Archive d’étiquettes pour : conception sonore

Recycler vos anciens projets

Il m’arrive d’être déconcerté par deux choses lorsque je travaille avec des clients :

  1. Ils repartent de zéro à chaque fois qu’ils créent une nouvelle chanson.
  2. Ils laissent dormir les projets terminés (et ne les réutilisent jamais).

Dans les deux cas, il s’agit d’une énorme perte de temps et d’énergie. Mais lorsque je leur explique que chacun de leurs projets est une mine d’or d’opportunités qui dorment sur leur disque dur, je vois leur visage s’illuminer. Si vous y réfléchissez, une chanson contient souvent beaucoup de matériel résiduel qui ne sera pas utilisé. Pensez à tous les éléments communs à toutes vos chansons, alors pourquoi ne pas créer un moyen de permettre à l’ordinateur d’utiliser les ressources pour créer ce matériel.

En fin de compte, la façon dont j’aborde la création musicale consiste à trouver une idée très originale, puis à la replacer rapidement en contexte afin de pouvoir lui donner un cadre temporel.

 

Pourquoi accélérer votre flux de travail?

 

Il est intéressant de noter qu’en tant qu’artiste et coach, j’enseigne souvent que la créativité est un processus très lent et qu’essayer de précipiter les choses n’est pas forcément une bonne idée. Mais paradoxalement, il est important de saisir une idée et d’en tirer le meilleur parti, puis de passer à autre chose. L’idée d’accélérer votre processus est de faciliter votre expression afin de ne pas vous perdre dans les détails techniques. L’un des points sur lesquels de nombreuses personnes perdent du temps est celui des détails, de la clarification des détails techniques, etc.

Si une chanson est une idée, placée sur une ligne de temps, il est également facile de s’éloigner de cette idée si l’on est plus technique qu’artistique.

 

Les stratégies ci-dessous visent à faciliter la partie technique en se concentrant sur l’organisation.

 

Stratégies

 

La première façon d’accélérer votre processus est de penser à l’avenir. À l’instar de ce mouvement qui consiste à payer un café à un futur client qui serait à court d’argent, le meilleur moyen d’accélérer la prochaine session est de l’organiser dans celle sur laquelle vous êtes en train de travailler. Je vous expliquerai les habitudes et les stratégies qui vous seront utiles par la suite.

 

Une méthode efficace consiste à utiliser la fonction d’importation du navigateur Ableton Live. Par exemple, si vous avez développé une chaîne d’effets captivante dans un projet précédent, enregistrez-la en tant que macro. Ces macros peuvent ensuite être facilement importées dans de nouveaux projets, ce qui vous donne une longueur d’avance avec des sons testés et éprouvés.

 

Création de modèles

 

Au-delà de l’importation d’éléments spécifiques, envisagez de créer des modèles basés sur vos projets les plus réussis. Ces modèles peuvent inclure votre routage préféré, des chaînes d’effets par défaut et même des instruments provisoires. En commençant un nouveau projet avec ces modèles, vous pouvez réduire considérablement le temps de configuration et vous plonger directement dans le processus de création.

  • Si vous remarquez une routine ou une habitude, transformez-la en un modèle où vous pourrez importer ce qui est nécessaire.
  • Les arrangements judicieux ou les modèles de mixage sont essentiels.
  • Les modèles sont en fait comme une recette que vous pouvez réimporter en tant que chaîne ou section d’arrangement, ajuster à votre goût et enregistrer à nouveau en tant que nouveau modèle.
  • Il s’agit de « Presets généraux ».

 

 

CONSEIL : Il existe différents types de modèles pour commencer. Analysez vos 10 derniers projets pour voir ce qui y est toujours présent de facto.

 

Création d’une chaîne de « restes »

Une autre méthode innovante consiste à créer un canal spécial dans votre DAW pour les « restes » ou « reliquats », c’est-à-dire les morceaux de projets antérieurs qui n’ont pas été retenus mais qui ont encore du potentiel. Il peut s’agir d’une mélodie à moitié terminée, d’un effet sonore intéressant, d’un motif vocal abandonné ou d’un motif de batterie unique. En sauvegardant ces restes, vous créez une bibliothèque sonore personnelle qui est non seulement originale, mais aussi imprégnée de votre style. Chaque fois que vous êtes bloqué ou que vous avez besoin d’inspiration, plongez dans cette piste et découvrez des éléments qui peuvent susciter de nouvelles idées.

Il y a toujours eu une règle tacite selon laquelle il ne faut pas utiliser de préréglages (presets) et qu’il faut se réinventer pour chaque projet. Bien que cela réponde au besoin de toujours avoir des idées non répétitives d’une chanson à l’autre, cela peut aussi prendre beaucoup de temps. Une bonne façon de procéder consiste à utiliser les restes comme point de départ d’un projet futur.

  • Les restes sont essentiellement ce que vous voulez qu’ils soient. J’ai tendance à accumuler tout ce qui n’est pas utilisé. Vous seriez surpris des utilisations que j’ai trouvées pour certains sons.
  • L’inspiration instantanée vient d’idées que vous pensiez ridicules : re-pitcher, étirer, découper, filtrer, égaliser sauvagement… ou traiter lourdement ces idées.
  • Décidez de vos propres règles internes concernant le nombre de fois où vous utilisez un son. Il n’y a pas de bon ou de mauvais choix.

 

ASTUCE : exportez vos restes normalisés afin qu’ils sonnent pleinement et qu’ils soient prêts pour de futurs projets.

 

Remixer ses propres morceaux

 

Parfois, la meilleure façon de recycler est de revisiter ses propres morceaux. Remixer un morceau que vous avez déjà produit peut être une expérience enrichissante. Isolez les éléments individuels qui se sont démarqués et réimaginez-les dans un nouveau contexte. Cela permet non seulement de donner un nouveau souffle à votre travail existant, mais aussi de repousser vos limites créatives.

Je souris toujours lorsqu’un client me dit qu’il n’arrive pas à décider si une décision vaut mieux qu’une autre en ce qui concerne son morceau. Peut-être que les deux idées sont bonnes, alors pourquoi ne pas faire deux versions?

Vous pouvez avoir autant de versions que vous le souhaitez de vos chansons. Dans les années 80 et 90, certaines chansons avaient parfois 3 ou 4 variations, ce qui était très amusant pour les DJ, qui pouvaient ainsi utiliser et réutiliser une chanson.

Voici quelques idées de nouveaux remixes :

  • Instrumental ou avec une voix
  • Changement de gamme
  • Sans batterie ou avec des percussions différentes.
  • Collaborer avec un musicien pour ajouter un enregistrement live.

CONSEIL : Essayez de combiner 3 à 4 chansons en une seule.

 

Séances de conception sonore systématique

 

Consacrez des séances spécifiques à la conception sonore, distinctes de celles consacrées à l’écriture ou à l’élaboration des morceaux. Au cours de ces séances, vous vous concentrerez sur la création de sons, de textures ou de rythmes uniques sans avoir à les intégrer dans un projet en cours. Conservez ces créations dans une bibliothèque organisée.

Passer du temps à organiser vos sons est également un moyen utile de faciliter les choses par la suite.

