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Leçons tirées de l’organisation d’une retraite pour producteurs de musique

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Je ne sais pas ce qu’il en est pour vous, mais lorsque vous êtes passionné de musique, c’est à la fois une bénédiction et une malédiction. D’une part, cela occupe beaucoup d’espace mentalement et peut devenir une obsession, et d’autre part, cela crée un besoin d’entrer en contact avec d’autres personnes (pour savoir si l’on n’est pas fou). Si je regarde la situation actuelle, pour entrer en contact et rencontrer d’autres musiciens dans le monde réel, nous sommes confrontés à des limites quant à l’endroit où les rencontrer. Vous pourrez peut-être les rencontrer dans un café ou un disquaire, mais ce n’est pas certain. De manière concrète, vous dépendrez des clubs et des festivals pour avoir la plupart des discussions relatives à la musique.

Mais soyons réalistes, les options sont limitées. Les raves et les clubs sont amusants, mais ce sont aussi des récréations où les discussions risquent d’être faussées par la musique forte, l’atmosphère bruyante et, peut-être, par les substances qui altèrent l’esprit.

Il fut un temps où j’ai eu la chance d’avoir accès à une riche communauté à Montréal, bien avant les médias sociaux, où nous nous retrouvions après des événements (pas des after-parties) pour préparer un repas et discuter. Nous faisions des séances en studio, collaborions et échangions des conseils. Aujourd’hui, c’est encore possible et bien que les médias sociaux puissent vous donner accès à n’importe qui, ils ne vous garantissent pas que vous serez en mesure de connecter correctement par la suite.

L’idée de faire des retraites est venue à un ami nommé Fred et moi, il y a des années, lorsque nous voulions quitter la ville avec des amis et faire un week-end d’immersion musicale intense. Nous avons organisé deux événements qui ont été couronnés de succès. Nous avons dû arrêter à cause de la pandémie, mais depuis que j’ai déménagé à la campagne, il m’est apparu évident que je devais continuer à les faire, mais chez moi. L’idée était de donner accès à ma maison, d’y accueillir des gens pour un week-end, d’organiser des ateliers, de partager, de découvrir la musique d’amis et de voir où cela nous mènerait.

J’ai beaucoup appris lors des deux dernières retraites que j’ai organisées et j’aimerais partager avec vous quelques idées, mais aussi quelques conseils si vous souhaitez en organiser une avec vos amis.

 

Leçon n°1 : le fait de se trouver au même endroit que d’autres musiciens pendant un moment ouvre des perspectives musicales et suscite la curiosité.

Pourquoi organiser une retraite pour les producteurs de musique?

 

Il y a de multiples raisons de vouloir en organiser une. La première consiste à échapper à la routine et à vous plonger dans une connexion avec votre musique, ce qui vous permet de commencer des projets ou de les terminer. Je dirais que les personnes qui viennent à la retraite seront surtout motivées par le fait d’être dans un espace où d’autres travaillent sur la musique. Il n’est pas étonnant que le fait d’être entouré d’autres personnes qui font de la musique vous donne l’envie d’en faire autant.

La collaboration et la découverte de la musique sont d’autres raisons d’organiser une retraite.

Mais quoi que vous choisissiez de faire, je rappelle aux participants qu’il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de procéder. Il est également possible de ne pas faire grand-chose d’autre que d’être entouré de gens. Cependant, si vous mettez votre temps à profit, cela aura un impact plus tard.

 

Leçon n°2 : La raison pour laquelle je fais des retraites est de me connecter avec des personnes qui ont les mêmes intentions que moi, c’est-à-dire partager une passion.

 

La solitude du musicien

Ce n’est pas nouveau, mais être seul dans le studio est souvent une situation difficile. Il y a quelque chose de frustrant à découvrir de nouvelles idées mais à n’avoir personne autour de soi pour les entendre ou les valider. Les musiciens électroniques modernes s’orientent souvent vers ce genre parce qu’ils peuvent être un homme-orchestre et obtenir des résultats rapidement, mais cela signifie que le succès, ou les échecs, seront également vécus en solitaire. Il est important d’avoir des amis et une communauté pour aller loin à long terme, car votre réseau vous présentera de nouvelles idées et opportunités, et passer du temps dans un endroit pendant un week-end, partager des moments agréables, de la nourriture et des discussions est un excellent moyen de construire une communauté.

