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Outils MIDI d’Ableton et optimisation du flux de travail

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Quel que soit votre niveau de maîtrise d’Ableton Live, vous avez peut-être déjà vu des tutoriels avancés sur YouTube et vous vous êtes demandé s’ils étaient faits pour vous. Bien que je couvre certaines des techniques avancées que j’utilise ci-dessous, je souhaite introduire le sujet de ce que sont les techniques avancées et pourquoi vous aimeriez les utiliser. C’est une chose de s’y intéresser, mais parfois, la simplicité peut être encore plus puissante que quelque chose d’avancé et de compliqué, à moins que vous ne vouliez faire quelque chose de compliqué. Lorsque mes étudiants me posent des questions sur les techniques avancées, nous nous retrouvons toujours dans une conversation sur ce qui est avancé en premier lieu ou sur les raisons pour lesquelles on voudrait utiliser ces techniques. Nous parlons de musique ambiante, d’IDM, d’EDM ou de musique qui semble avancée. Le fait est que les techniques sont toujours divisées en catégories, et c’est là que tout commence.

  • Performance en live.
  • Arrangements.
  • Conception sonore
  • Mixage.

Alors que la production musicale est une série non linéaire de phases qui se succèdent, vous utilisez d’abord une technique pour reproduire un effet/son spécifique ou résoudre un problème. Pour savoir quelle technique vous voulez ou devez utiliser, vous devez d’abord être capable de nommer le problème auquel vous êtes confronté. Cela peut s’avérer difficile car, parfois, nous ne savons même pas que nous avons un problème.

 

L’apprentissage circulaire plutôt que linéaire

 

L’un des problèmes que rencontrent de nombreux étudiants qui travaillent avec moi dans le cadre de l’apprentissage traditionnel ou des cours en ligne est qu’ils utilisent une approche linéaire de l’enseignement et un partage monodirectionnel des leçons. L’approche linéaire s’apparente à la cuisine, où l’on suit les étapes du mode d’emploi et où l’on obtient un résultat à la fin. Dans le domaine de la musique électronique, les expériences ressemblent davantage à un arbre de possibilités qu’à un résultat unique. Imaginez un arbre comme une entité aux racines multiples fusionnant en un noyau et se développant en de multiples branches. C’est la même chose avec la musique : vos racines proviennent de différents espaces, et votre avenir devrait s’orienter vers une large expansion des possibilités plutôt que vers un endroit unidirectionnel. Les leçons monodirectionnelles signifient que vous recevez des informations et que vous les appliquez ensuite. Je ne crois pas tellement à cette méthode parce que je suis curieux et que j’ai toujours envie d’en savoir plus. La curiosité est l’un des traits les plus importants pour apprendre la musique électronique. Je préfère une méthode bidirectionnelle, ce qui signifie que j’apprends à connaître l’élève, ses origines, sa façon d’apprendre et ses objectifs. L’approche que nous utilisons est circulaire lorsqu’il s’agit d’apprendre, et il s’agit principalement de comprendre les obstacles et d’utiliser des stratégies pour les surmonter. Cela conduira à l’exploration de techniques.

Notes d’un cours particulier que j’ai donné. Travailler, apprendre dans un mouvement circulaire.

Comme vous pouvez le constater, nous commençons par maintenir l’élève dans un état de fluidité, mais lorsqu’il rencontre un obstacle, nous disposons d’une stratégie pour trouver des solutions dans le cadre d’une approche. Voyons maintenant comment certaines techniques vont fonctionner pour eux.

Résolution et correction des problèmes

 

C’est une chose de rencontrer des difficultés techniques, mais c’en est une autre d’être confronté à des limitations techniques. Parfois, on ne sait pas qu’on ne sait pas qu’il y a un problème, et c’est délicat. Dans l’enseignement, transmettre toutes les connaissances à un élève ne s’est jamais avéré efficace. L’une des meilleures façons d’apprendre est de commencer à créer une chanson, une miniature ou une petite expérience en live. Lorsque Live est arrivé en 2024 avec une nouvelle version (12), l’une des premières choses qui a attiré mon attention a été l’évolution de toute la section midi avec l’implémentation directe des patchs max dans les propriétés du clip. Peu de temps après la sortie de la nouvelle version, deux développeurs ont proposé une série d’outils avancés, et je vais expliquer ci-dessous certains des problèmes potentiels qu’ils couvrent.

 

MIDI Tools de Phillip Meyer

La première qui a piqué ma curiosité est la collection MIDI Tools de Phillip. Comme son nom l’indique, il s’agit d’une collection d’outils MIDI divisée en deux catégories. Les catégories sont nouvelles dans Live 12. Elles consistent en des conteneurs qui transforment les signaux ou créent de nouvelles idées. Cette approche est similaire à celle des synthés modulaires, où vous avez des sources et des modificateurs. Elle n’est donc pas étrangère à ceux qui viennent de ce monde. C’était déjà le cas dans la version 11, mais ce n’était pas expliqué de cette manière. D’une certaine manière, la nouvelle version de Live revient à ses racines : jouer en live. Les outils proposés par Meyer sont nombreux. Les voici et ce qu’ils font.

 

Blocks

Blocks

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Principalement utilisé pour la génération de rythmes. Créer des motifs anormaux d’une manière inhabituelle. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Briser ses habitudes de percussion, créer des breakbeats ou des rythmes étranges. Utile pour briser le syndrome de la page blanche. Je pense que celui-ci est mon préféré. Vous dites combien de temps ou de notes vous voulez et vous jouez avec les curseurs. En fonction de la position donnée, les notes seront placées proportionnellement. Il ne s’agit pas d’un séquençage euclidien, mais d’une logique propre.

 

 

 

Phase Pattern

Catégorie : Générateur Ce qu’il fait : Crée des séquences de façon logarithmique. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut créer un effet de balle rebondissante, ce qui signifie que les rythmes peuvent prendre de la vitesse ou changer à mi-chemin. C’est utile pour les pauses, les transitions, les effets et les roulements. Celui-ci est amusant. C’est un bon moyen de créer des motifs élastiques où les choses s’accélèrent, et cela peut aussi être un moyen de changer de rythme au cours d’un morceau.

 

 

 

 

 

Turing Machine

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Émule ce que fait la machine de Turing dans le monde modulaire. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver de nouvelles mélodies et de nouveaux motifs. Il est excellent pour briser le syndrome de la page blanche ou pour fournir des idées complémentaires. Si vous ne savez pas ce que fait la machine de Turing, je vous encourage à consulter le site suivant. Il s’agit d’un système inventé par Allan Turing pendant la Seconde Guerre mondiale pour décrypter les codes nazis. Aujourd’hui, nous pouvons l’utiliser pour générer des séquences, des mélodies ou des motifs.

 

 

 

Polyrhythm

Catégorie : Générateur. Ce qu’il fait : Crée plusieurs motifs à la fois. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Créer des séquences complexes, percussives ou mélodiques. Si vous n’êtes pas familier avec les polyrythmies, je vous encourage à y jeter un coup d’œil. En gros, les polyrythmies sont un moyen de programmer des motifs qui ne sont pas de la même longueur, ce qui rend la séquence non linéaire et ne tombe pas toujours dans la même boucle. Cela peut avoir un effet hypnotique et dérouter les gens sur le point de départ et d’arrivée d’une idée, comme c’est le cas dans les percussions africaines. Ce générateur utilise des algorithmes euclidiens pour créer ses séquences.

 

 

 

 

Condition

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une idée et peut proposer des alternatives sous certaines conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Trouver différentes variations pour une séquence. Pourquoi se contenter d’une idée quand on peut avoir un nombre illimité d’alternatives et choisir la meilleure pour ses arrangements? C’est exactement ce que fait ce transformateur.

 

 

Develop

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Semblable à Condition, mais lié au temps. Il prend une idée initiale, la développe et l’estompe progressivement. Il s’agit d’un outil intelligent d’amélioration des notes. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Il peut s’agir d’un bon moyen de développer une idée de manière inattendue. Celui-ci est similaire aux conditions. Il fonctionne bien dans la section Arrangement, où vous prenez une idée et voyez ensuite plusieurs idées évoluer à partir d’une idée initiale. Il ne s’agit pas d’une condition, mais plutôt d’un moyen de faire évoluer une idée.

 

Divs

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Il prend une note et la subdivise. Problèmes qu’il peut résoudre : il ne résout pas de problème, mais il permet de faire du cliquetis à partir de n’importe quoi. Cette technique est très populaire dans le Trap ces derniers temps. Elle est conçue comme un compagnon de l’outil Blocks.

 

 

Draw

Catégorie : Transformateur. Ce qu’il fait : Donne une mélodie ou de la vie à un motif de différentes manières. Ce qu’il peut vous aider à faire : Transformer une séquence que vous avez générée en mélodie. Vous pouvez facilement dessiner la hauteur ou d’autres caractéristiques et voir comment cela se passe. C’est un moyen spontané de créer des mélodies et de transformer des motifs rapides en quelque chose d’autre, en leur donnant automatiquement une seconde vie.