Lorsque vous travaillez sur une nouvelle musique, vous pouvez puiser dans cette bibliothèque pour trouver l’inspiration ou des éléments à incorporer, ce qui accélère considérablement le processus de création.

  • Prenez le temps de comprendre les préréglages complexes des sons que vous aimez.
  • Croisez les paramètres prédéfinis d’un synthétiseur avec ceux d’un autre synthétiseur.
  • Testez les démos d’un synthétiseur que vous aimeriez acquérir et enregistrez vos tests en audio.

Flux de travail collaboratif

 

Encouragez la collaboration avec d’autres artistes ou concepteurs sonores. Parfois, une nouvelle vision peut conduire à des résultats inattendus et inspirants. Les collaborations peuvent déboucher sur une bibliothèque commune de sons et d’idées, offrant ainsi une plus grande palette d’éléments dans laquelle puiser pour lancer de nouveaux projets.

  • J’aime partager un dossier Dropbox. Comme nous pouvons tous deux y partager des projets, vous pouvez les voir mis à jour de part et d’autre.
  • Demandez à une personne ayant des connaissances musicales de réviser et de réinterpréter une de vos mélodies à l’aide d’un instrument acoustique.
  • Liez-vous d’amitié avec des producteurs d’autres genres et voyez quels commentaires ils peuvent vous donner.

 

ASTUCE : Partagez une Dropbox ou un Google Drive avec vos amis.

 

Examen régulier et conservation des projets existants

 

Planifiez des séances régulières pour passer en revue vos projets antérieurs qui n’ont pas encore été publiés. Il ne s’agit pas seulement de se remémorer, mais de rechercher activement des éléments réutilisables, qu’il s’agisse d’une accroche, d’un son de synthétiseur unique ou d’un motif de batterie efficace. Ce faisant, non seulement vous vous rappelez vos travaux antérieurs, mais vous constituez également un répertoire d’idées et de sons facilement accessible.

Les personnes qui travaillent avec moi savent que j’aime mener tous mes projets à 90 % d’achèvement plutôt qu’à 100 %. La logique derrière cela est simple : j’aime rassembler un tas de chansons un jour donné ou pour répondre à un besoin, puis les finaliser en une seule fois. Cela permet de résoudre de nombreux problèmes : la cohérence des morceaux du même release, l’absence de structures répétitives, une meilleure originalité, etc.

  • Révisez le kick d’un projet pour une toute nouvelle approche de la direction d’une chanson : plus intense, plus douce.
  • Mettez en sourdine toutes les pistes qui ne font pas partie de l’accroche pour éviter l’encombrement. Cela est plus facile à faire si vous êtes émotionnellement éloigné de votre projet.
  • Essayez une version plus courte de votre chanson pour aller droit à l’essentiel (par exemple, les mixages prêts pour la radio durent 3 minutes).

 

Incorporation d’enregistrements de terrain et de sources sonores non conventionnelles

 

Parfois, les sons les plus inspirants proviennent du monde qui nous entoure. Enregistrez régulièrement des sons de votre environnement, qu’il s’agisse de bruits de la rue ou d’ambiances naturelles. Ces sons uniques peuvent susciter de nouvelles idées ou ajouter une saveur originale à votre musique. Il existe un magnifique plugin appelé Life qui est accompagné d’une application mobile qui se synchronise avec le logiciel sur votre ordinateur. Non seulement vous pouvez prendre des sons de partout, mais le logiciel va les découper, tout en leur donnant une structure. Les résultats sont impressionnants.

  • Lorsque vous êtes dans un lieu public, comme un restaurant, prêtez attention à la musique de fond. Qu’entendez-vous lorsque vous vous trouvez dans un nouveau contexte? Pensez à la façon dont votre musique se traduirait.
  • Essayez d’écouter les mélodies de votre environnement. Les mélodies cachées peuvent provenir d’un artiste de rue, des gens qui parlent autour de vous ou d’une voiture qui passe.
  • Explorez le bruit et donnez-lui la forme d’une percussion.

 

 

Exploration régulière de nouveaux outils et habitudes

 

S’il est important de disposer d’une boîte à outils familière, l’expérimentation régulière de nouveaux plugins, instruments ou logiciels peut apporter une perspective nouvelle à votre travail. Cela ne signifie pas qu’il faut toujours acheter le matériel le plus récent, mais plutôt explorer différents outils, éventuellement par le biais de démos ou de versions gratuites, afin de maintenir une approche créative dynamique.

Explorer de nouveaux outils signifie, par exemple, explorer des applications mobiles capables de produire des sons. Il y a un grand mythe autour de ce type de produits, car beaucoup pensent qu’ils ne sont pas assez bons. Mais vous seriez surpris de voir combien d’entre eux sont extrêmement solides et suffisants pour donner naissance à des idées. Non seulement l’interface est agréable, mais le fait de ne pas être devant son ordinateur donne une vision différente de ce que l’on fait. Vous pouvez explorer votre boutique mobile pour découvrir les applications qui sont étiquetées comme étant liées à la musique et vous verrez des synthétiseurs, des boîtes à rythmes ou des DAW insolites. Vous pouvez également consulter les casques VR pour le même type d’outils à explorer.

 

 

Cartographie mentale et flux de travail conceptuel

 

Parfois, le blocage ne se situe pas au niveau de la production, mais dans la phase conceptuelle. Utilisez des techniques telles que la cartographie mentale pour définir les thèmes, les émotions ou les histoires que vous souhaitez transmettre dans votre musique. Cette étape de préproduction peut fournir une orientation claire et aider à choisir ou à créer des éléments qui correspondent à votre vision.

Cette année, la cartographie de l’esprit fait fureur. J’ai commencé à transposer en concepts imagés la manière dont je travaille dans le domaine de l’audio. Parfois, le fait de schématiser ce que vous faites vous donne des idées auxquelles vous ne pouvez pas penser lorsque vous ne faites que de la musique en tant que telle.

L’une des méthodes que j’ai apprises s’appelle « Sticky Steps » . Fondamentalement, vous commencez par la fin, puis vous revenez en arrière avec de petites étapes pour y parvenir. J’aime à penser qu’il s’agit d’une méthode d’ingénierie inverse. Il est possible qu’à certaines étapes, vous manquiez de connaissances pour expliquer ou savoir comment faire, c’est pourquoi vous pouvez me contacter par exemple, ou demander à des amis.

 

J’espère que cela vous permettra de démarrer l’année en beauté. N’hésitez pas à laisser des commentaires ou des questions ci-dessous.

Ingénierie inverse du son

De temps en temps, il se peut que vous soyez comme moi et que vous tombiez sur une chanson qui vous émerveille ou vous déconcerte pour les différents sons qu’elle contient ou pour un effet particulier. Il se peut que vous passiez quelques heures ou quelques jours à réécouter la chanson en vous demandant comment elle a été réalisée, peut-être en faisant une recherche en ligne. Mais vous êtes alors confronté à une première limite : votre vocabulaire. Oui, cette partie de vous qui entend un son spécifique ne sait peut-être pas exactement comment le nommer. Cela crée une lacune dans la manière dont vous pouvez l’expliquer à quelqu’un ou en rechercher la nature dans les moteurs de recherche. Dans mon cas, j’ai la chance d’en savoir assez sur le traitement du son pour pouvoir le nommer. Il est arrivé très souvent que quelqu’un réserve une séance d’une heure avec moi pour me poser des questions sur un son spécifique, mais qu’il soit déçu que je l’explique en moins de deux minutes. Je vous jure que cela arrive souvent. Mais je les vois ensuite soulagés de voir que ce qu’ils croyaient impossible devient quelque chose qu’ils peuvent désormais ajouter à leur chanson en cours de création.

