juin 2021 - Pheek's Mixdown and Mastering

Devenir un DJ de tournée post-pandémie

juin 26, 2021/dans Blogue/par pheek

Après avoir été enfermés pendant plus d’un an, de nombreux artistes se retrouvent avec un arsenal de morceaux sortis pendant la pandémie. Et naturellement, beaucoup d’entre eux désirent la faire écouter à un nouveau public. Cela soulève la question de devenir un DJ de tournée, principale source de revenus de la plupart des musiciens professionnels.

Cependant, la scène underground de la musique électronique étant justement underground, il n’est pas facile de savoir où tourner, surtout quand une grande partie du monde est encore fermée. C’est pourquoi il nous a semblé utile de rappeler les étapes à suivre pour se faire remarquer afin de devenir un DJ de tournée.

L’Amérique du Nord n’est pas l’Europe

Devenir un DJ de tournée en Amérique du Nord est différent de l’Allemagne par exemple. En Allemagne, la culture des clubs n’est pas seulement reconnue par le gouvernement comme une institution culturelle, elle n’est pas non plus limitée dans le temps comme en Amérique du Nord. En Allemagne, les clubs de techno ouvrent le jeudi soir et la fête se poursuit tout au long du week-end, sans interruption. En revanche, en Amérique du Nord, les clubs ferment souvent à 2 heures du matin, à quelques exceptions près qui peuvent pousser jusqu’à 4 heures.

Il existe des endroits « after-hour », mais ce n’est pas comme si quelqu’un qui fait des recherches sur une tournée pouvait facilement trouver les coordonnées du promoteur. De plus, cet univers peut être un peu exclusif, en raison de son caractère secret.

Mon expérience de la tournée

Toutefois, cela ne signifie pas qu’il est impossible de devenir un DJ de tournée en Amérique du Nord. Avant Facebook, je connaissais tous les événements qui se déroulaient à Montréal et je les fréquentais. Cela m’a permis de me faire connaître, et j’ai fini par me faire beaucoup d’amis et de connaissances dans le domaine de la musique, qui me bookaient par la suite.

Grâce à cela, j’ai commencé à rassembler des fans et j’ai appris à communiquer avec les promoteurs et les propriétaires de salles, en me présentant toujours de manière professionnelle. Au bout d’un moment, les gens venaient me voir spécifiquement, et au lieu de rester dans un coin à attendre la tête d’affiche, ils étaient sur la piste à danser leur vie. Cela a encouragé plus de gens à danser et, au bout d’un moment, les personnes venant de l’extérieur de la ville ont commencé à me remarquer.

Devenir un DJ de tournée, c’est tisser des liens

Les promoteurs des États-Unis et de l’Ontario venaient souvent aux événements de Montréal, et ils s’adressaient au promoteur pour savoir qui j’étais et me booker en dehors de mon domaine habituel pour des soirées dont je n’avais jamais entendu parler (même si elles étaient à portée de voiture, et je pensais naïvement connaître tous les événements à portée de voiture).

Puis, en jouant dans ces endroits, j’ai pu remarquer d’autres DJs à l’affiche et je les ai invités à venir jouer à l’un des événements à Montréal. C’est ainsi que se produit la pollinisation croisée des scènes et que se créent des circuits de tournée régionaux sur lesquels les gens peuvent jouer.

Devenir un DJ de tournée est conditionnel — vous devez apporter une valeur ajoutée

Cependant, les artistes en développement ne peuvent devenir DJ de tournée que si certaines conditions sont remplies. Premièrement, ils doivent jouer dans leur ville et devenir une sorte de héros local. Cela leur permet d’avoir un contenu qui peut être partagé avec d’autres promoteurs, montrant qu’ils peuvent faire vibrer une foule. C’est important, car, à notre époque, le contenu est roi et les vidéos vous montrant en train de faire un tabac sont un excellent moyen de prouver aux personnes qui n’ont pas entendu parler de vous que vous êtes quelqu’un qui mérite de l’attention.

