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Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 5)

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Dans les quatre articles précédents sur jouer de la musique électronique live, j’ai parlé de tout ce que vous devez faire avant de jouer. Vient maintenant le moment de vérité, où vous êtes fondamentalement prêt. Ce post couvrira le dernier kilomètre de préparatifs, y compris la façon de faire une vérification du son (ce qui est essentiel pour jouer un set de qualité) et quelques conseils bonus sur les derniers trucs à faire avant d’appuyer sur le bouton play.

RÉGLAGES DU SON

Voici quelques conseils pour la préparation finale de vos sons :

  • Les clips n’ont pas besoin d’être parfaits ou masterisés.
  • Laissez tout avec beaucoup de headroom (marge de volume), nous parlons de -12 dB.
  • Le gain provient principalement de ce que vous avez sur le master (bus).
  • Les 5 premières minutes de votre live seront consacrées à la mise au point de votre son.
POURQUOI LES CLIPS N’ONT-ILS PAS BESOIN D’ÊTRE PARFAITS?

C’est un peu difficile à expliquer, mais je vais rester simple. Un traitement excessif de votre son peut s’avérer horriblement mauvais dans une salle de concert, et si c’est le cas, il n’y aura pas de retour en arrière. Je préfère avoir quelque chose d’imparfait et l’ajuster pendant la balance (sound check) jusqu’à ce que ça soit propre. Si vous faites plusieurs concerts, cela vous permet également d’avoir différentes options pour différentes salles. Jouer sur un très petit système de son par rapport à un festival en plein air aura une sensation totalement différente et vous devrez peut-être utiliser votre compression/égalisation différemment.

DES CLIPS AVEC DU HEADROOM FERONT L’AFFAIRE.

Une des choses que les gens ne remarquent pas, c’est que pour certains sons, les pistes peuvent ne pas sonner comme en studio et donc, dans un contexte live, vous aurez besoin d’augmenter le gain sur certains éléments auxquels vous ne vous attendiez pas. Honnêtement, il est plus important d’avoir un son correct par rapport à un son fort, ce qui signifie que vous devez être précis dans tous vos ajustements sonores et trouver un équilibre. Cela signifie également que si un son doit être encore plus fort que les autres, en laissant du headroom, vous aurez de l’espace pour pousser votre fader vers le haut. Si tout est au maximum, vous n’aurez que peu d’espace pour travailler, ce qui n’est pas pratique. N’hésitez pas à regarder les indicateurs de chaque piste pour vous assurer qu’ils sont à niveau. Même si ce n’est pas la meilleure façon de l’expliquer, ce sera toujours utile et si vous êtes stressé, vous apprécierez ce conseil rapide concernant le gain. Il y a aussi deux choses que vous pouvez faire :

  • Un compresseur dans un bus Send pour toutes les pistes ayant besoin d’un boost. Faire en sorte que le compresseur soit agressif avec un ratio élevé, mais une attaque lente. Envoyez selon les besoins de chaque piste.
  • Rooter les pistes vers un « bus groupé ». Au lieu d’envoyer une piste dans le Master, faites-la passer sur une autre piste qui agira comme un bus. J’aime en avoir 3 : basse, mediums, aigus. Chaque piste de groupe ayant une compression et un égaliseur supplémentaires. De plus, vous pouvez rapidement ajuster la tonalité de votre set avec ces faders. Tous ces bus vont ensuite dans le Master.
LE BUS MASTER FERA LE TRAVAIL

Sur le dernier bus, j’aime avoir un limiteur qui boostera suffisamment le signal entrant pour voir pomper avec une réduction de gain d’environ -2 dB. Il se peut donc que vous deviez ajouter +6 dB au gain par exemple. De cette façon, vos faders de piste pourraient, au début, n’être qu’à 3/4 ou à la moitié, mais vous aurez aussi assez d’espace pour booster jusqu’à zéro. N’utilisez pas Ozone ou d’autres aides « rapides » au mastering à moins que vous ne sachiez vraiment ce que vous faites. Je vous encourage à utiliser un EQ shelf juste avant le limiteur. L’égaliseur 3 bandes d’Ableton fera l’affaire, mais il y en a d’autres que vous pouvez utiliser. L’idée d’un égaliseur shelf est d’ajuster rapidement les différentes zones de fréquence.

CONSEIL : Comment savoir ce qu’il faut ajuster ? Disons que vous sentez qu’il n’y a pas assez de basses (Kick/Bass), réduisez les médiums, puis augmentez le gain du Limiter. N’augmentez pas les basses !!

RÉGLAGE DE VOTRE SON AU COURS DES 5 PREMIÈRES MINUTES

Je trouve que la meilleure façon de trouver mes niveaux est de prendre mon temps dans l’intro de mon set et de rentrer lentement en fondu des éléments tels que le kick, la mélodie, etc. Vous pouvez les amener à un niveau qui ressemble à ce que vous connaissez bien. Il est important de passer du temps dans le booth ou sur la scène avant de jouer pour connaître les niveaux des différents éléments de la salle. J’aime aussi aller dans la zone de foule pendant cinq minutes pour voir comment ça sonne, puis retourner dans le booth pour voir comment les niveaux se traduisent. Parfois, sur la piste de danse, vous avez les aigus perçant alors que ce n’est pas le cas sur la scène ou vice versa. C’est une leçon super importante sur la façon dont vous mixez à la maison et comment cela se traduit en dehors.

SOUND-CHECK

OK, alors maintenant que vous êtes sur place, on vous a donné l’occasion de faire une vérification du son. Parfois, vous n’aurez pas ce luxe, alors soyez reconnaissant si vous le pouvez. Pour tirer le meilleur parti de cette expérience, concentrez-vous sur le branchement de votre interface audio pour qu’elle soit prête à fonctionner et ne vous préoccupez pas tant d’avoir tout votre setup installé. Cela peut arriver de devoir débrancher ou déplacer certaines choses par manque de place. J’ai appris que laisser traîner du matériel peut aussi être une mauvaise idée, car j’ai vu des gens renverser des boissons ou même du matériel volé. Quoi qu’il en soit, voici les principaux points de la phase un de votre sound-check :

  1. Au préalable, sauvegardez votre set de façon à ce que, lorsque vous appuyez sur play, le moment le plus intense de votre set soit joué. Très probablement, le technicien son demandera cela pour commencer et j’aime être prêt à envoyer quand j’arrive et que je suis branché. Son premier intérêt sera de voir comment il a besoin d’ajuster le limiteur du sound system pour votre son et il pourrait aussi faire une courbe d’égalisation rapide.
  2. Si vous êtes branché à une table de mixage DJ sur la scène, votre première chose sera de vous assurer que votre piste est réglée sur « Line in », puis d’augmenter le gain de celle-ci pour atteindre zéro et éviter de voir une indication de crête rouge (clip) à la fois sur la piste et sur le master.
  3. Assurez-vous de pouvoir contrôler le son du booth ou de la scène et mettez-le à un niveau confortable. Pendant votre set, il est important de le couper plusieurs fois pour voir ce qui se passe dans la foule.

Si votre son arrive jusqu’au système de son et que tout va bien, alors la première phase de votre test sonore est terminée. Le gain est généralement géré par le technicien et vous pouvez contrôler le gain supplémentaire si nécessaire.

Maintenant, phase deux de votre contrôle de son : les ajustements de tonalité.

« Comment puis-je savoir si mon son est correct ? »

Lorsque vous êtes à la maison, essayez de trouver une chanson dont vous savez qu’elle ressemble à ce que vous faites, et dont les niveaux sont équilibrés (par exemple, kick vs mids vs highs) et chargez-la dans une piste de votre set. La sortie de cette piste doit être réglée sur « External out » et non sur Master.