 

La première règle de l’ingénierie inverse audio est d’être curieux et ouvert. Mais également, persévérant et patient.

La deuxième est de ne pas avoir peur de demander de l’aide.

La troisième est de comprendre qu’il faut souvent 9 échecs (en moyenne) pour réussir (ratio de 10:1).

 

Cela dit, il m’a fallu un certain temps, mais j’ai compilé la façon dont je travaille lorsque j’essaie de faire de l’ingénierie inverse sur les sons, de sorte que vous puissiez considérer cela comme un moyen de mieux comprendre comment vous travaillez. Plus vous comprendrez les sons, plus vous contrôlerez votre propre conception sonore.

 

Comprendre le son

 

Aussi simple que cela puisse paraître, pour comprendre le son, il faut d’abord être attentif, isoler un moment dans une chanson et être capable de nommer la famille à laquelle il appartient. En termes de familles, il y en a quelques-unes que j’utilise, qui sont liées à la façon dont j’étiquette les sons (ou à la façon dont elles sont utilisées par la plupart des magasins de samples en ligne comme Splice ou Loopcloud).

Batterie : kicks, snare, hats, claps, toms, cymbales, breaks, fills, acoustique. Ceux-ci peuvent être électroniques ou acoustiques. On les voit souvent sur des boîtes à rythmes.

Percussion : Shakers, congas, tambourin, bongos, djembé, cloches. Il s’agit principalement de la grande quantité de sons liés aux percussions traditionnelles de musique du monde.

Synthés : Pads, stabs, accords, leads, arp, analogique, fx, plucks. Fondamentalement, ces sons sont le résultat de la synthèse d’un synthétiseur par le biais de la conception sonore.

Vocal : Tous les types que vous pouvez imaginer et auxquels vous pouvez penser, qui ne sont pas liés à la synthèse.

Effets : Bruit, risers, sweeps, impacts, textures, atmosphère, enregistrements de terrain. En général, ils n’ont pas vraiment de tonalité ou de note fondamentale reconnaissable, mais ils peuvent en avoir une.

Cuivres et instruments à vent : Sax, trompette, trombone, flûte, harmonica. Instruments à vent, le plus souvent non liés à la synthèse.

Guitare : Électrique, claire, acoustique, distordue, riff.

Clavier : piano, piano électrique, wurtlizer, orgue, classique. Tout ce qui se rapproche d’un piano.

Basse : Sub, acoustique, analogique, synthé, wobble, dent de scie, distordue, acide. Tout ce qui est dans les fréquences médium basses ou basses.
Cordes : Violon, violoncelle, orchestre, staccato.

Certaines familles se chevauchent, en particulier dans le domaine de la musique électronique, car de nombreux sons peuvent être créés avec un synthé d’une manière ou d’une autre, mais pour nommer la base, la famille perçue est généralement celle où tout commence.

 

Écouter attentivement : L’ingénieur du son commence par écouter le son à plusieurs reprises pour en comprendre les caractéristiques. Il s’agit d’identifier la hauteur, le timbre, la durée et l’enveloppe (attack, decay, sustain, et release) du son.

Une fois que vous avez la famille, vous devez définir sa nature à travers ces caractéristiques. Elles seront utiles pour recréer ou modifier un son spécifique. Chaque fois que vous commencez à concevoir un son, ces éléments constituent votre point de départ.

Exemple : Un simple zoom sur le son isolé pour commencer peut révéler certains de ces détails : la durée et l’enveloppe sont très claires.

 

Dans cet exemple, nous voyons que ce son a une attaque rapide, un decay et un sustain assez élevés mais un release très court (car il n’y a pas de « tail »).

 

 

 

 

 

 

 

 

Ce son a également une attaque rapide et un decay élevé, le sustain est assez court et il semble que le release soit au milieu du son. Nous voyons qu’il y a une sorte de texture sur le son, car il y a une texture bruyante qui s’étire. Cela pourrait signifier que ce son a été produit en ajoutant une couche à la conception sonore originale.

 

 

 

 

 

 

Analyse spectrale : Grâce aux outils d’analyse spectrale, l’ingénieur peut inspecter visuellement les fréquences présentes dans le son. Cela permet de comprendre l’équilibre entre les fréquences fondamentales et les harmoniques.

 

Dans cet exemple, le son a une tonalité de base de C1, représentée une une énorme bosse dans la zone des basses fréquences. Après cette bosse, nous voyons apparaître la complexité des harmoniques et des fréquences partielles.

La compréhension des harmoniques et des fréquences partielles est une forte indication du contenu du son. Cela nous indique également que ce son n’est pas filtré. Si c’est le cas, il se peut que ce soit en parallèle, sinon nous ne verrions pas les harmoniques monter jusque là. Si vous n’en avez pas, je vous recommande de vous procurer le SPAN gratuit.

Reproduire le son

 

Identification de la source : L’ingénieur tente de déterminer la source du son. S’agit-il d’un son naturel, d’un son synthétique provenant d’un synthétiseur ou peut-être d’un son traité avec des effets?

C’est là que les choses se compliquent, surtout si vous êtes novice en matière de conception sonore. Lorsque j’enseigne la conception sonore, j’encourage les participants à passer du temps à tester différents oscillateurs et méthodes de synthèse. Toutes les entreprises qui fabriquent des synthétiseurs s’efforcent également d’obtenir un son particulier et, parfois, il n’est tout simplement pas possible de le trouver. La meilleure attitude possible au début est donc de rester ouvert et d’essayer de multiples itérations. Mais il n’est pas possible de comprendre le son si l’on n’a pas été exposé à un grand nombre d’entre eux. Passer beaucoup de temps à jouer avec différents synthétiseurs, émulations et à consulter des démos de synthétiseurs en ligne peut être une activité essentielle pour former vos oreilles.

L’utilisation d’un oscilloscope est également très utile pour « voir » le son si la forme d’onde n’est pas suffisamment claire dans le fichier lui-même.

Pensez aux bruitages! C’est ce type de son que l’on retrouve chez les artistes sonores qui créent les effets pour les films en manipulant des objets afin de créer un nouveau son. Vous pourriez peut-être faire preuve de créativité et utiliser des objets dans votre cuisine pour recréer le son ou même avec votre bouche, essayer de « dire » ou d’imiter le son pour voir ce que cela donne. Vous vous sentirez peut-être ridicule, mais cela peut s’avérer très intéressant en fin de compte.

Synthèse : Si le son est synthétique, l’ingénieur peut utiliser des synthétiseurs pour le recréer. Cela implique de sélectionner la forme d’onde appropriée (sinus, carré, triangle, dent de scie), de régler les enveloppes et de moduler le son à l’aide de LFO (Low-Frequency Oscillators) et de filtres.

