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Amélioration des mélodies grâce à l’articulation

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Dans le monde diversifié et en constante évolution de la musique électronique, d’innombrables artistes et producteurs en herbe plongent tête la première dans l’océan de la création musicale. Avec la technologie au bout des doigts, créer de la musique n’a jamais été aussi accessible. Cependant, cette facilité d’accès peut parfois conduire à se satisfaire de la simplicité, en particulier pour ceux qui n’ont pas une formation traditionnelle en théorie musicale ou en composition. Pourtant, le domaine de la musique, avec ses racines profondes et ses branches complexes, offre un vaste paysage de possibilités qui ne demandent qu’à être explorées.

Il n’est pas étonnant que les musiciens de formation négligent souvent la musique électronique et disent que ce n’est pas de la « vraie musique ».

Je trouve que ce qui fait qu’un artiste sonne pro dans ses mélodies par rapport à quelqu’un qui débute est souvent lié à l’articulation, que nous aborderons dans cet article.

Pour beaucoup, le voyage dans la production musicale commence par des boucles, ces sections de son répétées qui forment l’épine dorsale de nombreuses pistes électroniques. Les boucles sont les briques de construction, les points de départ à partir desquels des pistes entières peuvent émerger. Mais que se passe-t-il lorsque la nouveauté du looping s’estompe et que le désir de créer quelque chose de plus complexe et de plus personnel se fait sentir? C’est là que le concept d’articulation entre en jeu, offrant une passerelle pour transformer une simple boucle en une riche tapisserie sonore.

(Note : Au moment où j’écris ceci, Ableton vient d’annoncer la version 12 de Live. Certains des éléments mentionnés ci-dessous seront couverts de manière solide pour cette version, mais comme je ne l’ai pas encore testée, je ne peux pas vraiment m’étendre sur le sujet pour le moment).

Articulation en musique pour enrichir vos idées

 

En musique, l’articulation fait référence à la manière dont les notes sont jouées ou chantées, influençant leur transition, leur durée et leur caractère général. Dans la musique électronique, l’articulation peut transformer une boucle de base en un morceau nuancé et dynamique. Si nous devions comparer deux extrêmes, nous pourrions mettre d’un côté la techno loopy comme étant peu articulée et de l’autre un chanteur de jazz expérimenté.

Cela va bien au-delà de l’accent et de la vélocité, comme beaucoup le pensent. Il ne s’agit là que d’une fraction de ce qui est possible.

Examinons les différents types d’articulation et la manière dont ils peuvent ajouter de la profondeur et de la complexité à votre musique.

 

  • Staccato : Ce terme indique que les notes sont jouées de manière vive et détachée les unes des autres. Les notes staccato sont généralement courtes, légères et séparées.
    • Je trouve que dans les graves, les kicks et les basses sont beaucoup plus clairs lorsqu’ils sont courts. Il se peut que vous ne souhaitiez pas avoir des basses ou des kicks courts tout le temps, vous pouvez donc alterner la longueur du gate pour avoir une variation.
    • Les mélodies staccato se marient bien avec les arpèges et apportent une ambiance rapide à une chanson, de l’excitation et du mouvement.
    • Dans les mélodies, le staccato donne également l’impression d’apporter une touche délicate.
  • Legato : Contrairement à l’articulation staccato, l’articulation legato signifie que les notes sont jouées de manière fluide et cohérente, sans interruption notable entre elles. Cela crée souvent une qualité lyrique et fluide dans la musique.
  • Accent : Une marque d’accent indique qu’une note doit être jouée avec plus d’emphase ou de force par rapport aux notes environnantes. Il se distingue par une attaque plus forte. Nous l’utilisons souvent dans les percussions pour marquer l’accentuation du groove.
    • Les accents d’un motif accentuent le groove. Si vous utilisez des grooves, ils renforcent également les accents à certains endroits, il faut donc en tenir compte.
    • On peut également dire qu’il s’agit d’ajouter un ton assertif à une note.
  • Tenuto : ce terme indique qu’une note doit être maintenue pendant toute sa valeur, ou un peu plus longtemps, souvent avec une légère accentuation. Cela peut donner du poids et de l’importance à une note.
    • Lors de la programmation d’un motif, j’aime garder la vélocité du point haut autour de 100 (sur 127), ce qui donne de la marge pour les notes accentuées.
  • Marcato : Il s’agit d’une forme plus forte d’un accent, où la note est jouée beaucoup plus fort et avec une attaque plus nette. Le marcato crée souvent un son plus prononcé et plus marqué.
    • Celui-ci serait à 127 en vélocité.
    • En musique, il peut y avoir une partie en marcato, c’est-à-dire qu’une section est jouée avec un impact plus fort.
  • Fermata : indique qu’une note ou un silence doit être tenu plus longtemps que sa durée habituelle. La durée exacte est généralement laissée à la discrétion de l’interprète ou du chef d’orchestre.
    • Ce qui fait un groove, une articulation, ce sont les pauses. C’est bon pour la gamme dynamique, mais tout comme lorsque quelqu’un parle, les pauses sont cruciales pour comprendre le sens d’une phrase.
  • Portato : Également appelé mezzo staccato, il s’agit d’une combinaison de legato et de staccato. Les notes sont jouées de manière quelque peu détachée, mais pas aussi brusquement que le staccato, et avec une connexion similaire au legato.
  • Glissando : L’interprète glisse d’une note à l’autre en jouant toutes les hauteurs intermédiaires. Ce phénomène est fréquent pour les instruments à cordes et la voix.
    • Souvent utilisé pour les lignes de basse acides.
  • Slur : les notes sont jouées, mélangées les unes aux autres. Je trouve que c’est similaire à un legato, mais c’est une façon de créer des sons de « syllabes » qui sont un peu écrasés.
  • Trille : Alternance rapide entre une note et celle qui la précède, ce qui crée du relief à une note tenue.
    • J’aime faire cela avec un arpégiateur de 2 notes.

