Raccourcis et astuces pour gagner du temps
Au cas où vous l’auriez manqué, j’ai déclaré 2024 « mon année de retour à la production ». J’ai commencé lentement parce que j’avais beaucoup de choses à faire, mais dès que j’ai eu le temps, j’ai commencé à travailler à plein régime. Paradoxalement, les dix dernières années de formation que j’ai dispensées aux étudiants et aux personnes que j’ai encadrées étaient basées sur mon expérience, mais je n’appliquais pas tellement mes astuces à mon flux de travail.
Parfois, il faut se concentrer sur soi-même ; d’autres fois, c’est en se concentrant sur les autres que l’on comprend mieux les choses. Vous ne pouvez expliquer que ce que vous comprenez vraiment ; expliquer aux autres vous oblige souvent à repenser vos connaissances. Comme le temps passe vite, il a été plus judicieux de faire beaucoup de musique pour voir les vrais défis de 2024 et peut-être trouver de nouvelles approches.
Dans cet article, je vais essayer de résumer les différents raccourcis et hacks qui m’ont permis de travailler incroyablement vite, en faisant 1 à 2 chansons par jour en plus de ma charge de travail habituelle.
Pourquoi travailler vite
Si vous lisez ce blogue, vous savez que j’encourage la rapidité dans la création musicale pour de multiples raisons. La première raison est que l’on s’améliore avec la pratique, et si vous travaillez rapidement pour faire de la musique, vous travaillerez avec des techniques, vous serez confronté à des problèmes et vous apprendrez quelque chose de nouveau à chaque session.
En répétant cela encore et encore, il était logique que je sois moi-même rapide, et au début, je me sentais un peu rouillé, alors il ne m’a pas fallu beaucoup de temps pour m’y remettre. La première étape vers la rapidité est de comprendre où l’on perd du temps.
Pour cela, il existe deux sphères principales :
Génération d’idées : Mélodies, lignes de basse, motifs percussifs, séquences, progression d’accords, accroches, structure de la chanson, arrangements, etc.
Contenu : Sons, enregistrements, effets, etc.
La génération d’idées est importante lors de l’élaboration de votre chanson, tandis que la sphère du contenu concerne la manière dont elle sonne. Vous pouvez avoir toutes les meilleures idées du monde, mais comment cela sonne-t-il? Vous pouvez avoir tous les sons, mais c’est la façon dont vous les arrangerez qui déterminera l’essence de votre chanson.
C’est un défi de trouver les deux, et de nombreuses personnes se perdent dans une partie de ce processus, en se concentrant sur l’optimisation de la situation et en oubliant qu’il y a d’autres choses à faire. Pour gagner en rapidité, il faut déléguer certaines parties à des outils capables de les prendre en charge, tout en se concentrant sur les aspects que l’on maîtrise le mieux.
Un bon exemple est l’utilisation d’une boîte à rythmes. On peut vouloir se concentrer sur l’accroche et la structure de la chanson, mais laisser le côté percussif à une boîte à rythmes qui n’aura pas besoin de beaucoup de programmation ni de conception sonore, puisqu’elle est livrée avec son son. Un autre exemple est celui du genre acoustique, comme la musique folk, où les sons se limitent à la guitare et à la voix, de sorte que l’artiste peut se concentrer sur les paroles et jouer sans se préoccuper de trouver de nombreux sons.
Trouver vos raccourcis grâce aux outils
Une fois que vous savez où vous perdez du temps, il est temps de réaliser que la technologie existe pour simplifier votre flux de travail. En ce qui concerne les outils et les plugins, voici une liste complète de tous les outils que j’utilise pour améliorer ma musique.
Génération d’idées
Accroches, mélodies, riffs, motifs : après avoir analysé tant d’accroches de chansons que j’aime (vous devriez faire l’exercice pour voir ce que vous aimez), je peux comprendre qu’elles sont soit liées à l’échantillonnage, soit à un court phrasé de notes. Si vous espérez créer de grandes mélodies sans comprendre la musique, votre meilleur atout serait de vous familiariser avec les bases. La connaissance est toujours le meilleur investissement avant toute utilisation de l’outil.
Cela dit, il n’est pas toujours facile de trouver des idées. De plus, si vous voulez écrire des mélodies vous-même, vous risquez de toujours tomber sur la même routine. Je suggère de commencer par des générateurs qui peuvent proposer un point de départ, puis de construire à partir de là.
Ableton Live 12 propose de nombreux générateurs différents pour créer des idées nouvelles. Je me suis récemment intéressé à la Suite of Generators de Phil Meyer, mais j’ai également exploré Manifest Audio, dont la palette d’outils est fraîchement prête pour Live 12.
Si vous n’êtes pas familier avec les différents outils créés par AlexKid, sachez qu’il a humblement commencé avec un séquenceur de boîte à rythmes dans Live, mais peu après, il a créé de nombreux outils pour générer des idées, tels que Seqund et les suites.