Nous avons vu sur ce blogue que les LFO et les enveloppes sont liés au mouvement dans le son. Une fois que vous avez travaillé sur la recherche de la source sonore possible, l’étape suivante est d’entendre le mouvement dans le son. Cela vous permettra de savoir comment organiser les paramètres de votre mouvement.

L’un des outils les plus utiles et les plus puissants que vous puissiez utiliser pour la modulation est Shaperbox. Il dispose de tous les outils de modulation. Il m’a permis de mieux comprendre la modulation et le son simplement en jouant avec. Il n’est donc pas seulement utile pour la conception sonore, il est aussi éducatif.

 

L’échantillonnage (Sampling) : Si le son est naturel ou trop complexe pour être synthétisé à partir de zéro, l’ingénieur peut avoir recours à l’échantillonnage. Cela implique d’enregistrer le son, si possible, ou de trouver un son similaire et de le manipuler pour qu’il corresponde à l’original.

Parfois, le fait de sampler le son que vous souhaitez reproduire et de jouer avec dans un échantillonneur peut révéler des détails que vous n’aviez pas remarqués au départ.

 

Traitement du son

 

Il est rare qu’un son en tant que tel retienne notre attention. Il arrive souvent qu’il ait une couleur. Nous pouvons traiter le son en ajoutant des effets qui peuvent déformer la phase ou ouvrir le spectre.

 

Chaîne d’effets : L’ingénieur utilise ensuite une série d’effets pour traiter le son. Les outils courants comprennent l’égalisation (EQ) pour ajuster l’équilibre des fréquences, la compression pour gérer la dynamique, la réverbération et le délai pour l’espace et la profondeur, et éventuellement la distorsion ou la saturation pour le caractère.

Les outils pratiques sont des outils à effets multiples. Lifeline est un effet amusant qui peut transformer radicalement ou subtilement un son terne en un nouveau son.

 

Superposition de sons : Souvent, le son souhaité est une combinaison de plusieurs couches (layers). L’ingénieur peut mélanger plusieurs sons pour créer un son complexe.

Lorsqu’il s’agit de superposer, j’aime utiliser le côté arrangement d’Ableton pour le faire. Vous pouvez également utiliser un « envelope follower » pour utiliser l’enveloppe de la cible souhaitée et l’appliquer aux couches sonores sur lesquelles vous travaillez. Lors de la superposition, les égaliseurs et les filtres sont vos meilleurs atouts.

 

Ajustements itératifs

Tests A/B : Tout au long du processus, l’ingénieur compare fréquemment le son recréé à l’original (test A/B), en procédant à de petits ajustements pour se rapprocher du résultat souhaité.

Un outil utile pour comprendre la composition du son peut également être un oscilloscope. Melda vous en propose un gratuitement, sinon, toujours dans Shaperbox, vous pouvez en trouver un qui est très utile pour la conception.

 

Rééchantillonnage à l’infini (Resampling) : L’ingénieur peut créer des « boucles de feedback », où le son traité est réenregistré dans le système et traité à nouveau pour obtenir des effets plus complexes. Il ne s’agit pas d’une boucle de feedback au sens propre, qui est assez agressive à l’oreille, mais plutôt du rééchantillonnage d’un rééchantillonnage en quelque chose de nouveau. Cette approche est un bon moyen de rechercher des variantes de ce que vous travaillez.

 

 

Comparaison finale et ajustements

 

Après avoir effectué des tests A/B pendant un certain temps, vous devriez à un moment donné vous rapprocher de l’objectif que vous avez en tête. Une chose à garder à l’esprit dans la recherche de votre réplique idéale est de trouver quelque chose de proche et d’être ouvert à des variations. Enregistrez autant de préréglages que possible en transformant plusieurs effets en une macro. Vous voulez être en mesure de réutiliser votre traitement dans des sons futurs et si vous avez appliqué un traitement, c’est un « maquillage » que vous pouvez appliquer à d’autres sons, ce qui vous ouvrira un nouvel éventail de possibilités.

 

Réglage fin : Même lorsque le son semble proche de l’original, un réglage fin supplémentaire est souvent nécessaire pour capturer les nuances qui rendent le son unique. Cela signifie parfois qu’il faut intervertir certains effets (remplacer la réverbération X par une autre) pour obtenir de nouveaux résultats subtils. Même un EQ musical peut changer l’identité de façon minime. Les meilleurs résultats sont souvent la somme de multiples petites modifications.

Adaptation à l’environnement : l’ingénieur tient également compte de l’environnement dans lequel le son sera utilisé. Un son isolé peut sembler parfait, mais il peut nécessiter des ajustements pour s’intégrer dans un mixage ou pour correspondre à l’acoustique d’un espace particulier. L’utilisation d’une réverbération à convolution peut donner une idée de ce que le son pourrait donner ailleurs.

L’ingénierie inverse d’un son est autant un art qu’une science. Les ingénieurs du son doivent avoir une oreille attentive, une connaissance approfondie de la synthèse audio et du traitement des signaux, et de la patience pour itérer jusqu’à ce que le son corresponde à leur objectif. C’est un processus difficile mais très gratifiant qui conduit souvent à la création de sons et d’effets innovants.

Création de titres adaptés aux clubs

Ce n’est pas un secret que je travaille en tant qu’ingénieur principalement pour des musiciens électroniques. Et pour tous ceux qui viennent me voir pour un mastering, l’une de mes tâches principales est de m’assurer que leur musique sonne bien dans un contexte de club ou de festival. Ces dernières années, il est impressionnant de voir à quel point les producteurs en herbe, et pas seulement les professionnels, font jouer leur musique dans un contexte où la musique est forte. Cela s’explique par le nombre croissant de personnes qui se lancent en tant que DJ, ce qui leur ouvre les portes d’un pub, d’une fête ou d’un club local.

Il en va de même pour les producteurs. Il y a de plus en plus de gens qui font de la musique et pour beaucoup d’entre eux, leur espoir est d’être joués par des DJ, pas seulement dans un podcast, mais à un moment où ils peuvent être entendus par plus qu’une poignée de personnes. Cela devient un test de la qualité de leur production et de leur mixage.

Mais cela peut aussi tomber à plat si la piste ne respecte pas certaines normes de base.

On m’a demandé de passer en revue une liste de points pour aider les producteurs à ne pas se sentir frustrés par leur musique.

 

1. Le ton : la base du son

Lorsque l’on prépare de la musique pour le club, le ton est primordial. De nombreux producteurs mettent trop l’accent sur certaines fréquences parce que cela sonne bien chez eux, ce qui conduit à des mixages trop aigus ou muddy. Avoir les mauvaises références musicales, ou ne pas comprendre que tous les clubs sont différents peut conduire les artistes à prendre de mauvaises décisions.

Visez un ton plus équilibré et plus plat.

Bien qu’il y ait de la place pour l’expérimentation, évitez les aigus excessifs, qui peuvent sonner aggressifs, et les graves trop prononcés, qui peuvent donner à votre piste un son creux ou muddy. Un ton équilibré garantit que votre morceau fonctionnera dans différents systèmes de sonorisation et environnements de club. Cela s’applique également à l’écoute à la maison.