 

 

 

 

 

 

Pattern Transform

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et, selon certaines règles, réviser les mélodies et prendre des décisions à votre place. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? De légères modifications à une accroche peuvent vous aider à créer des alternatives pour d’autres sections de votre chanson. Considérez-le comme un assistant de prise de décision basé sur des conditions.

 

Segments

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Subdiviser une note, mais en fonction de conditions. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Similaire à Divs mais avec une approche similaire à Condition. Idéal pour les motifs micro glitch IDM complexes.

 

 

Feel

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : C’est un humanizer. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Rompre avec une séquence robotique et rigide et l’animer d’un swing et d’un sentiment humain.

 

 

Shift

Catégorie : transformateur. Ce qu’il fait : Prendre un motif et le modifier, que ce soit au niveau de la hauteur, de la durée, de la vélocité, etc. Quels sont les problèmes qu’il peut aider à résoudre? Utile pour avoir des variations sur une séquence ou pour tester la modification de ses caractéristiques à travers une boucle.

 

 

 

 

 

Ces outils constituent ce que j’appellerais une bonne sélection d’outils de déblocage. Ils ne sont pas basiques, mais tout le monde peut les utiliser et, avec un peu de patience, ils peuvent fournir des idées solides ou aider à avancer vers des variantes. Je dirais qu’ils font partie de mes indispensables.

Concept de miniatures en musique

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Il m’arrive parfois de trouver de superbes vidéos avec des techniques de production que j’adore. Après les avoir pratiquées, j’ai pensé les partager avec vous pour que vous puissiez bénéficier de cette découverte. Dans ce cas-ci, il s’agit du concept de miniatures et de la façon dont il est associé à certains principes de conception sonore que j’ai appliqués. Récemment, j’ai rejoint le programme Sound and Synthesis de Sarah Belle Reid, qui s’est avéré très instructif. Une fois que j’ai commencé à me plonger dans la conception sonore et ses mécanismes, j’ai non seulement commencé à comprendre l’ADN du son sous un angle différent, mais aussi dans le contexte d’une chanson.

 

 

Qu’est-ce qu’une miniature?

En parcourant YouTube récemment, j’ai trouvé cette vidéo qui m’a emballé. La miniature est un pas en arrière par rapport à la création de chansons et a la perspective d’utiliser un son dans un concept de bulle minuscule. Il s’agit d’une idée de 10 secondes à 1 minute. Rien de plus. Il ne s’agit pas d’essayer d’intégrer autant d’éléments que possible, mais plutôt de prendre un son et de voir comment en tirer le meilleur parti. Lorsque j’enseigne la production musicale, il y a un autre exercice que j’aime suggérer aux étudiants : prendre un son très basique (sample) et le transformer en « idée principale ». Pour ce faire, je suggère de choisir d’abord un son aléatoire, de préférence quelque chose que vous considérez comme ennuyeux, puis de le jouer de façon répétée pour en tirer un motif. Modifiez éventuellement la hauteur du son, mais parfois, il suffit de le laisser à sa hauteur d’origine. Voyez comment vous pouvez en tirer une phrase et composez une chanson (1 à 2 minutes) à partir de ce seul élément. Parfois, je vois un sourcil se lever en signe de doute, mais j’explique alors que n’importe quel son, en soi, peut être une chanson. Par exemple, John Cage a créé une chanson pour les taper dans les mains :

 

Revenons donc aux miniatures. Pensez à de petites idées qui fonctionnent, idéalement avec 1 ou 2 sons. Regardez la vidéo ci-dessous :

 

Le titre un peu « piège à clics » m’a d’abord fait lever les yeux au ciel, mais je l’ai ensuite consulté pour y trouver quelque chose d’assez amusant. Pour résumer, il suggère d’écrire des idées sur une carte, ce qui créera un petit défi, comme une idée miniature. Ces idées ont certains critères :

En voici un exemple :

 

On oublie souvent que les chansons sont une collection de sons et de sonorités qui évoluent d’elles-mêmes, que ce soit pendant un court laps de temps ou pendant toute la durée de la chanson. L’idée de créer des miniatures devient utile parce que vous créez des idées qui peuvent être incluses plus tard dans une chanson. Envisager la production musicale de manière modulaire (pas au sens de synthétiseur modulaire) peut vous aider à travailler sur différents éléments de vos chansons avant de vous plonger dans les arrangements. L’une de mes principales sources de plaisir coupable est de trouver des boucles amusantes sur Splice comme point de départ, donc construire mes boucles est utile pour créer des chansons plus tard.

 

Enveloppes et macro-enveloppes

L’un des éléments que nous avons abordés dans la conception sonore est la façon dont les enveloppes façonnent les sons en fonction de leur forme. Mais lorsque l’on pense à des miniatures ou à des chansons, il peut être utile de penser à une macro-enveloppe. Ce que je veux dire ici, c’est qu’il y a une évolution dans l’ensemble de la chanson. Un exercice que Sarah nous a donné pour une performance consiste à dessiner la forme de l’évolution de votre chanson ou de votre motif pendant toute la durée de l’expérience. Il pourrait commencer brusquement, s’estomper, puis devenir de plus en plus fort jusqu’à la fin. Si vous êtes un utilisateur de Shaperbox comme moi, vous savez que vous pouvez utiliser ses enveloppes internes pour modeler l’amplitude ou le filtre sur une longue période. Cela devient pratique si vous voulez une modulation lente et répétitive.

 

Si vous voulez des idées de miniatures, je vous encourage à regarder la vidéo plus haut. J’y ai trouvé une inspiration immédiate pour mes sons.

 

Le guide de Pheek pour faire du Dub Techno

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Je pense que faire du Dub Techno est l’un des articles de blogue les plus demandés, et pendant des années, j’ai résisté. Je pense qu’il y avait une sorte de timidité et peut-être un manque de vocabulaire technique pour commencer à enseigner aux autres comment faire du Dub Techno. Mais je pense qu’il est temps de prendre une chance et d’ouvrir toutes les idées que j’ai compilées sur mon Dub Techno bien-aimé.

Ce billet n’expliquera pas nécessairement comment faire du dub techno traditionnel. J’aborderai certaines des questions les plus fréquemment posées à ce sujet, mais je tiens à développer la philosophie et l’esthétique elles-mêmes afin que vous puissiez en tirer le meilleur parti et l’intégrer à votre façon de travailler.

Les origines du Dub Techno

Avant d’aborder la façon de faire du dub techno, il est très important pour moi d’honorer les artistes qui sont à l’origine du genre et de parler de ses débuts. Pour cela, il y a quelques vidéos intéressantes de Dub Monitor. Ces deux vidéos expliquent mieux que moi les origines de la dub techno et son évolution.

Le dub techno est un sous-genre né de la fusion de deux styles musicaux influents : le dub et la techno. La musique dub elle-même trouve ses origines en Jamaïque à la fin des années 1960, avec des pionniers comme King Tubby et Lee « Scratch » Perry. La musique dub se caractérise par un usage intensif des effets, de l’écho, de la réverbération et de la manipulation des pistes existantes, en supprimant souvent les voix pour mettre l’accent sur le rythme et les éléments instrumentaux.

 

The Techno Connection : La techno, quant à elle, a vu le jour à Détroit au début des années 1980, avec des artistes comme Juan Atkins, Derrick May et Kevin Saunderson. La techno est connue pour ses rythmes répétitifs, ses sons synthétiques et son esthétique futuriste, souvent industrielle.

 

L’émergence du dub techno : Le dub techno a commencé à prendre forme au début des années 1990, lorsque des musiciens électroniques ont commencé à expérimenter la fusion des paysages sonores spacieux et chargés d’échos du dub avec les motifs rythmiques et les textures synthétiques de la techno, donnant ainsi naissance au dub techno. Le résultat est un genre qui conserve les rythmes hypnotiques de la techno tout en incorporant des éléments atmosphériques et dub.

 

Caractéristiques de base à prendre en compte lors de la création de dub techno : Le dub techno se caractérise par quelques éléments clés :

  • Paysages sonores de réverbération : Les producteurs de Dub techno utilisent de nombreux effets de réverbération et de delay pour créer des environnements sonores profonds et immersifs. Ces effets donnent à la musique une impression d’espace et de profondeur.
  • Minimalisme : À l’instar de la techno, le dub techno s’appuie souvent sur des compositions minimalistes qui mettent l’accent sur la répétition. L’utilisation d’éléments minimalistes permet d’obtenir une qualité méditative et induisant la transe.
  • Rythmes modérés : Alors que la techno peut avoir un rythme martelant et implacable, la dub techno a tendance à avoir des rythmes plus doux et plus calmes. Le rythme est souvent plus détendu et plus groovy.
  • Incorporation des techniques dub : Le dub techno incorpore les techniques caractéristiques du dub telles que l’écho, les dropouts et le déphasage pour créer un sentiment de mouvement et d’exploration au sein de la musique.

