moi, la Dub Techno commence par une utilisation intensive de la réverbération, qui doit être modulée, filtrée et distordue. Comprendre comment utiliser votre réverbération et la combiner avec un délai vous permettra d’obtenir une bonne ambiance de dub. Si vous choisissez la réverbération correctement, vous pouvez presque dire que vous avez fait 50 % de votre travail. Le reste est la somme d’un grand nombre de détails, mais lorsque votre réverbération est bien réglée, vous avez automatiquement l’impression de faire du dub.

Tous ceux qui me connaissent ont entendu parler de ma passion pour les réverbérations. J’ai compilé quelques-uns de mes favoris pour le Dub Techno.

 

Les outils de saturation natifs d’Ableton ne sont pas trop mauvais mais sont facilement reconnaissables par une oreille avertie.

  • Lexicon 224 : Je suis un grand fan de Lexicon. Il a un caractère et un ton que j’adore. Je ne sais pas exactement ce que c’est, mais le grain et la sensation qu’il procure me conviennent parfaitement.
  • Springs : La réverbération à ressort est un type de réverbération qui fait sonner les sons envoyés à travers lui comme des liquides. Cela fonctionne bien avec les sons percussifs et vous aurez l’impression d’une ambiance dub classique.
  • Fabfilter Pro-R : Ce filtre est extraordinaire pour les espaces. Il s’agit d’un outil puissant qui permet de façonner des halls grandioses et d’offrir un espace considérable.
  • Adaptiverb : Il y a différents outils sur celui-ci, ce qui le rend unique. Il dispose d’un large éventail de préréglages accordés sur une tonalité fondamentale, ce qui permet de créer des pads à partir de sons inhabituels. Tout à fait unique.
  • SP2016 : Je l’appelle la Cadillac des reverbs. Elle est élégante, chaleureuse, très agréable à l’oreille et très visuelle. Je me sens immergé lorsque je l’utilise.
  • bx_rooms : Extrêmement polyvalent, mais l’interface peut être intimidante. Il offre de belles options pour différents types de pièces.
  • Blackhole : Celui-ci est effrayant, profond, puissant. C’est une réverbération qui vous fait voyager dans l’espace, car elle a un son assez scientifique, riche et gigantesque parfois.

 

Les réverbérations pour le dub sont essentielles, mais vous aurez également besoin de delays. Vous pouvez utiliser des délais longs ou courts. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix, mais l’utilisation des délais permet de prendre des sons très simples et de créer des répétitions, ce qui transforme un motif simple en équations psychédéliques. Les délais, combinés à la réverbération, créent un arrière-plan épais et font en sorte que n’importe quel son – qui semble vide au départ – se remplit d’un tapis de velour onirique. Je pense que pour beaucoup de fans du genre, c’est une qualité qu’ils recherchent.

Echo et Reverb hybride dans Ableton. Ils peuvent faire le travail si vous ne voulez pas casser votre tirelire.

Plugins supplémentaires pour faire de la dub techno (delays, pitch modulators, etc).

  • Diffuse : Ces gars-là sont des amateurs de dub et cet outil est un incontournable pour la réverbération/délai car il s’agit d’une émulation du célèbre Roland Space Echo qui se trouvait dans de nombreux studios.
  • Modnetic : Les mêmes que ci-dessus. Celui-ci est une combinaison de tout ce dont vous avez besoin en un seul endroit pour transformer un simple son ennuyeux en une musique dub.
  • Echorec : Les gars de Pulsar sont très compétents pour recréer des jouets matériels et ils ont créé un delay à bande avec des champs magnétiques auto-oscillants et tout ce que l’on peut souhaiter dans un delay sale.
  • Galaxy Tape Echo : Il s’agit de la recréation par UAD du Roland Space Echo et elle est vraiment bien faite.
  • Tal Dub-X : Comme son nom l’indique, il s’agit d’une station dotée de toutes les options permettant de transformer un simple délai en un délai modulé.
  • Echo Cat : Une autre belle émulation d’un délai à bande. Mais une émulation vraiment solide.
  • PSP 42 : popularisé par Richie Hawtin au début des années 2000, où il mettait les sons en boucle et les pitchait vers le haut ou vers le bas, le PSP42 a été utilisé de manière abusive dans tous ses sets pendant des années. Rich utilisait essentiellement les techniques dub à sa manière.