CONSEIL : J’aime placer un égaliseur sur le bus principal pour voir le ton de ma piste. S’il y a une section plus haute que les autres, ce n’est pas toujours bon signe. S’il y a des pics au-dessus de 10k, cela peut être assez aggressif sur un grand système de son. Si vos graves sont plus forts que vos médiums, de plus de 4 dB, vous pouvez vous attendre à ce que votre chanson manque de présence dans un club. Les mélodies sonneront en arrière.

 

2. Intensité sonore (loudness) et densité : La puissance sans la surpuissance

 

Le volume sonore est indéniablement crucial dans un club, mais il s’agit d’un équilibre et d’une arme à double tranchant. Tout en veillant à ce que votre morceau ait du punch, n’oubliez pas que les DJ ont besoin d’une certaine marge de manœuvre pour le gain staging pendant les transitions. L’objectif n’est pas seulement le volume brut, mais plutôt la densité dans des zones de fréquences spécifiques, en particulier dans les graves. Si une piste légèrement moins forte n’est pas un problème, elle doit avoir l’énergie et le poids adéquats dans les zones de fréquences cruciales.

Les DJ savent comment faire du gain staging. Lorsqu’ils se plaignent que la piste n’est pas assez forte parce qu’ils ont dû augmenter le gain, j’imagine qu’ils savent qu’il est tout à fait normal d’avoir des différences. Les pistes qui ne sont pas aussi fortes ont une gamme dynamique plus étendue, ce qui donne à la piste plus de détails, de punch et, en fin de compte, de vie.

Pour atteindre un certain niveau sonore, le mixage devra être bien équilibré en termes de gain, puis, lors du mastering, compressé et limité davantage. La musique forte signifie que les sons se fondent les uns dans les autres.

CONSEIL : Après des années et des années de mastering, de pratique et de présence, je trouve que -10LUFS est en quelque sorte le point idéal. Certains diront que la musique devrait être plus forte, mais je ne crois pas.

 

3. Le signal mono : Le héros méconnu des pistes de club

 

Alors que la diffusion stéréo ajoute de la richesse et de la dimension aux pistes au casque ou sur les systèmes domestiques, le signal mono est très puissant dans un club. Les chansons qui s’appuient trop fortement sur la diffusion stéréo sans tenir compte de leur compatibilité mono perdent souvent de leur puissance sur les systèmes de club. Les principaux éléments de votre mixage doivent être compatibles avec le son mono, de manière à ce qu’ils stimulent la piste sans rendre le son muddy.

Sons qui doivent avoir une certaine présence dans le signal mono : Kick, Bass, Clap/Snare et contenu mélodique entre 200 et 800 Hz.

ASTUCE : Créez une piste de retour, ajoutez un Utility réglé sur mono, puis envoyez vos différents sons vers cette piste. Cela renforcera votre signal mono en doublant ou en améliorant la présence de vos sons.

 

4. Les résonances : Les saboteurs subtils

 

Les résonances élevées peuvent faire des dégâts lorsqu’elles sont jouées sur de grands systèmes de sonorisation, transformant des sons subtils en sons stridents. Je dis souvent qu’en tant qu’ingénieur de mastering, je les chasse. Les résonances peuvent provenir de différentes sources telles que la résonance d’un filtre ou l’utilisation d’ondes sinusoïdales. Je n’entrerai pas dans les détails de ce qu’elles sont exactement, mais c’est une sorte de son, tout comme la distorsion, qui a un son incroyable à la bonne dose.

Il est essentiel de les contrôler et de les apprivoiser, afin que votre piste reste agréable et cohérente à différents niveaux de volume et dans différents systèmes.

J’ajouterais en parallèle, en tant que 4-B, les transitoires (transients). Il faut également être prudent avec ces derniers.

ASTUCE: À l’aide d’un égaliseur, vous pouvez tenter de maîtriser les résonances mais si vous n’arrivez pas à les repérer car ce concept n’est pas évident pour vous, n’hésitez pas à commencer par mettre en solo chaque son et à repérer ceux qui ont un son « iiiiii » (il peut être aigu ou grave). On trouve généralement des résonances dans les synthétiseurs, car ils possèdent souvent un oscillateur sinusoïdal ou un filtre avec résonance.

 

5. La clarté : L’espace

 

Chaque son de votre mixage doit avoir sa place attitrée, à la fois dans le champ stéréo et dans le spectre des fréquences. L’encombrement par des decays trop prolongés ou une réverbération excessive conduit à un mixage confus et peu clair. En veillant à ce que chaque élément ait la possibilité de respirer, votre morceau conservera son punch, sa définition et l’énergie tant convoitée du dance floor.

ASTUCE : Le Gating est votre meilleur allié en matière de mixage. Il permet de supprimer les tails et de réduire le decay des sons, ce qui est très utile.

 

6. La phase : Le saboteur silencieux de la chanson

 

Les problèmes de phase peuvent entraîner la disparition d’éléments essentiels de votre piste, en particulier lors de la lecture mono. Ce phénomène est exacerbé par les effets induisant une phase, tels que les flangers, les phasers, les chorus, les délais et les réverbérations. En comprenant et en gérant le déphasage, vous vous assurez que les éléments essentiels de votre chanson restent cohérents dans tous les scénarios de lecture.

 

Un bon moyen de savoir si un son est en phase dans votre projet est d’utiliser un appareil de mesure de corrélation tel que SPAN (c’est gratuit!). Vous verrez ce vumètre en mouvement et vous voudrez qu’il reste entre 0 et +1. S’il passe en négatif, il y a un déphasage. Une autre méthode consiste à placer un Utility mono sur votre son pour voir s’il perd beaucoup de puissance ou s’il disparaît complètement.

ASTUCE : La manière d’y remédier est un peu délicate, mais vous pouvez commencer par réduire la largeur de la stéréo, supprimer les effets ou les rendre plus dry.

7. Clarté des basses fréquences : Faire danser votre basse

 

La relation entre le kick et la basse s’apparente à une danse. Ces éléments doivent s’intégrer harmonieusement, en se complétant plutôt qu’en s’opposant les uns aux autres. L’utilisation de techniques telles que le gating ou le side-chaining permet de s’assurer que ces éléments fondamentaux coexistent harmonieusement, en stimulant le rythme sans brouiller le mixage.

Ces dernières années, j’ai apprécié les kicks plus courts que les kicks longs et puissants. L’utilisation des kicks longs pose trop de problèmes et, dans un club, ils prennent trop de place pour être suffisamment intéressants. Les kicks courts soutiennent bien un morceau et laissent beaucoup d’espace pour les notes de la basse.

Le rumble, selon le genre que vous produisez, peut être un problème. Il se peut que vous ayez également un DC Offset, je vous recommande donc vivement de couper (high pass) à 20 Hz pour éliminer les déchets qui se trouvent en dessous. La plupart des clubs fonctionnent de toute façon à 30 Hz, mais couper à 20 Hz est une bonne mesure de protection et permet également d’avoir une marge de manœuvre pour le mixage.

Alignez la phase de votre kick et de votre basse! Une astuce simple qui fait une bonne petite différence dans certains cas.

ASTUCE : Pour les personnes qui s’appuient fortement sur le side-chaining pour faire fonctionner les deux, je dis toujours que les arrangements sont la base du mixage. En d’autres termes, si vous programmez/concevez correctement votre kick et votre basse dès le départ, ils seront plus propres et vous n’aurez pas à les réparer avec des gadgets.