 

Pionniers notables : Parmi les premiers pionniers du dub techno, on peut citer Basic Channel, un duo allemand composé de Moritz von Oswald et Mark Ernestus, et leurs différents pseudonymes tels que Maurizio et Quadrant. Ces artistes ont contribué à façonner le genre et à créer un son distinctif.

 

Influence mondiale : L’influence du dub techno s’est rapidement étendue au-delà de l’Allemagne, avec des artistes et des labels du monde entier qui ont adopté le genre. Des labels comme Chain Reaction et Echocord ont joué un rôle important dans la promotion du dub techno, et des artistes de pays comme la Suède, la Finlande et le Japon ont contribué à son attrait mondial.

 

L’obsession du « comment faire » en faisant du Dub Techno

Au cours des 25 dernières années, j’ai assisté à d’innombrables discussions en ligne sur la façon dont le genre est créé. Les gens discutaient de l’équipement utilisé et étaient obsédés par l’idée de recréer le son original. Bien que je comprenne parfaitement cet état d’esprit, car je suis également obsédé par la façon dont certains sons sont produits, je ne peux m’empêcher de me demander pourquoi vous voudriez refaire exactement les mêmes choses. D’une certaine manière, cela explique pourquoi le genre n’est jamais mort au cours des dernières décennies. Il y a toujours des gens qui continuent à faire du dub techno.

Je pense qu’il y a différentes motivations pour rejoindre l’esthétique du son dub techno. D’une part, je le vois comme une expérience d’apaisement et d’autre part, par passion, pour rejoindre d’autres personnes qui en font aussi.

Mais je pense que les gens sont perplexes quant au fait qu’une chose qui semble si simple puisse être si déroutante à réaliser.

Les principaux aspects de la création de Dub Techno

J’aimerais couvrir plusieurs techniques et stratégies pour infuser votre musique avec une approche dub techno tout en m’assurant que nous appliquons certains réglages qui peuvent donner à votre musique une esthétique similaire.

La première chose à expliquer est qu’il y a 3 catégories principales à prendre en compte lors de la création de dub techno :

  1. La conception sonore (Sound design)
  2. La modulation
  3. La couleur.

Le dub techno a sa propre touche et son propre son qui seront explorés ci-dessous.

Conception sonore du Dub Techno

L’une des principales caractéristiques du dub techno réside dans les pads et les stabs qui sont flous, mélancoliques et énigmatiques. En soi, ces pads ne sont pas nécessairement très complexes à réaliser. J’ai trouvé de nombreux tutoriels sur YouTube et voici 3 de ceux que je préfère. Je trouve qu’ils sont bien expliqués et qu’ils montrent de manière similaire comment les reproduire.

 



Comment faire des accords Dub Techno

Comme vous le voyez dans ces tutoriels, la façon dont le synthé est configuré est plutôt simple : c’est généralement un accord qui se répète, mais il a une modulation et une couleur spécifiques, comme je l’ai expliqué plus tôt. Une fois que vous aurez commencé à expérimenter avec ce pad, vous serez déjà dans le coup et aurez les bases pour faire du dub techno.

Mais honnêtement, lorsque j’ai découvert comment faire, j’ai pensé qu’il serait plus logique de s’inspirer de ces techniques mais d’aller un peu plus loin dans la conception du son.

Dans mes précédents albums dub Tones of Void, Intra, et White Raven, j’ai essentiellement utilisé un tas de synthétiseurs mais je les ai gardés très sombres (par exemple, des notes basses autour de 1-3 octaves) avec peu d’harmoniques (filtrées). Une fois que vous aurez compris que n’importe quel synthé peut faire cela, vous ne serez pas limité au son classique de la dub techno.

Comment créer des mélodies dub techno

Lorsqu’il s’agit de créer des mélodies, les approches sont multiples. Il y a le classique une note (oui, une note) de la dub techno old school (Basic Channel, Chain Reaction) et il y a aussi une approche plus structurée (Pablo Bolivar, Yagya), une dub techno presque orientée vers la pop. Les deux fonctionnent, mais la nature harmonique des mélodies est souvent dans une tonalité mineure, la tonalité de base en ré étant souvent un choix populaire.

Comment créer une basse dub techno

Dans le dub techno, la basse est souvent très simple, avec une seule note. Le simple fait d’utiliser des oscillateurs sinusoïdaux et de les pousser vers l’avant dans le mixage constitue souvent l’esthétique du dub.

Options de synthés Dub Techno

Comme nous l’avons vu dans les 3 vidéos, le dub peut facilement être créé dans n’importe quel contexte avec n’importe quel synthétiseur logiciel. Au fil des ans, j’en ai essayé et testé un grand nombre. Bien que les plugins natifs d’Ableton puissent faire le travail, VCV a été mon terrain de jeu mais ce n’est pas pour tout le monde même si c’est gratuit et qu’il y a tellement de tutoriels. Voici quelques-uns des synthétiseurs logiciels que les gens adorent.

  • Diva : De nombreuses pistes que j’entends en mastering utilisent Diva. Il a une sonorité distincte, mais dans le bon sens du terme. Le son est chaud et riche, et il est proche de certaines options matérielles. Le prix est élevé, mais vous obtenez le son que nous aimons.
  • Pigments : Pigments est polyvalent, ouvert, puissant et extrêmement créatif. Le terrain de jeu est immense, avec l’option d’un magasin de presets dans le synthé lui-même. Il faut travailler un peu pour obtenir le son dub, mais il est agréable.
  • TAL-U-NO-LX Synth : Le Juno a été utilisé au fil des ans comme synthé par défaut pour la dub techno, principalement pour les accords. Cette option de synthé fonctionne bien et est proche de la réalité.
  • Go2 : Bon marché, mais avec de grands résultats. Même les préréglages vous offrent quelques options intéressantes pour commencer. J’aime beaucoup celui-ci.
  • Bleu-III : Rob Papen à nouveau et celui-ci est profond. Ce n’est pas pour les débutants, car on peut facilement s’y perdre, mais les sons que l’on obtient sont très impressionnants.
  • Prophet VS-V : Peu de gens le savent, mais il a été dit que le Prophet VS était ce que les premiers gars de Chain Reaction utilisaient. Quand il y a eu une version VST, nous avons tous salivé. Bien qu’il soit très puissant et agréable, il n’est pas le plus facile à programmer. Mais le son est très impressionnant.
  • Prophet 5 : c’est un synthé que nous avons tous utilisé pendant des années au début des années 2000 lorsque nous voulions un son dub. Il a si bien vieilli et il est agréable à utiliser. Vous disposez de nombreuses options pour les synthés, les pads et les stabs. Recommandé et souvent en promotion.
  • Orange Vocoder : Ce n’est pas un synthé à proprement parler, puisqu’il s’agit bien sûr d’un vocodeur, mais il a été utilisé par de nombreuses personnes, car vous pouvez y mettre n’importe quel son et ce plugin le transformera en un son de synthé sophistiqué. Vraiment puissant et une bonne alternative aux synthés.

 

Le dub est une vibration et une esthétique, pas une bible. Vous prenez l’esthétique et l’appliquez à n’importe quel son.

Une fois que vous avez choisi votre esthétique, vous pouvez appliquer le concept à tous les synthés que vous possédez.

Ce dont vous avez besoin, c’est de créer et d’amplifier vos harmoniques avec de la saturation (les tubes et les bandes font très bien l’affaire), puis d’avoir un filtre coloré et d’envoyer le tout dans un délai et une réverbération pour l’aspect cosmétique. Cela signifie que si vous avez n’importe quel synthé, vous pouvez le rendre sale avec une saturation et ensuite le filtrer. La réverbération fera alors son travail.

Ce qui fera la différence, c’est de jongler avec les différents genres de saturation : distorsion, amp et saturation elle-même. L’utilisation d’une combinaison des trois permet d’obtenir de très belles couleurs, mais veillez à ne pas trop exagérer. Gardez à l’esprit que lors du mastering, le son sera amplifié, de sorte que ce qui semble être une distorsion agréable peut devenir écrasant par la suite.

Vous trouverez ci-dessous quelques-uns de mes outils de saturation.

Plugins de saturation utilisés dans le dub techno

  • Surge XT : (GRATUIT !) Il s’agit d’un collectif de développeurs qui ont réussi à créer un synthétiseur impressionnant et des effets gratuits de haute qualité. Leur Chow Tape est tout à fait étonnant, de même que tous les autres outils de distorsion/saturation. Un must, et en plus, c’est gratuit.
  • RC-20 : Celui-ci est devenu populaire dans la communauté hip-hop lofi en tant que plugin incontournable. Il ajoute des accents lofi, mais c’est un élément que le dub techno possède également, et l’utilisation croisée est donc tout à fait pertinente.
  • Reamp : Les gars derrière ce produit sont très solides et celui-ci a une belle série de plugins qui sont tous très bien conçus. J’aime la couleur de celui-ci.
  • Saturne 2 : Tout Fabfilter est une référence dans son domaine. Saturne ne fait pas exception, car il est très efficace dans ce qu’il fait, c’est-à-dire rendre tout ce qui est trop beau, un peu plus laid, plus sale.
  • PSP Saturator : PSP est l’une de mes sociétés préférées pour ses plugins. J’adore leurs égaliseurs et compresseurs et ce saturateur fait un excellent travail sur les pads.
  • Satin : C’est un outil très pratique. Il s’agit d’une saturation/simulation de tape, mais aussi d’un tape delay qui peut créer des réverbérations bizarres et des signaux wobbly. Une fois que vous aurez commencé à l’utiliser, vous l’utiliserez en permanence.

