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L’esprit du débutant en production musicale

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Dans le monde de la production musicale, le concept de « chance du débutant » est quelque chose que beaucoup de gens ne connaissent pas. Il ne s’agit pas seulement de hasard ou de sérendipité. Il s’agit de la créativité débridée qui naît lorsqu’un nouveau venu, dépourvu d’idées préconçues, plonge sans crainte dans le monde de la création musicale. J’y ai toujours vu la preuve que parfois, il ne s’agit pas de faire quelque chose à la perfection, mais plutôt de faire preuve de spontanéité. Plus vous en savez, plus vous vous enfermez dans votre esprit en essayant de contrôler tous les petits détails que vous connaissez, ce qui anéantit l’idée initiale. Il est très fréquent que des personnes me contactent pour me demander de l’aide parce qu’elles ont gâché une belle idée initiale en essayant de « l’améliorer ».

Comme je l’ai dit dans mon précédent article, les gens se souviennent des idées, pas de la perfection technique. Par ailleurs, les chansons techniquement parfaites ne vieillissent pas toujours bien, car elles peuvent facilement sonner cliniques, froides, sans âme.

Je trouve que les personnes qui ont moins de connaissances techniques et qui se concentrent sur une idée, sortent souvent une chanson simple qui fonctionne. J’ai vu des gens sortir de nulle part, composer une chanson qui fonctionne sans vraiment savoir ce qu’ils font. Puis, pendant des années, ils ont essayé d’apprendre tout ce qu’ils pouvaient pour sonner comme des « pros », mais ils ont parfois perdu cette étincelle magique en cours de route. L’esprit du débutant est une pratique abordée dans le cadre de la méditation de pleine conscience. J’ai remarqué qu’il s’agit d’une approche bénéfique pour les personnes qui luttent contre le désintérêt et le manque d’inspiration.

Dans cet article, nous explorons l’importance de cultiver et d’entretenir l’esprit du débutant dans la production musicale, en nous inspirant de l’approche de la pleine conscience prônée par Jon Kabat-Zinn.

La chance du débutant en production musicale

Les gens veulent naturellement écouter de la nouvelle musique et parfois aussi se rattacher à la musique qu’ils connaissent. Mais il y a incontestablement un certain nombre de personnes qui veulent s’informer sur la prochaine grande nouveauté. Par conséquent, les nouveaux venus sont pris dans cette zone étrange où il leur est difficile d’émerger alors que d’autres, dans la même position qu’eux, se démarqueront. Néanmoins, si vous êtes novice en matière de musique, vous avez de la chance pour des raisons évidentes : tout ce qui concerne la musique est nouveau et peut sembler fascinant. Cet état d’esprit est propice à la création, car vous ne portez pas de jugement sur certains sons du fait qu’on vous a dit que certains n’étaient pas assez bons pour un genre spécifique.

Voici quelques points et atouts :

1. Une créativité débridée : Lorsque les débutants entrent dans le domaine de la production musicale, ils sont principalement guidés par leur passion et leur intuition. Ne maîtrisant pas les techniques complexes, ils s’appuient sur leur talent brut et leur instinct pour créer leur musique. Cette approche donne souvent lieu à des morceaux non conventionnels, frais et innovants qui captivent le public. C’est quelque chose qui, personnellement, m’intéresse toujours dans la musique des débutants, parce qu’ils utilisent des techniques de base, parfois mal utilisées, mais qui se révèlent agréables. Dans le monde de la peinture, il existe un équivalent appelé « art naïf« , où l’artiste réalise un portrait d’une manière inhabituelle. J’ai également remarqué que Midjourney, qui est un générateur d’art basé sur l’IA, était similaire, car la première version avait du mal à créer des mains, ce qui donnait des résultats très bizarres, mais néanmoins époustouflants.

Credits : Bootcamp

 

 

 

 

 

 

 

 

 

2. L’expérimentation sans crainte : Les novices ne sont pas freinés par la peur de l’échec ou par les contraintes des normes établies. Ils explorent des sons, des genres et des techniques variés sans avoir à répondre à des attentes. Cette expérimentation audacieuse peut conduire à des découvertes accidentelles et à la création d’une musique qui défie toute catégorisation. J’ai parfois remarqué que les nouveaux compositeurs qui n’ont aucune expérience en tant que DJ créent des morceaux avec des arrangements très étranges sans savoir qu’ils risquent de faire rager les DJ lorsqu’ils essaieront de mixer leur musique, mais cela a aussi un certain charme.

 

3. Expression authentique : Les débutants créent souvent de la musique comme un moyen d’expression personnelle plutôt que de viser le succès commercial. Cette authenticité trouve un écho auprès des auditeurs, qui sont attirés par les émotions et les histoires authentiques contenues dans la musique. Plus quelqu’un fait de la musique pendant longtemps, plus il peut être tenté de tomber dans des routines, des habitudes ou de se conformer à l’esthétique d’un genre afin de « rester pertinent ».

Récemment, quelqu’un a partagé cette remarque sur Facebook :

Ce à quoi j’ai répondu :

 

Signes d’un changement dans l’esprit du débutant

Peut-on déterminer le moment où quelqu’un perd son esprit de débutant?

Oui et non. Il ne s’agit certainement pas d’un processus linéaire ni d’une perte définitive. Mais lorsqu’un client vient pour une consultation, j’imagine une échelle « esprit de débutant » et je tente de repérer les signes avant-coureurs d’un état négatif.

Il y aura des signes indiquant que l’effet vous quitte sur la base de quelques points. Au fur et à mesure que vous le verrez cet état d’esprit partir, certains problèmes apparaîtront.

 

1. L’attrait de la perfection :

 

Lorsque les artistes débutants connaissent le succès, ils ont tendance à rechercher la perfection. La définition du succès est très différente d’une personne à l’autre, ce qui rend la chose un peu délicate. Mais chaque fois qu’il y a une obsession ou une grande préoccupation pour les détails techniques, quelque chose me dit qu’il y a un désir d’être impeccable, avant de sonner authentique. Certains peuvent commencer à être obsédés par des détails techniques (par exemple, rechercher sans cesse un échantillon spécifique, ajuster les niveaux de 0,5 dB, se fatiguer à prendre des décisions sur les arrangements, etc.), la surproduction, ou la conformité aux normes de l’industrie. Ce faisant, ils risquent de perdre l’essence distinctive qui a rendu leurs créations initiales si attrayantes.