J’aime aussi beaucoup AudioModern et Riffer, et Rozzer et Sting peuvent être des outils gratuits très puissants. Snake vient de recevoir une nouvelle version de Live 12, qui est superbe.
Sons et contenu
En ce qui concerne les échantillons, il existe de nombreuses options sur le marché. Dans le modèle d’abonnement, il y a toujours Splice (one-shots, boucles, location de plugins et autres), Loopcloud (one-shots, boucles, midi), Tracklib (contenu de chanson libre de droits à réutiliser), et Soundsnap (bibliothèque de sons allant d’enregistrements de terrain à des one-shots, utilisée principalement pour les films). Vous pouvez également explorer les options gratuites avec Freesound, Archive.org et Samplette (recherche aléatoire sur YouTube).
La meilleure façon de générer de nouveaux sons est de créer une macro dans laquelle j’ai mappé les paramètres d’un échantillonneur ou d’un synthétiseur en tant que macro, puis d’appuyer sur le randomiseur de la macro pour accéder à un nouveau son.
La créativité naît de l’action et du mouvement. Il faut s’asseoir et travailler pour que les idées viennent.
Collaboration
Il ne s’agit pas d’un plugin, mais c’est la collaboration qui a l’impact le plus important sur l’accélération des choses. Cela dépend également des personnes avec lesquelles vous travaillez. Les sessions en personne peuvent souvent donner lieu à des distractions, à des bavardages, à la consommation d’herbe et à la réalisation de peu de choses. Idéalement, je préfère les sessions à distance où chaque participant travaille quand il en a le temps, au maximum de sa concentration.
L’autre avantage du travail à distance est de pouvoir collaborer avec n’importe qui, n’importe où. Dans mon cas, mes collaborateurs se trouvent souvent dans des pays différents.
Si vous voulez apprendre à faire de la musique rapidement, travaillez avec quelqu’un qui sait ce qu’il fait. Lorsque vous échangez des projets, vous partagez vos connaissances. Vous trouverez des collaborateurs parmi les personnes qui font quelque chose que vous aimez et qui font bien quelque chose que vous ne faites pas. Quelqu’un qui vous complète fera mieux que quelqu’un qui est à votre niveau ou qui a les mêmes méthodes que vous.
Mais il y a un twist. Parfois, il est bon de travailler avec quelqu’un qui n’a aucune expérience de la musique, mais qui est de bonne humeur et qui vous donne des idées. Je trouve inspirant d’être assis dans le studio avec quelqu’un qui dit : « J’imagine que la chanson peut faire ceci, et cela peut aller là », puis vous faites ce que vous pouvez avec cette information, et quoi qu’il arrive, cela vous amène à un endroit que vous n’auriez pas exploré tout seul. Un débutant est souvent enthousiaste à l’égard de choses dont vous seriez blasé, ce qui vous permet d’apprécier des choses qui vous ennuyaient.
Lors d’une récente retraite, nous avons fait un jam avec quatre personnes. Alors que ce n’était pas nouveau pour moi, tous les autres n’avaient jamais essayé cela auparavant, et ils étaient époustouflés par ce que nous faisions. Il n’y avait aucune préparation. Nous avons juste improvisé, et tout nous a semblé naturel et amusant. Ce qui semblait être 10 minutes s’est transformé en presque 2 heures de musique bizarre. C’était énergisant, et nous avons tous partagé la musique que nous jugions appropriée avec d’autres.
Modèles et références
Dans mon rythme rapide de création musicale, j’ai deux sessions initiales. L’une consiste à construire une idée de base, et l’autre à créer un squelette de chanson. Comme vous l’avez appris sur ce blogue, la recherche, le développement et l’organisation des idées doivent être la base de votre travail, et il faut beaucoup de temps pour trouver celles que l’on aime. Mais cela ne doit pas vous empêcher d’avancer dans votre travail musical.
Construire des chansons à partir d’idées de base est un bon point de départ ; parfois, l’idée principale apparaît au fur et à mesure que l’on travaille sur ces chansons.
Vous serez créatif en travaillant et non en attendant de l’être.
C’est là que les modèles sont utiles. J’aime enregistrer un morceau fini en tant que modèle, mais d’abord, je le débarrasse de tous les sons tout en conservant le MIDI et les effets. Si vous y réfléchissez, dans les années 1970, les gens organisaient une table de mixage pour l’enregistrement d’un album entier, ce qui permettait de conserver l’uniformité de l’ensemble du projet. En outre, l’album était souvent enregistré dans un seul et même studio.
Garder la chanson comme modèle accélère l’organisation de la ou des chanson(s) suivante(s).