 

La modulation dans le dub techno

Si vous prenez n’importe quel son de synthétiseur et que vous l’envoyez dans vos chaînes d’effets, vous avez fait la première étape, mais elle ne sera pas complète tant que vous ne l’aurez pas fait bouger, réagir et évoluer en modulations. Il y a beaucoup de choses à assimiler dans cette section car c’est aussi l’un des sujets les plus discutés sur mon blogue – j’en ai déjà parlé en long, en large et en travers mais vous savez maintenant pourquoi, parce que la Dub Techno est une affaire de modulations. Une fois que vous aurez plongé dans cet univers, vous vous enthousiasmerez pour cette méthode et l’appliquerez partout.

Si vous avez regardé ces tutoriels sur la façon dont ils créent les pads et les accords dub, vous verrez qu’ils utilisent la modulation sur le filtre. Une enveloppe et un LFO sont utilisés pour moduler la fréquence du filtre, mais aussi sa résonance. Pour moi, ce n’est que la partie émergée de l’iceberg. S’il y a un paramètre sur un plugin, j’aime à penser qu’il ne doit pas rester statique et qu’il doit bouger, même un tout petit peu.

Mais bien sûr, tout cela peut être géré par mon « couteau suisse » préféré, Shaperbox, qui est conçu pour la modulation à tous les niveaux. Un indispensable.

Quand utiliser des enveloppes et LFO pour faire du dub techno?

S’il s’agit d’une modulation qui réagit à un signal entrant, par exemple lorsqu’un son arrive et que je veux que le filtre réagisse, vous utiliserez une enveloppe. Ce type de modulation est excellent pour accentuer ou atténuer les sons, créant ainsi une sensation plus organique au son traité.

Si vous souhaitez un mouvement constant, les LFO sont excellents pour cela. Ils suivent ou non le tempo. Ils donnent l’illusion que les choses sont constamment en mouvement et contribuent à brouiller les lignes des arrangements linéaires.

Il y a un pack précieux que j’adore de Make Noiss qui contient tellement de petits outils, parfaits pour la modulation et le traitement des signaux midi. Sans oublier mes amis de Manifest Audio et leur large éventail de patches Max qui sont parfaits pour la modulation, mais ils ont aussi créé de nombreux racks pour le dub.

Les 3 Amigos sont là pour transformer une idée statique en une figure animée.

Couleurs du Dub Techno

Je sais que vous pouvez être dérouté par la couleur, car nous avons parlé de la saturation comme d’une forme de couleur, mais il s’agit de la dernière touche. Les couleurs proviennent ici de sources différentes, autres que la saturation, et sont également très complémentaires. Je fais référence aux effets du chorus, du phaser, du flanger, du trémolo, du vibrato, de l’auto-pan, de l’harmonisateur, du wobbler et de l’un des éléments les plus importants, le sifflement (hiss). A part le dernier, tous ces effets sont souvent utilisés dans le dub et c’est une touche agréable d’en utiliser un ou deux sur vos sons.

Ces trucs-là sont très amusants et sonnent très bien.

Chorus, phaser, et vibrato

Le chorus, le phaser et le vibrato fonctionnent très bien avec les synthés, les pads, les stabs et les accords. Ils donnent cet effet stéréo captivant et trippant qui, bien souvent, fait ressortir un son terne du mixage. Veillez à ce qu’il n’y ait pas de problèmes de phase, ce qui correspondrait à une utilisation excessive de l’un de ces effets. Le phénomène de phase est assez courant dans le dub et je corrige souvent ces problèmes au moment du mastering. Il est préférable de le contrôler lors de la décoration du mixage.

Flanger

Le flanger donne une impression de jet à tout ce que l’on veut. Il apporte un son pfshhh aux sons métalliques ou bruyants et peut être assez psychédélique s’il est utilisé à faible niveau. Je l’aime sur les cymbales et les délais.

Tremolo

Les trémolos sont une sorte de sauce secrète que tout le monde sous-estime. Il s’agit essentiellement d’une modulation lente ou rapide de l’amplitude d’un son. Il s’agit d’un superbe outil pour créer des impressions en 3D où vous sentez que les sons s’éloignent de vous et reviennent. Il transforme tout ce qui est linéaire en un mouvement vivant et sensible. A une vitesse plus élevée, il peut même être utilisé comme swing/vélocité pour la percussion. Combinez cela avec un auto-pan et vous obtiendrez des séquences vertigineuses.

Le sifflement (hiss) est également très important. Le bruit de fond est un élément profondément ancré dans l’ADN du dub. Il y a de nombreux générateurs de bruit. Vous pouvez rechercher sur internet des sources de bruit, des enregistrements ou des outils de fabrication de bruit (RC-20). Satin a un sifflement agréable que vous pouvez également utiliser.

Conclusion

Faire du dub techno devrait être un terrain d’expérimentation. C’est un genre que j’aborde avec un esprit très ouvert, comme beaucoup d’autres fans. Si les gens ont souvent l’impression qu’ils ne font que répéter les clichés et que rien de nouveau n’en sort, je leur dirais alors de creuser davantage. Il y a quelques perles de personnes qui repoussent les limites du genre.