Symptôme 1 : La partie technique prend le pas sur la partie artistique, tant en importance qu’en temps investi.

CONSEIL : consacrez plus de temps à la spontanéité, enregistrez vos idées en temps réel, limitez le nombre d’itérations d’une chanson ou limitez le temps passé sur une chanson spécifique en une journée.

 

2. Réflexions excessives et doute de soi :

Avec l’expérience, on a tendance à trop réfléchir. Les artistes peuvent devenir trop critiques à l’égard de leur travail, étouffant leur flux créatif par le doute et les limites qu’ils s’imposent. Cette conscience de soi les empêche de puiser dans la créativité naturelle qui caractérisait leurs premiers travaux.

Symptôme 2 : Les inquiétudes prennent le pas sur l’excitation. La plupart du processus de réflexion est axé sur l’expérience de l’auditeur plutôt que sur le sujet de la chanson. Imaginez que vous soyez dans une conversation et que vous soyez plus préoccupé par la façon dont l’auditeur vous entend que par ce que vous voulez dire, alors il y a de fortes chances que vous ne fassiez aucun sens.

CONSEIL : Concentrez-vous sur le sujet de la chanson et mettez-le en valeur.

 

3. Stagnation créative :

S’accrocher à une formule qui a fait ses preuves peut conduire à une stagnation créative. La répétition des mêmes modèles et techniques, même s’ils ont été couronnés de succès dans le passé, peut entraîner un manque d’innovation et de croissance artistique.

Symptôme 3 : Toutes vos chansons sonnent de la même manière. Elles finissent toutes par ressembler à une version différente d’une chanson précédente (réussie).

CONSEIL : Changez vos chansons de référence, explorez de nouvelles musiques qui sortent de votre zone de confort.

L’esprit du débutant et la pleine conscience

Une chose qu’il est important de comprendre à propos de la chance du débutant est que les gens sont naturellement attirés par la nouveauté. Ou du moins, c’est le cas pour de nombreuses personnes. Je me souviens qu’à l’époque où j’ai commencé à faire de la musique et à jouer sur scène, on m’offrait beaucoup d’opportunités comparé à aujourd’hui. Même si je suis toujours considéré comme un artiste émergent, parce que je ne suis pas célèbre, je suis également considéré comme vieux, et donc peut-être moins pertinent. Mais encore une fois, c’est très différent de celui qui m’écoute. Certaines personnes qui ont eu un bon départ recherchent la première sensation et essaient de la recréer en changeant leur façon de travailler ou en compensant par de nombreuses nouvelles acquisitions pour leur studio.

C’est là qu’intervient la sagesse de la pleine conscience, telle qu’elle est partagée par Jon Kabat-Zinn. À la base, la pleine conscience encourage à être pleinement présent dans le moment présent, sans jugement. Voici comment les artistes peuvent appliquer cette approche à la production musicale :

1. Se défaire des idées préconçues :

Abordez chaque nouveau morceau avec un esprit ouvert, sans idées préconçues sur le son qu’il devrait avoir. Laissez la musique évoluer naturellement, en acceptant la direction qu’elle prend.

Cela signifie que lorsque vous lancez de nouvelles idées, vous devez être moins pointilleux sur la manière dont la session doit commencer. Peut-être qu’un jour vous serez intéressé par les pads ou qu’un autre jour, vous ferez des boucles de percussion bizarres. Ne vous enfermez pas dans un mode opératoire qui a déjà fonctionné et laissez-vous toujours tenter par la nouveauté.

CONSEIL : divisez vos séances de musique en deux catégories : l’une liée à la création musicale (trouver de nouvelles idées, jouer, improviser) et l’autre purement technique. Lorsque ces deux éléments se chevauchent, l’esprit peut avoir du mal à s’ouvrir à de nouvelles idées.

 

2. Ne pas s’attacher aux résultats :

Au lieu de se focaliser sur le résultat final ou de rechercher une validation externe, il faut se concentrer sur le processus de création lui-même. Ce détachement des résultats libère la créativité et encourage la prise de risques.

Cela signifie-t-il que le laisser-aller est toléré?

Il s’agit plutôt de la manière dont vous gérez vos arrangements. Il s’agit également de ne pas penser aux résultats finaux et d’être ouvert à tout ce qui émerge.

CONSEIL : je dis souvent que je m’efforce d’achever la musique à près de 90 % et que je reviens plus tard avec la possibilité de la réviser complètement.

 

3. Accepter l’imperfection :

Comprendre que les défauts et les imperfections font partie intégrante du processus créatif. Accepter ces imperfections favorise l’authenticité et évite un polissage excessif qui pourrait ôter l’âme de la piste.

Lorsque je suis proche de la phase finale d’une chanson, je remarque parfois que mon esprit traque les imperfections, voulant toutes les couvrir. Je trouve que le fait d’en laisser délibérément laisse une touche humaine et je jure que des années plus tard, je ne les vois même pas comme des erreurs mais comme une partie de l’identité de la chanson elle-même. Plus souvent qu’autrement, toutes les choses que j’ai réparées finissent par être de trop.

CONSEIL : trouvez un ami qui peut écouter votre idée finale et demandez-lui de l’écouter une fois, puis de vous faire part de ses commentaires. S’ils n’ont rien remarqué, vous êtes sauvés.

 

 

4. Apprentissage continu :

Tout comme un débutant est désireux d’apprendre et d’explorer, maintenez une attitude d’apprentissage permanent. Tenez-vous au courant des nouvelles techniques, des nouveaux sons et des nouveaux outils afin d’insuffler de la fraîcheur à vos créations.

Comme je l’ai déjà dit, dans mon cas, je cherche des tutoriels tous les jours et je commence généralement une nouvelle chanson en essayant une nouvelle technique. C’est très utile tout en étant créatif.