 

Voyons maintenant comment appliquer ces articulations dans des stations de travail audio numériques comme Ableton et des environnements modulaires comme VCV Rack.

 

Exemples

Staccato : Dans Ableton, vous pouvez obtenir un effet staccato en réduisant la longueur des notes MIDI. Vous pouvez également utiliser une attaque et une release rapides dans une enveloppe sur un synthétiseur. Il existe un outil MIDI appelé Note Length que vous pouvez utiliser pour modifier la durée. Tout synthétiseur possède une enveloppe ADSR et en jouant avec le decay/release, vous pouvez contrôler la longueur, rendant n’importe quel son plus court, en staccato.

Dans VCV Rack, envisagez d’utiliser un modificateur de gate (gate modifier) ou un générateur d’enveloppe avec un decay court pour créer des sons courts et aigus.

Quand et pourquoi l’utiliser : Utile pour introduire du mouvement et un sentiment de densité, de manière rythmée. Les notes courtes remplissent un espace tout en laissant de la place pour d’autres éléments. La musique tribale en est un bon exemple.

 

Legato : Pour le legato, veillez à ce que les notes MIDI se chevauchent légèrement dans Ableton et utilisez un synthétiseur avec un réglage de glide ou de portamento pour assurer une transition en douceur entre les notes. Lorsque vous utilisez un clip midi, il y a une option Legato qui étire toutes les notes jusqu’à leur option la plus longue jusqu’à ce qu’elles rencontrent une autre note.

Dans VCV Rack, vous pouvez utiliser une enveloppe plus longue pour le decay et le sustain, avec un module de portamento pour des transitions de hauteur en douceur.

Quand et pourquoi l’utiliser : Cela peut être utile pour les mélodies chargées, les pads, les notes de synthé plus longues qui créent un arrière-plan agréable ou la première partie d’un morceau.

 

Accent : Dans Ableton, vous pouvez augmenter la vélocité de certaines notes MIDI pour créer des accents. Vous pouvez également automatiser le volume ou utiliser un plugin de mise en forme des transitoires (transient shaper). Dans VCV Rack, utilisez un module séquenceur de vélocité pour moduler l’amplitude ou le cutoff du filtre pour les notes accentuées. J’aime imaginer

Quand et pourquoi l’utiliser : Comme nous l’avons dit, il est utile dans un groove, mais il peut aussi être utilisé sporadiquement dans une chanson pour créer un impact dramatique avec une sensation d’impact lourd.

 

Tenuto : Emulez le tenuto dans Ableton en allongeant légèrement la longueur des notes MIDI et en utilisant une légère augmentation de la vélocité. Dans VCV Rack, une combinaison de temps de gate plus longs et de modulation d’amplitude subtile peut aider à obtenir cette emphase soutenue.

Quand et pourquoi l’utiliser : Les petits arpèges sont très utiles pour apporter des mélodies secondaires, qui renforcent ou soutiennent la mélodie principale, ou simplement pour ajouter un élément décoratif.

 

Marcato : Pour le marcato, augmentez considérablement la vélocité dans Ableton et envisagez d’utiliser une attaque plus nette sur votre enveloppe. Dans VCV Rack, utilisez une combinaison de réglages de vélocité élevés et un générateur d’enveloppe avec une attaque rapide et un decay modéré.

Quand et pourquoi l’utiliser : Une attaque plus vive sur un son le rend un peu plus agressif, mais c’est aussi un autre moyen d’induire un effet dramatique et de l’intensité dans une mélodie.

 

Fermata : Il s’agit davantage de l’expression d’une performance. Dans Ableton, vous pouvez allonger la durée d’une note où se produit une fermata et peut-être automatiser une légère augmentation du volume ou de la réverbération. Dans VCV Rack, vous pouvez contrôler manuellement la durée d’une note à l’aide d’un gate ou d’un module de maintien (hold).

Quand et pourquoi utiliser : Il s’agit d’une autre façon

 

Portato : Combine les techniques du staccato et du legato. Dans Ableton, cela peut signifier programmer des notes MIDI d’une longueur modérée et se chevauchant légèrement, et utiliser un synthé avec un peu de glide. Dans VCV Rack, configurez une enveloppe avec un decay modérément rapide et un peu de sustain, avec un léger glide entre les notes.