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!

 

Comment l’IA aide les musiciens à s’affranchir du manque d’originalité

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Lorsqu’il s’agit de créer de la musique, il existe une tension permanente entre le désir d’innover et la pression de gagner de l’argent. De nombreux musiciens se retrouvent piégés dans un cycle de production d’une musique sans originalité qui s’inscrit parfaitement dans des catégories préexistantes, tout cela dans le but de plaire à leur public et de faire du profit. Et s’il existait un moyen de sortir de ce cycle?

Nous avons récemment parlé de la nécessité de ralentir pour acquérir de nouvelles compétences, mais voyons ce qu’il en est de la technologie la plus avancée.

L’intelligence artificielle (IA) est un outil de plus en plus utilisé par les musiciens pour repousser les limites de la production musicale. L’IA ayant suscité de nombreuses controverses dans la communauté artistique parce qu’elle change la donne en démocratisant son accès, j’ai voulu mettre l’accent sur les aspects positifs.

 

L’utilisation de l’IA pour générer des idées auxquelles nous ne penserions pas

 

L’une des raisons pour lesquelles les musiciens ont tendance à produire une musique peu originale est qu’ils sont constamment à l’affût des dernières tendances et de ce qui est populaire auprès de leur public. Pour gagner de l’argent, ils se sentent obligés de produire de la musique qui s’inscrit parfaitement dans ces tendances, plutôt que d’explorer de nouveaux territoires. Il en résulte une homogénéisation de la musique, où tout commence à sonner pareil. Si vous lisez souvent ce blog, vous savez que nous parlons souvent du « piège de la réussite », qui consiste à essayer de répéter une histoire à succès, ce qui ne mène à rien.

 

L’IA, quant à elle, n’est pas consciente de ces tendances. Elle n’a pas de notion préconçue de ce qui est populaire ou de ce qui se vendra. En revanche, elle est capable d’analyser de grandes quantités de données afin d’identifier des schémas et des connexions que les humains ne pourraient pas voir. Cela en fait un outil puissant pour l’innovation dans la production musicale.

 

Par exemple, l’IA peut analyser la musique existante et identifier les éléments communs qui pourraient être utilisés pour créer quelque chose de nouveau. Elle peut également générer des idées entièrement nouvelles auxquelles les humains n’auraient pas pensé. En utilisant l’IA, les musiciens peuvent se libérer des contraintes de leur propre créativité et explorer de nouveaux territoires qu’ils n’auraient peut-être pas découverts autrement.

 

L’IA peut recycler de vieilles idées de manière innovante

 

Mais l’IA n’est pas seulement un outil permettant de créer de la musique entièrement nouvelle. Elle peut également être utilisée pour recycler des idées existantes de manière innovante. Par exemple, l’IA peut prendre une mélodie existante et la transposer dans une autre tonalité, ou appliquer des motifs rythmiques différents à une progression d’accords familière. En utilisant l’IA de cette manière, les musiciens peuvent créer quelque chose de frais et de nouveau, tout en s’appuyant sur des éléments familiers que leur public reconnaîtra.

 

Bien entendu, l’utilisation de l’IA dans la production musicale n’est pas sans poser de problèmes. Certains musiciens craignent que leur travail ne soit moins authentique ou que l’élément humain qui rend la musique si spéciale ne disparaisse. Mais la vérité est que l’IA n’est qu’un outil et que, comme tout outil, elle peut être utilisée de différentes manières. Les musiciens qui considèrent l’IA comme un outil d’innovation et d’exploration peuvent l’utiliser pour améliorer leur propre créativité, plutôt que de la remplace

 

Outils d’IA pour la création de musique électronique

  1. Amper Music: Une plateforme qui utilise l’IA pour générer des morceaux de musique originaux sur la base des informations fournies par l’utilisateur concernant le genre, les émotions et le tempo.
  2. AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) : Un compositeur et générateur de musique qui utilise des algorithmes d’apprentissage profond pour créer des morceaux de musique originaux dans différents genres.
  3. Melodrive : Un outil qui utilise l’IA pour créer de la musique personnalisée pour les jeux vidéo et autres médias interactifs, en adaptant la musique au comportement et aux émotions de l’utilisateur.
  4. Google Magenta : Un projet open-source qui vise à faire progresser l’état de l’art en matière d’apprentissage automatique pour la génération de musique et d’art, en fournissant des outils pour la création et l’exploration de nouvelles expériences musicales.
  5. Amadeus Code: Un outil qui utilise l’IA pour aider les auteurs-compositeurs à générer de nouvelles idées musicales, en leur suggérant des progressions d’accords et des mélodies sur la base des données fournies par l’utilisateur.
  6. Humtap: Une plateforme qui utilise l’IA pour aider les utilisateurs à créer de la musique originale en leur suggérant des accords, des mélodies et des paroles en fonction de ce qu’ils ont saisi.
  7. Emergent Drums: génère des kits de batterie en quelques clics. Puissant!
  8. AI Kitchen : Celui-ci n’est pas encore public, mais il semble prometteur. Il s’agit en fait du Midjourney de l’audio. Vous saisissez des instructions et l’IA vous donne des idées.