Leçon n°3 : mon syndrome de la page blanche et ma tendance à me laisser distraire disparaissent lors d’une retraite.

 

Validation technique et diversité

Le fait d’être entouré d’autres musiciens permet de voir comment ils travaillent, quels outils ils utilisent et quels plugins permettent de résoudre certains problèmes. C’est aussi un moment où le matériel peut être partagé, et où l’on peut voir comment chacun le gère, ce qui lui donne une nouvelle perspective.

Paradoxalement, ces dernières années, j’ai vu certains producteurs très discrets sur leur façon de travailler et sur le matériel qu’ils utilisent. Je trouve cela ridicule.

Personne n’est propriétaire des nouvelles techniques et rien n’est fait qui ne soit pas déjà connu. Presque tout et n’importe quoi est couvert en ligne, que ce soit dans un blogue, un forum ou simplement sur YouTube. Cacher sa façon de travailler révèle, à mon avis, une bonne dose d’anxiété et d’insécurité. On nous explique que garder des secrets pour conserver une image mystérieuse est une chose, ce à quoi je réponds qu’il suffit de quelques ingénieurs du son pour faire de l’ingénierie inverse. La seule chose que personne ne peut vous enlever, c’est votre âme, votre identité. Les outils et les techniques sont simplement là pour permettre à cette partie de vous-même de s’exprimer. Plus vous vous ouvrirez aux autres, partagerez ce que vous savez et créerez des dialogues, plus vous serez récompensé par la rencontre de personnes qui consolideront ce que vous savez avec des idées auxquelles vous n’avez pas pensé… parce que vous étiez centré sur vous-même.

Cela dit, les personnes qui m’entourent lors d’une retraite sont toujours un peu surprises et heureuses de découvrir que je n’ai pas de secrets et que la seule chose que je veux, c’est voir les autres réussir. L’état d’esprit de l’enseignant va au-delà du succès immédiat. Je veux planter des graines dans l’esprit des gens pour voir ce qui émergera plus tard. Il est arrivé si souvent que des personnes que j’ai encadrées reviennent vers moi plus tard avec des idées qui m’ont inspiré alors que je luttais contre le syndrome de la page blanche.

Leçon n°4 : expliquer des concepts aux autres m’aide à comprendre ce que je fais.

L’impact sur la créativité

 

Une chose que j’ai remarquée chez les participants, c’est qu’un sentiment de fluidité émerge le dernier jour. La « zone » est un état mental dans lequel les gens entrent dans un état où ils créent librement, où tout se met en place, où les limites techniques semblent disparaître et, bien sûr, où l’on s’amuse beaucoup.

Cet état de zone semble être la façon idéale de créer. Bien qu’un état de zone continu soit trop beau pour être vrai, si nous pouvons atteindre cet état de temps en temps, c’est, à mon avis, l’un des véritables objectifs de la retraite. Parce qu’une fois que vous avez fait l’expérience de cet état et de la façon dont vous y êtes arrivé, vous savez que vous pouvez ramener avec vous cette façon d’être en tant que musicien.

Proposer des ateliers, c’est alors donner un coup de pouce pour débloquer les frustrations. Je m’assure que ces ateliers correspondent au niveau technique des participants et que je peux leur donner des conseils sur les points qui leur posent problème.

Alors que nous recherchons souvent des impacts importants pour sentir que nous avons changé en tant qu’artiste, je remarque que la somme de nombreux petits ajustements donne des résultats plus durables.

Leçon n°5 : Paradoxalement, la plupart d’entre nous font de la musique pour se rapprocher des autres, alors que nous n’organisons pas assez d’événements communautaires. Une fois réunis, les objectifs de finalisation des chansons ou d’autres tâches de validation connexes deviennent plus que secondaires.

Où organiser une retraite pour un producteur de musique?

