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Rendre les sons vivants : le mouvement dans la musique électronique

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CRÉER DU MOUVEMENT DANS LA MUSIQUE ÉLECTRONIQUE

L’un des concepts les plus méconnus de la musique électronique est le mouvement. Par mouvement, je fais référence à la façon dont chaque son évolue constamment tout au long d’une chanson. Je discutais une fois avec un passionné de synthétiseurs modulaires et il disait ne pas supporter les sons enregistrés comme les samples parce que, selon lui, ces sons sont « morts ». Avec les synthés modulaires, un son peut être répété pendant des minutes et il ne sera jamais exactement le même parce que les composants matériels donnent constamment de légères variations au son. Un son enregistré est figé comme une image. Puisque nous n’avons pas tous le luxe de posséder un synthé modulaire, permettez-moi d’expliquer comment nous pouvons utiliser des outils logiciels pour rendre les sons « vivants » et développer du mouvement dans notre propre musique électronique.

Tout d’abord, convenons que le mouvement dans la musique électronique provient de certains éléments qui « bougent ». Il existe différentes façons de créer cette sensation :

1. CHANGEMENTS DE VOLUME (AMPLITUDE)

Le changement de volume des percussions est souvent associé au groove et au swing. Les deux peuvent modifier le volume des sons. Cela dit, vous pouvez appliquer un modèle de groove non seulement aux percussions, mais aussi aux mélodies et aux lignes de basse. Si cela ne suffit pas, vous pouvez aussi utiliser l’effet midi velocity qui peut non seulement altérer la vélocité de chaque note, mais dans Ableton Live il y a aussi un randomizer qui peut être utilisé pour créer un effet plus humain. Une autre façon d’ajouter de la dynamique est d’utiliser un effet de trémolo sur un son et de le garder synchronisé ou non. L’effet trémolo affecte également le volume, et c’est une autre façon de créer des grooves sur mesure. Personnellement, j’aime aussi créer des changements d’arrangement très subtils sur l’enveloppe ou le gain de volume, ce qui maintient le son toujours en mouvement.

En général, les LFOs — comme ceux présents dans le patch Max for Live — peuvent être utilisés pour moduler n’importe quoi, et ils créeront automatiquement du mouvement. Associé à chaque LFO, j’utilise souvent un autre LFO pour moduler sa vitesse afin d’obtenir une véritable sensation de non-redondance.

Astuce : Combinez LFOs et modifications manuelles, puis copiez les séquences jusqu’à la fin de la chanson. Je vous suggère d’essayer de sortir de la structure 4/4 et des blocs réguliers pour sortir d’un « template feel ».

2. FILTRE

Une autre excellente façon de créer du mouvement est de faire en sorte que le son change toujours de tonalité. L’utilisation d’un filtre en mode parallèle est un moyen très efficace de créer de la couleur. L’important est de s’assurer que la fréquence et la résonance sont constamment en mouvement en utilisant des LFOs ou des enveloppes. En étant en parallèle, le son semble toujours être le même, mais il y aura un peu plus de corps à cause du filtre. Ce que beaucoup de gens ne savent pas, c’est qu’il y a différents types de filtres, donc vous pouvez essayer différents types de filtres dans différents Sends et votre chanson sera plus en mouvement. Alors que les filtres sont parfaits pour les changements subtils, vous pouvez aussi faire la même chose avec un égaliseur, mais toujours en parallèle. L’ajout d’une enveloppe sur le filtre pour qu’il détecte le signal entrant et change la fréquence est aussi une très belle façon de garder le son organique.

Astuce : Essayez de comparer comment un filtre Moog peut différer d’un filtre ordinaire.

3. TEXTURES

Les textures ou le bruit de fond sont une autre excellente façon d’émuler les appareils analogiques. Il y a plusieurs façons de le faire, mais celle que je recommande est d’obtenir un microphone pour votre iPhone et d’enregistrer un moment de votre prochaine visite au café ou au restaurant, ou même dans votre maison où nous ne nous rendons pas compte qu’il y a encore un très faible niveau de bruit. L’ajout de cet enregistrement à faible volume dans votre chanson ajoute automatiquement un layer de chaque son en évolution. Si vous le souhaitez, vous pouvez aussi convertir certains bruits en patterns de groove qui créent une forme de randomisation sur vos sons. Certains effets de haute qualité tels que la saturation utilisée sur certains sons ajouteront une forme de texture qui empêche vos samples de sonner creux.

Astuce : La modulation FM sur un filtre ou une oscillation peut créer des textures granuleuses.