Dans le domaine de la production musicale, le concept de chance du débutant est plus qu’un simple coup de chance éphémère. C’est un état d’esprit qui, lorsqu’il est adopté intentionnellement, peut conduire à une créativité durable et à une identité artistique distincte. En appliquant les principes de la pleine conscience, les artistes peuvent maintenir la créativité brute et non filtrée qui a rendu leurs premières œuvres si captivantes. Ainsi, que vous soyez un producteur chevronné ou un nouveau venu, n’oubliez pas d’adopter l’état d’esprit du débutant, qui est la porte d’entrée vers une musique qui résonne profondément chez le créateur et l’auditeur.

Références de clients et exercices

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Quand il s’agit de faire de la musique ou de mixer, il faut bien commencer quelque part et s’inspirer des autres est souvent un bon moyen de démarrer. Il y a beaucoup d’idées reçues sur la manière d’utiliser les références. J’ai déjà abordé ce sujet dans un article précédent, mais j’ai décidé d’approfondir la question.

 

Bien qu’il n’y ait pas de bonne ou de mauvaise façon d’utiliser les références, je les utilise souvent pour une seule chose. Il peut s’agir d’un son qui m’intrigue, d’un type de séquence, d’un rythme ou d’un concept qui chatouille mon cerveau et l’incite à essayer de le reproduire. Si je peux la plupart du temps comprendre ce qui se passe, cela ne veut pas dire que je peux le reproduire tel quel. Certains clients que j’accompagne sont devenus très doués pour reproduire ce qu’ils entendent, parfois avec mon aide ou non.

 

Mais l’idée est d’essayer quelque chose et d’être ouvert à ce que cela vous apportera ensuite.

 

Bien que je produise beaucoup pour mes clients, les gens se demandent parfois ce que font les autres, quels sont les artistes à suivre, mais aussi quels sont les artistes que je suis personnellement pour ma propre inspiration.

 

Il m’arrive souvent d’avoir des clients qui commencent une idée à partir d’une référence, mais qui ont du mal à la concrétiser comme ils le souhaitent. Je donne ici quelques points à vérifier en premier lieu pour démarrer correctement (en d’autres termes, c’est là que les clients échouent).

 

Chargez votre morceau de référence dans Ableton (ou autre DAW) et mettez-le d’abord en solo pour pouvoir le comparer à votre projet. Je vous conseille de baisser le volume de votre référence car elle est peut-être masterisée alors que la vôtre ne l’est pas.

 

Il y a quelques points initiaux à prendre en considération :

 

  1. Le ton: Utilisez un analyseur FFT (SPAN de Voxengo est gratuit ou Fabfilter ProQ3) sur le master pour voir si le ton est similaire. La courbe est-elle similaire ou différente de la vôtre?

 

  1. Note fondamentale/gamme : Vous pouvez utiliser un détecteur de tonalité sur votre référence pour voir quelle est la tonalité et la gamme de base, puis vérifiez si la vôtre est bien réglée. Bien qu’il ne soit pas nécessaire d’avoir la même que votre référence, certains clients ne se rendent pas compte que leurs différents éléments ne sont pas dans la même tonalité. Cela se traduit souvent par le sentiment que la chanson n’est pas univoque ou qu’elle sonne faux. Notez que le son peut paraître un peu étrange si vous y avez été surexposé et que vous vous y êtes habitué, mais pour une paire d’oreilles fraîches, le son peut devenir gênant.

 

  1. Vitesse et rythme: Trouvez le BPM de votre référence et essayez de le faire correspondre au vôtre. Quelle est la signature rythmique.

 

Dernièrement, j’ai apprécié Decoda en tant que logiciel d’analyse complet. Vous pouvez faire tellement de choses avec, ainsi qu’extraire des mélodies en midi. Je trouve qu’il est essentiel pour travailler avec des clients exigeants.

 

Lorsqu’il s’agit des artistes les plus appréciés par mes clients, j’en ai compilé quelques-uns et je vais vous expliquer en quelques mots pourquoi ils sont appréciés.

 

Ricardo Villalobos

Ce n’est pas une surprise puisque c’est l’un de mes artistes préférés et que beaucoup de gens viennent me voir en sachant que j’ai passé des décennies à comprendre son style peu conventionnel et que je peux expliquer comment certaines de ses chansons sont faites. Qu’on l’aime ou qu’on le déteste, ce type a certainement développé sa propre personnalité en matière de production et ses compositions musicales ouvrent toujours de nouvelles voies à ce que l’on peut faire en musique.

 

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Il peut être amusant de créer des pistes super longues avec plus ou moins de structure.
  • Laisser ses chansons inachevées a un côté plus humain.
  • Combiner des sons vraiment bizarres peut fonctionner si l’on conserve certains éléments auxquels on peut se référer.
  • Il n’a pas peur de sampler des disques obscurs pour en faire l’idée principale de ses chansons.

 

Ricardo est connu pour avoir une énorme collection de synthétiseurs modulaires, mais contrairement à beaucoup de gens qui en ont beaucoup, il enregistre de nouveaux essais chaque semaine afin que vous puissiez voir le large éventail de ses outils.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

– Utilisez VCV pour comprendre la pensée modulaire qu’il utilise et randomisez certains éléments pour obtenir un brin de folie.

– Les polyrythmies sont la clé, avec une signature temporelle irrégulière. Examinez également les rythmes euclidiens.

– Ric utilise beaucoup de synthèse granulaire sur ses instruments ou synthétiseurs de percussion.

 

Vid

 

 

Il s’agit d’un autre artiste qui revient souvent en tant que référence. Les gens aiment la simplicité pourtant complexe de ses chansons. Contrairement à Villalobos, ses chansons sont assez polies et organisées.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • La techno atmosphérique est très amusante à réaliser et est à la fois excitante et méditative.
  • Les pads riches sur les enregistrements de terrain sont hypnotisants.
  • Les tons sombres donnent une impression plus mystérieuse.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Recueillir des enregistrements de terrain et des sons d’ambiance tels que ceux d’un restaurant ou d’une église.
  • Les grooves et les rythmes qui sont groovy valent la peine d’être étudiés et je recommande souvent de rechercher des boucles pré-fabriquées et de les copier. Le fait de supprimer une grande partie du sustain des percussions pour les garder courtes contribue vraiment à donner une impression de house minimale.
  • Il n’a souvent pas d’éléments brillants et le fait de garder les sons dans les basses fréquences lui confère une ambiance mystérieuse.