Techniquement, n’importe quel endroit peut convenir pour accueillir une retraite de producteurs de musique, mais j’insiste sur le fait qu’il doit se trouver à au moins une heure de chez soi et, idéalement, à la campagne. Il y a de nombreux avantages à pouvoir faire une pause, à sortir se promener et à prendre du recul par rapport à tout ce qui est trop influencé par l’homme (routes, béton, asphalte, bâtiments, etc.). Dans mon cas, je suis à la campagne, avec beaucoup de terrain où l’on peut facilement marcher pendant une heure avant d’en voir la plus grande partie. C’est comme un grand parc, plus ou moins, mais sauvage et ouvert. Bien sûr, vous pouvez enregistrer des sons, mais l’un des éléments importants est de pouvoir respirer de l’air frais.

Une option consiste à louer un chalet avec des amis. Je vous encourage à vous entourer de personnes qui sont dans le même état d’esprit que vous. Vous pouvez ainsi disposer d’un espace pour faire de la musique et d’un autre pour manger et vous détendre.

L’espace est important et le fait d’avoir un endroit où l’on se sent à l’aise et inspiré est crucial pour l’ambiance.

Leçon n° 6 : L’endroit idéal est celui que l’on connaît. Si vous pouvez trouver un endroit que vous avez déjà visité et que vous aimez, ce sera une réussite.

Intention et engagement lors d’une retraite pour producteurs de musique

Il est facile de se tromper sur ce point, mais c’est probablement le plus important. Une chose que nous clarifions avec cette retraite, c’est qu’il ne s’agit pas d’un espace et d’un temps pour faire la fête. Il s’agit de quelque chose d’accessible par d’autres moyens et la retraite est un engagement à faire avancer les choses. C’est pourquoi nous avons une politique d’interdiction de l’alcool et un couvre-feu à une certaine heure. Non seulement je n’ai rencontré aucune résistance de la part des participants, mais tout le monde était extrêmement content que nous ayons fait cela une fois le week-end terminé.

Au début du week-end, nous avons pris un repas au cours duquel nous avons tous discuté de nos besoins, de nos objectifs et des choses que nous aimerions faire. Au fur et à mesure que les gens parlaient, j’ai remarqué qu’il y avait une certaine timidité au début, mais comme nous avons eu de nombreux entretiens au cours des repas, à la fin du week-end, les gens étaient de plus en plus ouverts à partager leurs idées, leurs difficultés ou leurs découvertes passionnantes. Nous rencontrons tous les mêmes difficultés en fin de compte, c’est pourquoi si l’un d’entre eux s’ouvre, d’autres s’en inspireront et suivront.

Leçon n°7 : La présence d’un modérateur, d’un leader ou d’un musicien expérimenté est le meilleur moyen de faire face aux difficultés tout en veillant à ce que les intentions restent réelles.

Des victoires inattendues

Pour terminer cet article, j’ai appris que travailler sur une chanson pendant le week-end n’est pas l’approche la plus idéale, je crois. Je pense qu’il y a beaucoup plus à gagner en essayant d’organiser tous vos morceaux, macros et préréglages et de mettre à jour tous ces morceaux endormis dans votre disque dur. Être curieux, essayer de nouvelles techniques et faire face à certains aspects de la musique qui sont difficiles, voilà ce qu’il y a de mieux à faire dans un contexte où l’on est soutenu.

Des sujets qui ont été très utiles et que les participants ont appréciés :

  • Techniques pour commencer de nouvelles chansons et créer des accroches illimitées.
  • Des idées solides en matière de conception et d’ingénierie inverse.
  • Comment organiser une idée en arrangements efficaces.
  • Mixer une chanson en 20 minutes.

Leçon n°8 : Acceptez toujours qu’il y a quelque chose que vous ne connaissez pas suffisamment ou pas correctement. Rester ouvert est un moyen de grandir en permanence.