4. STÉRÉO ET PANORAMIQUE

Pour ce point, il y a différents effets qui jouent avec l’image stéréo et — bien que vous devriez être prudent — il est bon d’avoir au moins un ou deux sons qui ont ce genre d’effets. Parmi ces effets le phaser, le chorus, le flanger, le delay, la reverb et l’auto-pan. Ils peuvent tous donner du mouvement aux sons si la modulation n’est pas synchronisée et si le dry/wet est constamment modifié légèrement.

Astuce : Faites attention aux effets que vous utilisez, car une utilisation excessive peut créer des problèmes de déphasage.

5. TIMING

Un point que les gens négligent souvent : la position d’un son dans un pattern peut changer légèrement tout au long d’une chanson pour créer un sentiment de mouvement. Cet effet est plus facile à créer si vous convertissez tous vos clips audio en midi. En mode midi, vous pouvez utiliser le plug-in Humanizer (Max) pour modifier constamment le timing de chaque note. Vous pouvez aussi le faire manuellement si vous êtes un peu plus dans l’édition de détails, mais à la fin, un Humanizer peut faire la même chose tout en créant des idées inattendues qui pourraient être intéressantes. Une autre astuce est d’utiliser un effet de glitch en mode parallèle pour ajouter quelques courbes dans le timing d’un son de temps en temps.

Astuce : Désactivez le verrouillage de la grille (grid lock) dans la section arrangement pour être intentionnellement imprécis.

Créer de la musique intemporelle

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Récemment, ma page Facebook a été submergée de façon fantastique. Ce fil est devenu débordé par des commentaires que j’étais heureux de lire parce qu’ils me rappelaient combien la musique peut stimuler et affecter nos émotions. On parle de musique intemporelle.

J’ai demandé à mes followers Facebook de nommer une musique qui n’avait pas quitté leur sac de DJ depuis des années. Ce sont ces disques qui ont passé l’épreuve du temps, et qui se sont vraiment démarqués en tant que musique « intemporelle ». Ce qui soulève la question, qu’est-ce qui rend une musique intemporelle ? Dans de nombreux cas, la musique dont le contenu touche à des thèmes plus profonds peut être plus facile à intégrer, car elle semble d’emblée plus personnelle. La musique peut avoir une manière de suggérer et d’exprimer des émotions que les mots parfois ne peuvent pas exprimer, c’est pourquoi la musique est souvent un moyen d’expression aussi puissant.

Un de mes amis a mentionné que la musique avec un son ou une ambiance particulière semble avoir sa propre personnalité, ce qui est un commentaire similaire que mon amie Vera m’a dit au sujet des disques qu’elle emporte toujours avec elle — que certains disques étaient comme des amis ou des compagnons pour elle. Certains disques fonctionnent mieux avec d’autres et certains fonctionnent vraiment bien dans un contexte très particulier. Certaines personnes ont parlé de conserver certains enregistrements pour fermer leurs sets, et d’autres parfaits pour un lever de soleil.

Dans un article précédent, j’ai expliqué comment développer beaucoup d’idées rapidement, mais aussi démontré que c’est un peu la loterie d’en trouver une bonne. Il peut s’agir d’un sujet assez compliqué et, à certains égards, impossible à cerner en tant que science. Malgré le fait que tant de chansons populaires l’ont fait, et ont été écrites très rapidement, il n’y a toujours pas de science exacte pour écrire de la grande musique. Néanmoins, cela vaut la peine de prendre quelques minutes pour examiner quelques dénominateurs communs entre ces exemples.

EXPLORONS QUELQUES THÉORIES QUE VOUS POUVEZ METTRE EN PLACE, POUR QU’AVEC UN PEU DE CHANCE, VOUS PUISSIEZ UN JOUR CRÉER VOTRE PROPRE MUSIQUE INTEMPORELLE.

Tout d’abord, certains diront qu’il faut atteindre un état de grâce, qui en psychologie, est souvent étiqueté comme étant un état de flow. Beaucoup d’artistes ont ressenti ce sentiment et peuvent le ressentir, mais malheureusement ils comptent fréquemment sur les substances pour le retrouver, ce qui est souvent contre-productif. Qu’est-ce que le flow ?

 

En psychologie positive, le flow, aussi connu sous le nom de zone, est l’état mental dans lequel une personne qui exécute une activité est totalement immergée dans un sentiment de concentration énergique, d’implication totale et de plaisir dans le processus de l’activité. Essentiellement, le flux peut être caractérisé par une absorption complète de ce que l’on fait et une perte de la sensation d’espace et de temps.