Glissando : Dans Ableton, vous pouvez utiliser l’automatisation du pitch bend ou un réglage de glide/portamento sur un synthétiseur. Dans VCV Rack, utilisez un module de portamento ou de glide et créez une séquence dans laquelle le pitch CV passe en douceur d’une note à l’autre.

Trille : Dans Ableton, programmer une alternance rapide entre deux notes MIDI. Vous pouvez également utiliser un arpégiateur réglé sur un taux élevé. Dans VCV Rack, utilisez un LFO rapide ou un séquenceur pour alterner rapidement entre deux hauteurs.

 

Exercices et applications

  1. Expérimenter avec la vélocité : Dans Ableton et VCV Rack, jouez avec la vélocité de chaque note. Remarquez comment le fait de changer la force derrière une note modifie l’émotion et l’énergie de votre boucle.
  2. Modifier la longueur des notes : essayez de raccourcir et d’allonger les notes de votre boucle. Observez comment ces changements affectent le rythme et le flux.
  3. Utiliser l’automatisation pour la dynamique : Automatisez le volume, les filtres ou les effets pour ajouter du mouvement et de la vie à vos boucles.
  4. Superposer différentes articulations : Superposez des boucles avec différentes articulations. Par exemple, combinez une ligne de basse staccato avec une mélodie principale legato.
  5. Jouer avec les effets : Utilisez les effets de réverbération, de delay et de modulation pour améliorer vos articulations. Une note staccato avec une traînée de réverbération peut créer une sensation tout à fait différente.
  6. Transformer vos boucles : Prenez une boucle simple et créez plusieurs variations, chacune avec un style d’articulation différent. Cette pratique permet non seulement d’améliorer vos compétences, mais aussi de disposer de beaucoup de matériel pour travailler avec. Je le fais souvent pour les effets, mais vous pouvez également le faire avec des notes midi.

En incorporant ces articulations dans votre production musicale, même les boucles les plus simples peuvent se transformer en boucles complexes et émotives.

Exploration technique des arpèges

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Dans le vaste monde de la musique, les arpèges font partie intégrante de la composition, comblant le fossé entre l’harmonie et la mélodie. En comprenant leurs racines, il est possible d’apprécier l’effet profond qu’ils ont eu sur la musique électronique moderne.

Origine des arpèges

Un arpège, dérivé du mot italien « arpeggiare« , qui signifie « jouer sur une harpe », désigne le fait de jouer les notes individuelles d’un accord de manière consécutive plutôt que simultanée. Historiquement, les arpèges trouvent leur origine dans la musique classique. Les guitaristes, pianistes et harpistes classiques les utilisent fréquemment pour exprimer mélodieusement les progressions d’accords.

D’un point de vue fonctionnel, un arpège peut transmettre l’essence d’un accord tout en apportant du mouvement. Il sert de pont entre l’harmonie, où les notes sont jouées simultanément, et la mélodie, où les notes sont jouées de manière séquentielle. Cet effet de pont confère une texture plus riche aux compositions, permettant une transition plus douce entre les sections harmoniques et mélodiques.

 

Arpèges dans la musique électronique

 

Avec l’évolution de la musique électronique, les arpèges ont trouvé une nouvelle plateforme d’exploration. Lorsque les synthétiseurs ont commencé à être commercialisés, ils comprenaient le plus souvent un arpégiateur interne. Même les options plus petites comme les Casios en avaient un simple. Les synthétiseurs, avec leur capacité à façonner et à moduler le son, constituaient l’outil idéal pour repousser les limites des arpèges traditionnels.

 

  1. Synthétiseurs et arpégiation : De nombreux synthétiseurs, qu’ils soient matériels ou logiciels, sont dotés d’arpégiateurs intégrés. Ces outils créent automatiquement des arpèges en fonction des notes jouées et des paramètres définis par l’utilisateur. Des paramètres tels que la direction (haut, bas, haut-bas), la gamme (nombre d’octaves couvertes) et le motif (la séquence rythmique de l’arpège) peuvent être réglés pour obtenir des effets tonaux spécifiques.
  2. Plug-ins d’arpège : Au-delà des capacités intégrées du synthétiseur, il existe des plug-ins logiciels autonomes dédiés à l’arpégation avancée. Ces outils offrent un contrôle étendu sur le comportement de l’arpège et peuvent être intégrés dans des stations de travail audio numériques (DAW). Ils sont souvent fournis avec des bibliothèques de modèles, ce qui donne aux producteurs un point de départ qu’ils peuvent ensuite peaufiner.
  3. Séquencement d’arpèges : Les séquenceurs, que l’on trouve généralement dans les boîtes à rythmes et les DAW, permettent de programmer des notes dans une séquence spécifique. Cette technique offre une approche manuelle de l’arpégiation, ce qui permet d’obtenir des motifs uniques et complexes qui dépassent les capacités des arpégiateurs traditionnels.

Lorsque les musiciens essaient un synthé pour la première fois, ils testent à un moment donné l’arpégiateur. Dans les années 70 à 90, la musique électronique utilisait plus souvent qu’à son tour des arpèges. Il pouvait s’agir de la basse ou de l’accroche principale.

L’impact sur la musique électronique

 

Dans la musique électronique, les arpèges apportent souvent une dynamique rythmique et une structure mélodique, en particulier dans des genres tels que la trance, la techno et la synthwave. La nature répétitive de ces genres se marie bien avec les motifs cycliques des arpèges.