Plugins de réverbération pour le dub techno

Bien que l’option de réverbération d’Ableton puisse faire l’affaire, je m’en remets toujours à des VST tiers pour cette partie. Il est difficile de ne pas mentionner les plugins Valhalla. Le Supermassive est gratuit et la Digital Reverb est en quelque sorte le complément parfait pour le dub. Si vous devez choisir, je vous recommanderais d’expérimenter les modèles à « plaques » et d’utiliser également un « hall » pour les notes soutenues.

Quoi qu’il en soit, pour moi, la Dub Techno commence par une utilisation intensive de la réverbération, qui doit être modulée, filtrée et distordue. Comprendre comment utiliser votre réverbération et la combiner avec un délai vous permettra d’obtenir une bonne ambiance de dub. Si vous choisissez la réverbération correctement, vous pouvez presque dire que vous avez fait 50 % de votre travail. Le reste est la somme d’un grand nombre de détails, mais lorsque votre réverbération est bien réglée, vous avez automatiquement l’impression de faire du dub.

Tous ceux qui me connaissent ont entendu parler de ma passion pour les réverbérations. J’ai compilé quelques-uns de mes favoris pour le Dub Techno.

 

Les outils de saturation natifs d’Ableton ne sont pas trop mauvais mais sont facilement reconnaissables par une oreille avertie.

  • Lexicon 224 : Je suis un grand fan de Lexicon. Il a un caractère et un ton que j’adore. Je ne sais pas exactement ce que c’est, mais le grain et la sensation qu’il procure me conviennent parfaitement.
  • Springs : La réverbération à ressort est un type de réverbération qui fait sonner les sons envoyés à travers lui comme des liquides. Cela fonctionne bien avec les sons percussifs et vous aurez l’impression d’une ambiance dub classique.
  • Fabfilter Pro-R : Ce filtre est extraordinaire pour les espaces. Il s’agit d’un outil puissant qui permet de façonner des halls grandioses et d’offrir un espace considérable.
  • Adaptiverb : Il y a différents outils sur celui-ci, ce qui le rend unique. Il dispose d’un large éventail de préréglages accordés sur une tonalité fondamentale, ce qui permet de créer des pads à partir de sons inhabituels. Tout à fait unique.
  • SP2016 : Je l’appelle la Cadillac des reverbs. Elle est élégante, chaleureuse, très agréable à l’oreille et très visuelle. Je me sens immergé lorsque je l’utilise.
  • bx_rooms : Extrêmement polyvalent, mais l’interface peut être intimidante. Il offre de belles options pour différents types de pièces.
  • Blackhole : Celui-ci est effrayant, profond, puissant. C’est une réverbération qui vous fait voyager dans l’espace, car elle a un son assez scientifique, riche et gigantesque parfois.

 

Les réverbérations pour le dub sont essentielles, mais vous aurez également besoin de delays. Vous pouvez utiliser des délais longs ou courts. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix, mais l’utilisation des délais permet de prendre des sons très simples et de créer des répétitions, ce qui transforme un motif simple en équations psychédéliques. Les délais, combinés à la réverbération, créent un arrière-plan épais et font en sorte que n’importe quel son – qui semble vide au départ – se remplit d’un tapis de velour onirique. Je pense que pour beaucoup de fans du genre, c’est une qualité qu’ils recherchent.

Echo et Reverb hybride dans Ableton. Ils peuvent faire le travail si vous ne voulez pas casser votre tirelire.

Plugins supplémentaires pour faire de la dub techno (delays, pitch modulators, etc).

  • Diffuse : Ces gars-là sont des amateurs de dub et cet outil est un incontournable pour la réverbération/délai car il s’agit d’une émulation du célèbre Roland Space Echo qui se trouvait dans de nombreux studios.
  • Modnetic : Les mêmes que ci-dessus. Celui-ci est une combinaison de tout ce dont vous avez besoin en un seul endroit pour transformer un simple son ennuyeux en une musique dub.
  • Echorec : Les gars de Pulsar sont très compétents pour recréer des jouets matériels et ils ont créé un delay à bande avec des champs magnétiques auto-oscillants et tout ce que l’on peut souhaiter dans un delay sale.
  • Galaxy Tape Echo : Il s’agit de la recréation par UAD du Roland Space Echo et elle est vraiment bien faite.
  • Tal Dub-X : Comme son nom l’indique, il s’agit d’une station dotée de toutes les options permettant de transformer un simple délai en un délai modulé.
  • Echo Cat : Une autre belle émulation d’un délai à bande. Mais une émulation vraiment solide.
  • PSP 42 : popularisé par Richie Hawtin au début des années 2000, où il mettait les sons en boucle et les pitchait vers le haut ou vers le bas, le PSP42 a été utilisé de manière abusive dans tous ses sets pendant des années. Rich utilisait essentiellement les techniques dub à sa manière.

 

La modulation dans le dub techno

Si vous prenez n’importe quel son de synthétiseur et que vous l’envoyez dans vos chaînes d’effets, vous avez fait la première étape, mais elle ne sera pas complète tant que vous ne l’aurez pas fait bouger, réagir et évoluer en modulations. Il y a beaucoup de choses à assimiler dans cette section car c’est aussi l’un des sujets les plus discutés sur mon blogue – j’en ai déjà parlé en long, en large et en travers mais vous savez maintenant pourquoi, parce que la Dub Techno est une affaire de modulations. Une fois que vous aurez plongé dans cet univers, vous vous enthousiasmerez pour cette méthode et l’appliquerez partout.

Si vous avez regardé ces tutoriels sur la façon dont ils créent les pads et les accords dub, vous verrez qu’ils utilisent la modulation sur le filtre. Une enveloppe et un LFO sont utilisés pour moduler la fréquence du filtre, mais aussi sa résonance. Pour moi, ce n’est que la partie émergée de l’iceberg. S’il y a un paramètre sur un plugin, j’aime à penser qu’il ne doit pas rester statique et qu’il doit bouger, même un tout petit peu.

Mais bien sûr, tout cela peut être géré par mon « couteau suisse » préféré, Shaperbox, qui est conçu pour la modulation à tous les niveaux. Un indispensable.

Quand utiliser des enveloppes et LFO pour faire du dub techno?

S’il s’agit d’une modulation qui réagit à un signal entrant, par exemple lorsqu’un son arrive et que je veux que le filtre réagisse, vous utiliserez une enveloppe. Ce type de modulation est excellent pour accentuer ou atténuer les sons, créant ainsi une sensation plus organique au son traité.

Si vous souhaitez un mouvement constant, les LFO sont excellents pour cela. Ils suivent ou non le tempo. Ils donnent l’illusion que les choses sont constamment en mouvement et contribuent à brouiller les lignes des arrangements linéaires.

Il y a un pack précieux que j’adore de Make Noiss qui contient tellement de petits outils, parfaits pour la modulation et le traitement des signaux midi. Sans oublier mes amis de Manifest Audio et leur large éventail de patches Max qui sont parfaits pour la modulation, mais ils ont aussi créé de nombreux racks pour le dub.

Les 3 Amigos sont là pour transformer une idée statique en une figure animée.

Couleurs du Dub Techno

Je sais que vous pouvez être dérouté par la couleur, car nous avons parlé de la saturation comme d’une forme de couleur, mais il s’agit de la dernière touche. Les couleurs proviennent ici de sources différentes, autres que la saturation, et sont également très complémentaires. Je fais référence aux effets du chorus, du phaser, du flanger, du trémolo, du vibrato, de l’auto-pan, de l’harmonisateur, du wobbler et de l’un des éléments les plus importants, le sifflement (hiss). A part le dernier, tous ces effets sont souvent utilisés dans le dub et c’est une touche agréable d’en utiliser un ou deux sur vos sons.

Ces trucs-là sont très amusants et sonnent très bien.

Chorus, phaser, et vibrato

Le chorus, le phaser et le vibrato fonctionnent très bien avec les synthés, les pads, les stabs et les accords. Ils donnent cet effet stéréo captivant et trippant qui, bien souvent, fait ressortir un son terne du mixage. Veillez à ce qu’il n’y ait pas de problèmes de phase, ce qui correspondrait à une utilisation excessive de l’un de ces effets. Le phénomène de phase est assez courant dans le dub et je corrige souvent ces problèmes au moment du mastering. Il est préférable de le contrôler lors de la décoration du mixage.

Flanger

Le flanger donne une impression de jet à tout ce que l’on veut. Il apporte un son pfshhh aux sons métalliques ou bruyants et peut être assez psychédélique s’il est utilisé à faible niveau. Je l’aime sur les cymbales et les délais.