Vous pourriez aussi voir cet état de « flux » comme une activité où le temps passe si vite, et vous êtes tellement absorbé par ce que vous faites que vous pouvez sentir qu’il est fait presque tout seul, de la manière la plus naturelle. Je dirais que ce n’est pas quelque chose d’essentiel, mais habituellement, comme vous faites de la musique et que vous avez expérimenté cet état, vous conviendrez que certains de vos meilleurs morceaux seront écrits pendant cette période.

Une autre façon d’aborder l’écriture de musique intemporelle est d’être au courant des tendances actuelles de la musique et de comprendre ce qui définit vraiment ce qui est populaire. On ne manque pas d’études qui ont examiné les progressions d’accords communs à travers différentes époques, et ont identifié une formule gagnante. L’utilisation de la bonne progression d’accords mélangée à des techniques innovantes d’une époque fera ressortir une chanson musicale et bien écrite. David Bowie est un artiste qui a toujours eu le flair de trouver et de collaborer avec des gens créatifs pour repousser les limites de la créativité.

Faites-le, et faites-en beaucoup.
Être productif aide si vous évitez de vous censurer, et de ne pas trop réfléchir au processus. En d’autres termes, si vous avez fait 50 titres sur une période de temps et que 5 d’entre eux étaient vraiment excellents, ce sera toujours plus prolifique que de passer des années à n’en faire que cinq.

Ci-dessous vous trouverez quelques pistes qui ont suscité des suggestions pour définir ce qui a rendu les morceaux intemporels.

Mélodies : Plus que souvent, une mélodie envoûtante ou quelque chose de très accrocheur vous rappellera un titre.

Innovation : Utilisation de nouvelles technologies ou personnalisation d’une technique. Parfois, ce que vous pouvez faire, c’est prendre un procédé utilisé dans un autre genre et l’appliquer à ce que vous faites.

Arrangements : Il n’y a pas de secret ici pour dire que les humains aiment les surprises et les arrangements sont l’art de jouer avec les attentes, les moments inattendus, les indices et les idées trompeuses. L’équilibre de ces éléments, le rapport des événements dans votre piste, répartis dans la bonne perspective, rendront votre chronologie intemporelle.

L’humeur et les émotions : Quand vous entendez un accordéon jouer dans un restaurant parisien, même si la chanson date d’il y a probablement 100 ans, vous vous connectez automatiquement à l’humeur, à l’émotion et comprenez pourquoi cette musicalité appartient aux rues de Paris. Tu sais que ça sera encore joué dans 100 ans. Ça correspond. L’utilisation d’éléments déclencheurs comme ceux-ci peut vraiment aider votre musique à se connecter à un contexte.

Pour finir mon point de vue, je vais partager quelques pistes que les gens ont suggérées et qui ont retenu l’attention, et je vais essayer d’expliquer pourquoi la piste peut être considérée comme intemporelle.

Ce titre de Maurizio (Moritz Von Oswald) correspond à la période où j’ai vraiment eu un déclic sur le mouvement minimal (vers 1996). C’était l’un des premiers morceaux low-key, complètement hypnotisant et qui pouvait être joué à n’importe quel moment, mixé avec (presque) n’importe quoi et jusqu’à présent, il a été copié et a influencé tout le mouvement dub techno. C’est un classique bien connu de tous les DJs qui cherchent du son depuis un moment. Excellent à intégrer dans n’importe quel set, c’est un de ces morceaux avec lesquels vous ne pouvez pas vous tromper. Ce disque aurait-il le même intérêt s’il était publié aujourd’hui ? C’est encore fort !

Intemporel pour : L’innovation, l’utilisation de pads, le groove et le côté infini.

Isolé a pris de l’ampleur avec la sortie de son titre « Beau Mot Plage » qui, une fois sorti, est passé automatiquement dans la plupart des DJ bags, écoutant techno, house, etc.. C’est juste un beau disque bien produit qui apporte un sourire quand on le joue. Il ne fait aucun doute que ce sera aussi un classique pour les 20 prochaines années.

Facteur intemporel : Mélodies et arrangements.

Nous avons eu la chance de voir Ric pour la première fois lors de son concert à MUTEK en 2002. Il l’a fait presser et l’a joué au festival. C’est un de ces disques qui, lorsqu’ils sont joués, incitent souvent les gens à demander de quelle chanson il s’agit. Principalement parce qu’il y a une basse super accrocheuse au début puis la guitare tombe et ça crée automatiquement une atmosphère où les choses semblent suspendues. La sensation nostalgique, mais profonde, et le ton de celui-ci vous donnent envie de l’écouter en boucle. Il ne fait aucun doute que l’utilisation de la guitare est ce qui rend ce morceau mémorable.