  1. Jouez la chanson de référence dans la salle et voyez comment elle sonne à la fois dans la cabine et sur la piste de danse. Prenez des notes mentales.
  2. Comparez votre sortie Master à cette référence d’abord dans le booth, puis sur la piste de danse.
    1. Le volume est-il plus ou moins le même ? Ajustez le limiteur, la compression.
    2. Certaines fréquences sont-elles nocives ? Ajustez l’égaliseur.
  3. Allez-y une chose après l’autre, jusqu’au cœur de chaque moment/chanson de votre set pour voir s’il n’y a pas de conflits de fréquences. Ma façon rapide de le faire est de toujours commencer par le kick pour m’assurer que tous les kicks sont au même niveau, puis la basse, la mélodie et les percussions. Vous voulez que tous les kicks soient très proches afin de ne pas avoir de mauvaises surprises lorsque vous passez d’une chanson à l’autre. Idem pour les autres éléments.

Vous êtes maintenant prêt à jouer. Donc, si le temps vous le permet, essayez de jouer rapidement entre chaque morceau. Voyez si quelque chose doit être ajusté.

ASTUCE : Vous pourriez par exemple voir que toutes vos percussions ont besoin d’une correction d’EQ. Vous pouvez ajouter un égaliseur sur la piste ou vous pouvez plus simplement geler et écraser cette piste avec l’EQ.

Et s’il n’y a pas de soundcheck ?

Si cela se produit et que cela signifie que la première phase n’est pas disponible. Le lieu peut vous demander de faire un « line-check », ce qui signifie que vous envoyez votre audio à la table de mixage et que le technicien s’en chargera. Il se peut que vous n’ayez pas de technicien et que vous deviez le faire vous-même sur la table de mixage. Assurez-vous que votre signal est à peu près le même que celui de la personne qui vous précède et… bonne chance !

CONSEILS DE DERNIÈRE MINUTE DE LA PART D’UN INTERPRÈTE EXPÉRIMENTÉ…..

Ce sont les choses que je fais toujours et qui m’ont pris du temps à comprendre, alors pensez à les utiliser pour plus de confort :

  • Soyez mentalement prêt à jouer une heure avant de jouer. Soyez autour du booth, assurez-vous que votre équipement est installé, testé et qu’il fonctionne correctement. À de nombreuses reprises, j’ai dû changer la cartographie de mes contrôleurs — Dieu sait pourquoi — donc il est bon d’avoir un peu de temps au cas où.
  • Passez un moment sans parler à personne au moins 15 minutes avant de jouer. Restez concentré.
  • Évitez les boissons à proximité de votre équipement. Vous savez pourquoi.
  • Avoir un ami pour filtrer et aider. J’aime avoir quelqu’un pour repousser les gens qui veulent vous parler pendant que vous jouez.
  • Apportez des câbles supplémentaires de tout : USB, des câbles audio et même un câble pour jouer à partir de votre carte son interne.
  • Si Ableton plante, ayez quelque chose de prêt à jouer dans iTunes pendant que vous redémarrez le programme.
  • Utilisez des protections auditives si vous le pouvez.

Faites-moi savoir si vous avez des questions et peut-être que j’écrirai une sixième partie sur les lives !

Créer un projet principal pour vous organiser

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Au fil des ans, j’ai parlé avec des dizaines et des dizaines de personnes d’horizons différents qui aimeraient commencer à produire de la musique, mais qui ne savent tout simplement pas par où commencer. D’un autre côté, si vous avez déjà créé de la musique, mais que dernièrement vous avez été submergé par trop de sons, trop de VSTs, et que vous êtes moins productif en studio, ce post est pour vous. Nous nous concentrerons sur comment créer un projet principal pour vous organiser dans vos sessions Ableton et vous permettra de passer un moment productif et efficace en studio.

POUR QUE VOTRE STUDIO SOIT PRODUCTIF ET AGRÉABLE, IL EST ESSENTIEL QUE VOUS SOYEZ ORGANISÉ ET QUE VOUS AYEZ UNE BONNE MAÎTRISE DE VOS SONS ET DE VOS OUTILS.

Les DJs qui ont écouté des centaines de morceaux de haute qualité, finement masterisés, se plaignent souvent que la qualité et le son de leurs premiers efforts en studio entrent en conflit avec le volume et le raffinement de la musique qu’ils ont l’habitude d’entendre. Cette frustration est prévisible, mais aussi évitable, et c’est l’une des raisons pour lesquelles j’encourage fortement les débutants à commencer par utiliser des boucles préfaites ou simplement remixer les pistes qu’ils ont déjà. Pour que les choses restent organisées et productives, sélectionnez seulement deux pistes avec le son et le style que vous souhaitez pour vos propres productions, et travaillez sur un seul projet à la fois.

En parlant de boucles achetées — Je veux démystifier le mythe ou l’opinion selon laquelle l’utilisation de boucles préfaites est de la tricherie. C’est 100 % faux, et contre-productif de penser cela.

JE CROIS QUE L’ÉTAT D’ESPRIT PARFAIT POUR ABORDER LA PRODUCTION MUSICALE RESSEMBLE BEAUCOUP À CELUI D’UN MODÉRATEUR, VOUS DEVEZ TRAVAILLER AVEC CE QUI EST DEVANT VOUS.

Cette idée exige beaucoup d’ouverture et d’humilité, mais l’utilisation de cette approche vous rendra beaucoup plus fort pour faire preuve de débrouillardise face à l’adversité.

L’Internet est une source inépuisable d’outils et d’options, et il est essentiel à un moment donné de tirer le meilleur parti du matériel dont vous disposez et d’arrêter de consommer des idées. Ma règle : ne jamais acheter une nouvelle VST tant que je n’ai pas parfaitement pris en main celles que j’ai déjà. Cela dit, si vous avez besoin d’un conseil pour vous aider à vous organiser, je vous recommande fortement de créer un projet Ableton principal qui sera votre vaisseau mère, votre compendium sonore, votre laboratoire personnel pour développer vos idées.

  • Acheter de nouveaux effets pour vos synthétiseurs : pour vraiment avoir un aperçu de ce que vos nouveaux effets peuvent faire, il suffit de les déposer dans une piste et d’expérimenter. Je vous recommande fortement d’enregistrer toute la session d’exploration sous forme de fichier .wav, mais aussi sous forme de session où l’automatisation et le mouvement des boutons seront enregistrés.
  • Rassembler les restes : chaque fois que vous finissez une chanson, il y aura des sons que vous n’avez pas utilisés. Vous pouvez les copier et les coller dans votre projet principal. L’utilisation de vos restes audio est une excellente façon de créer rapidement des idées de départ pour votre prochaine chanson.
  • Créer des macros : la création de macros peut prendre beaucoup de temps. Celles que j’utilise impliquent généralement une bonne utilisation des boutons de la macro, car lorsque j’enregistre une session, je peux simplement les déposer dans une piste et contrôler rapidement les paramètres en utilisant le PUSH et son excellente fonction d’automap.
  • Rassembler de nouveaux sons : parce que je n’ai pas le temps et l’énergie pour enregistrer tous les sons que je veux, je vais juste acheter les quelques sons dont j’ai besoin. J’achèterai aussi des sons que je n’ai pas les moyens de faire comme les sons d’un avion. Certains sons que vous utiliserez souvent seront un excellent investissement, mais il y en a aussi beaucoup qui sont disponibles gratuitement.
  • Construire des kits de batterie : domaine où je passe souvent beaucoup de temps. Quand je commence une idée, je veux être capable d’avoir une bonne combinaison de percussions. Avec l’énorme choix qui m’est offert, choisir le bon son peut prendre une éternité. Regardez cette super  video qui montre comment créer un outil pour tester plusieurs sons à la fois. C’est génial, mais vous devez quand même fabriquer vos propres kits.
  • Création de couches (layers) : C’est un peu la suite logique de l’astuce précédente. Une fois que vous avez plusieurs kits, vous pouvez les assembler dans un drum rack afin de créer des layers. Comme vous le savez probablement, dans la conception sonore, un son est très souvent composé de nombreux sons qui ont été superposés correctement. C’est une bonne idée de faire plusieurs kits à l’avance, bien organisés et prêts à jouer lorsque la session démarre.
  • Créer des catégories avec vos pistes : chaque piste devrait avoir des sons de la même famille. Donc vous pouvez faire une piste qui a des pads et une autre avec des kicks. Ceci est utile parce que lorsque vous allez dans le navigateur d’Ableton et que vous ouvrez votre projet principal, vous avez accès à tous les sons de chaque piste, ce qui rend beaucoup plus rapide la recherche d’un son spécifique. Un autre grand avantage en faisant ceci est que l’exportation de vos pistes en stems permettra un meilleur mixage plus tard. (Pour en savoir plus : Exporter les stems.)