Tremolo

Les trémolos sont une sorte de sauce secrète que tout le monde sous-estime. Il s’agit essentiellement d’une modulation lente ou rapide de l’amplitude d’un son. Il s’agit d’un superbe outil pour créer des impressions en 3D où vous sentez que les sons s’éloignent de vous et reviennent. Il transforme tout ce qui est linéaire en un mouvement vivant et sensible. A une vitesse plus élevée, il peut même être utilisé comme swing/vélocité pour la percussion. Combinez cela avec un auto-pan et vous obtiendrez des séquences vertigineuses.

Le sifflement (hiss) est également très important. Le bruit de fond est un élément profondément ancré dans l’ADN du dub. Il y a de nombreux générateurs de bruit. Vous pouvez rechercher sur internet des sources de bruit, des enregistrements ou des outils de fabrication de bruit (RC-20). Satin a un sifflement agréable que vous pouvez également utiliser.

Conclusion

Faire du dub techno devrait être un terrain d’expérimentation. C’est un genre que j’aborde avec un esprit très ouvert, comme beaucoup d’autres fans. Si les gens ont souvent l’impression qu’ils ne font que répéter les clichés et que rien de nouveau n’en sort, je leur dirais alors de creuser davantage. Il y a quelques perles de personnes qui repoussent les limites du genre.

Chambres d’écho associées à la musique

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Dans la tapisserie complexe de la production musicale, il y a un fil sous-jacent qui se tisse silencieusement depuis des années : le phénomène de la chambre d’écho. Tout comme la politique est parfois piégée dans ces chambres, le monde de la production musicale n’est pas à l’abri. Bien qu’elles puissent offrir l’illusion réconfortante de l’unité et de l’harmonie, ces chambres d’écho peuvent devenir un piège pour la créativité, l’authenticité et la croissance.

En outre, les plateformes de médias sociaux et les services de diffusion de musique en continu, avec leurs algorithmes, peuvent créer une boucle de feedback croissante. Un artiste peut gagner en popularité grâce à un son particulier, qui devient soudain la référence. Les nouveaux artistes qui visent le succès ont tendance à s’en inspirer, ce qui conduit à une saturation de titres aux sonorités similaires. Si l’artiste initial a pu être révolutionnaire, le raz-de-marée qui s’ensuit peut noyer l’innovation.

Dans le monde politique, les chambres d’écho apparaissent lorsque les individus ne s’entourent que de voix et d’opinions qui s’alignent sur les leurs. En musique, un phénomène similaire se produit. Si les artistes et les producteurs ne s’exposent qu’à un groupe restreint d’influences, cela limite leur croissance et étouffe l’innovation. Dans les deux sphères, ces chambres d’écho peuvent conduire à une stagnation des idées et à une résistance au changement ou à l’évolution.

Pour que les artistes se développent, il est essentiel de sortir de leur zone de confort. Collaborer avec des personnes de genres différents, participer à des ateliers qui ne correspondent pas directement à leurs intérêts musicaux, ou même rechercher activement les commentaires de personnes extérieures peut s’avérer inestimable. Un producteur de hip-hop peut acquérir une nouvelle perspective en travaillant avec un musicien classique, ou un artiste techno peut s’inspirer de mélodies folkloriques. Ce sont ces croisements d’idées diverses qui donnent naissance à la musique la plus révolutionnaire.

Guti a récemment fait un grand tapage sur le nombre de faux sets fabriqués par certains artistes depuis un certain temps et, à mon avis, il s’agit d’un pur effet secondaire d’une chambre d’écho. Les artistes ont été encouragés par l’industrie à opter pour un spectacle préenregistré auquel toute personne qui s’y confronterait serait écartée.

Je pense que la responsabilité incombe à la fois aux vétérans du secteur et aux débutants. Les vétérans doivent encadrer et guider les nouveaux venus, en les encourageant à apprendre le métier correctement et à ne pas se fier uniquement aux outils. Les nouveaux artistes doivent être avides de connaissances, repousser les limites et ne pas se contenter de suivre les sentiers battus.

Masterclass de Mr. Bill @ KMGLife Inc. Vidéo Youtube

 

Cette semaine, j’ai regardé une vieille vidéo de M. Bill, qui est un Youtuber solide au contenu créatif, et j’ai remarqué quelque chose chez lui qui m’a en quelque sorte irrité. Dans sa vidéo, il explique toutes sortes d’approches sur la façon de sonner fort tout en étant cool. Bien que j’aie abandonné le débat sur le fait que sonner fort, c’est cool, il y a une chose qui m’agace précisément, c’est lorsque quelqu’un passe du temps à montrer que son son est plus cool que le mien.

Comme Deadmau5 l’a dit récemment : « Who the F_ are you? (T’es qui?) The sound police? (La police du son?) »

Je comprends que si l’on veut sonner comme lui, et puisqu’il est convaincu d’être cool,c’est logique. Mais dans un monde où les tendances vont si vite, je pense que M. Bill regarde probablement ses vidéos du début de l’année passée et pense que ses nouveaux sons sont plus cool. Ne vous méprenez pas, je n’essaie pas de le dénigrer parce que j’aime ses sons et ses techniques, mais pas au point de dénigrer d’autres genres ou d’autres conceptions sonores. Je veux rester loin d’un esprit de compétition et son point de vue pourrait encourager cet état d’esprit.

Si vous avez lu ce blogue, vous savez que je préfère avoir une approche beaucoup plus modérée de la compréhension du son. Je préfère rester ouvert.

Le fait de qualifier certains sons de « cool » et d’autres de « pas cool » crée une dualité. Cela crée des chambres d’écho, une hiérarchie, un renforcement de l’ego. Je préfère donc le nondualisme (advaita).

Au fond, la non-dualité met l’accent sur l’interconnexion et l’unicité de toute chose. Transposé au domaine de la musique, ce concept suggère que les genres, les styles et les techniques font tous partie d’un vaste réseau interconnecté d’expression musicale. Plutôt que de s’enfermer dans un seul genre ou style, une approche non dualiste encourage l’exploration des paysages musicaux. En considérant toute la musique comme interconnectée, les producteurs peuvent croiser les idées, les techniques et les inspirations de différents genres, ce qui permet d’obtenir des sons novateurs et rafraîchissants.

L’ego peut constituer un obstacle important à l’innovation et à la croissance dans le domaine de la musique. Un ego surdimensionné peut rendre une personne réfractaire aux commentaires, réticente à l’idée d’explorer des genres peu familiers, voire dédaigneuse des nouvelles techniques. Une philosophie qui prône l’altruisme peut contribuer à dissoudre l’ego, ce qui permet à l’artiste d’être plus réceptif aux influences extérieures, aux commentaires et aux collaborations.

 

1. L’attrait de la chambre d’écho

 

À première vue, il est indéniable qu’il est intéressant de s’entourer de passionnés partageant les mêmes idées, en particulier lorsqu’on se lance dans la production musicale. La phase initiale est pleine d’incertitudes et de questions. Dans ces moments-là, le fait d’avoir une communauté qui se fait l’écho de vos goûts et de vos préférences est indéniablement réconfortant. Les conversations sont fluides, la validation n’est souvent qu’à un signe de tête, et une bulle d’enthousiasme et d’aspirations partagées se forme.

Cependant, sous cette surface de sympathie, un inconvénient subtil émerge. Lorsque nous nous isolons dans un genre ou un style particulier, les nuances de ce style deviennent notre univers. S’il est essentiel de comprendre et de maîtriser une niche, le danger est de s’y immerger au point de manquer la symphonie des diverses expressions musicales à l’extérieur.

 

2. Les inconvénients de l’autoréférence

 

En tant que propriétaire d’un label et ingénieur du son ayant plus de vingt ans d’expérience, j’ai observé une tendance intéressante. Les artistes et les producteurs, en particulier lorsqu’ils débutent, ont tendance à s’appuyer fortement sur des références qui reflètent leurs propres aspirations. C’est tout à fait naturel. Toutefois, lorsque ces références sont imparfaites ou limitées dans leur portée, l’art qui en résulte peut manquer de la profondeur et de la qualité qu’il aurait pu atteindre.

Un exemple concret : j’ai récemment masterisé des pistes pour un artiste techno. Ses pistes de référence, bien que populaires, présentaient de nombreux problèmes inhérents. Cet artiste, qui a toujours été dans sa chambre d’écho, n’a pas réalisé les failles potentielles. Mais une fois que je lui ai fait découvrir des références plus diverses et de qualité, ce fut comme une révélation. Soudain, il a pu percevoir la richesse et la profondeur que ses morceaux pouvaient atteindre, et la différence était palpable lorsqu’ils ont été joués dans un club doté d’un système son de premier ordre.