Pour jouer localement, vous devez également apporter de la valeur à la scène au-delà de la musique que vous jouez. Soyez un mécène et allez aux spectacles. Écrivez des articles sur les spectacles destinés au public dans des blogues. Faites la promotion des spectacles en distribuant des tracts et en publiant des messages sur les médias sociaux. Montrez que vous vous intéressez au développement de la scène ; établissez une relation symbiotique. Vous serez étonné de la puissance de la réciprocité une fois que vous aurez approché le promoteur de manière respectueuse et professionnelle pour lui demander des bookings. Cependant, vous DEVEZ DEMANDER. Si vous ne demandez pas, vous ne deviendrez jamais un DJ de tournée.

Le concept du premier adepte

Même après tout cela, sachez que vos premiers concerts ne seront pas prestigieux. Vous dormirez sur des canapés, jouerez pour presque rien (et/ou gratuitement), et direz oui à presque tout. Vous ne dormirez pas beaucoup, vous ne gagnerez pas beaucoup d’argent et vous jouerez devant beaucoup de dance floors vides. Cependant, les gens finiront par se rassembler si les bonnes conditions sont réunies.

C’est le concept du premier adepte — un concept que Derek Sivers, le fondateur de CDBaby, évangélise. Cette vidéo en est la meilleure illustration : un danseur solitaire sur une colline se met à danser férocement au rythme du groove. Puis un autre adepte remarque la contagion de leurs mouvements et les rejoint. Puis un troisième, puis un quatrième. Après qu’une douzaine de personnes se soient mises à danser, une masse critique se forme, et comme une bande de mouettes sur un morceau de pain sur la plage, elles se mettent à pulluler.

C’est ce que vous devez avoir à chacun de vos événements — quelqu’un qui est prêt à être le premier à bouger. Si vous jouez en dehors de la ville, cela peut être particulièrement difficile. Par conséquent, faites de votre mieux pour jouer d’abord des spectacles qui sont à distance de déplacement de vos amis et de vos fans. Encouragez-les à venir en leur proposant des listes d’invités ou d’autres récompenses.

Jouer pour se faire connaître

Je suis sur le point de dire quelque chose de controversé. Quelque chose qui, dans certains cercles, entraînera une forte réaction négative. Alors voilà… quand un promoteur dit que jouer un concert gratuitement, ou relativement peu sera une bonne exposition, si vous êtes au début de votre carrière, il a raison. Cependant, cela ne vaut la peine que si vous pouvez obtenir ce « premier adepte ». Si vous ne jouez que pour les personnes assises au bar, il n’y aura pas d’exposition — au lieu de cela, vous serez un jukebox glorifié. Tout le monde s’en fiche du jukebox. Si vous n’êtes pas en mesure de faire venir quelqu’un qui est prêt à se déchaîner sur la piste pour vous, alors le concert ne fera probablement pas grand-chose pour votre exposition et ne vous aidera pas à devenir un DJ de tournée.

L’image de marque est essentielle

Vous êtes-vous déjà demandé pourquoi les promoteurs sont prêts à débourser 3 000 dollars pour un visa et les frais de booking pour qu’un Européen vienne jouer dans un club local, alors qu’il y a des locaux qui peuvent jouer aussi bien, sinon mieux? L’image de marque, malheureusement.

Il est plus facile de vendre le romantisme d’un DJ européen qui occupe une place dans une culture qui l’apprécie, plutôt que de booker un local qui n’a pas la même aura. Les gens ne connaissent peut-être même pas leur musique, mais ils ont des dizaines de milliers de followers, des vidéos d’eux jouant avec la foule, et un dossier de presse qui rendrait jaloux n’importe quel artiste en devenir.

Rien qu’en ayant cela, ils ont la preuve sociale et l’autorité nécessaires pour inciter les esprits curieux à se lancer. Comparez cela à un DJ local qui n’a rien de tout cela, malgré la commodité d’être dans le coin. En outre, la rareté de l’artiste européen contribue à son attrait. Comparez cela à un DJ local qui est toujours disponible.