Les clubs posent des défis uniques aux producteurs de musique électronique. En tenant compte de ces sept facteurs essentiels, vous pouvez vous assurer que vos morceaux ne sonnent pas seulement bien en studio, mais qu’ils brillent aussi sur la piste de danse. N’oubliez pas qu’un morceau prêt pour le club est une synergie d’équilibre, de clarté et d’énergie. En visant ces objectifs, vous ferez bouger les gens en un rien de temps.

Formes de LFO : Un guide de modulation du son avec différentes formes d’ondes

Êtes-vous arrivé au point où vous avez joué avec de nombreux échantillons (samples) et où vous avez envie de les retoucher un peu pour leur donner du caractère?

Comme vous le savez, j’enseigne la production musicale et le « niveau 1 » de la production musicale consiste à jouer avec des échantillons, des boucles et à les transformer en chansons. Une fois que vous aurez acquis une certaine aisance, vous pourrez commencer à peaufiner ces échantillons. Mais par où commencer?

Le principal problème des échantillons est qu’ils sont… morts. Par mort, je veux dire qu’ils sont statiques parce qu’ils ont été enregistrés et que s’ils sont joués en boucle, il n’y aura aucune variation, aucun changement. Sur le plan musical, cette répétition peut être difficile à écouter, car le cerveau s’agace d’une idée qu’il a comprise parce qu’il s’attend à ce qu’elle change. Pour les personnes souffrant de TDAH, cela peut même être une torture et comme beaucoup de musiciens souffrent de cette maladie, on peut s’attendre à ce qu’ils veuillent que quelque chose se passe.

 

« Je crains que l’auditeur s’ennuie avec ma chanson » est un obstacle que j’entends souvent lorsque je forme des gens.

 

La réponse à cette question est de se plonger dans la conception sonore (sound design). L’un des principaux points est d’apprendre à entendre les changements dans le son, car c’est le mouvement qui fait qu’un son évolue constamment. Il existe deux grands types de mouvements : ceux qui sont synchronisés avec un tempo et ceux qui ne le sont pas.

 

En ce qui concerne la manière d’apporter du mouvement à votre musique, parlons d’un outil dont j’abuse et dont je ne pourrais pas me passer : les oscillateurs à basse fréquence (Low Frequency Oscillators, LFO)..

 

Pourquoi les utiliser?

Un oscillateur à basse fréquence (LFO) est un composant fondamental dans le domaine de la synthèse audio et de la modulation sonore. Fonctionnant à des fréquences inférieures à la gamme des sons audibles, un LFO génère des formes d’ondes qui servent de signaux de contrôle plutôt que de sources sonores proprement dites. Ces formes d’onde (sinusoïdales, triangulaires, carrées, en dents de scie et aléatoires) fluctuent de manière répétitive et influencent divers paramètres du son, notamment la hauteur, l’amplitude et le timbre. En conférant des changements rythmiques ou cycliques à ces paramètres, les LFOs insufflent de la vie aux sons statiques, leur apportant du mouvement, de la texture et de la complexité. Largement utilisés dans la production de musique électronique et la conception sonore, les LFO sont des outils essentiels pour façonner les paysages sonores, ajouter de la dynamique et créer des motifs évolutifs qui captivent l’oreille de l’auditeur.

Lorsque vous écrivez vos idées/mélodies, vous pouvez dessiner votre automation pour plus de précision, mais l’idée d’utiliser des LFO est de déléguer certains mouvements à la machine. Les mouvements rapides apporteront des textures, tandis que les mouvements lents brouilleront les frontières entre le début et la fin de la modulation. Les mouvements avec une vitesse moyenne permettent de repérer les changements au niveau de l’oreille.

LFO

Dans cet article de blogue, nous allons nous plonger dans le monde des formes de LFO et leur influence sur le design sonore. Nous explorerons les caractéristiques de différentes formes d’ondes de LFO et la façon dont elles sonnent lorsqu’elles sont utilisées pour moduler un filtre, à la fois dans des scénarios de modulation rapide et lente. À la fin de ce guide, vous comprendrez mieux comment utiliser des formes de LFO spécifiques pour obtenir les effets sonores souhaités.

Utilisations du mouvement :

 

1. Onde sinusoïdale : Douce et subtile

L’onde sinusoïdale est la forme d’onde la plus simple et la plus fondamentale, produisant une oscillation douce et graduelle. Lorsqu’elle est appliquée pour moduler un filtre, une onde sinusoïdale peut créer des changements doux et subtils dans le son. Avec un taux de modulation lent, il confère au son une qualité apaisante, proche de la respiration. À mesure que le taux de modulation augmente, le son devient plus prononcé, ajoutant une sensation de mouvement sans être trop agressif.

 

Les mouvements sinusoïdaux sont également les plus proches de la nature.

  • Onde sinusoïdale : L’essence de la douceur

L’onde sinusoïdale est une forme d’onde fondamentale qui ressemble beaucoup aux oscillations naturelles que l’on trouve dans divers phénomènes, du mouvement des pendules aux ondes sonores. Ses pics et ses creux lisses et arrondis reproduisent le comportement de nombreux processus naturels, ce qui lui confère une élégance organique.

  • Contenu harmonique et complexité :

L’onde sinusoïdale a le contenu harmonique le plus simple de toutes les formes d’onde. Il s’agit d’une fréquence unique sans harmoniques supplémentaires. Ce manque de complexité contribue à sa qualité naturellement apaisante et douce. Lorsque l’onde sinusoïdale est utilisée comme forme de LFO pour moduler un filtre, elle confère au son un mouvement progressif, presque continu. Cette caractéristique s’apparente aux changements subtils de la nature, tels que le doux flux et reflux des vagues ou les changements progressifs de la configuration du vent.

  • Emulation de phénomènes naturels :

De nombreux sons naturels, tels que le gazouillis des oiseaux, le bruissement des feuilles et même les vocalisations humaines, présentent un certain niveau de douceur et de continuité dans leurs vibrations. En utilisant une forme de LFO à onde sinusoïdale, vous imitez essentiellement ces modèles de mouvement naturels. Les sons synthétisés semblent ainsi plus en phase avec l’environnement, ajoutant une touche organique qu’il est souvent difficile d’obtenir avec des formes d’onde plus complexes.

  • Dynamiques subtiles :

La modulation lente et graduelle offerte par un LFO à onde sinusoïdale peut être comparée à la subtilité des changements de la nature. Pensez à la façon dont le lever et le coucher du soleil ou les changements de saison entraînent des transformations qui sont douces mais perceptibles au fil du temps. De même, l’utilisation d’un LFO à onde sinusoïdale peut introduire une dynamique subtile dans vos paysages sonores, créant une impression d’environnements évolutifs qui sont familiers et apaisants pour l’oreille.

  • Esthétique organique :

Lors de la création de musique ou de paysages sonores, une esthétique organique peut être particulièrement attrayante. Elle résonne avec les auditeurs à un niveau subconscient, invoquant un sentiment de calme et de confort. En utilisant les qualités sonores naturelles d’un oscillateur sinusoïdal comme forme de LFO, vous conférez à vos compositions un élément d’authenticité qui peut renforcer leur impact émotionnel.