 

Témoignages de participants : Écoutons directement ceux qui ont participé à la retraite :

  • Marino: « J’ai passé un week-end inoubliable à la retraite de Pheek. J’ai appris beaucoup de choses, j’ai rencontré des personnes merveilleuses d’horizons différents, qui partagent toutes la même passion que moi : la musique. Pheek nous a accueillis avec amour et gentillesse dans un paysage magnifique, toujours là pour nous aider lorsque nous étions confrontés à des obstacles créatifs. Je le recommande à tous ceux qui souhaitent développer leurs compétences tout en quittant leur zone de confort. »
  • North Motion: « Mon expérience a été tout simplement fantastique. J’ai eu l’occasion de rencontrer de nombreux artistes qui, comme moi, sont passionnés de musique électronique. Au-delà des compétences que j’ai acquises, j’ai noué de grandes amitiés. La retraite de Pheek offre des installations exceptionnelles dans un endroit à couper le souffle, et les connaissances et l’hospitalité de J-P sont inégalées. Je lui donne une note parfaite de 10/10.

Le dysfonctionnement de la promotion par courriel dans le domaine musical

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À une époque où la technologie a simplifié la communication, il est ironique de constater qu’elle a aussi, parfois, rendu les choses plus compliquées. Prenons l’exemple de la promotion de la musique. L’art de choisir minutieusement les personnes avec lesquelles on partageait son travail s’est perdu dans le déluge de l’ère numérique. Et cela est particulièrement évident dans le monde de la promotion musicale par courrier électronique (email).

Pour un artiste de petite ou moyenne envergure comme moi, ma boîte de réception est perpétuellement inondée de titres promotionnels. En fait, j’ai dû mettre en place une règle de courrier électronique pour canaliser ces promotions dans un dossier séparé, juste pour que ma boîte de réception principale reste gérable. Pour vous donner une idée, ce dossier a récemment franchi la barre des 13 000. C’est accablant et, franchement, dysfonctionnel.

Remettons les choses dans leur contexte. Je ne suis même pas un acteur important de l’industrie musicale. Les artistes majeurs reçoivent probablement 3 à 5 fois le nombre de promos que je reçois. La question qui se pose alors est la suivante : quelle est l’efficacité de cette méthode lorsque même un petit artiste ne peut pas suivre?

L’un des problèmes les plus importants est l’approche dispersée. Je suis inondé de titres de genres et d’artistes qui sont à mille lieues de mes goûts musicaux. C’est comme si le fait d’avoir accès à mon adresse électronique était devenu une invitation ouverte à m’envoyer tout et n’importe quoi. Ce système d’envoi massif de courriels signifie qu’environ 95 % de la musique que je reçois ne me concerne même pas. Cela pose un problème spécifique, non seulement pour moi, mais aussi pour les musiciens. La poignée de titres qui pourraient réellement m’intriguer sont perdus dans la masse.

 

Cette situation reflète étrangement un autre défi : l’achat de musique. Pour chaque pépite que vous trouvez, il est probable que vous passiez au crible une montagne de morceaux qui ne sont pas tout à fait votre style. Avec les promotions par courriel, la botte de foin s’est accrue de façon exponentielle, rendant l’aiguille encore plus difficile à trouver.

Paradoxalement, dans ce vaste monde numérique, les contacts personnels semblent être la forme la plus efficace de promotion de la musique. Lorsque vous rencontrez des artistes en personne, l’échange est direct et spécifique. Mais en réalité, ces possibilités sont limitées.

Bizarrement, c’est difficile à admettre, mais Spotify a été mon outil le plus fiable pour découvrir et sélectionner la musique que j’écoute. J’y trouve généralement de la musique, puis je poursuis mes recherches sur Bandcamp et Soundcloud. Mais même si je n’aime pas l’éthique de Spotify, s’il y a une chose qu’ils font bien, c’est de me tenir au courant de la musique que j’aimerai le plus souvent.

 

Où cela nous mène-t-il?

Tout d’abord, les artistes doivent repenser leur stratégie d’envoi massif de courriels à l’aveuglette. L’objectif ne doit pas être de savoir combien de personnes vous pouvez atteindre, mais plutôt d’atteindre les bonnes personnes.

Deuxièmement, en tant que destinataires, nous avons peut-être besoin de plateformes ou de systèmes pour mieux communiquer nos préférences musicales. Les labels ont traditionnellement joué ce rôle dans une certaine mesure, mais il y a de la place pour l’innovation.

Enfin, si les relations personnelles restent inestimables, l’ère numérique exige de meilleures solutions. Nous avons besoin de plateformes où la spécificité et la personnalisation deviennent primordiales, garantissant que chaque promotion envoyée par un artiste est un succès potentiel, et pas seulement un autre courriel dans un dossier surchargé.