Autres moyens de devenir un DJ de tournée

Organiser votre propre soirée

Il n’existe qu’un seul raccourci pour y parvenir, et il nécessite un investissement initial en capital. Le moyen? Organisez votre propre soirée, et engagez des artistes de l’extérieur de la ville qui envisageront de vous engager. Ensuite, consacrez de l’argent et du temps à la promotion de votre spectacle, et une promotion intensive. Associez-vous à d’autres artistes locaux qui attirent déjà les foules. Associez-vous à d’autres promoteurs et propriétaires de salles. Concluez un contrat de partage des revenus.

Puis, puisque c’est votre événement, placez-vous dans un bon créneau qui attire du monde et assurez-vous d’avoir des amis sur place qui sont prêts à vous filmer en train de faire vibrer la foule. Ensuite, après l’événement, demandez aux personnes de l’extérieur s’ils seraient prêts à faire des échanges de concerts, où vous jouez dans leur ville en échange de la leur. Vous pouvez ensuite utiliser les images de cette fête pour solliciter des échanges de concerts avec des personnes que vous n’avez jamais rencontrées, car cela leur montre que vous pouvez organiser une soirée d’enfer.

Trouver un agent de booking

C’est plus facile à dire qu’à faire. La plupart du temps, il n’est pas possible d’engager purement et simplement un agent de booking, car ils travaillent généralement à la commission. Cependant, de temps en temps, vous pouvez convaincre quelqu’un d’essayer de vous booker si vous avez suffisamment de relations.

Le problème, c’est que vous pouvez trouver un agent de booking sans envergure. À moins qu’il ne jouisse d’une réputation telle que sa parole garantit une bonne soirée, vous devez avoir l’image de marque qu’il peut vendre. Vous devez disposer d’un dossier de presse, de photos et de vidéos des soirées auxquelles vous avez participé, et d’une présence sur les médias sociaux qui ne cesse de croître et d’être mise à jour. Vous êtes, malheureusement, un produit au même titre qu’une boîte de céréales ou une voiture.

Je suppose que je suis aussi un idéaliste

J’espérais vraiment que la pandémie se déplacerait sur des scènes plus locales, car le manque de voyages en avion, et de voyages en général, a montré son impact sur la qualité de notre air. Cependant, cela entraîne souvent des conséquences inattendues. L’absence de pollution a dégagé le ciel, et d’une certaine manière, impossible, a réchauffé la planète. Pourtant, dans ce même article, il a été conclu que même si la planète s’est un peu réchauffée, l’impact sur la vie des gens est positif, avec moins de décès dus à la pollution atmosphérique.

Espérons qu’avec un peu d’éducation, nous pourrons réduire l’empreinte carbone de nos tournées et, en même temps, développer les scènes locales. Il semble simplement que les choses vont redevenir comme avant.

Comment s’amuser en faisant de la musique?

juin 16, 2021/dans Blogue/par pheek

Parfois, faire de la musique peut être une corvée. Pour les gens extérieurs, la musique semble être une expérience passionnante, excitante et amusante, mais tout compositeur sait que faire de la musique demande de la concentration, du dévouement et, franchement, peut parfois être assez ennuyeux. C’est pourquoi il est important de connaître certaines techniques pour s’amuser en faisant de la musique, juste au cas où vous tomberiez dans l’une de ces impasses créatives. Ce que je m’apprête à partager n’est pas une méthode absolue pour s’amuser en faisant de la musique, mais plutôt des petites choses que je fais depuis un certain temps et qui m’enlèvent la pression et me permettent d’être créativement expressif sans tous les aspects pénibles.