 

3. Découvrir de nouveaux outils

 

Le monde de la production musicale est en constante évolution, et des outils tels que la version Ozone d’Izotope, récemment sortie, offrent de nouvelles perspectives. De telles innovations sont une aubaine, non seulement pour leurs prouesses techniques, mais aussi parce qu’elles peuvent servir de porte pour sortir de ces chambres d’écho. En tirant parti des nouvelles fonctions et capacités qu’ils apportent, les producteurs peuvent explorer des territoires inexplorés, en remettant en question leurs idées reçues et leurs préjugés.

Il était intéressant de voir comment des outils comme Ozone (la version 11 est sortie cette semaine et elle est vraiment bien faite – je ne comprends même pas comment ils arrivent à l’améliorer !), bien qu’ils soient conçus pour améliorer le processus de mixage et de masterisation, peuvent aussi perpétuer involontairement ces chambres d’écho. Entre les mains d’un novice, les préréglages et les chaînes de masterisation populaires peuvent rapidement devenir une béquille. Au lieu d’apprendre les principes fondamentaux du mixage et du mastering, de nombreux jeunes producteurs se contentent de coller un preset, pensant qu’il s’agit de la « norme de l’industrie ». Ces outils, s’ils sont utilisés sans être bien compris, peuvent contribuer à l’homogénéisation du son dans l’industrie.

 

Il est indéniable que la familiarité d’une chambre d’écho offre un réconfort. Mais pour une forme d’art aussi dynamique et changeante que la musique, ces chambres peuvent parfois étouffer la créativité qu’elles visent à encourager. Il est impératif de reconnaître lorsque nous nous trouvons dans ce phénomène et de trouver le courage d’en sortir. Ce n’est qu’à cette condition que nous pouvons vraiment entendre les mélodies infinies que le monde de la musique a à offrir.

L’orientation musicale vient de votre communauté

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L’industrie musicale, et plus particulièrement la scène de la musique électronique, a toujours prospéré grâce à la synergie entre ses créateurs et ses auditeurs. En tant que producteur de musique électronique, je me suis rendu compte que pour réussir, il faut souvent savoir prendre le pouls de la communauté. Mais qu’est-ce que cela signifie pour les artistes qui se sentent déconnectés, ou pour ceux qui gravitent autour de genres dont le soutien local est limité? Plongeons au cœur des communautés musicales et voyons comment elles façonnent le parcours d’un artiste.

 

Le rôle de la communauté dans la croissance d’un artiste

 

Après avoir passé beaucoup de temps à produire de la musique et à interagir avec d’autres musiciens, un schéma se dessine. Les producteurs qui font partie d’une communauté musicale active ont tendance à gravir les échelons du succès plus rapidement et de manière plus organique. Il ne s’agit pas seulement d’avoir des contacts, mais aussi de recevoir une rétroaction immédiate, de comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et de s’inspirer de l’énergie commune.

Lorsqu’on est raccordé à une communauté, c’est comme si l’on avait les doigts sur le pouls de la musique que l’on aime. Non seulement vous apprenez les subtilités du genre, mais vous comprenez aussi ce que le public désire. Le partage des connaissances et des idées d’un groupe d’individus partageant les mêmes intérêts peut souvent faire la différence entre une piste qui tombe à plat et une piste qui résonne profondément.

Dans mon cas, j’ai rapidement trouvé ma communauté de personnes aimant la même musique que moi et j’ai eu la chance qu’il y ait des événements où tout le monde pouvait se rencontrer. Il était facile de rentrer en contact et je me suis senti rapidement impliqué. L’une des forces de ce premier tremplin était que je pouvais présenter ma musique facilement et que j’obtenais des bookings de manière organique. Aujourd’hui, je vois des gens qui contactent des lieux pour des bookings, mais si vous n’avez jamais visité le lieu, vous ne connaîtrez pas sa culture et son orientation. Il est très important de s’y rendre afin de voir et de vérifier si la clientèle est dans le même état d’esprit que vous. Il n’y a rien de plus dur que de jouer une gig où les gens ne comprennent pas ce que vous faites.

Au cours de mes tournées, j’ai découvert dans chaque ville des bulles de personnes qui me rappelaient ma communauté locale. Même physiquement, j’ai rencontré quelqu’un qui me rappelait quelqu’un de chez moi.

 

Le défi des genres non locaux

 

Mais qu’en est-il des producteurs qui se passionnent pour un genre qui n’est pas très répandu dans leur environnement local?

De nombreux artistes se tournent vers l’extérieur et se mettent en contact avec des labels ou des groupes en ligne qui partagent leur passion. Si l’internet a permis de combler de nombreux vides, les connexions en ligne manquent souvent de la profondeur et de la chaleur des interactions personnelles. La nature même de la communication numérique peut parfois rendre ces relations impersonnelles.

Certaines personnes vivent dans de petites villes ou ne sont pas proches d’une grande ville, ce qui peut constituer un défi, car localement, il n’y a peut-être aucune chance de créer une communauté. Comment cela fonctionne?

Les artistes peuvent produire des morceaux exceptionnels, mais le vieil adage dit que les gens ont tendance à soutenir ceux qu’ils connaissent. Une communauté peut parfois hésiter à accueillir des nouveaux venus. Cette approche protectrice est naturelle, mais elle peut involontairement fermer la porte à de nouveaux talents qui auraient pu apporter des perspectives et des sons nouveaux. Inutile de penser aux labels qui reçoivent de la musique de personnes dont ils n’ont jamais entendu parler et qui s’attendent à ce qu’ils leur répondent. Dans le meilleur des mondes, c’est ce qui se passerait, mais dans la réalité, cela n’arrive pas souvent. Cela laisse les artistes perplexes.

Ainsi, pour les personnes qui ne bénéficient pas d’un bon soutien musical, plusieurs choix sont possibles. L’une d’entre elles consiste à essayer de se rendre dans l’endroit le plus proche où il y a des événements et une communauté pour en profiter en même temps que de la musique. Vous finirez par trouver votre rôle et votre place dans cette tribu. Ensuite, à l’aide d’outils de communication en ligne, maintenez le contact.

N’oublions pas qu’il est possible de créer son propre réseau local et sa propre communauté, mais que cela peut s’avérer difficile au début.

 

La solution DJ

 

Dans de tels scénarios, une stratégie que j’ai vue fonctionner consiste à s’adresser aux DJ.

Pourquoi les DJs?

Parce qu’ils ont le pouvoir de faire découvrir de nouveaux titres à un public enthousiaste. Les DJ sont toujours à l’affût du prochain titre phare, et ils peuvent contribuer à ce que la musique d’un outsider obtienne la reconnaissance qu’elle mérite. Faire jouer votre musique par un DJ peut être le lien parfait entre l’artiste et une nouvelle communauté. Vous pouvez également faire la même chose avec des restaurants ou des boutiques locales et leur demander de passer votre musique de temps en temps, mais bien sûr, vous devrez le faire en personne après avoir montré que vous vous intéressez à leur lieu et à leurs goûts musicaux.

De plus, les DJ aiment la musique pour les podcasts et c’est un bon moyen de percer auprès d’une nouvelle bulle de personnes.

 

Construire des communautés inclusives pour un avenir dynamique

 

Alors que nous discutons des communautés et de leur importance, il est également essentiel de parler d’inclusion. S’il est nécessaire de protéger l’intégrité d’une communauté, il est tout aussi vital de veiller à ce qu’elle ne devienne pas insulaire. En accueillant de nouveaux membres et en étant réceptive à leur offre musicale unique, une communauté ajoute non seulement à sa diversité, mais assure également sa longévité.

À toutes les communautés musicales : n’oublions pas que l’outsider d’aujourd’hui peut être le précurseur de demain. En étant ouverts aux nouveaux membres et à leurs sons distincts, nous garantissons que notre communauté reste dynamique, fraîche et prête pour l’avenir. Les outsiders apporteront une énergie et des idées nouvelles qui permettront à la musique de ne pas tomber dans l’équivalent d’une chambre d’écho où tout sonne pareil au bout d’un certain temps.

 

Des idées pour découvrir les communautés musicales et entrer en contact avec elles :

  • Magasins de musique et cafés locaux : ces lieux ont souvent des panneaux d’affichage indiquant les événements, les rassemblements ou les ateliers. Même en discutant avec le propriétaire du magasin ou avec les habitués, vous pouvez trouver des groupes de musique locaux.
  • Ateliers de musique et masterclass : En vous inscrivant ou en assistant à ces ateliers, vous pouvez rencontrer des artistes et des instructeurs qui partagent les mêmes idées et qui peuvent vous orienter vers des communautés pertinentes.
  • Festivals de musique et concerts : Participez aux festivals locaux et régionaux. Même les petites gigs peuvent être des mines d’or pour le réseautage. Souvent, ces événements sont organisés ou fréquentés par des personnes qui font partie de communautés musicales.
  • Plateformes en ligne : Les sites web tels que Meetup.com ou les groupes Facebook proposent souvent des groupes musicaux locaux auxquels vous pouvez vous joindre et participer à des discussions ou à des événements.
  • Centres communautaires et universités : Beaucoup d’entre eux proposent des cours de musique et ont souvent des clubs de musique actifs. S’engager auprès d’eux peut ouvrir des portes aux communautés musicales locales.
  • Forums de production musicale : Des sites web tels que Gearslutz ou KVR Audio proposent des forums actifs où des producteurs du monde entier discutent de musique, de matériel et d’événements.
  • Collaborez en ligne : Les plateformes telles que SoundCloud, Bandcamp ou Splice peuvent être d’excellents endroits non seulement pour partager votre musique, mais aussi pour collaborer avec d’autres, ce qui peut vous permettre d’entrer organiquement en contact avec des communautés.
  • Participez aux soirées Open Mic : Ces soirées attirent souvent des musiciens locaux et des passionnés. C’est un environnement détendu qui permet de rencontrer des gens et d’obtenir des commentaires sur sa musique.
  • Visitez des studios d’enregistrement : Les contacts avec les directeurs de studio ou les techniciens peuvent donner des indications sur les musiciens locaux et les communautés avec lesquelles ils travaillent.
  • Entrez en contact avec des DJ : Comme nous l’avons déjà mentionné, les DJ sont à l’écoute des communautés musicales. En établissant des contacts avec eux, il est souvent possible de s’introduire dans ces communautés.