Je suis flatté que ce titre soit venu comme suggestion à avoir dans son sac. Quand Hubble et moi avons fait ce titre, on ne s’attendait pas à ce qu’il attire l’attention (il était en vente sur Discogs pour 150 euros à un moment avant la represse). Bientôt, nous avons vu des vidéos de DJ la jouant et nous en avons eu la chair de poule. Il semble que ce morceau soit un morceau que vous pouvez glisser dans n’importe quel set, mixé avec d’autres morceaux ou par lui-même et il vous embarque. Je suis subjectif parce que j’ai été impliquée dans sa création, mais je comprends l’intérêt des DJs pour le jouer.

Laurent Garnier est l’homme derrière ce titre, et même s’il date de 1993, il est toujours jouable aujourd’hui. C’est romantique de penser qu’à l’époque nous faisions de la musique du futur, mais celle-ci a vraiment réussi. Cette basse et cette mélodie acide font que les choses fonctionnent si bien, et il ne fait aucun doute que c’est un classique maintenant, faisant lever les bras à chaque fois qu’elle est jouée. Je pense qu’il a fait du bon travail en saisissant un instantané de ce qu’était la musique rave du début des années 90.

Très joliment faite, mélodie accrocheuse et globalement, c’est le genre de chanson qui peut séduire à peu près tout le monde. Tu ressentiras de l’amour et la vibe de Paris. Ce n’est certainement pas quelque chose que vous pouvez jouer quand vous le souhaitez dans votre set, mais je peux imaginer que quelqu’un joue cela pour clore un événement et ça aurait un effet très approprié.

Voir aussi : The Art of Keeping People on Their Toes (Traduction bientôt disponible) 

S’imposer des règles pour l’arrangement

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Lorsqu’on se heurte à un mur, il peut être pénible d’avancer et de passer au-dessus. C’est un jeu mental de volonté et de force contre l’effort créatif. Ce qu’il faut savoir : attendre un bref moment d’inspiration et de créativité perdra toujours le bénéfice d’un travail acharné et constant. Ça doit être aussi dur que ça tout le temps ? Y a-t-il un moyen de surpasser les tâches plus difficiles et plus longues ? Je suis la voix que vous entendez dire oui. Et c’est plus facile que vous ne le pensez.

Au fil des ans, en tant que producteur, je n’ai jamais cessé d’apprendre des autres et de trouver des moyens d’améliorer mes compétences et ma technique dans tous les domaines de la production musicale. Je vais partager avec vous une chose que j’aurais aimé avoir apprise plus tôt : créer et s’imposer des règles pour les arrangements. Des règles ? Quoi ? Je vais vous expliquer.

Pour beaucoup de producteurs, le moment où vous arrangez vos morceaux semble être quelque chose que vous n’attendez pas avec impatience. Je comprends, je suis passé par là. J’entends toujours dire que la vibe et l’âme du morceau semblent changer de manière moins excitante quand vous vous asseyez et que vous commencez à l’étaler. On m’a souvent dit : quand j’arrive à ce coin de rue, la fête est finie. Mais n’arrêtez pas la musique tout de suite.

JE RÉUSSIS ET JE SUIS PROLIFIQUE EN TANT QU’ARTISTE PARCE QUE J’ACCOMPLIS LES TÂCHES DIFFICILES. JE NE ME CACHE PAS DES TÂCHES QUE J’ÉVITAIS DE FAIRE. J’Y VAIS TOUT DE SUITE ET JE COMMENCE PAR LES TRAVAUX LES PLUS DIFFICILES. JE LES AI AFFRONTÉS D’UNE MANIÈRE QUI N’EST PLUS DOULOUREUSE OU ENNUYEUSE. L’UTILISATION DES RÈGLES N’EST PAS COMME VOLER EN PILOTE AUTOMATIQUE, BEAUCOUP DE DÉCISIONS DIFFICILES SONT PRÉ-DÉCIDÉES POUR MOI.

 

Cela peut sembler trop facile, ou de pur brio, mais les gens du monde entier utilisent ce processus pour décharger le dur labeur mental de prendre des décisions pour arriver à la ligne d’arrivée plus rapidement. Si vous voulez obtenir des résultats plus cohérents et plus impressionnants, lisez la suite.