Quand je regarde la manière dont je travaille, je vois que je passe beaucoup plus de temps à préparer ma session musicale qu’à produire un titre. Plus votre organisation est performante, plus elle est facile à intégrer dans votre flux de travail.

JP

VOIR AUSSI — Conseils de production musicale : Comment démarrer une track ?

 

La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes

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La méthode de preview Soundcloud de 2 minutes, comme je l’appelle, consiste à créer des prévisualisations de pistes d’une durée de 2 minutes. Pourquoi cette longueur ?

Si vous regardez la plupart des previews de tracks que les labels et les artistes partagent en ligne, ils durent environ 2 minutes. Ce standard non officiel est devenu populaire pendant les premiers jours de Soundcloud quand on a découvert un petit problème impliquant la possibilité de télécharger des pistes complètes à partir du site : pas le fichier de résolution complète, mais la version streaming, qui est de très mauvaise qualité. Beaucoup de morceaux ont circulé de cette façon et c’est fou de penser que certaines personnes ont utilisé ces versions pour les jouer dans des podcasts ou même en clubs !

Alors, pourquoi poster des morceaux de 2 minutes ?

Beaucoup de labels recherchent les artistes en naviguant sur leur page Soundcloud et ce n’est pas bon signe si la page est vide. En conséquence, certains artistes ont commencé à créer de « fausses » chansons, comme des morceaux de 2 minutes, souvent avec des artworks créés à partir d’une application en ligne. Le résultat fou de ce comportement a été que certaines personnes/labels ont commencé à demander aux artistes de sortir certains de ces morceaux de deux minutes, ce qui a forcé les artistes à les terminer.

L’avantage de l’upload de mini-pistes de 2 minutes est que si quelqu’un vous contacte au sujet d’une piste, vous saurez ce qui fonctionne le mieux à partir de toutes les pistes que vous avez en ligne. Ceci est particulièrement utile si vous avez un grand nombre d’esquisses et que vous vous demandez lesquelles ont le plus de potentiel. L’inconvénient de cette approche, si elle est mal faite, c’est qu’elle peut vraiment se retourner contre vous et vous faire paraître (très) peu professionnel.

Cela dit, si votre but est d’obtenir une certaine attraction en ligne, cette méthode peut vraiment être efficace. Certaines personnes ont aussi besoin de motivation et d’orientation pour faire avancer les choses, alors cette approche pourrait être bonne si vous êtes l’un de ces artistes. Voici quelques conseils sur la façon d’aborder cette question de manière efficace, afin d’en tirer le meilleur parti :

Utilisez les pistes en cours pour éviter d’être pris par des demandes inattendues. Plus vous êtes avancé dans les arrangements, mieux c’est. Vous pouvez utiliser une base complexe de 2 minutes comme moyen de trouver les idées finales de votre piste. Télécharger une boucle très simple n’est pas une bonne idée, car elle peut sembler complètement vide.

Assurez-vous qu’il est bien mixé. C’est peut-être la partie la plus difficile, mais assurez-vous que le mix est solide. Utiliser une certaine compression et avoir un limiteur sur le master pour coller le tout ensemble.

Assurez-vous que l’idée principale de la piste est exposée dans l’aperçu. Ce que je veux dire ici, c’est que si quelqu’un écoute votre preview, il aura une idée de la chanson. Si vous avez besoin d’un meilleur exemple, allez sur decks.de et écoutez des extraits de disques pour voir ce que je veux dire.

Avoir quelque chose de fort à dire. Assurez-vous que votre boucle est excitante, qu’elle contient quelque chose de spécial et qu’elle comporte un élément mémorable qui pourrait donner envie d’en entendre davantage. C’est l’aspect le plus critique de votre piste de 2 minutes.

Essayez d’avoir des idées de chansons très différentes les unes des autres. Si vous avez trop d’avant-premières qui sonnent toutes exactement pareil, c’est un peu comme avoir une palette de couleurs avec une multitude de variations beiges ; avoir des couleurs différentes, mais garder une esthétique qui est en accord avec votre style.

S’assurer que le mixdown est solide, puis normaliser. Si vous n’utilisez pas de limiteur, exportez le tout normalisé, cela créera une version plus forte.

Limitez le nombre total de pistes sur votre page Soundcloud. Essayez de ne pas dépasser un nombre entre 10 et 15 tracks. Pourquoi ? Parce que vous ne voulez pas être cet artiste qui a des millions de pistes non signées non plus. Enlever les plus anciens et enlever ceux qui n’ont pas de commentaires ou pas de likes. Ce n’est pas bon pour l’élan (voir mon article précédent).

Indiquez si la piste n’est pas signée. Faites savoir aux gens que le morceau n’est pas signé ou masterisé ; cela aide à clarifier les choses pour ceux qui l’écoutent.

Alors, quand terminer un de ces morceaux de 2 minutes ? Vous devriez décider de la finir lorsqu’il génère une sorte de buzz. Si un DJ vous demande une copie d’un titre pour un podcast, cela peut être aussi important que si un label voulait le signer. Si quelqu’un s’intéresse à votre piste, ne dormez pas dessus ! Faites-moi part de vos résultats !

S’imposer des règles pour l’arrangement

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Lorsqu’on se heurte à un mur, il peut être pénible d’avancer et de passer au-dessus. C’est un jeu mental de volonté et de force contre l’effort créatif. Ce qu’il faut savoir : attendre un bref moment d’inspiration et de créativité perdra toujours le bénéfice d’un travail acharné et constant. Ça doit être aussi dur que ça tout le temps ? Y a-t-il un moyen de surpasser les tâches plus difficiles et plus longues ? Je suis la voix que vous entendez dire oui. Et c’est plus facile que vous ne le pensez.

Au fil des ans, en tant que producteur, je n’ai jamais cessé d’apprendre des autres et de trouver des moyens d’améliorer mes compétences et ma technique dans tous les domaines de la production musicale. Je vais partager avec vous une chose que j’aurais aimé avoir apprise plus tôt : créer et s’imposer des règles pour les arrangements. Des règles ? Quoi ? Je vais vous expliquer.

Pour beaucoup de producteurs, le moment où vous arrangez vos morceaux semble être quelque chose que vous n’attendez pas avec impatience. Je comprends, je suis passé par là. J’entends toujours dire que la vibe et l’âme du morceau semblent changer de manière moins excitante quand vous vous asseyez et que vous commencez à l’étaler. On m’a souvent dit : quand j’arrive à ce coin de rue, la fête est finie. Mais n’arrêtez pas la musique tout de suite.

JE RÉUSSIS ET JE SUIS PROLIFIQUE EN TANT QU’ARTISTE PARCE QUE J’ACCOMPLIS LES TÂCHES DIFFICILES. JE NE ME CACHE PAS DES TÂCHES QUE J’ÉVITAIS DE FAIRE. J’Y VAIS TOUT DE SUITE ET JE COMMENCE PAR LES TRAVAUX LES PLUS DIFFICILES. JE LES AI AFFRONTÉS D’UNE MANIÈRE QUI N’EST PLUS DOULOUREUSE OU ENNUYEUSE. L’UTILISATION DES RÈGLES N’EST PAS COMME VOLER EN PILOTE AUTOMATIQUE, BEAUCOUP DE DÉCISIONS DIFFICILES SONT PRÉ-DÉCIDÉES POUR MOI.