 

En outre, grâce aux capacités d’élaboration du son des synthétiseurs, la qualité tonale des arpèges peut être manipulée. En modulant des aspects tels que les filtres, la résonance et les paramètres d’enveloppe en temps réel, les arpèges peuvent évoluer et se transformer tout au long d’une piste, ajoutant ainsi un intérêt dynamique.

Un aspect fascinant de la musique électronique réside dans le fait que nombre de ses mélodies sont construites à partir de séquences qui peuvent être reproduites efficacement à l’aide d’un arpégiateur. Il ne s’agit pas d’une simple coïncidence. La musique électronique, avec ses structures répétitives et l’accent mis sur l’évolution timbrale, privilégie souvent les motifs mélodiques linéaires et cycliques. Un arpégiateur excelle dans ce domaine, offrant une approche systématique de la création de ces mélodies.

Prenons l’exemple des morceaux électroniques classiques : nombre d’entre eux présentent des mélodies qui tournent autour d’un schéma de notes défini, évoluant davantage par la manipulation du son (comme les balayages de filtre ou les changements de résonance) que par la variation des notes. Cette approche fournit une base cohérente sur laquelle le reste de la piste peut évoluer, permettant à d’autres éléments, comme le rythme et l’harmonie, de jouer un rôle plus dynamique.

Motifs parallèles et modulés

 

1. Arpèges parallèles :

  • Méthode : Commencez par régler deux arpégiateurs avec la même entrée de note, mais réglez l’un d’eux pour qu’il fonctionne dans une plage d’octave plus élevée que l’autre. Vous obtiendrez un motif mélodique harmonisé où les deux arpèges joueront en tandem, produisant un son plus riche.
  • Expérience : Modifiez légèrement le rythme ou la longueur du gate d’un arpégiateur. Cela introduit un effet de déphasage, où les deux arpèges se synchronisent et se désynchronisent, créant une tension et un relâchement rythmiques. Une autre expérience amusante consisterait à créer une macro à partir d’un arpège, ce qui permettrait de disposer d’un outil parallèle. Assurez-vous que votre instrument de réception est polyphonique, car il y aura beaucoup de notes. Je recommande d’essayer les arpèges à différentes vitesses avec un modificateur de hauteur/octave pour qu’ils jouent des notes de différentes octaves.

 

2. Arpèges côte à côte se modulant l’un l’autre :

  • Méthode : Utilisez la sortie d’un arpégiateur pour moduler les paramètres d’un second arpégiateur ou de son synthétiseur associé. Par exemple, vous pouvez régler la sortie de vélocité de l’Arpégiateur A pour contrôler la coupure du filtre ou la résonance du synthé de l’Arpégiateur B.
  • Expérience : Introduisez un LFO (Low-Frequency Oscillator) lent pour moduler un paramètre de l’arpégiateur A (comme son taux/vitesse). Les modulations affectant l’Arpégiateur B changeront au fil du temps, introduisant une dynamique évolutive dans le morceau. J’aime que le premier Arp soit lent et aléatoire et que le second soit plus rapide, avec des notes plus aiguës.

Power user super combo

 

 

 

 

 

 

CONSEIL : les arpégiateurs deviennent très puissants si vous utilisez l’outil Expression Control afin de pouvoir moduler le gate, les pas, la vitesse et la distance. Cette méthode permet d’obtenir des idées d’accroches en quelques minutes.

Plug-ins

Il existe de nombreux plugins qui peuvent être de bonnes alternatives à l’arpège habituel de votre DAW. Il est toujours bon d’avoir des plug-ins tiers pour sortir du son générique du DAW.

Stepic

Il s’inspire des différentes options modulaires existantes. Elles sont toutes regroupées dans un plug-in qui fait un peu ce que de nombreux outils gratuits font comme Snake, mais bien sûr, la note de base jouée influencera la séquence, ce qu’un outil comme Snake ne fait pas. Stepic est souvent utilisé en ligne dans les tutoriels de création de musique Ambient. Il est idéal pour créer des mélodies génératives et psychédéliques.

 

Cthulhu

Tout ce que font les gars de Xfer est toujours solide et bien pensé. Celui-ci ne déroge pas à la règle. Grâce aux nombreux presets existants, vous pouvez également modifier votre propre séquence de manière aléatoire et rapide.

 

Seqund

AlexKid a créé de nombreux outils pour Ableton Live et chacun d’entre eux a trouvé sa place dans le flux de travail de nombreuses personnes, que ce soit pour commencer une idée ou en arranger une. Celui-ci est similaire à Stepic d’une certaine manière, mais avec un flux de travail différent. L’interface est plus propre et plus facile à lire que Stepic, ce qui en fait un outil rapide pour ajouter des mélodies décoratives ou des lignes de basse simples. Le randomiseur dispose d’options intéressantes pour contrôler ses résultats.