 

Pablo Bolivar (ou la Dub Techno)

 

Comme j’ai une longue expérience de la dub techno, on me pose beaucoup de questions sur la façon dont ces pads sont fabriqués. Si elle n’est pas forcément compliquée, elle nécessite tout de même quelques ajustements car ce qui rend les pads dub techno captivants, c’est leur côté toujours en mouvement. Cela provient de la modulation ou de l’automatisation. Pablo fait un excellent travail en sélectionnant de beaux sons, des pads et de belles mélodies luxuriantes, ce qui fait de lui une référence pour de nombreux clients.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

  • Beaucoup de classiques dub techno ont des mélodies de 1 ou 2 notes, très minimaliste. Pablo apporte des mélodies simples mais plus complexes que 2 simples notes ce qui lui confère des moments mémorables.
  • Production et mixage super propres. Rien d’inutile n’est jamais ajouté.
  • Tout comme Vid, son approche de l’ambiance dynamique permet de se détendre ou de danser.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

  • Utilisez une fondamentale avec une gamme mineure. Des accords mineurs complètent également la mélodie. La plupart de ses mélodies sont composées de 4 à 5 notes au maximum. Envisagez de faire des progressions d’accords.
  • Utilisez des enregistrements de terrain pour compléter les mélodies.
  • Les percussions sont assez simples et répétitives. Le résultat est satisfaisant.

 

J Dilla

Je ne dirais pas que quelqu’un m’a contacté pour faire de la musique exactement comme lui, mais j’ai quelques clients dans le hip hop lofi qui, à mon avis, est un dérivé de J Dilla. Il est issu de la génération MPC, où les gens échantillonnaient des disques et jouaient avec. Son album « Donuts » est considéré comme un album novateur dans le domaine du hip-hop et mérite d’être écouté.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Sampler de manière flagrante et faire preuve d’audace. Samplez de la musique de n’importe quelle source et utilisez-en de courtes notes, soit pour créer votre accroche, soit pour mettre l’accent sur ce qui se passe.
  • Allez à l’essentiel. Apprenez à composer des chansons de moins de 3 minutes. Un défi pour la techno mais pour la musique électronique en général, c’est un exercice qui vous oblige à aller droit au but.
  • Exagérez le swing de vos percussions. Essayez de le pousser au maximum pour voir ce qui se passe.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Comme indiqué plus haut, ces apprentissages sont aussi des choses à essayer. Mais je recommanderais de dénicher quelques disques dans un magasin d’occasion et de sampler des parties obscures.
  • Utilisez un contrôleur midi comme le PUSH ou avec des pads et essayez d’introduire manuellement vos rythmes.
  • Dans un clip, jouez avec les points de chaîne (warp) pour créer des étirements bizarres et des rythmes élastiques.
  • Découpez des rythmes et reprogrammez-les pour créer de nouveaux motifs.

 

Fred Again

Je me suis désintéressé de la musique pop il y a des années et je me suis toujours tenu à l’écart de la musique électronique commerciale. Mais Fred Again m’a impressionné par sa façon de faire de la musique et, bien sûr, par le résultat final. Le problème avec sa musique, c’est qu’il s’agit en fait de l’approche typique de n’importe quelle musique commerciale, de structure standard, et que ce qui compte ici, c’est le bon goût.

 

Cela signifie que la compréhension des progressions d’accords et le travail avec les tonalités et les gammes seront au centre des préoccupations. L’utilisation de plugins comme Captain Plugins suite fera une énorme différence à moins que vous n’ayez beaucoup de patience pour apprendre la théorie musicale.

 

Il n’y a pas de raccourci pour ce genre de musique. Mais les outils que vous pouvez utiliser vous faciliteront la tâche.

 

C’est son récent album avec Brian Eno qui m’a fait l’apprécier.

 

Daft Punk

 

J’ai suivi le duo depuis 1995 jusqu’à leur séparation. Je ne pense pas qu’il y ait eu beaucoup de groupes musicaux qui aient eu un impact aussi important avec leur carrière que ces deux-là. C’est principalement dû à leur désir d’innover, mais aussi de prendre des idées qui fonctionnent très bien et d’en tirer des idées solides pour leur donner une nouvelle tournure.

 

Dans un article précédent, je disais qu’il y a deux modes principaux lorsqu’il s’agit de travailler sur un projet : vous pouvez vouloir répéter une idée que vous aimez à partir d’une chanson ou d’un artiste, ou vous pouvez vouloir innover par rapport à ce que vous faites.

 

Les choses que j’ai apprises en travaillant avec des clients qui veulent s’inspirer d’eux consistent principalement, une fois de plus, à rechercher des samples et à jouer avec. C’est un peu ce que nous avons repris de Dilla, mais avec un rythme plus rapide et une signature temporelle en 4/4. Il fut un temps où la French Touch House/Disco faisait fureur. Cette musique consistait à utiliser un sample avec un filtrage important et l’effet classique de pompage et d’aspiration (pump/duck). Cette technique est encore utilisée de nos jours mais avec un peu plus de contrôle où on la perçoit moins.

 

Outre le filtrage, voici quelques effets notables qu’ils utilisent et que vous pouvez explorer aujourd’hui : Bit crusher, tape saturation, vocoder, chorus/phaser. Ils aiment aussi un bon kit 909.

 

Et pour finir, qui sont mes références personnelles?

 

Ada Kaleh, Gigi Masin, Jan Jelinek, Rhythm and Sound, Vladislav Delay, Ricardo Villalobos, Matt Dear, Lawrence… et bien d’autres encore.

 

L’importance de la pratique d’une musique ambient et expérimentale

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Dans le vaste domaine de la création musicale, il existe un territoire inconnu où les frontières s’estompent et où les paysages sonores deviennent une toile à explorer. C’est dans ce genre que la musique expérimentale et les compositions ambient trouvent leur essence, brouillant parfois les pistes. Ces formes de musique ne repoussent pas seulement les limites de la musique traditionnelle, mais servent également de passerelle pour développer des compétences en matière de narrativité dans les compositions musicales, car chaque chanson définit ses propres règles.