(vous savez qu’il s’agit d’une priorité clé dans tout mon blogue, trouver des moyens de maximiser votre créativité et votre efficacité, en organisant notre flux de travail pour passer moins de temps sur le quotidien prenant, et plus de temps sur les parties enrichissantes et excitantes de notre travail)

Parlons de vous imposer des règles internes. Ma définition des règles serait la suivante : utiliser certaines techniques pour créer une structure de chanson engageante. Et n’oubliez pas — les règles peuvent être enfreintes plus tard, mais vous trouverez qu’il est beaucoup plus utile de commencer rapidement et de faire des progrès rapides plutôt que de commencer lentement à partir de zéro.


Il y a plusieurs raisons pour lesquelles un auditeur peut être attiré par votre chanson — la qualité du mix, une superbe loop, l’accroche du hook, etc. La plupart des gens admettront qu’ils sont attirés par une chanson (ou avoir une chanson dans la tête) par la structure narrative de l’arrangement. La création d’un arrangement serré et bien séquencé est l’un des domaines où de nombreuses personnes ont du mal à réussir. Leurs chansons manquent de corrélation, c’est-à-dire la combinaison de la répétition contre le changement. C’est un domaine de l’écriture de chansons où les règles peuvent aider énormément en prédéfinissant comment chaque son peut être utilisé.

Voici quelques exemples de règles que j’utiliserai :

  1. Direction : ce projet est-il pour le club, pour le casque, pour un projet de cinéma ? Sachant cela, chaque choix qui s’ensuivra sera dicté.
  2. Définition des sections : c’est une partie cruciale, que je vais définir comme une partie de la piste où une idée est utilisée d’une certaine manière, et vous passerez d’une section à l’autre, en entendant une différence claire et perceptible. Selon le genre, certains arrangements sont serrés, couplet, refrain, couplet, refrain, refrain, pont, couplet, etc. Beaucoup d’arrangements s’en tiennent à une formule répétitive, ce qui dans ce cas-ci est une bonne chose, car nous écoutons et savons rapidement à quoi nous attendre. C’est ici que vous pouvez ajouter et créer des variations aux sons qui peuvent augmenter l’intensité de manière puissante pour l’auditeur.
  3. La séquence de percussions : Cette séquence est-elle la même sur 8 ou 16 mesures ? Comme précédemment, vous voulez créer un motif stable qui se répète et qui peut supporter les autres éléments de votre piste. L’avantage d’utiliser des structures répétitives est qu’il suffit d’un petit changement pour introduire un grand changement, qui saura captiver l’oreille de l’auditeur tout de suite, et créer une anticipation pour la partie suivante. Des hats ou des claps sont souvent utilisés pour créer cette variation.
  4. Séquence de blocs et couleur : S’il y a une variation dans la même piste pour un son, je recommande fortement de changer les couleurs des blocs pour indiquer cette différence. C’est amusant et efficace de placer vos blocs dans un motif visuel, bleu-rouge-bleu-rouge-rouge-rouge-bleu-orange.
  5. Blocs superposés : C’est le prolongement naturel de la règle précédente. Imaginez que vous avez deux pistes, chacune ayant ses propres séquences de couleurs, votre motif visuel peut être créé en combinant les deux. C’est très utile lorsque vous voulez que deux sons différents s’appellent ou se répondent l’un l’autre. Vous les verrez l’un au-dessus de l’autre, comme une paire.
  6. Taille des blocs : J’aime faire une séquence pour mes kicks et ensuite les consolider (Cmd + J). Cela va créer un bloc plus grand que je vais dupliquer jusqu’à la fin. Maintenant, je peux exiger que ces blocs ne changent pas du tout, ce qui me permet de concentrer mon énergie sur la création de variations pour mes blocs de percussion plus courts. Imposer des tailles de blocs est l’un des moyens les plus libérateurs pour accélérer le processus d’arrangement !
  7. Blocks statiques vs blocks lives : Vous constaterez que chaque piste que j’ai inclura des éléments individuels qui sont un enregistrement audio de quelques manipulations live. Pour moi, ces blocs sont « Live » (vivants) tandis que ceux qui n’ont pas de manipulation sont « sleepy » (statiques). Vous pouvez décider d’avoir un certain rapport entre les vivants et les statiques.
  8. Rapport de perspective : Peut-être mon préféré. Alors qu’un ratio en tiers est habituel (ex. intro, milieu, fin), vous pouvez aussi en avoir plus, mais chaque ratio doit être de la même longueur plus ou moins. Le nombre de sections qui convient dépend vraiment de vous.
  9. Pourcentage de surprises : simple n’est-ce pas ? Combien de surprises donnerez-vous à l’auditeur ? Un trop grand nombre diminuera l’impact alors qu’un trop petit nombre pourrait ne pas engager suffisamment et ils trouveront votre morceau ennuyeux.
  10. Silences : élément très important. Les silences dans la musique peuvent donner une grande puissance aux notes jouées. Vous aurez besoin d’au moins un petit moment où vous donnerez de l’air à votre mix en ajoutant des silences à une pièce. Pensez de façon créative à la manière dont vous voulez créer de l’espace dans votre séquence.