Rekordbox
Un jour, j’ai vu quelqu’un sur Instagram dire que tout le monde devrait être DJ, et je suis d’accord. Je ne veux pas dire que tout le monde devrait se produire en tant que DJ dans les clubs, mais plutôt à des fins d’auto-éducation et parce que c’est amusant. Cela vous ouvre à de nombreuses compréhensions passionnantes sur la façon dont la musique électronique fonctionne. Si vous n’êtes pas d’accord, c’est très bien, mais nous devrions être d’accord sur un point : toute personne qui fait de la musique électronique pour les DJ devrait au moins apprendre et jouer en tant que DJ.
Ces derniers mois, je me suis remis en mode DJ et j’ai trouvé une nouvelle source d’inspiration. De plus, le fait de jouer de la musique inachevée dans Rekordbox a mis en évidence des défauts dans les arrangements et le mixage qui me semblaient initialement corrects. Cela a même modifié mon flux de travail : je faisais un squelette d’arrangement pour une chanson, puis je le déposais directement dans Rekordbox pour le jouer avec de la musique que j’aime, afin de voir ce qui se passe, ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.
D’une certaine manière, sortir d’Ableton Live pour aller dans Rekordbox est un raccourci et une économie de temps.
Tout le monde devrait apprendre à devenir DJ. Il y a beaucoup à apprendre et cela vous permet d’apprécier l’art, la musique tout en vous éduquant sur la façon dont la musique est faite. Tout comme tout le monde devrait apprendre à jouer du piano.
Modèles (Templates)
J’en ai déjà parlé à plusieurs reprises, mais lorsque vous commencez à faire de la musique, je vous recommande de commencer par créer un modèle par session de studio. Du plus simple au plus complexe, la création d’un modèle vous permet de structurer les sessions futures, d’organiser ce que vous faites chaque fois que vous commencez une chanson et de stocker des techniques potentielles à explorer.
Voici quelques idées à explorer :
- Modèle de mixage : Créez un modèle de plusieurs pistes préfabriquées avec des effets pour le mixage.
- Modèle minimal (ou tout autre genre) : Disposez d’un modèle contenant une collection de kicks, de presets de synthétiseurs et d’autres sons prêts à être utilisés dans l’esprit de la création d’un genre.
- Traitement du son : Créez un modèle avec différents outils pour altérer et déstructurer les échantillons, tels que des granulateurs, des distorsions, des modulateurs et des échantillonneurs.
- Routage complexe : Vous souhaitez peut-être explorer des techniques étranges de gating et de side-chaining avec un routage complexe réalisé à l’avance.
- Collection de pads : Chargez un ensemble de synthétiseurs et d’échantillonneurs pour obtenir des textures complexes en couches.
- Permutation de percussions : Ouvrez plusieurs kits de batterie et envoyez le même signal midi à différents kits afin d’avoir un aperçu de vos options.
L’intérêt d’avoir des options dans un modèle signifie deux points possibles : le premier est que vous pouvez ouvrir un modèle et commencer à travailler dessus ou importer des pistes à partir d’un projet sur lequel vous travaillez actuellement.
Macros et systèmes
Très souvent, lorsque j’ouvre les projets de mes clients, je constate qu’ils utilisent une chaîne d’effets. Certaines n’ont aucun sens, tandis que d’autres sont intéressantes, mais quel que soit leur fonctionnement, je ne les vois jamais regroupées sous forme de macros. Je suis toujours surpris de voir que si peu de gens manquent l’opportunité d’utiliser l’un des aspects les plus puissants d’Ableton. Non seulement il est facile de regrouper ce rig d’effets, mais qui sait s’il peut être utilisé plus tard dans un autre morceau.
Transformer des effets multiples en une macro signifie que :
- Vous pouvez affecter les paramètres essentiels de l’effet à des boutons afin de les contrôler avec le PUSH ou d’accéder rapidement aux boutons, le tout centralisé en un seul endroit.
- Vous pouvez enregistrer des paramètres en tant que préréglages globaux afin d’obtenir rapidement des couleurs différentes.
- Vous pouvez randomiser votre piste pour obtenir des résultats inattendus.
- Vous pouvez moduler des éléments à partir d’un seul endroit.
Je vous encourage à en faire une habitude, car elle sera automatiquement payante à court terme.
Les systèmes sont un peu comme des macros, mais un peu plus avancés, et il n’est donc pas facile pour un nouveau venu de les explorer. Je parle de système lorsque vous avez créé une macro qui génère du contenu pour votre musique. Cela fait partie du contenu génératif mais qui utilise des macros. L’avantage des outils génératifs est de créer des idées à ajouter à votre musique. Il peut s’agir de percussions, de mélodies ou de glitchs bizarres. J’ai beaucoup d’outils génératifs que je sors lorsque je me dis « il manque quelque chose ».
Photo par Marc Sendra Martorell sur Unsplash