Si vous avez suivi ma carrière musicale ou lu ce blogue, vous savez que l’exploration et la rupture avec la norme sont des valeurs importantes pour moi. Après avoir fait de la musique pendant des années, je me suis heurté à quelques murs de frustration. À chaque fois, c’était le sentiment d’avoir tout vu, tout dit. Jusqu’à quel point peut-on se réinventer au sein d’un genre?

Si la musique est un moyen de s’amuser, l’idée de faire la même chanson encore et encore me paraissait aliénante. L’exploration des techniques de l’ambient et la plongée dans l’expérimental m’ont beaucoup aidé dans mon désir d’évoluer, de grandir.

 

 

Musique ambient ou expérimentale

 

Pour comprendre l’importance de la musique ambient et de la musique expérimentale, il est essentiel d’élucider leurs origines et leurs intentions. La musique ambiante, dont les pionniers sont des visionnaires tels que Brian Eno et Tangerine Dream, cherche à détourner l’attention des schémas conventionnels pour aborder la musique comme un outil permettant de créer des ambiances. La musique devient alors un outil, une tapisserie. La musique ambient invite les auditeurs à écouter, attentivement ou non, une musique qui a ou non une destination ou un but. En adoptant des compositions ambient, les créateurs de musique développent un sens aigu de l’espace, de la dynamique et de l’art de capturer des idées évolutives.

Comprendre comment faire de la musique ambient ouvre de nombreuses possibilités pour tous les autres genres que vous souhaitez créer. En particulier pour la musique de danse, si l’on supprime les parties rythmiques, on obtient une musique ambient.

 

La musique ambient est destinée à induire le calme et à créer un espace de réflexion« , explique Eno dans les notes de pochette du disque. « Elle doit être capable de s’adapter à plusieurs niveaux d’attention sans en imposer un en particulier. Elle doit être aussi ignorable qu’intéressante. » Brian Eno

 

D’autre part, la musique expérimentale est née des racines de la musique concrète, un genre qui pousse à l’exploration des techniques et des frontières. L’approche expérimentale de la musique consiste à comprendre les limites et les règles d’un genre, ses structures traditionnelles, en invitant les artistes à repousser les limites de leurs outils et à s’aventurer à proposer une nouvelle approche. Elle encourage les musiciens à remettre en question la norme, à accepter l’imprévisible et à trouver l’harmonie dans le chaos. Dans ce paysage en constante évolution, la musique expérimentale favorise un environnement propice à l’innovation et à la découverte de nouvelles possibilités.

Si vous travaillez sur le même genre depuis un certain temps, vous êtes tout à fait prêt à explorer la musique expérimentale. Je vous encourage à commencer par composer sans autre but que de briser vos routines.

Étant donné qu’une grande partie de la musique qui arrive à être reconnue implique souvent de revisiter une idée, les artistes commencent souvent par briser les règles tout en gardant une base. La même chose mais différente est une bonne façon de la décrire. Ce que je considère souvent comme de la musique expérimentale, ce sont toutes ces tentatives de prendre des risques, sans filtre. Il n’y a ni bien ni mal. Si vous essayez quelque chose de nouveau, vous êtes sur la bonne voie.

 

Il existe différents axes d’exploration :

    • Déconstruire les arrangements ou examiner les motifs. Si un genre a un modèle de percussion spécifique, essayez de déplacer les rythmes.
    • Utiliser des outils d’une manière qui n’a pas été prévue à l’origine.
    • Prendre une idée et la mélanger pour en voir toutes les possibilités.
    • Apprendre les techniques génératives pour la création musicale. Cela peut être fait dans Ableton Live et VCV, mais aussi dans Bitwig.
    • Passez du temps dans la nature et écoutez les sons qui vous parviennent. J’aime écouter le chant des oiseaux et j’essaie de comprendre le motif et la conception sonore de leur chant. Il m’arrive de les enregistrer et de les utiliser dans Ableton comme séquenceur.

 

« Le son est le vocabulaire de la nature. Le moment où la musique révèle sa véritable nature est contenu dans l’exercice ancien du thème avec variations. Tout le mystère de la musique s’explique là ». Pierre Schaeffer

 

Brian Eno a créé un jeu de cartes appelé « Oblique Strategies » dans lequel vous tirez une carte pour obtenir une inspiration ou une solution aléatoire face à un problème. Je trouve que c’est un outil à explorer et vous pouvez utiliser une version en ligne ici.

Relier des concepts étrangers

 

L’un des aspects les plus convaincants de la musique expérimentale et des compositions ambient réside dans leur capacité à relier des concepts sans rapport entre eux, en cherchant l’inspiration au-delà de la musique. Comme le suggère le livre de Rick Ruben, l’exercice consistant à relier des concepts sans rapport entre eux peut donner lieu à des points de départ inattendus. En s’inspirant de différents genres musicaux, ainsi que d’autres formes d’art telles que les arts visuels, la littérature ou le cinéma, les musiciens peuvent insuffler à leurs compositions un sentiment de profondeur et d’unicité.

Quelques suggestions :

  • Prenez une scène d’un film et ajoutez-y des sons, puis ne gardez que l’audio. Les images guideront les arrangements.
  • Lisez un livre, prêtez attention à l’histoire et imaginez une bande sonore.
  • Inspirez-vous de l’architecture. Voyez comment l’importance des mathématiques joue un rôle crucial dans la structure d’un ouvrage. Comme vous le savez, la musique, c’est des mathématiques, et peut-être pouvez-vous appliquer certaines observations à votre musique.
  • Apprendre à danser. J’ai suivi de nombreux cours de danse dans ma vie et lorsque je bouge, je comprends l’expérience des danseurs.

 

Traduire des idées issues de différents domaines en éléments musicaux peut donner des résultats étonnants. Par exemple, en empruntant la palette de couleurs d’une peinture, un musicien peut évoquer des émotions spécifiques ou créer des sons vifs, tandis que des couleurs plus sombres peuvent évoquer des tons plus profonds et plus graves. De même, l’intégration d’éléments de narration dans les compositions musicales ajoute une dimension narrative qui captive les auditeurs. En adoptant cette approche, les artistes peuvent créer des paysages sonores qui transportent le public dans des voyages transformateurs, brouillant ainsi la frontière entre la musique et la narration.

