Chambres d’écho associées à la musique

Dans la tapisserie complexe de la production musicale, il y a un fil sous-jacent qui se tisse silencieusement depuis des années : le phénomène de la chambre d’écho. Tout comme la politique est parfois piégée dans ces chambres, le monde de la production musicale n’est pas à l’abri. Bien qu’elles puissent offrir l’illusion réconfortante de l’unité et de l’harmonie, ces chambres d’écho peuvent devenir un piège pour la créativité, l’authenticité et la croissance.

En outre, les plateformes de médias sociaux et les services de diffusion de musique en continu, avec leurs algorithmes, peuvent créer une boucle de feedback croissante. Un artiste peut gagner en popularité grâce à un son particulier, qui devient soudain la référence. Les nouveaux artistes qui visent le succès ont tendance à s’en inspirer, ce qui conduit à une saturation de titres aux sonorités similaires. Si l’artiste initial a pu être révolutionnaire, le raz-de-marée qui s’ensuit peut noyer l’innovation.

Dans le monde politique, les chambres d’écho apparaissent lorsque les individus ne s’entourent que de voix et d’opinions qui s’alignent sur les leurs. En musique, un phénomène similaire se produit. Si les artistes et les producteurs ne s’exposent qu’à un groupe restreint d’influences, cela limite leur croissance et étouffe l’innovation. Dans les deux sphères, ces chambres d’écho peuvent conduire à une stagnation des idées et à une résistance au changement ou à l’évolution.

Pour que les artistes se développent, il est essentiel de sortir de leur zone de confort. Collaborer avec des personnes de genres différents, participer à des ateliers qui ne correspondent pas directement à leurs intérêts musicaux, ou même rechercher activement les commentaires de personnes extérieures peut s’avérer inestimable. Un producteur de hip-hop peut acquérir une nouvelle perspective en travaillant avec un musicien classique, ou un artiste techno peut s’inspirer de mélodies folkloriques. Ce sont ces croisements d’idées diverses qui donnent naissance à la musique la plus révolutionnaire.

Guti a récemment fait un grand tapage sur le nombre de faux sets fabriqués par certains artistes depuis un certain temps et, à mon avis, il s’agit d’un pur effet secondaire d’une chambre d’écho. Les artistes ont été encouragés par l’industrie à opter pour un spectacle préenregistré auquel toute personne qui s’y confronterait serait écartée.

Je pense que la responsabilité incombe à la fois aux vétérans du secteur et aux débutants. Les vétérans doivent encadrer et guider les nouveaux venus, en les encourageant à apprendre le métier correctement et à ne pas se fier uniquement aux outils. Les nouveaux artistes doivent être avides de connaissances, repousser les limites et ne pas se contenter de suivre les sentiers battus.

Masterclass de Mr. Bill @ KMGLife Inc. Vidéo Youtube

Cette semaine, j’ai regardé une vieille vidéo de M. Bill, qui est un Youtuber solide au contenu créatif, et j’ai remarqué quelque chose chez lui qui m’a en quelque sorte irrité. Dans sa vidéo, il explique toutes sortes d’approches sur la façon de sonner fort tout en étant cool. Bien que j’aie abandonné le débat sur le fait que sonner fort, c’est cool, il y a une chose qui m’agace précisément, c’est lorsque quelqu’un passe du temps à montrer que son son est plus cool que le mien.

Comme Deadmau5 l’a dit récemment : « Who the F_ are you? (T’es qui?) The sound police? (La police du son?) »

Je comprends que si l’on veut sonner comme lui, et puisqu’il est convaincu d’être cool,c’est logique. Mais dans un monde où les tendances vont si vite, je pense que M. Bill regarde probablement ses vidéos du début de l’année passée et pense que ses nouveaux sons sont plus cool. Ne vous méprenez pas, je n’essaie pas de le dénigrer parce que j’aime ses sons et ses techniques, mais pas au point de dénigrer d’autres genres ou d’autres conceptions sonores. Je veux rester loin d’un esprit de compétition et son point de vue pourrait encourager cet état d’esprit.

Si vous avez lu ce blogue, vous savez que je préfère avoir une approche beaucoup plus modérée de la compréhension du son. Je préfère rester ouvert.

Le fait de qualifier certains sons de « cool » et d’autres de « pas cool » crée une dualité. Cela crée des chambres d’écho, une hiérarchie, un renforcement de l’ego. Je préfère donc le nondualisme (advaita).