 

Cela peut sembler trop facile, ou de pur brio, mais les gens du monde entier utilisent ce processus pour décharger le dur labeur mental de prendre des décisions pour arriver à la ligne d’arrivée plus rapidement. Si vous voulez obtenir des résultats plus cohérents et plus impressionnants, lisez la suite.

(vous savez qu’il s’agit d’une priorité clé dans tout mon blogue, trouver des moyens de maximiser votre créativité et votre efficacité, en organisant notre flux de travail pour passer moins de temps sur le quotidien prenant, et plus de temps sur les parties enrichissantes et excitantes de notre travail)

Parlons de vous imposer des règles internes. Ma définition des règles serait la suivante : utiliser certaines techniques pour créer une structure de chanson engageante. Et n’oubliez pas — les règles peuvent être enfreintes plus tard, mais vous trouverez qu’il est beaucoup plus utile de commencer rapidement et de faire des progrès rapides plutôt que de commencer lentement à partir de zéro.


Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un auditeur peut être attiré par votre chanson — la qualité du mix, une superbe loop, l’accroche du hook, etc. La plupart des gens admettront qu’ils sont attirés par une chanson (ou avoir une chanson dans la tête) par la structure narrative de l’arrangement. La création d’un arrangement serré et bien séquencé est l’un des domaines où de nombreuses personnes ont du mal à réussir. Leurs chansons manquent de corrélation, c’est-à-dire la combinaison de la répétition contre le changement. C’est un domaine de l’écriture de chansons où les règles peuvent aider énormément en prédéfinissant comment chaque son peut être utilisé.

Voici quelques exemples de règles que j’utiliserai :

  1. Direction : ce projet est-il pour le club, pour le casque, pour un projet de cinéma ? Sachant cela, chaque choix qui s’ensuivra sera dicté.
  2. Définition des sections : c’est une partie cruciale, que je vais définir comme une partie de la piste où une idée est utilisée d’une certaine manière, et vous passerez d’une section à l’autre, en entendant une différence claire et perceptible. Selon le genre, certains arrangements sont serrés, couplet, refrain, couplet, refrain, refrain, pont, couplet, etc. Beaucoup d’arrangements s’en tiennent à une formule répétitive, ce qui dans ce cas-ci est une bonne chose, car nous écoutons et savons rapidement à quoi nous attendre. C’est ici que vous pouvez ajouter et créer des variations aux sons qui peuvent augmenter l’intensité de manière puissante pour l’auditeur.
  3. La séquence de percussions : Cette séquence est-elle la même sur 8 ou 16 mesures ? Comme précédemment, vous voulez créer un motif stable qui se répète et qui peut supporter les autres éléments de votre piste. L’avantage d’utiliser des structures répétitives est qu’il suffit d’un petit changement pour introduire un grand changement, qui saura captiver l’oreille de l’auditeur tout de suite, et créer une anticipation pour la partie suivante. Des hats ou des claps sont souvent utilisés pour créer cette variation.
  4. Séquence de blocs et couleur : S’il y a une variation dans la même piste pour un son, je recommande fortement de changer les couleurs des blocs pour indiquer cette différence. C’est amusant et efficace de placer vos blocs dans un motif visuel, bleu-rouge-bleu-rouge-rouge-rouge-bleu-orange.
  5. Blocs superposés : C’est le prolongement naturel de la règle précédente. Imaginez que vous avez deux pistes, chacune ayant ses propres séquences de couleurs, votre motif visuel peut être créé en combinant les deux. C’est très utile lorsque vous voulez que deux sons différents s’appellent ou se répondent l’un l’autre. Vous les verrez l’un au-dessus de l’autre, comme une paire.
  6. Taille des blocs : J’aime faire une séquence pour mes kicks et ensuite les consolider (Cmd + J). Cela va créer un bloc plus grand que je vais dupliquer jusqu’à la fin. Maintenant, je peux exiger que ces blocs ne changent pas du tout, ce qui me permet de concentrer mon énergie sur la création de variations pour mes blocs de percussion plus courts. Imposer des tailles de blocs est l’un des moyens les plus libérateurs pour accélérer le processus d’arrangement !
  7. Blocks statiques vs blocks lives : Vous constaterez que chaque piste que j’ai inclura des éléments individuels qui sont un enregistrement audio de quelques manipulations live. Pour moi, ces blocs sont « Live » (vivants) tandis que ceux qui n’ont pas de manipulation sont « sleepy » (statiques). Vous pouvez décider d’avoir un certain rapport entre les vivants et les statiques.
  8. Rapport de perspective : Peut-être mon préféré. Alors qu’un ratio en tiers est habituel (ex. intro, milieu, fin), vous pouvez aussi en avoir plus, mais chaque ratio doit être de la même longueur plus ou moins. Le nombre de sections qui convient dépend vraiment de vous.
  9. Pourcentage de surprises : simple n’est-ce pas ? Combien de surprises donnerez-vous à l’auditeur ? Un trop grand nombre diminuera l’impact alors qu’un trop petit nombre pourrait ne pas engager suffisamment et ils trouveront votre morceau ennuyeux.
  10. Silences : élément très important. Les silences dans la musique peuvent donner une grande puissance aux notes jouées. Vous aurez besoin d’au moins un petit moment où vous donnerez de l’air à votre mix en ajoutant des silences à une pièce. Pensez de façon créative à la manière dont vous voulez créer de l’espace dans votre séquence.

 

Comme vous pouvez le voir, les règles que vous pouvez créer et appliquer à votre piste peuvent être tout ce que vous souhaitez. La meilleure partie sur l’utilisation des règles dans votre flow de travail est que vous allez considérablement accélérer les choses en déchargeant une grande partie du travail de devinette mentale à un processus qui a déjà été prédécidé. Tout cela signifie plus de plaisir en studio, plus de musique finie, ce qui est une situation gagnant-gagnant sous tous les angles.

VOIR ÉGALEMENT : The Science Behind Tracky Music

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 3)

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Après les deux premiers articles sur jouer de la musique électronique live, nous arrivons à notre dernier sujet : l’arrangement des clips, l’organisation des chansons et la préparation du son.

PRÉPARATION DES CLIPS

J’espère que vous avez fait vos devoirs de la deuxième partie où je vous ai demandé de prendre vos arrangements et de les transformer en une session Ableton Live. Si vous avez fait cela, vous verrez que cette tâche est assez exigeante et peut être déroutante, parce que vous pourriez avoir l’impression que vos chansons ne sont plus les mêmes, ou peut-être qu’elles n’ont plus de sens. Mais croyez-moi, même si vous pensez que vous avez échoué dans l’organisation de vos séances, cela commencera à avoir plus de sens à mesure que nous continuerons. Ce qui importe vraiment, c’est que vous avez maintenant du matériel chargé dans la vue session.

« Et si mon titre est si simple que je n’ai que quelques clips en vue session ? »

Ce n’est pas un problème, l’idée est d’avoir quelque chose. Une partie de la beauté d’un set live est qu’une fois que vous avez tous vos morceaux dans la session, vous les façonnez en un set plus long. Un live set n’est pas comme un DJ set, où l’on se concentre sur les transitions et les sélections de pistes ; il est beaucoup plus flexible et implique une mise en forme constante pour créer un ensemble plus grand.

1ère CHOSE À FAIRE : IMPORTEZ TOUTES VOS PISTES DANS UN SEUL GRAND PROJET

Pour le bien de cet exercice, veuillez commencer par créer un nouveau live set que vous nommerez « My Live Set » où vous aurez 12 pistes pour commencer.

Ensuite, nous allons importer toutes les chansons dans ce projet. Il y a deux façons de le faire et c’est à vous de décider ce qui est le mieux pour vous. J’aime personnellement ouvrir un projet, récupérer tous les clips de la session, copier (Cmd + C), puis ouvrir le projet « My Live Set » et coller. Vous pouvez également copier à travers le navigateur et si vous êtes plus à l’aise avec cette méthode, faites-le de cette façon.