 

Notes de fin : Un appel aux artistes

 

À mes collègues artistes qui se sentent un peu à la dérive, rappelez-vous que toute communauté a commencé à petite échelle. S’il n’existe pas de communauté pour votre genre, envisagez d’en créer une! Et si cela vous semble une tâche monumentale, n’hésitez pas à prendre contact en personne. Assistez à des concerts locaux, à des événements musicaux ou même à des ateliers. L’établissement d’un contact direct peut avoir plus d’impact qu’une douzaine d’interactions en ligne.

Dans le paysage en constante évolution de la musique électronique, une chose reste constante : la valeur de la connexion. Ainsi, que vous soyez un artiste à la recherche de votre tribu ou un membre de la communauté s’interrogeant sur la prochaine étape, n’oubliez pas que c’est grâce à l’inclusion, à la compréhension et aux interactions personnelles que nous continuerons à prospérer et à créer des symphonies harmonieuses dont le monde entier pourra profiter.

Mots-clés : musique électronique, production musicale, communauté, DJ, réseau, inclusion, artistes, concerts locaux, événements musicaux.

Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

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Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

Génération d’idées et capacité d’attention de l’auditeur

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(Crédit photo : Avi Richards sur Unsplash)

Parfois en tant qu’artiste, vous vous retrouvez dans une zone où les choses sont un peu confuses. Cela arrive précisément lorsque vous perdez votre perspective, à savoir si vous faites de la musique pour vous-même ou pour un auditoire précis.

 

Il y a plusieurs perspectives dans la musique, celle du créateur et celle de l’auditeur. Il y a quelque chose d’assez contradictoire dans la création musicale : vous jouez de la musique, elle vient de vous, de votre imagination et de votre émotion du moment, mais pourtant, les musiciens ont souvent quelqu’un d’autre en tête lorsqu’ils créent. Cette personne pour laquelle vous faites de la musique n’est pas là pour vous donner son opinion.

 

En tant que responsable d’un groupe Facebook sur le coaching et d’un programme Patreon où je forme des gens, je suis confrontée à cette situation à maintes reprises avec mes étudiants. Ils craignent que leur chanson soit ennuyeuse ou que l’auditeur ne l’écoute pas jusqu’à la fin.

 

Existe-t-il une solution miracle pour garantir que tout le monde aimera la chanson et l’écoutera jusqu’au bout?

La réponse la plus simple est non. Vous ne pouvez jamais contrôler la façon dont quelqu’un va percevoir votre musique parce que vous pouvez écouter de la musique à différents moments de la journée et avoir des perceptions différentes. Cela peut être lié à l’émotion présente, à l’endroit où vous l’écoutez et à ce que vous faisiez avant, mais l’élément perturbateur sera sans aucun doute lié aux attentes de l’auditeur.

 

Cependant, tout n’est pas perdu : il existe des moyens d’augmenter la probabilité que la personne apprécie pleinement le morceau. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses que vous pouvez faire et qui peuvent certainement aider, techniquement, à faire en sorte que l’auditeur soit plus captivé.

 

L’attention est une compétition

 

J’aimerais également prendre un moment pour souligner que nous vivons à une époque où l’on recherche l’attention, ce qui a créé une culture de la recherche de l’attention. Ce désir d’attention est normal, mais vous devez comprendre que les gens n’ont pas beaucoup de temps à perdre. Toutes les plateformes de médias sociaux engagent des équipes pour attirer l’attention de personnes comme nous, de sorte que la capacité d’attention de chacun a considérablement diminué au fil du temps en raison de la concurrence. La bonne nouvelle est que la musique peut être une expérience de fond : elle ne vous empêche pas de faire d’autres choses pendant que vous l’écoutez. Vous pouvez toujours faire votre lessive, parler à vos amis, cuisiner, etc. tout en écoutant de la musique. Il s’agit d’une attention non partagée, mais lorsqu’il s’agit de musique, cela vaut autant que n’importe quelle attention.

 

Vous vous lasserez de vos chansons (ce qui conduit au doute)

 

Une chose que je vois lorsque les gens font de la musique, ils atteignent généralement un point où ils se sentent un peu perdus. Par perdu, je veux dire qu’ils peuvent avoir certains doutes qui s’insinuent en eux. Cela arrive principalement parce que les gens passent trop de temps à travailler sur leur morceau, parfois d’affilée (par exemple, une session prolongée de plus de 2 heures) ou qu’ils le peaufinent depuis plus de 3 jours d’affilée. Si vous suivez ce blogue, vous connaissez déjà mon opinion à ce sujet : ne pas espacer le temps que vous passez sur votre piste aura pour résultat le plus probable de ne plus savoir si votre idée peut être comprise ou si elle est « bonne ».

 

Il y a plusieurs phases dans la créativité, la première étant celle où vous avez dans les mains ce qui semble être une bonne idée, puis vous essayez de mettre cela dans une histoire et enfin, vous essayez d’en faire une ligne de temps. Une fois que vous avez ces 3 éléments initiaux, il se peut que vous tourniez en rond entre eux encore et encore parce que plus vous passez de temps sur votre chanson, plus vous entendrez des choses à corriger et ressentirez le besoin d’ajuster quelque chose parce que, eh bien, vous avez écouté la même idée pendant des heures.

 

Personne, à part vous-même, n’écoutera votre chanson autant que vous le faites.

 

C’est exactement la raison pour laquelle vous douterez de vous. Parce que toute personne qui y serait exposée autant s’en lasserait ou en aurait marre. Alors qu’en réalité, il n’y a absolument rien de mal à cela.

 

Ne tombez pas dans les extrêmes

 

Lorsque vous faites de la musique, l’équilibre entre faire de la musique pour vous-même et pour les autres est quelque chose d’étrange à trouver. Si, à un extrême, vous faites de la musique uniquement pour vous-même, il y a de fortes chances que votre musique soit vraiment désordonnée et qu’elle ne touche personne. Mais si vous allez à l’autre extrême et que vous ne faites de la musique que pour les autres, vous n’aurez aucune personnalité là-dedans et vous serez une sorte de coquille vide. Le bon équilibre consiste à comprendre ce qui fonctionne en tant que concept, puis à y injecter vos idées. En d’autres termes, ce qui fonctionne est bien souvent « la même chose mais différente ».

 

Vous n’avez aucun contrôle sur l’auditeur

 

En ce qui concerne l’auditeur, vous devez accepter que vous n’avez aucun contrôle sur ses goûts, sa capacité d’attention, son humeur et sa disponibilité. Lorsqu’une personne décide d’écouter une chanson, elle répond à un besoin spécifique qui lui est propre. Certains voudront quelque chose d’énergique pour une tâche, d’autres quelque chose de doux pour se détendre, certains qui sont DJ veulent une musique avec une direction spécifique, d’autres quelque chose entre les deux pour travailler/étudier, etc. Vous pouvez imaginer que quiconque écoutera votre chanson, viendra avec un besoin spécifique et il est aussi tout à fait possible que l’auditeur écoute votre chanson avec quelques autres avant, et quelques autres après. Il n’est pas fréquent que vous écoutiez soudainement un morceau, puis plus rien.

 

Maintenant, pensons à quelqu’un qui travaille une liste de lecture et qui a quelques nouveaux morceaux à ajouter. Il aura à peu près la même approche qu’un DJ qui prépare son prochain set. La musique qu’ils conservent est surtout quelque chose d’émotionnel et teinté par les goûts. Ils aiment ou n’aiment pas. Étant donné que la musique est facilement accessible de nos jours, les gens passent rapidement à autre chose parce qu’ils le peuvent.

 

Maintenant que nous avons tout cela à l’esprit, voyons ce qui peut être un obstacle à l’appréciation ou à la désapprobation de votre musique.