 

Comme vous pouvez le voir, les règles que vous pouvez créer et appliquer à votre piste peuvent être tout ce que vous souhaitez. La meilleure partie sur l’utilisation des règles dans votre flow de travail est que vous allez considérablement accélérer les choses en déchargeant une grande partie du travail de devinette mentale à un processus qui a déjà été prédécidé. Tout cela signifie plus de plaisir en studio, plus de musique finie, ce qui est une situation gagnant-gagnant sous tous les angles.

VOIR ÉGALEMENT : The Science Behind Tracky Music

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 2)

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Après avoir décidé de la direction que prendra votre set live, nous allons maintenant discuter de la façon de préparer un set électronique live en termes d’approche de chaque chanson individuelle, ou des moments comme je les appelle. Cet article fait suite à Jouer de la musique électronique live — Comment préparer votre Live Set ? (Partie 1)

Avant de continuer, assurez-vous d’avoir lu l’article ci-dessus, après quoi vous devriez avoir une meilleure idée du style que vous aimeriez jouer en live. Puisque la plupart des musiciens électroniques sont des utilisateurs de logiciels, nous allons commencer par cette approche qui est plus facile et permet de jouer à la fois à la maison pour le plaisir ou dans un club. Une erreur courante que je constate chez les nouveaux artistes qui veulent jouer live est de rendre les choses trop ambitieuses et trop compliquées. Les préparatifs deviennent trop exigeants et le fait même de jouer le set perd son côté amusant.

Première idée pour préparer votre set : transformer vos morceaux, finis ou non, en moments à jouer en live.

Dans un article précédent, j’ai dit que faire beaucoup de boucles est quelque chose qui finit par payer. Quand vous voulez jouer en live, il est toujours préférable d’avoir beaucoup d’options à portée de main que vous pouvez explorer, pour voir ce qui fonctionne ensemble et ensuite transformer ces boucles peut-être inachevées en nouvelles chansons.

Pendant des années, j’ai toujours eu un fichier de projet principal pour jouer live dans lequel je testais toutes les nouvelles idées sur lesquelles j’allais travailler pendant une période de temps donnée. Ce live est comme un laboratoire d’expérimentation ; c’est là que de nouvelles idées surgissent, où les boucles deviennent des pistes terminées, et où certains sons sont remplacés ou remixés dans une autre piste. En d’autres termes, je recommande de transformer vos boucles d’arrangement inutilisées en une scène dans Live, de les jouer et d’enregistrer la sortie. Rincer, répéter.

Mais par où et comment commencer ?

Prenons par exemple cet arrangement simple et voyons ce que nous pouvons en tirer. Disons que vous avez une piste en cours ou terminée, partiellement configurée dans une vue d’arrangement (note : n’importe quel DAW en mode arrangement, pas seulement Ableton). Tout d’abord, vous aurez besoin de savoir comment la piste est structurée.

Figure 1 — Mode arrangement avec marqueurs

 

Voulez-vous jouer le morceau comme vous l’avez arrangé ou voulez-vous avoir les parties pour improviser avec les différentes sections ?

Comme vous pouvez le voir dans la capture d’écran ci-dessus, j’ai inséré des marqueurs dans mon agencement qui représentent les principaux changements entre les sections ; tout est principalement organisé en blocs. Vous aurez besoin de découper ces blocs pour les déclencher, et aussi ce qui deviendra primordial est la façon dont vous décidez de les jouer. Si certaines parties sont fortement découpées, je vous recommanderais soit de transformer cette section en un bloc entier, soit si vous voulez jammer avec ces sons, vous pouvez les ajouter à un Drum Rack. Cela dépend si vous voulez jammer dans votre set ou pas. Le but ici est d’avoir une meilleure vue de la façon dont vos blocs existent afin que lorsque vous êtes dans la vue de session, les parties soient faciles à voir.