 

La fabrication de rythmes revisitée

 

La musique électronique met souvent l’accent sur le rythme et la création de rythmes. Toutefois, en perfectionnant leurs compétences en matière de composition mélodique et ambiante, les musiciens peuvent développer une base solide qui s’intègre harmonieusement aux éléments rythmiques. La musique ambient et les compositions expérimentales permettent aux créateurs de se concentrer sur la construction de mélodies, l’exploration de progressions harmoniques et l’élaboration d’une conception sonore complexe. Ces points forts, lorsqu’ils sont maîtrisés, constituent une plateforme solide sur laquelle les éléments rythmiques peuvent se fondre et s’épanouir sans effort.

L’une des façons dont j’aime travailler est de générer des idées, des compositions et des moments mélodiques aléatoires qui seront ensuite utilisés lors des séances au cours desquelles je produirai des rythmes. En d’autres termes, je divise souvent mes séances de musique en deux catégories :

  • Contenu mélodique, accroches, échantillonnage. Trouver des idées et en générer. Organiser des idées aléatoires en une accroche cohérente.
  • Rythmes, rythmes, rythmes. Travail sur la création de grooves, de rythmes, de conception sonore, de boucles simples ou complexes.

Ensuite, deux autres catégories :

  • Innover. Essayer d’inventer de nouvelles idées.
  • Imiter. Essayer d’émuler ou de reproduire les idées que j’aime dans la musique des autres.

 

L’expérimentation dans le domaine de la musique ambient et expérimentale ouvre la voie à des découvertes inattendues. Ces expériences peuvent se faire de multiples façons, par exemple en trouvant de nouveaux outils gratuits, de nouveaux tutoriels Youtube sur des genres ou des techniques que nous n’avons pas encore explorés ou simplement en explorant la randomisation dans Ableton. En s’éloignant des schémas rythmiques conventionnels et en explorant des sons qui peuvent être déstabilisants, les musiciens peuvent ouvrir de nouvelles possibilités de création de rythmes qui sortent de leur zone de confort.

 

ASTUCE : je trouve qu’une fois que vous avez des séquences, vous pouvez les découper en détail et les réorganiser selon vos goûts.

 

En tant que créateurs de musique, il est essentiel d’embrasser le vaste domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, car elles offrent des possibilités inégalées d’épanouissement personnel et artistique. En nous immergeant dans les paysages sonores qu’offrent ces genres, nous acquérons une compréhension profonde de l’espace, de l’atmosphère et de l’interaction délicate entre les éléments. En outre, en reliant des concepts sans lien entre eux et en puisant notre inspiration dans diverses sources, nous insufflons à nos compositions une richesse et une profondeur qui transcendent les frontières traditionnelles.

 

Dans le domaine de la musique électronique, où le rythme a souvent la priorité, le développement de compétences fondamentales en matière de composition ambiante et mélodique jette les bases d’une intégration harmonieuse avec la création de rythmes. En nous engageant dans la création musicale expérimentale, nous libérons notre véritable potentiel créatif et nous embarquons pour un voyage de découverte de soi, d’innovation et d’imagination sans limites.

Alors, aventurons-nous dans le domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, où les territoires inexplorés de la créativité nous attendent, prêts à être explorés, expérimentés et partagés avec le monde.

 

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!

 

Le minimalisme en production musicale : inspirations d’Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley

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Le minimalisme est une approche qui met l’accent sur la simplicité et la réduction du nombre d’éléments musicaux. Cette approche peut être appliquée à de nombreux genres musicaux, mais elle a été particulièrement influente dans le domaine de la musique électronique, où la technologie et la conception sonore peuvent conduire à une complexité écrasante. À la fin des années 90, la techno minimale a connu un essor considérable. C’était une réaction à la musique maximale comme la trance et la hard techno. C’est à ce moment-là que j’ai commencé à faire de la musique, car j’ai ressenti une forte connexion avec la musique minimaliste.

 

Dans cet article, nous allons explorer comment le minimalisme a été utilisé dans la production musicale, en nous inspirant de trois artistes influents : Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley.

 

Le pouvoir du minimalisme

 

L’essence du minimalisme en production musicale réside dans la capacité à créer un environnement sonore focalisé et spacieux. En utilisant moins de sons, les producteurs peuvent créer une atmosphère claire et épurée qui permet à l’auditeur de se concentrer sur les détails de chaque son. Cette approche fonctionne bien dans la musique électronique, où la conception sonore et la texture sont souvent au centre du processus.

 

Les synthétiseurs modulaires et eurorack, en particulier, sont d’excellents outils pour explorer le minimalisme dans la production musicale. Avec leur nombre limité de modules et leur espace restreint (mais aussi leur coût!), ces instruments obligent le producteur à faire preuve de créativité avec moins de ressources. Cette contrainte peut être une grande source d’inspiration, conduisant à des compositions innovantes et originales.

 

L’une des différences les plus importantes entre aujourd’hui et la fin des années 90 est l’accessibilité des outils de production musicale. À l’époque, vous ne pouviez utiliser que les quelques éléments dont vous disposiez, tels qu’une boîte à rythmes et un sampler. Aujourd’hui, nous avons tellement de choses qu’il est difficile de se concentrer sur ce qu’il faut choisir. Le minimalisme commence par l’acceptation totale des limites que l’on doit s’imposer.

 

Des phrases simples et en constante évolution

 

L’un des principaux défis de la production de musique minimaliste est de créer des variations et des développements à partir d’un matériel musical limité. Un exercice judicieux pour développer cette compétence consiste à se concentrer sur la création de phrases simples mais en constante évolution. Ces phrases peuvent être créées en utilisant un nombre limité de notes, de motifs rythmiques ou de textures sonores.

 

Il me plaît aussi de choisir jusqu’à quatre sons différents que j’aime et j’essaie d’en faire un phrasé.