 

Mais j’ai aussi une liste de sites Web qui peuvent aider à la promotion.

  1. SubmitHub : Une plateforme où les artistes et les labels peuvent soumettre leur musique à des blogueurs, des curateurs de playlists, des YouTubers et même des maisons de disques. C’est un excellent moyen d’obtenir une rétroaction et, éventuellement, de faire connaître votre musique.
  2. RepostExchange : Cette plateforme permet aux utilisateurs de SoundCloud d’échanger des reposts. C’est un moyen d’exposer votre musique à un nouveau public en tirant parti de la popularité d’autres artistes.
  3. DistroKid : Bien qu’il s’agisse avant tout d’une plateforme de distribution de musique, DistroKid propose également des outils promotionnels tels que « HyperFollow », qui aide les artistes à maximiser leur nombre de pré-sauvegardes sur des plateformes telles que Spotify.
  4. PlaylistPush : Conçu pour permettre aux artistes de présenter leur musique aux curateurs de listes de lecture de Spotify, Apple Music et Deezer.
  5. Hypeddit : Vous aide à développer votre base de fans sur des plateformes telles que SoundCloud, YouTube, Mixcloud et autres en échangeant des likes, des reposts, des commentaires et des followers.
  6. Feature.fm : Il permet aux artistes d’inclure leur musique dans les listes de lecture des services de diffusion en continu et fournit également des outils pour les pré-sauvegardes et d’autres campagnes promotionnelles.
  7. Groover : À l’instar de SubmitHub, Groover permet aux artistes d’envoyer leurs morceaux à un large éventail de blogueurs, de maisons de disques, de stations de radio et de curateurs de listes de lecture.
  8. Musosoup : Les artistes soumettent leurs titres et les curateurs (blogueurs, playlists, etc.) peuvent parcourir et sélectionner les titres qui les intéressent.
  9. Promo.ly : Un système de promotion musicale pour les artistes, les labels et les agences de relations publiques afin de partager leur musique avec les influenceurs de l’industrie.
  10. Echio : C’est un endroit où vous pouvez suivre des artistes, participer à des ateliers, payer pour des commentaires et plus encore.

 

 

En conclusion, si l’ère numérique a révolutionné le partage de la musique, il est également important d’en reconnaître les pièges. À mesure que nous avançons, il est essentiel de trouver une harmonie entre l’ancien et le nouveau, en veillant à ce que la musique de qualité ne se perde pas dans les méandres du numérique.

L’orientation musicale vient de votre communauté

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L’industrie musicale, et plus particulièrement la scène de la musique électronique, a toujours prospéré grâce à la synergie entre ses créateurs et ses auditeurs. En tant que producteur de musique électronique, je me suis rendu compte que pour réussir, il faut souvent savoir prendre le pouls de la communauté. Mais qu’est-ce que cela signifie pour les artistes qui se sentent déconnectés, ou pour ceux qui gravitent autour de genres dont le soutien local est limité? Plongeons au cœur des communautés musicales et voyons comment elles façonnent le parcours d’un artiste.

 

Le rôle de la communauté dans la croissance d’un artiste

 

Après avoir passé beaucoup de temps à produire de la musique et à interagir avec d’autres musiciens, un schéma se dessine. Les producteurs qui font partie d’une communauté musicale active ont tendance à gravir les échelons du succès plus rapidement et de manière plus organique. Il ne s’agit pas seulement d’avoir des contacts, mais aussi de recevoir une rétroaction immédiate, de comprendre ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas, et de s’inspirer de l’énergie commune.

Lorsqu’on est raccordé à une communauté, c’est comme si l’on avait les doigts sur le pouls de la musique que l’on aime. Non seulement vous apprenez les subtilités du genre, mais vous comprenez aussi ce que le public désire. Le partage des connaissances et des idées d’un groupe d’individus partageant les mêmes intérêts peut souvent faire la différence entre une piste qui tombe à plat et une piste qui résonne profondément.