 

Conclusion

Depuis leurs origines dans les expressions classiques jusqu’à leurs applications modernes dans la musique électronique, les arpèges sont restés un outil incontournable pour les musiciens. Grâce aux synthétiseurs et aux plug-ins, les producteurs de musique électronique disposent d’une vaste palette pour expérimenter et innover. Au fur et à mesure que la technologie progresse, il est certain que l’utilisation et l’évolution des arpèges dans les paysages électroniques continueront à captiver et à inspirer.

Formes de LFO : Un guide de modulation du son avec différentes formes d’ondes

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Êtes-vous arrivé au point où vous avez joué avec de nombreux échantillons (samples) et où vous avez envie de les retoucher un peu pour leur donner du caractère?

Comme vous le savez, j’enseigne la production musicale et le « niveau 1 » de la production musicale consiste à jouer avec des échantillons, des boucles et à les transformer en chansons. Une fois que vous aurez acquis une certaine aisance, vous pourrez commencer à peaufiner ces échantillons. Mais par où commencer?

Le principal problème des échantillons est qu’ils sont… morts. Par mort, je veux dire qu’ils sont statiques parce qu’ils ont été enregistrés et que s’ils sont joués en boucle, il n’y aura aucune variation, aucun changement. Sur le plan musical, cette répétition peut être difficile à écouter, car le cerveau s’agace d’une idée qu’il a comprise parce qu’il s’attend à ce qu’elle change. Pour les personnes souffrant de TDAH, cela peut même être une torture et comme beaucoup de musiciens souffrent de cette maladie, on peut s’attendre à ce qu’ils veuillent que quelque chose se passe.

 

« Je crains que l’auditeur s’ennuie avec ma chanson » est un obstacle que j’entends souvent lorsque je forme des gens.

 

La réponse à cette question est de se plonger dans la conception sonore (sound design). L’un des principaux points est d’apprendre à entendre les changements dans le son, car c’est le mouvement qui fait qu’un son évolue constamment. Il existe deux grands types de mouvements : ceux qui sont synchronisés avec un tempo et ceux qui ne le sont pas.

 

En ce qui concerne la manière d’apporter du mouvement à votre musique, parlons d’un outil dont j’abuse et dont je ne pourrais pas me passer : les oscillateurs à basse fréquence (Low Frequency Oscillators, LFO)..

 

Pourquoi les utiliser?

Un oscillateur à basse fréquence (LFO) est un composant fondamental dans le domaine de la synthèse audio et de la modulation sonore. Fonctionnant à des fréquences inférieures à la gamme des sons audibles, un LFO génère des formes d’ondes qui servent de signaux de contrôle plutôt que de sources sonores proprement dites. Ces formes d’onde (sinusoïdales, triangulaires, carrées, en dents de scie et aléatoires) fluctuent de manière répétitive et influencent divers paramètres du son, notamment la hauteur, l’amplitude et le timbre. En conférant des changements rythmiques ou cycliques à ces paramètres, les LFOs insufflent de la vie aux sons statiques, leur apportant du mouvement, de la texture et de la complexité. Largement utilisés dans la production de musique électronique et la conception sonore, les LFO sont des outils essentiels pour façonner les paysages sonores, ajouter de la dynamique et créer des motifs évolutifs qui captivent l’oreille de l’auditeur.

Lorsque vous écrivez vos idées/mélodies, vous pouvez dessiner votre automation pour plus de précision, mais l’idée d’utiliser des LFO est de déléguer certains mouvements à la machine. Les mouvements rapides apporteront des textures, tandis que les mouvements lents brouilleront les frontières entre le début et la fin de la modulation. Les mouvements avec une vitesse moyenne permettent de repérer les changements au niveau de l’oreille.

LFO

Dans cet article de blogue, nous allons nous plonger dans le monde des formes de LFO et leur influence sur le design sonore. Nous explorerons les caractéristiques de différentes formes d’ondes de LFO et la façon dont elles sonnent lorsqu’elles sont utilisées pour moduler un filtre, à la fois dans des scénarios de modulation rapide et lente. À la fin de ce guide, vous comprendrez mieux comment utiliser des formes de LFO spécifiques pour obtenir les effets sonores souhaités.

Utilisations du mouvement :

 

1. Onde sinusoïdale : Douce et subtile

L’onde sinusoïdale est la forme d’onde la plus simple et la plus fondamentale, produisant une oscillation douce et graduelle. Lorsqu’elle est appliquée pour moduler un filtre, une onde sinusoïdale peut créer des changements doux et subtils dans le son. Avec un taux de modulation lent, il confère au son une qualité apaisante, proche de la respiration. À mesure que le taux de modulation augmente, le son devient plus prononcé, ajoutant une sensation de mouvement sans être trop agressif.

 

Les mouvements sinusoïdaux sont également les plus proches de la nature.

  • Onde sinusoïdale : L’essence de la douceur

L’onde sinusoïdale est une forme d’onde fondamentale qui ressemble beaucoup aux oscillations naturelles que l’on trouve dans divers phénomènes, du mouvement des pendules aux ondes sonores. Ses pics et ses creux lisses et arrondis reproduisent le comportement de nombreux processus naturels, ce qui lui confère une élégance organique.