 

Arthur Russell était passé maître dans l’art de créer des phrases évolutives dans sa musique. Son utilisation de la répétition et de la variation subtile a créé un effet hypnotique et envoûtant. Dans son morceau « Lucky Cloud », par exemple, il utilise une simple ligne de basse de quatre notes qui se répète tout au long du morceau, mais il ajoute progressivement des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix, créant ainsi une texture riche et complexe. Il s’appuyait sur la réverbération, les délais et l’utilisation du panoramique pour créer toute la tension et les variations nécessaires pour susciter l’engagement.

Brian Eno est un autre artiste qui a exploré les possibilités de la musique minimaliste. Son approche se caractérise souvent par l’utilisation de textures ambiantes et de drones, créant une atmosphère méditative et introspective. Dans son album « Music for Airports », il utilise un nombre limité d’accords simples et de fragments mélodiques, qu’il superpose pour créer un paysage sonore en constante évolution. Il est connu pour avoir développé des outils génératifs pour créer sa musique. Il laissait les machines lui proposer des idées et sélectionnait ensuite les moments qu’il aimait.

Terry Riley est un pionnier de la musique minimaliste, connu pour son utilisation innovante de la répétition et de l’improvisation. Son morceau « In C » est une œuvre phare de la musique minimaliste, composée de 53 phrases courtes qui peuvent être répétées et combinées de différentes manières, créant ainsi un nombre virtuellement infini de variations.

 

Exercices pour une production musicale minimaliste

 

Voici trois exercices inspirés par Arthur Russell, Brian Eno et Terry Riley pour vous aider à explorer le minimalisme dans votre production musicale :

  1. Exercice Arthur Russell: Créez une simple ligne de basse de quatre notes et ajoutez des couches de percussions, de synthétiseurs et de voix pour créer une texture riche et complexe. Concentrez-vous sur les réverbérations et les delays, le panning. Défi : utilisez votre voix (oui, faites-le).
  2. Exercice Brian Eno: Créez un paysage sonore ambiant à l’aide d’un nombre limité d’accords et de fragments mélodiques, en les superposant pour créer une texture en constante évolution. Vous pouvez essayer de générer des mélodies à l’échelle d’une tonalité, puis conserver ce que vous aimez. Défi : enregistrer 30 minutes de musique, sans montage.
  3. Exercice Terry Riley: Créez une courte phrase composée de quelques notes ou d’un rythme simple. Répétez et faites varier cette phrase, en ajoutant progressivement des couches de texture et d’improvisation pour créer une composition complexe et évolutive. Défi : Faire face à la répétition ultime et s’y tenir.

 

Outils à votre disposition :

 

Les synthés que j’aime : Il semble que je revienne toujours à Pigments c’est l’un de mes préférés. Il offre de multiples possibilités de modulation, ce qui en fait un outil très polyvalent. Ce que j’aime, c’est partir d’un preset (il y a une boutique dans le plugin!) et le peaufiner ensuite selon ses goûts. Ceux qui sont inclus sont de jolis canevas de départ qui sont en phase avec les genres actuels. Quanta 2 etDiva ont également leur place ici, en raison de la qualité de leur son.

Quand il s’agit de reverbs et de delays, je suis un grand fan de tout ce qui vient de Valhalla. Leur prix est parfait et leur qualité est reconnue par les plus grands producteurs pour une raison bien précise : leur son est incroyable. Sinon, si vous voulez quelque chose de solide, vous pouvez envisager Fabfilter Reverb etNeoverb pour une option plus abordable. J’utilise souvent les deux de mon côté.

Les outils génératifs sont nombreux dans l’environnement Ableton live. Vous pouvez utiliser de simples patchs max comme Snake ouRozzer et utiliser des LFOs qui les font évoluer dans le temps. Sinon, le bon vieux Riffer s’avère utile. Je recommanderais également Alexkid VST Seqund qui est excellent. Sinon, plongez dans VCV.

 

Conclusion

 

Le minimalisme dans la production musicale est un outil puissant pour créer des environnements sonores focalisés et spacieux. En utilisant un nombre limité de sons et d’éléments musicaux, les producteurs peuvent créer des compositions innovantes et originales. En nous inspirant d’Arthur Russell, de Brian Eno et de Terry Riley, nous pouvons explorer les possibilités de la musique minimaliste et développer nos capacités à créer des phrases musicales simples mais en constante évolution.

 

Méthode pour le classement des projets et fichiers

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Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais il est possible que votre disque dur, après un certain temps, devienne un véritable fouillis. Il y aura des dossiers avec quelques projets dedans, et d’autres dossiers avec des échantillons aléatoires. Sans parler de tous ces projets nommés Nouveau projet…

 

Il existe différentes façons d’organiser vos dossiers et tout votre travail pour y naviguer facilement. La façon dont je classe les projets a aussi pour but d’avoir une vue d’ensemble rapide de celui sur lequel je vais travailler ensuite, des chansons qui devraient aller dans un album, et de ceux qui nécessitent des actions spécifiques.

 

Avant de m’expliquer, parlons des différentes étapes par lesquelles passe un projet et des différentes tâches qui y sont liées.

Remarque : Si vous êtes nouveau sur ce blogue et que vous n’êtes pas familier avec ma technique de production, je vous encourage à lire quelques articles à ce sujet, qui donneront plus de sens à ce que je m’apprête à décrire.

 

Les différentes étaps de la production musicale (et l’étiquetage de vos projets en conséquence)

 

Pour maximiser les résultats, je prends chaque partie de la création musicale et je la désigne comme une phase ou une étape.

 

Les différentes étapes que j’étiquette sont les suivantes :

 

1— Recherche d’idées, concept, test de techniques, recherche d’accroches, etc.

2— Boucle préliminaire faite à partir de l’étape 1 qui pourrait être le cœur de la chanson. Structure de base de la chanson.

3— Arrangements.

4— Mixage.

5— Chanson terminée à 90 % et nécessitant des derniers ajustements mineurs.

 

La raison principale pour laquelle j’accorde une grande priorité à l’état de la chanson est basée sur l’idée que lorsque je veux travailler sur de la musique, je peux me trouver dans un état d’esprit précis. Peut-être qu’un jour je voudrais juste m’amuser en faisant du sound design et une autre fois, je devrais travailler sur un EP et je vérifierais les quelques chansons en incubation. Comme vous le savez peut-être, lorsque je fais de la musique et que je rouvre un projet, je veux savoir rapidement où il en est. En une heure de travail sur la musique, je passe d’une chanson à l’autre, mais j’aime aussi revisiter des projets qui sont restés en dormance pendant des semaines, car ce que je veux, c’est avoir toujours la perspective la plus fraîche sur mon travail. Si vous travaillez sur quelque chose pendant des heures, croyez-moi, à la fin, vous risquez d’avoir perdu toute perspective et votre travail en souffrira.