La douceur innée, la simplicité harmonique et la ressemblance avec les phénomènes naturels font de l’onde sinusoïdale un outil puissant pour créer des modulations organiques et naturelles. En incorporant des LFO en forme d’onde sinusoïdale dans votre conception sonore, vous puisez dans l’essence de la subtilité et de la fluidité de la nature, ce qui confère à vos compositions une qualité plus authentique et une résonance plus émotionnelle. La musique électronique étant souvent froide et très artificielle, l’inclusion de quelque chose de plus organique peut constituer un contraste agréable.

 

2. Onde triangulaire : Équilibrée et polyvalente

L’onde triangulaire combine la douceur de l’onde sinusoïdale avec des contours plus définis. Cette forme d’onde est souvent utilisée pour obtenir un effet de modulation équilibré. Lorsque l’on module un filtre avec une onde triangulaire, on obtient un son qui évolue progressivement entre ses points les plus hauts et les plus bas. À faible vitesse, elle crée des textures évolutives et, à vitesse élevée, elle confère une qualité rythmique sans être trop brusque.

 

3. Onde en dents de scie : Construction et dynamique

L’onde en dents de scie a un bord ascendant abrupt et un bord descendant doux. Lorsqu’elle est utilisée pour moduler un filtre, elle produit un effet de construction et de dynamique. À des taux de modulation lents, l’onde en dents de scie peut créer un effet de balayage, ouvrant et fermant progressivement le filtre. Lorsque le taux de modulation augmente, elle génère un mouvement agressif et percutant, idéal pour créer des transitions dramatiques ou faire évoluer les textures.

 

4. Onde carrée : Intensité On-Off

L’onde carrée alterne entre deux niveaux, créant un effet de pulsation on-off. Lorsqu’elle est appliquée à la modulation du filtre, elle introduit une qualité rythmique distincte dans le son. À faible vitesse, elle produit un effet de gate, avec un fondu on-off. Au fur et à mesure que le taux de modulation augmente, l’onde carrée génère un rythme pulsé clair, qui permet d’ajouter une complexité rythmique au son.

Comme toute forme de LFO, vous pouvez jouer avec la profondeur de sa sortie (output depth). Si vous maintenez une faible profondeur pour une forme carrée, vous obtiendrez une belle variation, mais en deux étapes.

 

5. Ondes aléatoires/bruits : Chaotiques et expérimentales

La forme d’onde aléatoire ou bruit introduit un élément de chaos et d’imprévisibilité dans la modulation. Lorsque l’on module un filtre, cela crée un sentiment d’aléatoire et de texture. À des rythmes plus lents, ces ondes peuvent ajouter une subtile couche de complexité au son, en imitant les variations naturelles. À des vitesses plus élevées, elles produisent un effet glitchy et expérimental, ce qui les rend parfaites pour créer des paysages sonores uniques.

Je recommande l’utilisation d’onde aléatoire pour les sons que vous ne voulez jamais voir identiques deux fois, comme la vélocité d’un son, la longueur d’une percussion, la tonalité d’un pad. C’est très utile pour ajouter des variations, lentes ou rapides.

ASTUCE : Utilisez l’option Smooth pour obtenir des changements moins brusques.

 

6. Sortie binaire : Langage informatique

Lorsque j’ai mis à jour mes connaissances en septembre 2021, la forme « Binary » (Binaire) d’Ableton Live pouvait faire référence à un dispositif, une fonctionnalité ou un concept spécifique introduit après cette date. Cependant, si nous discutons d’une fonctionnalité liée aux opérations ou à la manipulation binaires, voici une explication générale de la manière dont les opérations binaires peuvent être utilisées dans un contexte de production musicale :

1. Opérations binaires :

Les opérations binaires impliquent la manipulation de données binaires, qui consistent en des séquences de 1 et de 0. Dans les logiciels de production musicale comme Ableton Live, les opérations binaires peuvent être utilisées pour générer des motifs rythmiques, créer des variations et ajouter de la complexité à votre musique. Elles peuvent être particulièrement utiles pour créer des rythmes glitchy, syncopés ou expérimentaux.

2. Step Sequencers et rythmes binaires :

Les séquenceurs pas à pas (step sequencers) sont couramment utilisés pour créer des motifs de notes ou d’événements dans le temps. Dans le contexte de la production musicale, un séquenceur binaire peut vous permettre d’activer ou de désactiver des pas, créant ainsi un motif binaire. Chaque pas représente un chiffre binaire (1 ou 0), qui correspond à une note ou à un événement actif ou inactif.

Par exemple, si vous avez un schéma binaire de « 101010 », il peut se traduire par un rythme répétitif de long-court-long-court-long-court dans un contexte musical. Cela peut être un excellent moyen de générer des rythmes intéressants et irréguliers qui s’écartent des motifs quantifiés traditionnels.

3. Création d’effets de glitch :

La manipulation binaire peut également être utilisée pour créer des effets de glitch. En activant et désactivant certains paramètres, vous pouvez introduire des variations inattendues et imprévisibles dans vos sons. Ceci est particulièrement utile pour les genres tels que le glitch, l’IDM et la musique électronique expérimentale.

4. Conception sonore :

L’intégration de motifs binaires dans votre conception sonore peut donner lieu à des textures et des timbres uniques. Vous pouvez utiliser des motifs binaires pour moduler divers paramètres de vos synthétiseurs et effets, produisant ainsi des sons évolutifs et dynamiques.

5. Automation et contrôle :

Si Ableton Live a lancé une fonction nommée « Binary », elle pourrait également impliquer l’automation binaire, où vous pouvez utiliser des motifs binaires pour automatiser divers paramètres dans votre projet. Cela pourrait ajouter une couche de complexité et de mouvement à votre musique au fil du temps.

Mes connaissances étant basées sur les renseignements disponibles en date de septembre 2021, je recommande de consulter la documentation officielle, les guides d’utilisation ou les ressources en ligne d’Ableton Live pour obtenir les renseignements les plus récents et les plus exacts sur la fonctionnalité « Binary » d’Ableton Live. Vous y trouverez des instructions pas à pas sur la manière de l’utiliser efficacement dans votre flux de production musicale.

 

CONSEIL : Pour mieux comprendre comment une modulation affecte le son, associez le LFO à un Utility afin d’entendre la modulation d’amplitude (volume), qui est plus facile à entendre car elle est très évidente.

 

 

LFO modulé par un LFO

Le concept consistant à utiliser un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO est une technique amusante qui permet d’obtenir des motifs de modulation complexes et non linéaires. Voyons comment cela fonctionne et pourquoi cela conduit à des résultats non linéaires :

 

Principes de base de la modulation LFO :

Les oscillateurs à basse fréquence (LFO) sont généralement utilisés pour moduler des paramètres tels que la hauteur, l’amplitude, la coupure du filtre, etc. Ils génèrent des formes d’ondes à des fréquences inférieures à celles du son audible, ce qui entraîne une modulation dans le temps. Ces formes d’onde comprennent les ondes sinusoïdales, triangulaires, en dents de scie, carrées et aléatoires, chacune ayant des caractéristiques uniques.