Dans mon cas, j’ai rapidement trouvé ma communauté de personnes aimant la même musique que moi et j’ai eu la chance qu’il y ait des événements où tout le monde pouvait se rencontrer. Il était facile de rentrer en contact et je me suis senti rapidement impliqué. L’une des forces de ce premier tremplin était que je pouvais présenter ma musique facilement et que j’obtenais des bookings de manière organique. Aujourd’hui, je vois des gens qui contactent des lieux pour des bookings, mais si vous n’avez jamais visité le lieu, vous ne connaîtrez pas sa culture et son orientation. Il est très important de s’y rendre afin de voir et de vérifier si la clientèle est dans le même état d’esprit que vous. Il n’y a rien de plus dur que de jouer une gig où les gens ne comprennent pas ce que vous faites.

Au cours de mes tournées, j’ai découvert dans chaque ville des bulles de personnes qui me rappelaient ma communauté locale. Même physiquement, j’ai rencontré quelqu’un qui me rappelait quelqu’un de chez moi.

 

Le défi des genres non locaux

 

Mais qu’en est-il des producteurs qui se passionnent pour un genre qui n’est pas très répandu dans leur environnement local?

De nombreux artistes se tournent vers l’extérieur et se mettent en contact avec des labels ou des groupes en ligne qui partagent leur passion. Si l’internet a permis de combler de nombreux vides, les connexions en ligne manquent souvent de la profondeur et de la chaleur des interactions personnelles. La nature même de la communication numérique peut parfois rendre ces relations impersonnelles.

Certaines personnes vivent dans de petites villes ou ne sont pas proches d’une grande ville, ce qui peut constituer un défi, car localement, il n’y a peut-être aucune chance de créer une communauté. Comment cela fonctionne?

Les artistes peuvent produire des morceaux exceptionnels, mais le vieil adage dit que les gens ont tendance à soutenir ceux qu’ils connaissent. Une communauté peut parfois hésiter à accueillir des nouveaux venus. Cette approche protectrice est naturelle, mais elle peut involontairement fermer la porte à de nouveaux talents qui auraient pu apporter des perspectives et des sons nouveaux. Inutile de penser aux labels qui reçoivent de la musique de personnes dont ils n’ont jamais entendu parler et qui s’attendent à ce qu’ils leur répondent. Dans le meilleur des mondes, c’est ce qui se passerait, mais dans la réalité, cela n’arrive pas souvent. Cela laisse les artistes perplexes.

Ainsi, pour les personnes qui ne bénéficient pas d’un bon soutien musical, plusieurs choix sont possibles. L’une d’entre elles consiste à essayer de se rendre dans l’endroit le plus proche où il y a des événements et une communauté pour en profiter en même temps que de la musique. Vous finirez par trouver votre rôle et votre place dans cette tribu. Ensuite, à l’aide d’outils de communication en ligne, maintenez le contact.

N’oublions pas qu’il est possible de créer son propre réseau local et sa propre communauté, mais que cela peut s’avérer difficile au début.

 

La solution DJ

 

Dans de tels scénarios, une stratégie que j’ai vue fonctionner consiste à s’adresser aux DJ.

Pourquoi les DJs?

Parce qu’ils ont le pouvoir de faire découvrir de nouveaux titres à un public enthousiaste. Les DJ sont toujours à l’affût du prochain titre phare, et ils peuvent contribuer à ce que la musique d’un outsider obtienne la reconnaissance qu’elle mérite. Faire jouer votre musique par un DJ peut être le lien parfait entre l’artiste et une nouvelle communauté. Vous pouvez également faire la même chose avec des restaurants ou des boutiques locales et leur demander de passer votre musique de temps en temps, mais bien sûr, vous devrez le faire en personne après avoir montré que vous vous intéressez à leur lieu et à leurs goûts musicaux.

De plus, les DJ aiment la musique pour les podcasts et c’est un bon moyen de percer auprès d’une nouvelle bulle de personnes.

 

Construire des communautés inclusives pour un avenir dynamique

 

Alors que nous discutons des communautés et de leur importance, il est également essentiel de parler d’inclusion. S’il est nécessaire de protéger l’intégrité d’une communauté, il est tout aussi vital de veiller à ce qu’elle ne devienne pas insulaire. En accueillant de nouveaux membres et en étant réceptive à leur offre musicale unique, une communauté ajoute non seulement à sa diversité, mais assure également sa longévité.