 

Comment maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson

 

Voici des moyens de maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson :

 

  • Calquer un morceau sur une chanson de référence dont vous savez qu’elle fonctionne. Cette méthode est la meilleure parce que, comme pour toute chose dans la vie, si vous avez le modèle pour quelque chose qui fonctionne, vous pouvez alors reproduire un concept. Cela fonctionne aussi bien pour faire une pizza que pour une chanson. J’en ai parlé à maintes reprises dans mes vidéos Youtube, mais il s’agit essentiellement de comprendre la structure de la chanson, la façon dont les sons entrent et sortent, les niveaux, la longueur, la densité, etc. Une fois que vous aurez analysé les chansons qui vous semblent incroyables, vous réaliserez qu’elles sont souvent plus simples que vous ne le pensez.

 

  • Faire en sorte que votre musique ne soit pas trop prévisible, mais juste assez pour maintenir l’intérêt de l’auditeur.. Ce qui maintient généralement l’intérêt d’une personne, c’est le sentiment d’être intelligent. Cela vient de l’idée qu’ils peuvent prédire ce qui va se passer ensuite dans une chanson, que ce soit en termes de progression d’accords ou d’arrangement. Si vous anticipez quelque chose et que cela se produit, cela peut vraiment déclencher une certaine excitation. Mais ce qui vous rend accroc, c’est quand cela vous prend légèrement au dépourvu. D’un côté, trop de prévisibilité rendra la chose ennuyeuse, mais de l’autre, trop de surprises créeront de la confusion et de l’irritabilité. Donc, généralement, vous voulez que la première partie de votre chanson crée une compréhension de ce dont parle la chanson, mais ensuite vous apportez de nouvelles idées. Pendant un certain temps, c’est la raison pour laquelle les breakdowns étaient si importants, car ils étaient en fait la porte d’entrée vers l’évolution suivante de la chanson, mais depuis qu’ils sont devenus si prévisibles, pour moi, les breakdowns ne sont plus pertinents.

 

  • Faire en sorte que votre musique suive les tendances actuelles, avec une légère nouveauté.. Je pense que tout musicien doit passer un peu de temps chaque jour à écouter les charts, les nouvelles sorties, ce que les DJs passent et ce que les gens aiment. Je trouve que, très souvent, j’ai des idées du présent que je mélange avec des idées du passé. J’écoute de la musique des années 90, j’entends un effet utilisé d’une certaine manière et je vois ensuite comment on peut améliorer cette vieille idée. Ce n’est pas en vivant complètement dans le passé que votre musique sera plus fraîche. Mais il n’est pas non plus nécessaire d’être dans l’instant présent, car vous serez soit perdu dans une mer de gens qui font de la musique en suivant les tendances, soit, lorsque votre chanson sera terminée, la tendance sera déjà dépassée.

 

  • Partager quelque chose de personnel. Cette question est délicate mais importante. En musique, en fin de compte, vous voulez être vous-même. Pour cela, il faut passer du temps à créer des sons jusqu’à ce que l’on trouve quelque chose que l’on aime vraiment. J’aime l’idée que si l’on s’arrête aux premières idées, elles peuvent être superficielles, mais si l’on prend son temps et que l’on va plus en profondeur, on en trouvera de plus en plus complexes. Si les choses sont aussi profondes, et que vous aimez ça, alors vous entrez dans le domaine de l’originalité et de l’espace personnel. Cette zone est cependant très vulnérable, car plus vous créez de manière personnelle, plus il est effrayant de le partager, car le rejet sera également très personnel. Mais la bonne nouvelle, c’est que les personnes qui aimeront cet espace seront aussi très proches de ce que vous êtes.

 

  • Connaître votre public cible et comprendre ce qu’il aime. Lorsque vous faites de la musique, vous pouvez suivre un genre ou non, mais si vous le faites, essayez de comprendre ce que les gens aiment dans ce genre. Peut-être le savez-vous déjà. Mais ce qui fait sauter une chanson à quelqu’un, ce sont généralement les quelques points suivants : l’inadéquation entre ses besoins et ce que la chanson lui offre (ex. la chanson n’a pas le bon ton émotionnel ou est techniquement écrasante), le choc des sons culturels (ex. la chanson a un genre mais ne respecte pas certains concepts de base, ce qui pourrait être irritant) ou des goûts complètement différents (tempo, ton, clé de la chanson, production, utilisation du son). En gros, il est recommandé de faire preuve d’audace dans ce que vous aimez, mais veillez à ce que cela reste dans les limites d’un genre, si vous souhaitez faire partie de cette direction.

 

Techniques musicales pour trouver de nouvelles idées

 

Pour faire de la musique, il faut trouver des idées. Vous pouvez faire de la musique pendant des années, mais une bonne façon de rester original est d’avoir différentes techniques pour générer de nouvelles idées. Voici 3 idées principales que j’utilise pour générer des idées, parmi tant d’autres. Fondamentalement, vous voulez, d’une part, avoir du matériel original et, d’autre part, trouver des moyens de le traiter. Cela signifie que vous pouvez avoir des idées de qualité qui n’ont pas besoin de beaucoup de cosmétiques, ou au contraire avoir des idées très génériques et ajouter des tonnes de traitement. Mais il s’agit dans les deux cas de deux méthodes différentes qui vous permettent de créer des possibilités infinies.

 

La création de nouvelles idées peut venir, soit de l’échantillonnage/enregistrement, soit de la génération d’idées synthétiques. J’utilise beaucoup l’aléatoire dans mon travail parce que c’est comme une avance rapide de mes réglages. En d’autres termes, si je manipule un bouton pour trouver des idées, cela peut prendre un certain temps. Au lieu de cela, j’utilise la puissance de l’ordinateur pour trouver des réglages aléatoires, sur plusieurs paramètres, en une seule fois, ce qui me permet de conserver les meilleures idées qui en découlent. En appuyant sur le bouton aléatoire, j’obtiens en quelques secondes autant de nouvelles idées que j’appuie sur ce bouton. Ce qui est puissant, c’est que je peux utiliser chaque instantané individuellement, et que je peux également effectuer un lent morphing entre chaque instantané, créant ainsi de merveilleuses idées évolutives.

 

Rendre aléatoire les effets, modules et macros

 

C’est assez facile dans Ableton. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs plugins, puis utiliser command+G pour les regrouper.

 

 

 

 

 

 

Vous pouvez ensuite lier les paramètres aux macros.


 

 

 

 

 

 

 

 

Pour les plugins VST, vous devez appuyer sur le bouton de configuration, puis cliquer sur les paramètres que vous souhaitez utiliser.

 

 

 

 

 

 

Une fois que vous avez assigné un certain nombre de paramètres aux boutons de macros, vous pouvez appuyer sur le petit bouton « Rand » pour voir différentes idées aléatoires.

 

 

 

 

 

Je vous encourage à sauvegarder votre rack avec les instantanés, que vous pouvez aussi enregistrer avec le petit bouton de l’appareil photo à gauche. Ces sauvegardes sont très pratiques lorsque vous voulez rappeler des idées du passé. La plupart de mes VST les plus utilisés sont tous sauvegardés sous forme de macro pour un rappel rapide.

Pendant que nous y sommes, Shaperbox 3 change énormément la donne pour moi en matière de conception sonore. Vous pouvez faire des choses vraiment, vraiment folles avec et c’est aussi un couteau suisse pour le mixage, la conception sonore et même le mastering.

 

Générer des mélodies aléatoires

 

La génération dee mélodies aléatoires est une autre technique que j’utilise depuis plus de 20 ans. Elle a été utilisée dans la musique concrète et les premiers balbutiements de la musique électronique. Un moyen rapide de le faire est d’utiliser, par exemple, Rozzer. Il s’agit d’un patch gratuit de Max 4 Live qui permet générer des idées assez facilement. En gros, vous le déposez sur un canal MIDI, définissez une gamme et une tonalité de base, puis tapez aléatoirement sur les notes (il générera une séquence de notes), puis tapez aléatoirement sur les Gates (lesquelles de ces notes seront jouées). Il s’agit d’une phrase que vous pouvez ensuite modifier selon vos goûts ou vous pouvez également explorer les polyrythmes en transformant les notes et les gates en différents nombres (par exemple, les notes sur une longueur de 12 et les gates, 7).

 

 

 

Échantillonnage et rééchantillonnage (sampling & resampling) Il s’agit également d’une technique amusante. Vous pouvez jouer une boucle dans votre session Ableton Live et appliquer des effets, puis appliquer des effets, mais vous enregistrez l’ensemble du jam dans un nouveau clip.

 

À partir du clip enregistré, je peux ensuite découper, remodeler, traiter à nouveau, étirer, etc. C’est ce qu’on appelle le rééchantillonnage et c’est un moyen très puissant de transformer les idées. J’aime dire que les clips de rééchantillonnage sont générationnels. Ainsi, un son traité une fois est de première génération, puis si vous retraitez ce clip, il est de deuxième génération, et ainsi de suite. Lorsque j’utilise des sons pour ma musique, j’opte généralement pour des sons de 4-5ème génération. Ils sont généralement plus riches. Ils sont généralement plus riches.

 

J’espère que cela vous aidera.