Modulation de la vitesse du LFO :

Lorsque vous utilisez un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO, vous introduisez une couche de complexité dans le processus de modulation. Au lieu d’affecter directement le paramètre sonore lui-même, vous modifiez la vitesse à laquelle un autre LFO oscille. Cela signifie que le taux de variation de la modulation devient variable et dynamique.

Avez-vous déjà entendu le bruit d’une balle qui rebondit? Cette technique permet d’atteindre cet objectif.

 

Effets non linéaires :

La clé pour comprendre les effets non linéaires réside dans la manière dont les taux de modulation interagissent. Lorsqu’un LFO module la vitesse d’un autre LFO, le motif de modulation résultant devient complexe et moins prévisible qu’une simple modulation linéaire.

Considérons le scénario suivant : Supposons qu’un LFO (LFO1) module la vitesse d’un second LFO (LFO2). Lorsque le LFO1 varie sa vitesse, il introduit des fluctuations dans la vitesse à laquelle le LFO2 module le paramètre cible. Il en résulte une interaction complexe des vitesses de modulation qui peut conduire à des résultats inattendus et non linéaires.

Par exemple, si le LFO1 oscille entre des vitesses rapides et lentes, la modulation du LFO2 s’accélère et se ralentit en conséquence, ce qui entraîne des modèles de modulation irréguliers et évolutifs. Ces irrégularités créent un sentiment d’imprévisibilité et de complexité dans la modulation, ce qui peut ajouter une saveur unique et expérimentale à votre conception sonore.

Applications :

  • Texture et mouvement : La modulation de la vitesse d’un LFO avec un autre LFO peut ajouter des couches de texture et de mouvement à vos paysages sonores. Le changement constant des taux de modulation permet de créer des textures sonores complexes qui évoluent avec le temps.
  • Rythmes dynamiques : La modulation non linéaire introduite par cette technique peut donner lieu à des rythmes dynamiques et évolutifs. C’est un excellent moyen d’injecter de la complexité rythmique dans votre musique, idéal pour les genres tels que l’IDM, l’ambient et la musique expérimentale.
  • Conception sonore expérimentale : Si vous souhaitez obtenir des sons expérimentaux ou d’un autre monde, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO peut conduire à des résultats non conventionnels et imprévisibles qui peuvent faire sortir votre conception sonore du lot.

En résumé, l’utilisation d’un LFO pour moduler la vitesse d’un autre LFO introduit une couche de complexité et d’imprévisibilité dans vos schémas de modulation. Cette technique permet d’obtenir des résultats non linéaires riches en textures, en mouvements et en rythmes dynamiques. C’est un outil puissant pour les concepteurs sonores qui cherchent à repousser les limites de la modulation conventionnelle et à créer des paysages sonores uniques.

ASTUCE : Le nombre de LFO à utiliser dans un projet n’est pas important. Mais vous obtiendrez plus de cohésion si vous utilisez quelques « LFO maîtres » qui contrôlent plusieurs paramètres dans le morceau, car ils déplaceront tous les éléments ensemble, créant ainsi un effet orchestral.

 

Les LFO comme mélodies et outils de composition

 

Il est certain que les LFO combinés à un module sample and hold dans le monde des synthétiseurs modulaires peuvent produire des mélodies intrigantes et uniques. Le type de forme d’onde LFO utilisé en conjonction avec le module de sample and hold influence directement le caractère des mélodies générées.

Si vous regardez une mélodie sur le piano roll, vous verrez que les notes montent et descendent, ou montent puis descendent. Ce sont les formes que peut prendre un LFO.

Comment le paramétrer?

Envoyez la sortie du LFO vers un Sample and hold. Il est possible d’appuyer sur le sample & hold au moment où l’on souhaite qu’une note soit jouée. Le sample and hold examine les données envoyées par le LFO au moment où il a été sollicité, puis émet la note qui peut être envoyée à un oscillateur.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Voyons comment différentes formes de LFO contribuent à des types de mélodies spécifiques :

1. LFO en dents de scie : Mélodies ascendantes progressives

L’utilisation d’un LFO en dents de scie avec un module Sample and Hold permet de créer des mélodies qui montent progressivement. Lorsque le LFO en dents de scie monte en puissance, il déclenche le sample and hold pour capturer et maintenir la tension à des points spécifiques. La mélodie qui en résulte a un caractère ascendant, en escalier, chaque note étant légèrement plus haute que la précédente. Cette combinaison est bien adaptée pour créer de l’anticipation et de la tension dans une composition.

 

2. LFO carré : Motifs progressifs et rythmiques

Un LFO carré associé à un module Sample and Hold génère des mélodies rythmiques en escalier. La nature on-off de l’onde carrée provoque des changements brusques dans la tension échantillonnée, créant ainsi des pas distincts dans la mélodie. Lorsqu’il est utilisé à différents taux, le LFO carré confère une qualité rythmique aux mélodies, les rendant dansantes et syncopées.

 

3. LFO triangle : Mélodies douces et fluides

Un LFO triangulaire combiné à un module Sample and Hold produit des mélodies au caractère doux et fluide. La montée et la descente graduelles de la forme d’onde triangulaire influencent la tension échantillonnée, ce qui permet d’obtenir des mélodies qui passent d’une note à l’autre de manière moins abrupte que les ondes carrées ou en dents de scie. Cette combinaison est idéale pour créer des mélodies qui évoquent un sentiment de fluidité et de mouvement.

 

4. LFO aléatoire/bruit : Mélodies chaotiques et expérimentales

L’association d’un LFO aléatoire ou bruyant avec un module Sample and Hold permet d’obtenir des mélodies chaotiques et expérimentales. La nature imprévisible de la forme d’onde aléatoire amène le module Sample and Hold à capturer des tensions variables, ce qui donne lieu à des mélodies qui semblent errer de manière imprévisible. Cette combinaison est parfaite pour générer des mélodies avant-gardistes ou ambiantes qui remettent en question les attentes musicales traditionnelles.

 

5. LFO sinusoïdal : Mélodies sereines et éthérées

L’utilisation d’un LFO sinusoïdal avec un module Sample & Hold produit des mélodies sereines et éthérées. Les ondulations douces de la forme d’onde sinusoïdale se traduisent par de légères fluctuations de la tension capturée. Les mélodies qui en résultent sont subtiles et apaisantes, avec une qualité onirique qui convient bien aux compositions ambiantes ou méditatives.

 

Merci d’avoir lu mon hommage à un outil souvent négligé dans la musique et vous savez maintenant pourquoi je suis amoureux de toutes les possibilités qu’il offre.

 

Le bruit en musique

 

Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.

 

Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.

 

Le bruit dans la musique peut être nostalgique.

 

Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.

 

Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.

 

Le bruit blanc – Une fondation sifflante :

 

Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.

 

J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.

 

Le bruit rose – Une alternative plus douce :

 

Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.

 

Il existe également diverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.

 

Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :

 

Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.

 

Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.

 

 

 

Bruit numérique – Possibilités infinies

Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.

Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :

  • Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
  • Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
  • Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
  • Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
  • Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.

En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.

 

Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs

 

Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.

Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.

 

Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels

 

Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.

 

Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité

Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.

  1. Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
  2. Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
  3. Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
  4. Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
  5. Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
  6. Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
  7. Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.

 

Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.

 

Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

Les incontournables Max For Live pour Ableton

(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!