À toutes les communautés musicales : n’oublions pas que l’outsider d’aujourd’hui peut être le précurseur de demain. En étant ouverts aux nouveaux membres et à leurs sons distincts, nous garantissons que notre communauté reste dynamique, fraîche et prête pour l’avenir. Les outsiders apporteront une énergie et des idées nouvelles qui permettront à la musique de ne pas tomber dans l’équivalent d’une chambre d’écho où tout sonne pareil au bout d’un certain temps.

 

Des idées pour découvrir les communautés musicales et entrer en contact avec elles :

  • Magasins de musique et cafés locaux : ces lieux ont souvent des panneaux d’affichage indiquant les événements, les rassemblements ou les ateliers. Même en discutant avec le propriétaire du magasin ou avec les habitués, vous pouvez trouver des groupes de musique locaux.
  • Ateliers de musique et masterclass : En vous inscrivant ou en assistant à ces ateliers, vous pouvez rencontrer des artistes et des instructeurs qui partagent les mêmes idées et qui peuvent vous orienter vers des communautés pertinentes.
  • Festivals de musique et concerts : Participez aux festivals locaux et régionaux. Même les petites gigs peuvent être des mines d’or pour le réseautage. Souvent, ces événements sont organisés ou fréquentés par des personnes qui font partie de communautés musicales.
  • Plateformes en ligne : Les sites web tels que Meetup.com ou les groupes Facebook proposent souvent des groupes musicaux locaux auxquels vous pouvez vous joindre et participer à des discussions ou à des événements.
  • Centres communautaires et universités : Beaucoup d’entre eux proposent des cours de musique et ont souvent des clubs de musique actifs. S’engager auprès d’eux peut ouvrir des portes aux communautés musicales locales.
  • Forums de production musicale : Des sites web tels que Gearslutz ou KVR Audio proposent des forums actifs où des producteurs du monde entier discutent de musique, de matériel et d’événements.
  • Collaborez en ligne : Les plateformes telles que SoundCloud, Bandcamp ou Splice peuvent être d’excellents endroits non seulement pour partager votre musique, mais aussi pour collaborer avec d’autres, ce qui peut vous permettre d’entrer organiquement en contact avec des communautés.
  • Participez aux soirées Open Mic : Ces soirées attirent souvent des musiciens locaux et des passionnés. C’est un environnement détendu qui permet de rencontrer des gens et d’obtenir des commentaires sur sa musique.
  • Visitez des studios d’enregistrement : Les contacts avec les directeurs de studio ou les techniciens peuvent donner des indications sur les musiciens locaux et les communautés avec lesquelles ils travaillent.
  • Entrez en contact avec des DJ : Comme nous l’avons déjà mentionné, les DJ sont à l’écoute des communautés musicales. En établissant des contacts avec eux, il est souvent possible de s’introduire dans ces communautés.

 

Notes de fin : Un appel aux artistes

 

À mes collègues artistes qui se sentent un peu à la dérive, rappelez-vous que toute communauté a commencé à petite échelle. S’il n’existe pas de communauté pour votre genre, envisagez d’en créer une! Et si cela vous semble une tâche monumentale, n’hésitez pas à prendre contact en personne. Assistez à des concerts locaux, à des événements musicaux ou même à des ateliers. L’établissement d’un contact direct peut avoir plus d’impact qu’une douzaine d’interactions en ligne.

Dans le paysage en constante évolution de la musique électronique, une chose reste constante : la valeur de la connexion. Ainsi, que vous soyez un artiste à la recherche de votre tribu ou un membre de la communauté s’interrogeant sur la prochaine étape, n’oubliez pas que c’est grâce à l’inclusion, à la compréhension et aux interactions personnelles que nous continuerons à prospérer et à créer des symphonies harmonieuses dont le monde entier pourra profiter.

Mots-clés : musique électronique, production musicale, communauté, DJ, réseau, inclusion, artistes, concerts locaux, événements musicaux.

Avantages des séances de production en personne

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Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.