Avoir la configuration idéale ne garantit pas de s’amuser ni même de se faciliter la tâche

J’ai déjà écrit sur ce sujet, mais il mérite d’être abordé à nouveau. Tant de créatifs pensent qu’ils ont besoin de la configuration parfaite pour s’amuser. Ils pensent qu’ils ont besoin de ce nouveau module pour leur Eurorack, ou de cette nouvelle interface audio, ou du dernier poly-synth, et qu’alors, et alors seulement, ils auront l’expérience créative idéale. C’est tout à fait faux. Chaque nouveau matériel que vous achetez a une courbe d’apprentissage.

Malheureusement, le monde de la musique électronique n’est pas entièrement standardisé, de sorte que les choses ne seront pas immédiatement intuitives, même si elles sont relativement comparables à quelque chose que vous avez déjà possédé. Il y a de fortes chances qu’un objet vous permette une expression créative plus facile et plus amusante si vous le connaissez déjà. Mais le sophisme cognitif selon lequel « nouveauté égale qualité » se limite à cela, un sophisme. Il existe même un terme pour cela en psychologie cognitive : « l’appel de la nouveauté ».

Par conséquent, si vous voulez vraiment savoir comment vous amuser en faisant de la musique, mon premier conseil serait d’utiliser quelque chose de familier.

Travaillez avec des boucles

Allez sur Loopcloud et commencez à sélectionner des boucles. Plus la boucle est complète, mieux c’est. Le but ici n’est pas de faire quelque chose de super original, le but ici est de passer un bon moment à faire de la musique. Maintenant, déposez ces boucles dans la vue session d’Ableton, et commencez à déclencher des boucles et voyez ce qui se passe. Peut-être que vous pouvez mapper en MIDI quelques effets de base comme le delay, la reverb, le flanger, le gate, le pitch bend, et un filtre. Puis mappez en MIDI les faders de volume sur les canaux du clip. Puis commencez à déclencher des boucles! Ajoutez et retirez les clips, modifiez le dry/wet des effets, modifiez le pitch et faites vivre le son. Pensez à cela comme un DJ, mais dans un esprit de composition.

Loopcloud facilite les choses

Travailler avec Loopcloud facilite le processus de sélection des clips, car il dispose de filtres de recherche intégrés et des algorithmes qui permettent d’identifier des boucles similaires en contexte avec lesquelles vous pouvez jouer. Il vous suffit de cliquer sur « trouver des sons similaires » et Loopcloud peut filtrer pour vous des sons harmoniques ou rythmiques similaires qui fonctionneront bien ensemble. Ensuite, avec leur plug-in natif, vous pouvez charger les échantillons directement dans le DAW sans avoir à télécharger les fichiers et à les trier, ce qui permet une intégration transparente et une utilisation immédiate.

Un autre point positif est que cette fonction de tri rapide des boucles vous apprend à vous amuser à faire de la musique différente de celle que vous faites habituellement. Vous êtes peut-être un DJ minimal house avec un penchant pour la disco house, mais vous n’avez pas beaucoup d’expérience dans ce domaine. Avec les boucles, il est facile de créer quelque chose qui sonne bien sans

Il ne s’agit pas de créer de l’art, mais de s’amuser

Certaines personnes pourraient remettre en question l’intégrité artistique, mais le but est de s’amuser, pas de créer notre magnum opus. Si vous ne pouvez pas passer outre, pensez-y comme un DJ. Lorsque vous êtes DJ, vous ne jouez pas seulement votre musique, mais aussi celle des autres, tout comme d’autres personnes ont créé ces boucles. Cependant, ce que vous créez sera en fin de compte plus unique, et aussi libre de droits.

Il se peut même que vous l’aimiez et que vous l’utilisiez plus tard dans une composition plus sérieuse, mais pour l’instant, le but est de trouver comment s’amuser en faisant de la musique.

Comment s’amuser en faisant de la musique pour un public artificiel?

Un public artificiel, dites-vous, Pheek? Oui, un public artificiel! À notre époque, nous avons accès à une multitude de foules qui danseront quoi que nous fassions! Comment, demandez-vous? C’est simple, en mettant sur YouTube des vidéos de foules qui dansent. Ils se fichent de ce que vous faites, ils s’amusent de toute façon! Alors, allumez votre smart TV, votre projecteur, ou même un écran d’ordinateur auxiliaire, chargez une longue vidéo de gens qui se trémoussent sur de l’acid house des années 90, mettez ce truc en sourdine, et commencez à jammer.