1re CHOSE À FAIRE :

  • Étirez les petits blocs qui se répètent pour créer des blocs plus grands qui couvrent la zone où ils doivent être répétés (note : assurez-vous que le clip est en mode boucle).
  • Utilisez Cmd + J pour consolider les blocs découpés en blocs plus grands. Si certains blocs ont des variations, regroupez-les tels quels.
  • Utilisez les couleurs pour clarifier où les blocs ont des changements. Supposons qu’un bloc se répète jusqu’à un moment donné, mais change ensuite de hauteur ; vous pouvez changer la couleur de celui où la hauteur est changée pour symboliser ce changement.

Figure 2 — Blocs consolidés vs blocs non consolidés

Dans la figure 2, la partie gauche a été consolidée et la partie droite ne l’a pas été. Vous pouvez dupliquer la partie gauche à droite après avoir consolidé de cette façon.

Cela peut sembler prendre du temps, mais ce n’est pas beaucoup de travail supplémentaire et cela sera payant une fois que vous déplacerez le tout en mode session.

Lorsque vous avez terminé, vous devez apporter les nouveaux blocs dans la vue de session.

Si vous avez des groupes, je suggère de les détacher. La raison en est qu’il est non seulement peu pratique d’utiliser les groupes en vue de session, mais aussi qu’il y a des chances que vos groupes diffèrent d’une chanson à l’autre, et qu’en fin de compte cela soit plus confus qu’utile. Si vous avez regroupé vos FX, je vous suggère d’exporter le canal entier comme une stem et de décider plus tard comment l’utiliser dans un contexte en live. Vous pourriez peut-être décider d’utiliser des effets pendant le live et donc, de ne pas exporter le canal. C’est dur pour moi de vous dire quoi faire ici.

2e CHOSE À FAIRE :

  • Attrapez tous les clips à l’aide de Cmd + A, cliquez pour saisir, appuyez sur Tab puis déposez-les dans la vue de session.

    Cmd + A, cliquez pour saisir, appuyez sur Tab puis déposez-les dans la vue de la session.

  • Vous pourriez avoir un très grand nombre de clips. Après avoir tout déplacé dans la vue de session, vous verrez que certaines « scènes » sont constituées des mêmes clips. Vous devrez supprimer toutes les scènes qui sont identiques : vous n’en avez pas besoin. Au final, vous pouvez passer de 60 scènes possibles à environ 5 (!). En situation live, vous voulez que tout soit devant vous, et plus les choses sont simples, plus vite vous serez en mesure d’aller où vous voulez. Vous pouvez également passer de la Scène A à la Scène B, de C à D dans n’importe quel ordre, ce qui vous donne la possibilité de remixer votre musique à la volée.
  • Certaines personnes peuvent avoir un grand nombre de pistes groupées en 5-8 groupes. Les groupes rendent les choses difficiles à jouer en live, car ils ajoutent beaucoup de complexité. Je vous suggère peut-être d’exporter les stems de la piste pour les groupes, puis de les découper en sections comme je l’ai expliqué plus haut. Cela pourrait aussi vous inviter à reconsidérer la façon dont vous utilisez les pistes — j’ai souvent l’impression que les gens en utilisent trop. Je n’utilise jamais une seule piste pour un hit qui arrive une fois dans une chanson. J’aurai une piste réservée où je mettrai tous les sons one-shot d’un coup. Cela peut changer la donne pour vous si vous utilisez beaucoup de petits projets plus faciles à comprendre et vous vous sentirez plus concentré (et utiliserez moins de CPU !).

 

En ce qui concerne le nombre de canaux à utiliser, vous devrez faire des tests sur votre propre configuration avant de décider. Dans le post précédent sur ce sujet, on m’a conseillé de faire attention au nombre de canaux/pistes utilisés. Idéalement, vous voulez en avoir un maximum de 12. Pour réduire le nombre de pistes que vous utilisez si vous en utilisez davantage, vous devrez en regrouper quelques-unes qui sont similaires ou combiner des pistes qui n’ont pas beaucoup de choses dessus. Par exemple, j’aurais un canal qui serait une boucle plus longue qui combinerait tous les FXs et les hits aléatoires. Le fait de le jouer en boucle plus longue plutôt qu’en boucle courte crée une sensation de live qui n’est pas aussi « folle ».

Répétez votre session en appuyant sur certains clips ou en déclenchant une scène pour voir ce qui se passe. Une fois que vous aurez supprimé les scènes redondantes et réduit le nombre de pistes, vous commencerez à avoir un premier aperçu de ce à quoi ressemble votre chanson en termes de live.

Bien sûr, vous allez vous poser de la question existentielle de savoir si vous voulez jouer le morceau « tel quel » ou si vous voulez avoir une version spéciale juste pour un contexte live.