Au fond, la non-dualité met l’accent sur l’interconnexion et l’unicité de toute chose. Transposé au domaine de la musique, ce concept suggère que les genres, les styles et les techniques font tous partie d’un vaste réseau interconnecté d’expression musicale. Plutôt que de s’enfermer dans un seul genre ou style, une approche non dualiste encourage l’exploration des paysages musicaux. En considérant toute la musique comme interconnectée, les producteurs peuvent croiser les idées, les techniques et les inspirations de différents genres, ce qui permet d’obtenir des sons novateurs et rafraîchissants.

L’ego peut constituer un obstacle important à l’innovation et à la croissance dans le domaine de la musique. Un ego surdimensionné peut rendre une personne réfractaire aux commentaires, réticente à l’idée d’explorer des genres peu familiers, voire dédaigneuse des nouvelles techniques. Une philosophie qui prône l’altruisme peut contribuer à dissoudre l’ego, ce qui permet à l’artiste d’être plus réceptif aux influences extérieures, aux commentaires et aux collaborations.

1. L’attrait de la chambre d’écho

À première vue, il est indéniable qu’il est intéressant de s’entourer de passionnés partageant les mêmes idées, en particulier lorsqu’on se lance dans la production musicale. La phase initiale est pleine d’incertitudes et de questions. Dans ces moments-là, le fait d’avoir une communauté qui se fait l’écho de vos goûts et de vos préférences est indéniablement réconfortant. Les conversations sont fluides, la validation n’est souvent qu’à un signe de tête, et une bulle d’enthousiasme et d’aspirations partagées se forme.

Cependant, sous cette surface de sympathie, un inconvénient subtil émerge. Lorsque nous nous isolons dans un genre ou un style particulier, les nuances de ce style deviennent notre univers. S’il est essentiel de comprendre et de maîtriser une niche, le danger est de s’y immerger au point de manquer la symphonie des diverses expressions musicales à l’extérieur.

2. Les inconvénients de l’autoréférence

En tant que propriétaire d’un label et ingénieur du son ayant plus de vingt ans d’expérience, j’ai observé une tendance intéressante. Les artistes et les producteurs, en particulier lorsqu’ils débutent, ont tendance à s’appuyer fortement sur des références qui reflètent leurs propres aspirations. C’est tout à fait naturel. Toutefois, lorsque ces références sont imparfaites ou limitées dans leur portée, l’art qui en résulte peut manquer de la profondeur et de la qualité qu’il aurait pu atteindre.

Un exemple concret : j’ai récemment masterisé des pistes pour un artiste techno. Ses pistes de référence, bien que populaires, présentaient de nombreux problèmes inhérents. Cet artiste, qui a toujours été dans sa chambre d’écho, n’a pas réalisé les failles potentielles. Mais une fois que je lui ai fait découvrir des références plus diverses et de qualité, ce fut comme une révélation. Soudain, il a pu percevoir la richesse et la profondeur que ses morceaux pouvaient atteindre, et la différence était palpable lorsqu’ils ont été joués dans un club doté d’un système son de premier ordre.

3. Découvrir de nouveaux outils

Le monde de la production musicale est en constante évolution, et des outils tels que la version Ozone d’Izotope, récemment sortie, offrent de nouvelles perspectives. De telles innovations sont une aubaine, non seulement pour leurs prouesses techniques, mais aussi parce qu’elles peuvent servir de porte pour sortir de ces chambres d’écho. En tirant parti des nouvelles fonctions et capacités qu’ils apportent, les producteurs peuvent explorer des territoires inexplorés, en remettant en question leurs idées reçues et leurs préjugés.

Il était intéressant de voir comment des outils comme Ozone (la version 11 est sortie cette semaine et elle est vraiment bien faite – je ne comprends même pas comment ils arrivent à l’améliorer !), bien qu’ils soient conçus pour améliorer le processus de mixage et de masterisation, peuvent aussi perpétuer involontairement ces chambres d’écho. Entre les mains d’un novice, les préréglages et les chaînes de masterisation populaires peuvent rapidement devenir une béquille. Au lieu d’apprendre les principes fondamentaux du mixage et du mastering, de nombreux jeunes producteurs se contentent de coller un preset, pensant qu’il s’agit de la « norme de l’industrie ». Ces outils, s’ils sont utilisés sans être bien compris, peuvent contribuer à l’homogénéisation du son dans l’industrie.

Il est indéniable que la familiarité d’une chambre d’écho offre un réconfort. Mais pour une forme d’art aussi dynamique et changeante que la musique, ces chambres peuvent parfois étouffer la créativité qu’elles visent à encourager. Il est impératif de reconnaître lorsque nous nous trouvons dans ce phénomène et de trouver le courage d’en sortir. Ce n’est qu’à cette condition que nous pouvons vraiment entendre les mélodies infinies que le monde de la musique a à offrir.