  • Contenu harmonique et complexité :

L’onde sinusoïdale a le contenu harmonique le plus simple de toutes les formes d’onde. Il s’agit d’une fréquence unique sans harmoniques supplémentaires. Ce manque de complexité contribue à sa qualité naturellement apaisante et douce. Lorsque l’onde sinusoïdale est utilisée comme forme de LFO pour moduler un filtre, elle confère au son un mouvement progressif, presque continu. Cette caractéristique s’apparente aux changements subtils de la nature, tels que le doux flux et reflux des vagues ou les changements progressifs de la configuration du vent.

  • Emulation de phénomènes naturels :

De nombreux sons naturels, tels que le gazouillis des oiseaux, le bruissement des feuilles et même les vocalisations humaines, présentent un certain niveau de douceur et de continuité dans leurs vibrations. En utilisant une forme de LFO à onde sinusoïdale, vous imitez essentiellement ces modèles de mouvement naturels. Les sons synthétisés semblent ainsi plus en phase avec l’environnement, ajoutant une touche organique qu’il est souvent difficile d’obtenir avec des formes d’onde plus complexes.

  • Dynamiques subtiles :

La modulation lente et graduelle offerte par un LFO à onde sinusoïdale peut être comparée à la subtilité des changements de la nature. Pensez à la façon dont le lever et le coucher du soleil ou les changements de saison entraînent des transformations qui sont douces mais perceptibles au fil du temps. De même, l’utilisation d’un LFO à onde sinusoïdale peut introduire une dynamique subtile dans vos paysages sonores, créant une impression d’environnements évolutifs qui sont familiers et apaisants pour l’oreille.

  • Esthétique organique :

Lors de la création de musique ou de paysages sonores, une esthétique organique peut être particulièrement attrayante. Elle résonne avec les auditeurs à un niveau subconscient, invoquant un sentiment de calme et de confort. En utilisant les qualités sonores naturelles d’un oscillateur sinusoïdal comme forme de LFO, vous conférez à vos compositions un élément d’authenticité qui peut renforcer leur impact émotionnel.

La douceur innée, la simplicité harmonique et la ressemblance avec les phénomènes naturels font de l’onde sinusoïdale un outil puissant pour créer des modulations organiques et naturelles. En incorporant des LFO en forme d’onde sinusoïdale dans votre conception sonore, vous puisez dans l’essence de la subtilité et de la fluidité de la nature, ce qui confère à vos compositions une qualité plus authentique et une résonance plus émotionnelle. La musique électronique étant souvent froide et très artificielle, l’inclusion de quelque chose de plus organique peut constituer un contraste agréable.

 

2. Onde triangulaire : Équilibrée et polyvalente

L’onde triangulaire combine la douceur de l’onde sinusoïdale avec des contours plus définis. Cette forme d’onde est souvent utilisée pour obtenir un effet de modulation équilibré. Lorsque l’on module un filtre avec une onde triangulaire, on obtient un son qui évolue progressivement entre ses points les plus hauts et les plus bas. À faible vitesse, elle crée des textures évolutives et, à vitesse élevée, elle confère une qualité rythmique sans être trop brusque.

 

3. Onde en dents de scie : Construction et dynamique

L’onde en dents de scie a un bord ascendant abrupt et un bord descendant doux. Lorsqu’elle est utilisée pour moduler un filtre, elle produit un effet de construction et de dynamique. À des taux de modulation lents, l’onde en dents de scie peut créer un effet de balayage, ouvrant et fermant progressivement le filtre. Lorsque le taux de modulation augmente, elle génère un mouvement agressif et percutant, idéal pour créer des transitions dramatiques ou faire évoluer les textures.

 

4. Onde carrée : Intensité On-Off

L’onde carrée alterne entre deux niveaux, créant un effet de pulsation on-off. Lorsqu’elle est appliquée à la modulation du filtre, elle introduit une qualité rythmique distincte dans le son. À faible vitesse, elle produit un effet de gate, avec un fondu on-off. Au fur et à mesure que le taux de modulation augmente, l’onde carrée génère un rythme pulsé clair, qui permet d’ajouter une complexité rythmique au son.

Comme toute forme de LFO, vous pouvez jouer avec la profondeur de sa sortie (output depth). Si vous maintenez une faible profondeur pour une forme carrée, vous obtiendrez une belle variation, mais en deux étapes.

 

5. Ondes aléatoires/bruits : Chaotiques et expérimentales

La forme d’onde aléatoire ou bruit introduit un élément de chaos et d’imprévisibilité dans la modulation. Lorsque l’on module un filtre, cela crée un sentiment d’aléatoire et de texture. À des rythmes plus lents, ces ondes peuvent ajouter une subtile couche de complexité au son, en imitant les variations naturelles. À des vitesses plus élevées, elles produisent un effet glitchy et expérimental, ce qui les rend parfaites pour créer des paysages sonores uniques.

Je recommande l’utilisation d’onde aléatoire pour les sons que vous ne voulez jamais voir identiques deux fois, comme la vélocité d’un son, la longueur d’une percussion, la tonalité d’un pad. C’est très utile pour ajouter des variations, lentes ou rapides.

ASTUCE : Utilisez l’option Smooth pour obtenir des changements moins brusques.