Personnellement, je pense que c’est un peu ennuyeux de ne pas offrir quelque chose de différent dans un set live. Il y a deux façons pour changer les choses : le rythme et le jam. Le jam sera abordé plus en détail dans la partie 3, car c’est une partie très importante de la préparation et peut aussi être quelque chose qui peut changer à jamais votre approche de la musique.

Le rythme sera la dernière partie de la préparation de votre set live. Je vais couvrir la majeure partie de la phase de préparation du rythme ci-dessous, et l’article suivant sera davantage concerné par la façon de jouer votre live set.

Je pense que mes meilleurs lives étaient surtout bons parce qu’ils avaient un noyau autour duquel il y avait une certaine préparation, mais ils avaient aussi beaucoup de place pour improviser, dépendamment de la façon dont l’événement se déroulait. Ces sets étaient polyvalents ; je pouvais ouvrir une soirée avec eux ou jouer au peak time, surtout à cause de leur flexibilité. Ces sets étaient plus ou moins composés des mêmes morceaux, mais les variations seraient si faciles à interpréter à la volée que je pourrais vraiment suivre ce que je sens bien dans le moment. Je n’ai jamais vraiment compris l’intérêt d’avoir un set trop bien préparé. J’ai déjà essayé l’approche préparée auparavant et cela a rendu toute l’expérience ennuyeuse, parce qu’il n’y aurait pas eu de prise de risque. Elle semblait aussi déconnecter le public de l’écoute. Par exemple, imaginez que votre piste a été construite pour avoir une drop, un breakdown à un point précis et un moment de tension après, mais si la piste de danse commence juste à s’échauffer au drop, vous risquez de perdre l’attention des gens ou cela pourrait sembler déplacé.

Un set bien préparé a des moments pour construire la tension, d’autres pour la relâcher, des variations, et du matériel pour augmenter l’intensité si nécessaire, sans qu’il s’agisse d’un groupe fixe de pièces qui ne sont pas facilement déplaçables. Chaque chanson a besoin d’une intro et d’une outro pour que vous puissiez passer d’une chanson à l’autre de façon fluide, comme le ferait un DJ.

DERNIÈRE CHOSE À FAIRE (3) :

  • Essayez de décider de la première scène de vos chansons. Elle ne devrait pas être trop remplie, mais d’habitude, vous voulez un groove solide et des teasers de la mélodie à venir. Il est toujours important d’établir le groove pour obtenir la confiance des gens — ce que j’appelle la confiance du dance floor. Cette confiance vient généralement du Kick et des fréquences basses qui sont clairs et précis, ce à quoi les gens peuvent s’identifier, peu importe ce qui se passe dans d’autres parties du spectre de fréquences.
  • Votre intro doit être ouverte et avoir de la place. Si vous avez une mélodie, essayez d’en couper une partie. Cela permettra de mélanger une partie de la mélodie d’une autre chanson avec la chanson actuelle ; elles se répondront en écho. Cela se produit lorsque les premières notes d’une mélodie répondent aux dernières notes d’une autre mélodie. Les DJs adorent ça dans une chanson et en jouant live, vous verrez pourquoi ; vous découvrirez des « dialogues » entre vos morceaux qui pourraient même révéler les bons et les mauvais arrangements de vos morceaux.
  • Définissez l’accroche. L’accroche principale de votre chanson suivra l’intro. Cela ne veut pas dire que vous allez dropper tout de suite, car vous pouvez construire dans cette direction.
  • Prévoyez deux variations de l’accroche avec des percussions complémentaires. Si vous écoutez un DJ set, surtout de la musique techno ou basée sur des loops, vous verrez que c’est surtout une boucle avec des variations. Essayez d’avoir des variations dans vos percussions, mélodies ou basses. De cette façon, vous pouvez basculer entre l’accroche et cette partie. Je vous encourage vraiment à écouter des DJ sets pour avoir des idées.
  • Créez un moment de tension. Cela peut être un breakdown ou un moment où quelque chose se produit. J’ai toujours aimé définir ce moment comme une scène où les effets et l’atmosphère changent pour créer quelque chose d’excitant.
  • Relâchez la tension. Cette scène est essentiellement ce qui serait joué après le drop et c’est généralement l’accroche avec un peu plus d’intensité et de variations. Cette scène devrait être la plus importante.
  • Outro. Elle est similaire à l’intro, mais devrait être légèrement différent.

Dans le prochain article, nous reviendrons plus en détail sur les clips et comment créer le petit « laboratoire » parfait pour vous. Je vous proposerai des façons de jammer qui vous ouvriront les portes pour enfin jouer en live et avoir tout le plaisir que ça procure.