Une des grandes nouveautés d’Ableton 10 est que les groupes apparaissent maintenant dans le navigateur, ce qui pourrait être une bonne façon d’organiser votre travail pour réimporter plus tard.

Vous devriez également penser à copier les restes d’audio de chaque piste. Ces pièces inutilisées sont plus précieuses que vous ne le pensez dans un contexte live. Un reste, c’est tout ce qui a été créé dans votre piste, mais qui n’a pas passé la dernière sélection. Il pourrait s’agir d’une variante, d’un peu de FX bizarre, de voix, peu importe — en gros, n’importe quoi fera l’affaire. L’idée derrière les restes est de créer du matériel pour votre version live afin qu’elle diffère de la chanson originale : cela ajoutera une dimension.

Une fois toutes vos pistes importées, vous avez une meilleure idée de l’ensemble de votre session.

« De combien de morceaux ai-je besoin pour un set d’une heure ? »

La réponse ici est difficile à trouver tant que vous n’avez pas répété et déterminé votre flow naturel. Après des années de pratique et d’enregistrement, je me suis dit que chacune de mes pistes durait en moyenne 6 à 8 minutes dans un contexte live. Cela inclut également les transitions (c’est-à-dire deux chansons qui se chevauchent pendant 1-2 minutes, pour rendre les choses assez fluides comme dans un DJ set).

Le temps total des pistes n’est pas forcément important à déterminer. Si vous êtes créatif, vous pouvez même jouer les morceaux dans un ordre aléatoire.

2e CHOSE À FAIRE : NOMMEZ ET COLOREZ TOUS LES CLIPS CORRECTEMENT

Les gens oublient souvent cette partie, mais faites-moi confiance, meilleure est l’organisation, moins vous aurez de stress en live. N’écoutez pas quand votre esprit vous dit : « oh, je me souviendrai bien de ce clip. » C’est pourquoi les noms sont importants, mais aussi la couleur du clip. Tous les kicks devraient être de la même couleur, les basses et ainsi de suite. Mes couleurs de codage personnelles ont été :

Kicks : rouge (attire mon attention).

Basses fréquences, basse : marron.

Percussions : jaune.

Claps/snare : orange.

Hihats : gris.

Éléments mélodiques : Bleu, en différents tons, car certains sont différents.

Une chose pratique avec les couleurs est que si vous jouez une piste pendant une transition, vous pouvez voir la couleur de l’autre clip alors que vous ne pouvez pas le voir à l’écran.

Veuillez noter que je ne recommande pas nécessairement de mettre tous les mêmes sons dans les mêmes pistes. Vous pouvez mélanger, par exemple, les hihats de la piste A avec ceux de la piste B. Si les hihats des deux tracks sont dans la même piste, vous ne pourrez pas les mixer ensemble, mais l’un après l’autre (un seul clip peut être joué dans une piste à la fois).

ORGANISATION DES SCÈNES

L’organisation de vos scènes prend beaucoup de temps, et ce sera aussi ce que vous retravaillerez le plus. Cela vous permettra de donner à vos chansons une sensation plus vivante. Pour cette section, je vais utiliser un exemple d’un de mes derniers live sets pour expliquer ce que j’ai fait, et pourquoi.

Cette chanson commence à la deuxième ligne (scène).

En-têtes des pistes : Comme vous pouvez le voir, les couleurs d’en-tête ne sont pas si importantes pour moi, mais il y a une section tout en blanc. C’est parce que j’utilise deux contrôleurs MIDI pour contrôler les volumes et la deuxième section est dédiée au second contrôleur. C’est aussi pourquoi ils sont numérotés pour que je sache à quel curseur ils se réfèrent sur le contrôleur lui-même.

3e CHOSE À FAIRE : MAPPEZ VOS PISTES AUX ÉLÉMENTS APPROPRIÉS DE VOS CONTRÔLEURS

Pensez à la façon dont vous voulez contrôler votre set sur un niveau de base, qui correspond aux pistes dans la plupart des cas. C’est la partie la plus importante à déterminer, car lorsque vous préparez votre set, vous devrez contrôler les faders de volume. Affectez vos pistes aux éléments appropriés de vos contrôleurs. Si votre contrôleur a des boutons, je les mapperais aussi aux boutons mute. Les mutes sont très importantes.

Lignes de séparation : Comme vous pouvez le voir, les lignes avant et après chaque ligne remplies ont des scènes de clips vides. Vous pouvez aussi voir qu’ils disposent de la case « stop ». Je crée des « lignes de séparation » pour deux raisons : aider à savoir où la chanson commence, mais ils servent aussi de moyen rapide pour faire arrêter de jouer un clip si nécessaire.

4e CHOSE À FAIRE : AJOUTER 1-3 LIGNES DE SÉPARATION ENTRE CHAQUE MORCEAU

La première scène/ligne de chaque piste : La première rangée, pour moi, est la plus importante. Au fil des ans, j’ai opté pour une version super minimaliste de mon live où je joue surtout de la musique en boucle avec des variations qui renforcent vraiment l’importance de la première ligne du set.

La première ligne a différents rôles :

  • C’est l’introduction de votre chanson : elle sera utilisée dans la transition du morceau précédent.
  • C’est l’idée de base de votre chanson : tous les sons qui sont joués du début à la fin de votre chanson devraient être placés ici, avec rien en dessous. Dans mon cas, le kick sera le même du début à la fin. La longueur du kick sera de 4 mesures et inclura des variations. Certaines personnes aiment ajouter plusieurs clips en dessous comme variations à déclencher, c’est donc toujours une autre option, mais pensez que tout ce qui reste inchangé tout au long devrait être là..
  • Relâcher la tension : créez un breakdown improvisé ou commencez à enlever les sons. Vous pouvez utiliser le côté droit pour déclencher tous les sons en même temps pour revenir à l’intensité et à l’idée principale de la chanson. Ce point est très important si vous pensez explorer et improviser, car vous aurez besoin d’une ancre.

5e CHOSE À FAIRE : CRÉER UN NOYAU SOLIDE

Scènes supplémentaires/suivantes : Il y a plusieurs façons d’utiliser les scènes qui suivent votre introduction initiale. Pour « jouer en toute sécurité », vous pouvez simplement faire jouer chaque scène au fur et à mesure que la piste évolue. L’avantage de cette approche est qu’en ayant toutes les scènes à portée de main, vous pouvez déconstruire la ligne du temps de votre chanson en les jouant dans différents ordres. Ma façon préférée de le faire est d’avoir des variations d’une scène, comme une ligne avec des hihats, une sans, une avec deux hats et un clap, etc. et de même pour les mélodies. De cette façon, je peux jouer des variations, mais je peux aussi lancer une ligne entière et en avoir une nouvelle « prête à l’emploi ». Si vous regardez ma capture d’écran live set ci-dessus, vous verrez aussi que sous un échantillon « Tommydrum », j’ai le même clip trois fois en utilisant des variations de timing ou des réglages selon les versions. Je peux basculer entre eux quand j’en ai besoin.

DERNIÈRE CHOSE À FAIRE : PLANIFIEZ VOS LIGNES/SCÈNES SUIVANTES ET DÉCIDEZ CE QUE VOUS UTILISEZ.

Dans le prochain article, nous parlerons de la répétition, de l’étalonnage du son et des réglages avancés des clips !

Checklist pour savoir si ma track est terminée

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Alors que je travaillais activement sur mon live, je me suis rendu compte que j’utilisais une checklist personnelle pour savoir si ma track était terminée. Des petits détails aux gros morceaux, il est parfois facile d’oublier certaines choses. De la même manière que pour partir en voyage, vous voulez vous assurer d’avoir tout préparé avant de sortir du projet.