 

Les étapes 1 et 2 peuvent se chevaucher

 

Je vais vous présenter un de mes cas d’étude pour que nous puissions bien comprendre comment utiliser un projet et son évolution vers une chanson finie. Mais nous allons commencer par les 2 premières étapes.

 

Les projets qui sont au stade 1 sont votre bassin pour pêcher des idées.

Donc l’idée d’un projet au stade 1 est vraiment une question d’idées, pas beaucoup plus que ça. Cela peut être plus si vous le souhaitez, c’est à vous de voir.

 

L’étape 2 est celle où l’on travaille sur une accroche précise ou une idée principale. Il y a de multiples façons de travailler et de trouver des accroches, nous en avons parlé dans des articles précédents.. En général, je dépose une boucle percussive très simple pour définir ce qui sera le rythme de la chanson, son groove, et ses accents, puis je place ce qui serait l’accroche par-dessus. On réfléchit souvent trop à l’accroche. Pourtant, c’est souvent très simple.

 

Habituellement, à l’étape 2, je devrais avoir :

 

  • Une clé de base (tonalité)
  • Une gamme
  • Une accroche, pas plus longue qu’une mesure
  • Un groove rythmique, une signature temporelle

 

Si j’ai tout cela, je sais que le projet est passé à cette nouvelle étape et je le renomme. En général, lorsque je renomme un projet, je m’assure de le sauvegarder et de faire un « tout réunir et sauvegarder » pour m’assurer que je copie tous les fichiers nécessaires dans leur forme précédente. Lorsque vous renommez un projet, il est préférable de faire « Enregistrer le projet sous… » dans le menu Fichier d’Ableton et son étape 1 sera toujours accessible. Vous pourrez décider plus tard si vous archivez le projet original ou si vous le gardez comme incubateur. Habituellement, lorsque je trouve une idée à partir d’un incubateur, je m’assure de sauvegarder les différentes chaînes d’effets en tant que macros afin de pouvoir les réutiliser. Je donne également un code couleur à mes pistes et je les nomme pour pouvoir les récupérer plus tard dans le navigateur de gauche d’Ableton.

 

Cependant, vous pouvez avoir un incubateur au stade 1 qui ne se développera jamais parce que vous pouvez faire muter l’incubateur original au stade 2, il est complètement différent, mais il provient toujours d’un projet parent. Par exemple, j’ai des projets qui sont faits pour créer des sons. Ils n’ont jamais évolué à partir de là et des tonnes de chansons ou même des sets live en sont issus.

 

Les arrangements, l’histoire complète de l’étape 3

 

Je trouve que les arrangements doivent commencer par un travail sur la partie centrale de la chanson, puis déconstruire cette idée jusqu’au début de la chanson. Ainsi, le début de l’étape 3 consisterait à travailler sur la partie centrale, d’une durée d’environ 1 minute.

 

Comme vous pouvez le voir, il s’agit essentiellement de déplacer votre boucle initiale de l’étape 2 et de la faire glisser vers la vue Arrangement, puis de l’étirer. Certaines personnes construisent leur boucle initiale en mode arrangement afin de pouvoir la déplacer du début au milieu. Lorsque je travaille sur des arrangements, j’aime généralement faire un brouillon rapide de la chanson, où je la divise en 3 sections : intro, cœur, outro. Ce brouillon est fait rapidement, parfois en un temps surprenant de 20 minutes seulement. Je reviendrai plus tard avec un regard neuf, j’écouterai depuis le début et réajusterai les arrangements pour qu’ils aient plus de sens.

 

Au stade 3, le mixage n’est pas important. Vous pouvez le niveler pour une écoute agréable, mais je ne m’en soucierais pas trop.

 

Le mixage en tant que 4e étape

 

Pas besoin de beaucoup d’explications ici, mais une chose à préciser est que ce n’est pas quelque chose de rigide non plus. Il se peut que vous remarquiez des problèmes d’arrangement lors du mixage qui vous obligeront à retravailler. Comme je le dis toujours à mes clients, si votre conception sonore et vos arrangements sont solides, il n’y aura pratiquement pas de mixage, ou seulement des retouches.

 

L’étape 5 correspond à votre chanson terminée à 90 %

 

Pour moi, 90 % est ma définition de terminé. Je sais que ça semble bizarre, mais c’est comme ça. Tout d’abord, lorsque vous acceptez qu’une chanson n’est jamais terminée, il est plus facile d’accepter ses imperfections et de passer à autre chose. Deuxièmement, vous voulez amener autant de chansons que possible à 90 % parce que le jour où vous voulez sortir un album ou EP, vous prendrez celles-là et les emballerez toutes d’un coup pour les amener à 100 %. Cela peut sembler déroutant, mais laisser vos chansons dormir à 90 % et emballer plusieurs chansons à la fois signifie que la dernière ligne droite pour toutes les chansons vous donne une chance de les unifier pour les rendre cohérentes en tant que sortie.

 

Alors quelle est la différence entre les étapes 4 et 5?

 

Eh bien, c’est un peu quand vous avez fini l’arrangement que vous passez à l’étape 5. Cela ressemble à : j’en ai fini avec celui-là. De temps en temps, je peux rouvrir l’étape 5 pour faire une petite mise au point, mais pour moi, quand on arrive à l’étape 5, ça veut dire que c’est prêt.

 

En conclusion

 

Lorsque j’ouvre mon dossier avec tous mes projets, je verrai des projets allant de 1 à 5, tous les morceaux étant dans l’ordre. Avec le navigateur de fichiers, je peux aussi les classer de 5 à 1. J’aime bien pouvoir mettre des tags dans mac OS. Cela peut être pour le genre, si c’est signé, ou tout ce qui peut être utile.

Photo par Amy Shamblen sur Unsplash