Comment savoir si un outil est vraiment de l’IA et pas autre chose :

Il peut être difficile de déterminer si un outil de production musicale décrit comme étant piloté par l’IA utilise réellement l’IA, car le terme « IA » est souvent utilisé de manière vague et peut avoir des significations différentes dans des contextes différents. J’ai remarqué un certain nombre de plugins qui disent utiliser l’IA mais ce n’est pas vraiment le cas. Cependant, voici quelques éléments qui peuvent indiquer qu’un outil utilise l’IA :

  1. Algorithmes d’apprentissage automatique: De nombreux outils de production musicale pilotés par l’IA utilisent des algorithmes d’apprentissage automatique pour analyser et générer de la musique. Si un outil prétend utiliser l’IA, il convient d’examiner les algorithmes d’apprentissage automatique spécifiques qu’il utilise et la manière dont ils sont appliqués.
  2. Données d’apprentissage: Les systèmes d’intelligence artificielle ont besoin de grandes quantités de données d’apprentissage. Si un outil de production musicale prétend utiliser l’IA, il convient de vérifier sur quelles données d’apprentissage il a été formé, et s’il a été formé sur un ensemble de données suffisamment diversifié et représentatif.
  3. Variabilité des résultats: L’une des caractéristiques des systèmes d’intelligence artificielle est qu’ils peuvent générer un large éventail de résultats à partir d’une entrée donnée. Si un outil de production musicale est capable de générer un grand nombre de pistes ou de variations uniques sur la base des données fournies par l’utilisateur, cela peut être le signe qu’il utilise l’IA.
  4. Appuis d’experts : Si un outil de production musicale est approuvé par des experts dans le domaine de l’IA ou de la production musicale, cela peut être un signe qu’il utilise des techniques d’IA légitimes.
  5. Transparence: Enfin, il est important de rechercher la transparence dans la manière dont l’outil est décrit et commercialisé. Si un outil est vague sur la manière dont il utilise l’IA ou s’il fait des déclarations irréalistes sur ce qu’il peut faire, c’est un signal d’alarme.

En fin de compte, la meilleure façon de déterminer si un outil de production musicale utilise réellement l’IA est de faire des recherches et de poser des questions. Recherchez des critiques provenant de sources fiables, interrogez les développeurs sur leurs techniques d’intelligence artificielle et discutez avec d’autres utilisateurs pour vous faire une idée des performances de l’outil dans la pratique.

 

Génératif vs IA

La musique générative est l’ancêtre de la musique IA. Ce que nous faisons dans le domaine modulaire est essentiellement un travail d’homme des cavernes préhistorique comparé à l’approche de haute technologie des systèmes de modélisation. La modularité repose en quelque sorte sur la logique booléenne et les opérations de base. Je pense qu’il est important d’explorer la musique générative pour comprendre comment les machines sont là pour créer du matériel que vous pouvez utiliser dans votre musique. La musique générative vous fournira de multiples idées basées sur les paramètres de votre choix. La musique générative est quelque chose qu’il est important de comprendre si vous cherchez à vous débarrasser du syndrome de la page blanche.

L’un des défauts de l’IA que j’apprécie est son manque de compréhension des bonnes et des mauvaises idées.

Elle fait simplement ce qu’elle sait faire.

Vous pouvez ensuite transformer des prises maladroites en idées qui vous sont propres. C’est un peu comme si une blague d’un enfant en bas âge pouvait être utilisée pour inventer une histoire drôle pour les adultes.

Alors, à tous les musiciens qui se sentent piégés dans un cycle de manque d’originalité : il est temps de reconsidérer votre approche. En adoptant l’IA comme outil d’innovation, vous pouvez vous libérer des contraintes liées à la popularité et explorer de nouveaux territoires que vous n’auriez peut-être pas découverts autrement. Que vous créiez de la musique entièrement nouvelle ou que vous recycliez des idées existantes de manière innovante, l’IA peut vous aider à repousser les limites du possible en matière de production musicale.