 

6. Sortie binaire : Langage informatique

Lorsque j’ai mis à jour mes connaissances en septembre 2021, la forme « Binary » (Binaire) d’Ableton Live pouvait faire référence à un dispositif, une fonctionnalité ou un concept spécifique introduit après cette date. Cependant, si nous discutons d’une fonctionnalité liée aux opérations ou à la manipulation binaires, voici une explication générale de la manière dont les opérations binaires peuvent être utilisées dans un contexte de production musicale :

1. Opérations binaires :

Les opérations binaires impliquent la manipulation de données binaires, qui consistent en des séquences de 1 et de 0. Dans les logiciels de production musicale comme Ableton Live, les opérations binaires peuvent être utilisées pour générer des motifs rythmiques, créer des variations et ajouter de la complexité à votre musique. Elles peuvent être particulièrement utiles pour créer des rythmes glitchy, syncopés ou expérimentaux.

2. Step Sequencers et rythmes binaires :

Les séquenceurs pas à pas (step sequencers) sont couramment utilisés pour créer des motifs de notes ou d’événements dans le temps. Dans le contexte de la production musicale, un séquenceur binaire peut vous permettre d’activer ou de désactiver des pas, créant ainsi un motif binaire. Chaque pas représente un chiffre binaire (1 ou 0), qui correspond à une note ou à un événement actif ou inactif.

Par exemple, si vous avez un schéma binaire de « 101010 », il peut se traduire par un rythme répétitif de long-court-long-court-long-court dans un contexte musical. Cela peut être un excellent moyen de générer des rythmes intéressants et irréguliers qui s’écartent des motifs quantifiés traditionnels.

3. Création d’effets de glitch :

La manipulation binaire peut également être utilisée pour créer des effets de glitch. En activant et désactivant certains paramètres, vous pouvez introduire des variations inattendues et imprévisibles dans vos sons. Ceci est particulièrement utile pour les genres tels que le glitch, l’IDM et la musique électronique expérimentale.

4. Conception sonore :

L’intégration de motifs binaires dans votre conception sonore peut donner lieu à des textures et des timbres uniques. Vous pouvez utiliser des motifs binaires pour moduler divers paramètres de vos synthétiseurs et effets, produisant ainsi des sons évolutifs et dynamiques.

5. Automation et contrôle :

Si Ableton Live a lancé une fonction nommée « Binary », elle pourrait également impliquer l’automation binaire, où vous pouvez utiliser des motifs binaires pour automatiser divers paramètres dans votre projet. Cela pourrait ajouter une couche de complexité et de mouvement à votre musique au fil du temps.

Mes connaissances étant basées sur les renseignements disponibles en date de septembre 2021, je recommande de consulter la documentation officielle, les guides d’utilisation ou les ressources en ligne d’Ableton Live pour obtenir les renseignements les plus récents et les plus exacts sur la fonctionnalité « Binary » d’Ableton Live. Vous y trouverez des instructions pas à pas sur la manière de l’utiliser efficacement dans votre flux de production musicale.

 

CONSEIL : Pour mieux comprendre comment une modulation affecte le son, associez le LFO à un Utility afin d’entendre la modulation d’amplitude (volume), qui est plus facile à entendre car elle est très évidente.

 

 

LFO modulé par un LFO

Le concept consistant à utiliser un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO est une technique amusante qui permet d’obtenir des motifs de modulation complexes et non linéaires. Voyons comment cela fonctionne et pourquoi cela conduit à des résultats non linéaires :

 

Principes de base de la modulation LFO :

Les oscillateurs à basse fréquence (LFO) sont généralement utilisés pour moduler des paramètres tels que la hauteur, l’amplitude, la coupure du filtre, etc. Ils génèrent des formes d’ondes à des fréquences inférieures à celles du son audible, ce qui entraîne une modulation dans le temps. Ces formes d’onde comprennent les ondes sinusoïdales, triangulaires, en dents de scie, carrées et aléatoires, chacune ayant des caractéristiques uniques.

Modulation de la vitesse du LFO :

Lorsque vous utilisez un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO, vous introduisez une couche de complexité dans le processus de modulation. Au lieu d’affecter directement le paramètre sonore lui-même, vous modifiez la vitesse à laquelle un autre LFO oscille. Cela signifie que le taux de variation de la modulation devient variable et dynamique.

Avez-vous déjà entendu le bruit d’une balle qui rebondit? Cette technique permet d’atteindre cet objectif.

 

Effets non linéaires :

La clé pour comprendre les effets non linéaires réside dans la manière dont les taux de modulation interagissent. Lorsqu’un LFO module la vitesse d’un autre LFO, le motif de modulation résultant devient complexe et moins prévisible qu’une simple modulation linéaire.

Considérons le scénario suivant : Supposons qu’un LFO (LFO1) module la vitesse d’un second LFO (LFO2). Lorsque le LFO1 varie sa vitesse, il introduit des fluctuations dans la vitesse à laquelle le LFO2 module le paramètre cible. Il en résulte une interaction complexe des vitesses de modulation qui peut conduire à des résultats inattendus et non linéaires.

Par exemple, si le LFO1 oscille entre des vitesses rapides et lentes, la modulation du LFO2 s’accélère et se ralentit en conséquence, ce qui entraîne des modèles de modulation irréguliers et évolutifs. Ces irrégularités créent un sentiment d’imprévisibilité et de complexité dans la modulation, ce qui peut ajouter une saveur unique et expérimentale à votre conception sonore.