Cette liste de contrôle est ce que j’utilise personnellement avant de passer au mixdown. Vous verrez qu’il y a encore des points que j’aborde comme étant du pré-mixing, mais je ne passerai pas trop de temps là-dessus. Dans un article précédent, j’ai expliqué l’importance d’exporter les stems hors de votre projet une fois la production terminée. Cela libère l’utilisation du CPU, donne une sensation de légèreté, donne la possibilité de sauvegarder ou de collaborer et éventuellement de faire un peu de mix dans un autre DAW pour obtenir des textures différentes. Mais surtout, c’est une façon de se dire : « Ok, il est temps de passer à autre chose. »

Avez-vous besoin de tout contre-vérifier pour déclarer que c’est fini ? Non, pas du tout. Il ne s’agit que d’une aide pour vous aider à mieux voir tout ce qui pourrait être couvert (et je suis sûr qu’il me manque encore une ou deux choses là-dedans !)

Catégories de la checklist, par ordre d’importance :

1. L’accroche (idée principale, Hook)

C’est ici que tout commence et se termine. Commençons donc par nous poser ces simples questions :

  • Quel est le hook principal de votre chanson ? Rappelez-vous, l’accroche est ce que quelqu’un chanterait à quelqu’un d’autre pour expliquer de quoi à l’air la chanson. Votre chanson n’en a peut-être pas (et c’est très bien aussi), mais l’accroche est l’un des principaux facteurs pour rendre une chanson mémorable et intemporelle.
  • Quels éléments soutiennent le hook ? Une bonne accroche n’est souvent pas suffisante. Il est utile de la soutenir avec des sons en écho ou des petites bribes de mélodies secondaires.
  • Est-ce que vous visez une structure pop ou un mantra répétitif ? Il peut aussi y avoir une zone grise qui combine les deux. Mais quel que soit votre choix, assurez-vous d’avoir une réponse claire.

2. Design sonore (Sound design)

C’est la section la plus importante pour moi et c’est habituellement là que je passe le plus de temps. J’ai ici des sous-catégories que je vais aborder.

  • Quels sont la direction et le but de cette chanson ? Est-ce surtout pour destiné à être mixé (DJ) ou plus pour l’écoute ? Vinyle ou Spotify ? Chill, dancefloor ou expérimental ? C’est quelque chose qui peut parfois être bon de garder à l’esprit jusqu’à la toute fin où vous pourrez alors supprimer ou ajouter des détails qui changeront le tout.
  • Quelle chanson ou quel artiste serait une référence ? Cela peut être ajouté directement dans une piste. Voir mon article précédent sur comment utiliser une piste de référence.
  • Quel est le rapport entre éléments organiques et éléments synthétiques ? C’est un point auquel je pense en général au début, mais je serai également disposé à le réviser à la fin.
  • Quelle est la tonalité principale de ma chanson ? Pas toujours indispensable si vous faites de la musique inharmonique. Mais il peut être intéressant de décider de la note fondamentale de la basse, du kick et des mélodies.
  • Kick : le kick est-il en accord avec la mélodie ? Est-il compressé en sidechain avec d’autres sons qui rentrent en conflit ? Personnellement, j’essaye aussi d’avoir un kick différent de celui de ma track précédente. Le kick est le dernier élément à concevoir, car il est là pour soutenir et compléter l’ensemble du projet.
  • Snare/clap : souvent aussi important que le kick, j’utilise habituellement un clap si ma dernière track avait un snare, pour alterner. Je vais aussi essayer de les superposer (layering). D’une chanson à l’autre, le son des percussions qui se produira sur les 2e et 4e temps devra varier selon mes goûts. Je veux essayer d’offrir différentes options pour quand je joue mes chansons en live ou en DJ set.
  • Bass : est-elle en tonalité ? Est-elle en sidechain ?
  • Melodie : c’est un peu difficile mais comme expliqué dans ma technique de production non linéaire, j’aime aller et venir dans la track pour voir si la mélodie a un impact, et si celui-ci est positif dans la durée. Trouver une mélodie est déjà assez difficile, mais la rendre agréable au fil du temps est un art en soi.
  • Atmosphère : y a-t-il un arrière-plan dans ce titre ? Qu’y a-t-il en arrière-plan par rapport au premier plan ? J’aime utiliser des bus pour ça.
  • Enregistrement : est-ce que j’utilise des enregistrements de terrain pour cela ?
  • Textures : les textures sont-elles claires et audibles ? Ou est-ce plus subtil ?
  • Quel est le rapport entre les sons répétitifs et les sons changeants ? Certaines personnes aiment toujours avoir le même clap à travers la chanson tandis que dans le Hip Hop, ils aiment souvent en changer. Y a-t-il une règle que vous voulez suivre ? Si oui, à propos de quoi ?

 

3. Le groove

C’est une section un peu moins condensée mais très importante si la chanson est plus percussive et pour le dancefloor.

  • Le groove est-il emprunté à une chanson ou à un template de groove ? Est-il personnalisé ?
  • Quelle est la signature du morceau ? Est-elle globale ou différente selon les parties ?
  • Est-ce qu’il y a un groove global appliqué ou est-ce que ce morceau utilise plusieurs grooves selon les parties ?
  • Exportez toutes les boucles de percussions en MIDI pour ajuster le groove.
  • Qu’est-ce qui est répétitif et ce qui ne l’est pas ? Trouvez un équilibre sain entre les sons répétés à travers la chanson et d’autres sons qui changent sur 1-2-3-4 mesures.
  • Y a-t-il un sidechain entre les pistes pour créer un effet de pompe subtil ou au contraire très présent ? Cela peut faire une différence.
  • Quels sont les sons modulés ? C’est une des choses les plus importantes à faire si vous voulez que votre chanson soit plus organique que synthétique. C’est une chose de sélectionner les bons samples organiques, mais la façon dont vous les programmez sera cruciale pour l’impression générale. Souvent, l’oreille humaine est très sensible au mouvement, même si la musique est jouée en arrière-plan. Vous seriez surpris de ce que les gens remarquent et de ce qu’ils ne remarquent pas.

 

4. FX/RETOURS

L’utilisation des retours (sends) est cruciale pour donner une impression d’unité à la piste. L’une des erreurs les plus fréquentes que je vois de la part des nouveaux producteurs est d’utiliser plusieurs reverbs partout dans le projet au lieu d’en utiliser une seule comme send. J’utilise habituellement des sends multiples pour créer des effets 3D élaborés et sophistiqués pour les percussions et les mélodies. L’un des points les plus importants est de les utiliser avec soin, jusqu’à la fin.

  • Cette chanson est-elle sèche ou plus chaleureuse ? Quelle place attribuer au reverb ?
  • Quel type de réverbération est-ce que je veux pour cette piste ? Petite ou grande ? Les options sont le hall, room, plates, convolution et quelques autres.
  • Qu’est-ce qui va avoir un effet 3D ? Vous ne voudrez peut-être pas mettre toute la chanson en 3D, car cela va à l’encontre de l’idée. Ce qui rend la chanson 3D, c’est la quantité de sons que vous mettez en plein dans la figure, par rapport à ceux que vous mettez en arrière-plan. Une combinaison saine des deux aura un meilleur effet.
  • Un seul delay pour le projet ! Sur quelle signature ?

 

5. Structure/arrangements

J’ai fait référence à la structure comme des Legos dans un article précédent. Ils ont souvent la même façon d’être construits pour plusieurs raisons. C’est pourquoi une track de référence peut nous aider à briser nos idées narratives. Je recommande toujours de déposer des marqueurs dans les arrangements de cette façon : un au début, un à la fin et un au milieu. Cela établira ce que j’appelle des perspectives et vous aidera à voir si votre narration générale est équilibrée et si les choses sont bien organisées.

À partir du milieu, je poserais encore une fois un marqueur entre le début et le milieu, puis un dans la dernière partie. Votre chanson doit comporter 4 parties distinctes. Les sections 1-2 sont intro et outro. La partie du milieu est l’endroit où votre chanson se développe et existe.

  • Est-ce que votre chanson a une intro/outro ? Commencez-vous immédiatement dans l’action ou développez-vous ?
  • Combien d’espace avez-vous pour que le mix DJ ?
  • Vos éléments mélodiques évoluent-ils correctement à travers chaque section ?
  • Votre chanson a-t-elle au moins un développement, centre d’intérêt par section ?
  • Est-ce que la chanson a une surprise importante environ aux 2/3 de sa longueur ? Je recommande toujours d’y réfléchir.