Applications :

  • Texture et mouvement : La modulation de la vitesse d’un LFO avec un autre LFO peut ajouter des couches de texture et de mouvement à vos paysages sonores. Le changement constant des taux de modulation permet de créer des textures sonores complexes qui évoluent avec le temps.
  • Rythmes dynamiques : La modulation non linéaire introduite par cette technique peut donner lieu à des rythmes dynamiques et évolutifs. C’est un excellent moyen d’injecter de la complexité rythmique dans votre musique, idéal pour les genres tels que l’IDM, l’ambient et la musique expérimentale.
  • Conception sonore expérimentale : Si vous souhaitez obtenir des sons expérimentaux ou d’un autre monde, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO peut conduire à des résultats non conventionnels et imprévisibles qui peuvent faire sortir votre conception sonore du lot.

En résumé, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO introduit une couche de complexité et d’imprévisibilité dans vos schémas de modulation. Cette technique permet d’obtenir des résultats non linéaires riches en textures, en mouvements et en rythmes dynamiques. C’est un outil puissant pour les concepteurs sonores qui cherchent à repousser les limites de la modulation conventionnelle et à créer des paysages sonores uniques.

ASTUCE : Le nombre de LFO à utiliser dans un projet n’est pas important. Mais vous obtiendrez plus de cohésion si vous utilisez quelques « LFO maîtres » qui contrôlent plusieurs paramètres dans le morceau, car ils déplaceront tous les éléments ensemble, créant ainsi un effet orchestral.

 

Les LFO comme mélodies et outils de composition

 

Il est certain que les LFO combinés à un module sample and hold dans le monde des synthétiseurs modulaires peuvent produire des mélodies intrigantes et uniques. Le type de forme d’onde LFO utilisé en conjonction avec le module de sample and hold influence directement le caractère des mélodies générées.

Si vous regardez une mélodie sur le piano roll, vous verrez que les notes montent et descendent, ou montent puis descendent. Ce sont les formes que peut prendre un LFO.

Comment le paramétrer?

Envoyez la sortie du LFO vers un Sample and hold. Il est possible d’appuyer sur le sample & hold au moment où l’on souhaite qu’une note soit jouée. Le sample and hold examine les données envoyées par le LFO au moment où il a été sollicité, puis émet la note qui peut être envoyée à un oscillateur.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voyons comment différentes formes de LFO contribuent à des types de mélodies spécifiques :

1. LFO en dents de scie : Mélodies ascendantes progressives

L’utilisation d’un LFO en dents de scie avec un module Sample and Hold permet de créer des mélodies qui montent progressivement. Lorsque le LFO en dents de scie monte en puissance, il déclenche le sample and hold pour capturer et maintenir la tension à des points spécifiques. La mélodie qui en résulte a un caractère ascendant, en escalier, chaque note étant légèrement plus haute que la précédente. Cette combinaison est bien adaptée pour créer de l’anticipation et de la tension dans une composition.

 

2. LFO carré : Motifs progressifs et rythmiques

Un LFO carré associé à un module Sample and Hold génère des mélodies rythmiques en escalier. La nature on-off de l’onde carrée provoque des changements brusques dans la tension échantillonnée, créant ainsi des pas distincts dans la mélodie. Lorsqu’il est utilisé à différents taux, le LFO carré confère une qualité rythmique aux mélodies, les rendant dansantes et syncopées.

 

3. LFO triangle : Mélodies douces et fluides

Un LFO triangulaire combiné à un module Sample and Hold produit des mélodies au caractère doux et fluide. La montée et la descente graduelles de la forme d’onde triangulaire influencent la tension échantillonnée, ce qui permet d’obtenir des mélodies qui passent d’une note à l’autre de manière moins abrupte que les ondes carrées ou en dents de scie. Cette combinaison est idéale pour créer des mélodies qui évoquent un sentiment de fluidité et de mouvement.

 

4. LFO aléatoire/bruit : Mélodies chaotiques et expérimentales

L’association d’un LFO aléatoire ou bruyant avec un module Sample and Hold permet d’obtenir des mélodies chaotiques et expérimentales. La nature imprévisible de la forme d’onde aléatoire amène le module Sample and Hold à capturer des tensions variables, ce qui donne lieu à des mélodies qui semblent errer de manière imprévisible. Cette combinaison est parfaite pour générer des mélodies avant-gardistes ou ambiantes qui remettent en question les attentes musicales traditionnelles.

 

5. LFO sinusoïdal : Mélodies sereines et éthérées

L’utilisation d’un LFO sinusoïdal avec un module Sample & Hold produit des mélodies sereines et éthérées. Les ondulations douces de la forme d’onde sinusoïdale se traduisent par de légères fluctuations de la tension capturée. Les mélodies qui en résultent sont subtiles et apaisantes, avec une qualité onirique qui convient bien aux compositions ambiantes ou méditatives.

 

Merci d’avoir lu mon hommage à un outil souvent négligé dans la musique et vous savez maintenant pourquoi je suis amoureux de toutes les possibilités qu’il offre.