 

J’ai donc abordé les principaux points que je couvre habituellement. Je pourrais aller plus loin, mais c’est ce que vous verrez dans la production. Au-delà, nous tomberions dans le mix et c’est un tout nouvel article à venir.

Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes

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De temps à autre, l’excitation d’ouvrir une session, entièrement inspiré, pleinement motivé, littéralement gonflé à bloc me frappe, et c’est incroyable. Sérieusement, d’après mon expérience, il n’y a vraiment rien qui m’excite autant parce que quand tu sais que ton idée est bonne et que tout semble s’assembler parfaitement, tu sais que ça va être énorme. C’est différent cette fois-ci. Alors, vous commencez, vous ouvrez un drum rack, vous mappez le midi, vous ajustez la saturation… telleeeeeeeement bon… puis, votre Facebook bipe, le gars de l’assurance appelle, votre plug-in freeze, et avant que vous ne vous en rendiez compte, vous avez complètement perdu le groove, le rêve est terminé avant qu’il ne commence. Faire de la musique, c’est résoudre des problèmes à l’infini.

Pourquoi l’inspiration s’évanouit-elle si vite ? Pourquoi y a-t-il tant d’obstacles ? S’asseoir pour faire de la musique doit-il toujours être aussi difficile ? Si vous vous rappelez l’expérience que j’ai décrite ci-dessus, vous avez goûté à l’amertume du bouc émissaire en musique.

Il faudra toujours résoudre des problèmes et surmonter des obstacles, à la fois imprévus et prévisibles. Mais pour le meilleur ou pour le pire, ils font partie intégrante de la musique. Questions et distractions… Au lieu de les combattre, nous devons réduire au minimum leur effet sur nous et, dans la mesure du possible, réduire au minimum les risques de distractions.

EN REPENSANT À PRESQUE 100 % DES CONSULTATIONS ET AU COACHING QUE J’AI PU FAIRE, JE TROUVE QU’IL Y A QUATRE PRINCIPAUX « PROBLÈMES » QUI SEMBLENT TOURNER AUTOUR ET ACCAPARER NOTRE ATTENTION. BIEN QU’IL Y AURA TOUJOURS UNE CERTAINE FORME DE DISTRACTION, SI NOUS TRAVAILLONS À MINIMISER CES QUATRE PROBLÈMES, NOUS SERONS PLUS À MÊME DE RESTER SUR LA BONNE VOIE LORS DE NOTRE PROCHAINE SESSION.

Nous parlons de solutions créatives à des problèmes communs.

Problème numéro un : comment et où vous inspirez-vous ? Je crois qu’il y a une énergie spéciale qui vient à nous quand elle sait que nous sommes dévoués à elle. Quand je dis elle, je veux dire le travail. Les coureurs professionnels disent que la partie la plus difficile de courir un marathon, c’est simplement d’avoir la motivation de mettre ses chaussures et de quitter la maison. Boom. Il suffit de vous poser et de commencer — ouvrez votre DAW, et commencez à faire du bruit, vous allez bientôt devenir excité et vous orienter vers quelque chose de cool. L’une des approches les plus importantes et les plus simples de la production musicale, que je recommande toujours, est de faire de la musique quand on se sent bien. J’ai lu plusieurs articles sur l’importance des rituels — où vous concevez et réalisez un rituel qui vous rend heureux à l’intérieur et à l’extérieur, et dans cette zone, votre esprit entrera dans un espace très positif, ce qui est super important lorsque nous exigeons de la créativité et de l’imagination.

Problème numéro deux : comment puis-je savoir assez de choses sur la production musicale pour être un one-man band ?
C’est impossible de tout savoir, et vous n’en avez pas besoin. Ce que vous voulez vraiment connaître, ce sont les tenants et aboutissants de votre DAW, et les instruments que vous utilisez. Si vous avez acheté tous les derniers synthétiseurs et que chacun d’entre eux est différent, il vous faudra un certain temps pour les connaître tous à 100 %. Alors que si vous utilisez un ou deux instruments, lisez les manuels et apprenez tout ce que vous pouvez JUSTE sur ces deux synthétiseurs – vous serez beaucoup plus rapide pour produire et atteindre les sons que vous voulez en connaissant moins (moins d’instruments à apprendre), et en vous concentrant plus (maîtrisant ceux que vous utilisez).

Less is more (moins, c’est plus). J’ai regardé une interview vidéo d’un producteur qui a fait des tracks pour Kendrick Lamar ~ le mec a 18 ans, et enregistre tout dans Garage Band sur son iPhone. Il a une guitare et un téléphone. C’est tout, et il fait d’énormes avancées dans son travail, même avec l’équipement le plus rudimentaire.

Trouvez un moyen d’être absorbé. Demandez-vous quelle partie de la production musicale vous fait oublier le temps, la nourriture et tout le reste ? C’est un espace où vous êtes dans la zone, totalement absorbé, et où rien d’autre ne compte. Adoptez ce processus et soyez conscient du fait que lorsque cela se produit, il se peut que vous n’atteigniez pas ce niveau de concentration et de résultats lors d’autres étapes en cours de route. Pour certains, cet état ne viendra à eux qu’en mixant, et pour d’autres, il viendra tout en étant enfermé dans un mixdown, etc. sachez trouver votre flow.

Problème numéro trois : comment puis-je m’en tenir à une direction dans ma musique ?
Bien qu’il n’y ait pas de réponse claire à cette question, je vais simplifier les choses en disant que — vous avez de multiples options, et vous n’avez pas à vous engager dans une seule. Enregistrez les deux idées, et utilisez la fonction « enregistrer-sous », vous permettant d’enregistrer une deuxième version de la track et de décider plus tard dans quelle direction vous préférez vous engager.

Et enfin problème numéro quatre : quel sera le futur de ma chanson ?

Personne ne peut voir l’avenir, donc c’est impossible à savoir. Je ne crois pas que ce soit une utilisation productive de votre temps de rêver de ce qu’elle pourrait être un jour… sans l’avoir terminée, elle restera sur votre disque dur pour toujours, ce qui n’est pas ce que vous souhaitez. Ce qui importe maintenant, c’est de se concentrer sur les choses importantes :
Faire de la musique, terminer des projets, promouvoir votre travail, établir des contacts avec d’autres producteurs.

(Pour en savoir plus sur la façon de vous promouvoir en tant qu’artiste de manière personnelle, consultez cet article.)

Pour conclure, la résolution de problèmes peut être aussi compliquée ou aussi simple que vous le souhaitez. Alors qu’une étude a suggéré que devant l’anxiété, une des meilleures choses à faire est de prendre une pause de 2 jours, je vous encourage à prendre une semaine de congé pour commencer.

Photo par Oskar Wimmerman sur Unsplash

Dans un excellent article de psychologie, j’ai lu que lorsqu’on est confronté à un défi, il est essentiel de comprendre exactement avec quoi on est mis à l’épreuve — c’est-à-dire qu’il faut savoir quel est le vrai problème. Pour savoir et comprendre quel est le problème, vous devez être capable de l’expliquer à quelqu’un d’autre avec clarté, avec une description claire. Comprendre le problème et les options qui s’offrent à vous. J’ai lu que les négociateurs qui s’entretiennent avec des terroristes lors de prises d’otages élimineront de nombreuses options, jusqu’à ce qu’il en reste deux, afin de parvenir à une résolution rapide et satisfaisante. Réduisez vos options pour avancer rapidement. Prendre une décision à la hâte peut aussi avoir un effet négatif, alors ne vous sentez pas obligé de toujours prendre une décision tout de suite — donnez-vous du temps pour vous éloigner du problème et faites confiance à votre cerveau pour comprendre qu’en arrière-plan, sous la surface, une solution créative émergera à un moment donné, souvent quand on s’y attend le moins.

Au bout du compte, pour gagner plus, marquer plus de points, franchir la ligne d’arrivée plus souvent, il faut être autant créatif pour trouver des solutions aux problèmes que dans tous les autres domaines de vos productions. Mettez en place un système qui minimise les risques de distraction.

Conseil rapide — chaque Mac a une application appelée Automator, où vous pouvez assigner une chaîne de commandes pour tout ce que vous souhaitez faire. Regardez cette vidéo pour configurer une façon rapide de fermer tous les programmes, désactiver le wifi, lancer Live et démarrer votre session rapidement.

 

Cheers, JP.

 

 

Comment allier relations, rôle parental et musique ?

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Je suis père de famille. On me demande souvent comment j’arrive encore à trouver le temps de faire de la musique avec l’agitation tous azimuts qui règne sur ma vie. Il n’y a pas d’équilibre parfait dans ce que la vie vous offre — l’équilibre entre la musique et le rôle parental est un défi — mais j’arrive à diriger une maison de disques, à faire des sets live et à sortir des productions originales, tout en étant parent. La vie d’une personne qui a la responsabilité de faire de la musique et d’être parent est très différente de celle d’une personne qui n’a besoin de se concentrer que sur elle-même et la musique. Prendre conscience ce fait et l’accepter a été pour moi le premier pas vers l’appréhension de mes propres frustrations.

Votre temps libre va devenir sacré.

En tant que parent, vous devez éliminer toutes les distractions possibles au moment où vous êtes prêts à faire de la musique, parce que votre temps est limité. « C’est évident », dira-t-on, mais en fin de compte, en tant que musicien et parent, c’est le point le plus important selon moi pour profiter au maximum de son temps.

  • Prévoyez du temps pour la création. Cela implique également l’aide de votre partenaire, car il/elle mérite aussi d’avoir son propre temps de créativité en retour.
  • Essayez de faire de la musique hors de chez vous. Si possible, partagez un studio avec quelqu’un ou essayez de trouver un endroit où personne ne peut vous interrompre.
  • Désactivez les notifications électroniques, les médias sociaux, votre téléphone, etc.

L’ennemi numéro un de la créativité est de se concentrer sur trop de choses à la fois. Essayez de prendre un peu de temps sur les choses moins productives comme jouer aux jeux vidéo ou regarder des films, pour faire des choses comme apprendre à utiliser certains plug-ins qui seront bénéfiques pour votre art.

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

Travaillez plus vite et corrigez plus tard.

Une chose que j’ai remarquée depuis que je suis devenu père, c’est comment j’ai dû optimiser mon utilisation du peu de temps libre dont je dispose pour maximiser ma productivité. Par exemple, je vais programmer une loop de percussion dans une fenêtre de 5 minutes de temps libre. J’ai aussi développé des astuces pour transformer une loop en chanson complète en peu de temps. J’aborde aussi vite que possible les éléments qui n’ont pas besoin de pensée critique. Voici quelques conseils que vous pouvez utiliser pour faire de même :

  • Déterminez à l’avance comment vous allez utiliser votre temps. Cela exigera de la discipline, mais par exemple, je sais à l’avance que ma prochaine session doit se concentrer sur une tâche spécifique, comme un remix ou un mixdown. Cela m’aide, une fois en studio, à empêcher mon esprit d’errer vers des sujets ou des tâches sans rapport. Une des choses que j’ai comprises après être devenu parent, c’est que lorsque je me rendais au studio, j’étais tellement excité que je voulais faire trop de choses à la fois, et finalement je n’avançais sur rien du tout.
  • Planifiez comment sera telle ou telle track. Vous devrez vous y tenir dans la création. Y a-t-il quelque chose dont vous puissiez décider à l’avance qui libèrera votre esprit de la prise de décisions fastidieuses ? Par exemple, combien de temps durera la piste sur laquelle vous travaillez ? Plutôt ambient ou dancefloor ? Punchy ou subtil ? Les athlètes peuvent dépasser leurs limites en visualisant à l’avance ce qu’ils feront et cela s’applique également pour vous. Plus les choses sont claires à l’avance, plus vous serez efficace. Utilisez un carnet de notes si nécessaire.
  • Ne vous concentrez pas tout de suite sur les détails. Les détails sont une perte de temps, alors essayez de vous concentrer sur la vue d’ensemble et corrigez tous les petits détails lors d’une session future.
  • Considérez votre limite de temps comme un outil créatif et non comme une contrainte. J’ai beaucoup appris en travaillant conformément au manifeste musical de Matthew Herbert et une chose que j’ai apprise, c’est que laisser des erreurs dans vos morceaux n’est pas une grosse affaire. Cela peut même être une déclaration artistique si vous croyez à l’imperfection. Parfois, cela peut bien sonner… si vous acceptez de les laisser.

Ne pas faire de musique n’est pas une perte de temps.

Une des choses que j’ai dû gérer, c’est le rêve éveillé. Quand je ne fais pas de musique, j’ai parfois peur d’être en retrait ou de manquer une occasion. Cependant, certaines des meilleures idées musicales me sont venues alors que je ne faisais pas de musique du tout. Partager cela avec d’autres m’a fait réaliser que je ne suis pas seul dans ce phénomène. Il semble que le cerveau peut faire éclore de grandes idées quand il fait autre chose ; tout arrive en temps voulu. Dans un article précédent, j’ai expliqué comment repérer vos déclics créatifs ; cela peut être un avantage crucial si vous en êtes conscient.

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

Echo Beach et Dahlia (Photo par Katherine Hoos)

N’attendez pas les conditions parfaites pour commencer à faire de la musique. Habituez-vous parfois à travailler avec des écouteurs, à des moments très étranges de la journée. Get things done.

Faites place à des habitudes saines

Pour une raison ou une autre, je vois beaucoup de gens qui sont réticents à l’idée de prendre certaines habitudes. Ils associent la musique à la débauche et à la fête. Oui, c’est possible, et si c’est ainsi que vous le voyez, pourquoi pas. Mais en même temps, si vous aspirez à devenir plus professionnel, organisé et à faire bouger les choses, vous devrez vous concentrer sur vos priorités. Une des choses les plus utiles à faire est de rendre votre art plus sain.

  • Faites plus de sport. Le sport aide à la concentration et aux idées. C’est factuel. Dans mon cas, je peux faire un meilleur travail créatif après mon jogging, et je suis généralement plus enthousiaste à propos des nouvelles idées après une séance de yoga.
  • N’ayez pas de dépendances. Je ne parle pas de « dépendances » comme dans le cas d’un partenaire ou d’enfants, mais si vous dépendez de substances ou de conditions étranges pour faire de la musique, il est temps de vous en séparer. Assurez-vous de pouvoir faire de la musique sans ou avec peu de préparation, c’est une des choses les plus libératrices. Si vous avez besoin de « faire la fête » pour faire de la musique, cela limitera grandement vos options.
  • Profitez au maximum de vos heures matinales. Si vous n’en avez pas déjà fait l’expérience, les matins sont en fait un excellent moment pour faire preuve de créativité. Certaines personnes croient qu’elles ne peuvent travailler que la nuit, mais — pour la plupart — c’est faux. Vous pouvez obtenir beaucoup de choses faites avec un esprit clair et des oreilles fraîches. Je fais toujours mes masterings le matin, car à cette heure-ci, mes oreilles sont à leur plein potentiel.
  • Méditez. En fait, cela a probablement été mon arme secrète pour rester productif pendant ma paternité. Une simple pratique de 5 à 10 minutes me vide l’esprit et m’aide à rester très créatif, tout en mettant de l’ordre dans mes problèmes.

Enfin, essayez d’impliquer votre enfant ou vos proches dans votre musique. Ce n’est pas quelque chose qui doit nécessairement fonctionner, mais cela peut les aider à comprendre ce que vous faites, comment vous le faites et ce que cela implique en termes de concentration.

 

J’espère que certains de ces points vous aideront à maximiser votre temps en tant que parent ou partenaire ! Rappelez-vous également que vous pouvez toujours demander de l’aide.