Commencez à jammer!

Mieux encore, laissez l’audio jouer sur la vidéo de la foule en train de danser, chargez votre matériel préféré et commencez à jammer dessus, comme si vous n’étiez qu’un instrument d’accompagnement du mix. Si vous êtes vraiment fantaisiste, vous pouvez acheminer l’audio à travers Ableton en utilisant un câble audio virtuel. Vous pouvez ajouter des effets, des patterns de batterie, des lignes de basse auxiliaires ou des leads, charger des échantillons depuis Loopcloud! En fait, tout ce que votre imagination peut imaginer à la volée, faites-le! Assurez-vous simplement d’appuyer sur le bouton d’enregistrement.

Une fois que vous aurez enregistré tout cela, vous disposerez d’une banque de samples fraîche, pleine de nouvelles idées que vous pourrez incorporer dans de nouvelles productions. Maintenant, tout ce temps de plaisir a été passé à être productif, plutôt que frivole. Vous avez également acquis une solide expérience!

Je pratique cette technique depuis une quinzaine d’années, et elle m’a permis d’obtenir une multitude de nouveaux matériaux et d’inspiration.

Téléchargez une tonne de démos de plug-ins

C’est une idée amusante. En gros, téléchargez les démos d’un tas de plug-ins que vous n’utiliseriez pas autrement. Puis prenez une boucle ou un son quelque part, ou faites-en un rapidement à partir de rien. Chargez ensuite les plug-ins, et commencez à les empiler les uns sur les autres pour voir ce qui se passe. Commencez à feuilleter les presets de chacun d’entre eux, ajustez les boutons et créez des cacophonies sonores massives. Maintenant, filtrez ces sons, et voyez ce qui se passe. Peut-être les resampler, puis ajouter d’autres plug-ins par-dessus, tout en baissant le pitch.

Comment mes abonnés s’amusent en faisant de la musique

lotech/hijack déclare : « Honnêtement, je trouve que l’exploration et l’expérimentation rendent les choses amusantes. Ne l’abordez pas comme un processus. Souvenez-vous simplement que vous aimez la musique et les sentiments que vous ressentez en tant qu’auditeur. Puis allez-y avec cet état d’esprit. Ça marche pour moi (généralement). »

Camilo Jesus Ramirez explique : « Après avoir passé des années à faire de la musique, c’est quand je ne me pousse pas à le faire que je me sens le mieux, je ne fais de la musique que quand j’en ai envie, parfois je ne touche pas à un projet pendant des mois et parfois tous les jours sans arrêt, le plaisir vient quand je me sens d’humeur ».

Steve Moss se lamente : « Chaque fois que j’achète un nouveau matériel ou un nouveau synthé, je dis à ma femme : OK, maintenant je suis comblé. Ma femme me dit : c’est ce que tu dis à chaque fois et tu n’es jamais satisfait! Hahaha. »

Pierre Deniel répond simplement : « LSD ». Je suppose que c’est aussi une façon d’y parvenir!

Il existe de nombreuses façons de s’amuser en faisant de la musique

Il existe de nombreuses façons de vivre une expérience musicale amusante et passionnante sans avoir à réfléchir trop profondément ou sérieusement au processus.

Pour résumer, tout commence par un instrument que l’on n’a pas besoin de démêler. Il est facile d’enlever le plaisir si vous devez passer votre temps à apprendre ou à résoudre un problème. Par conséquent, commencez avec du matériel que vous connaissez bien.

L’étape suivante pour s’amuser est d’essayer quelque chose sans s’y attendre. N’ayez pas peur de vous frotter à de nouveaux genres, surtout avec un outil incroyable comme Loopcloud qui vous permet de charger, de trouver et de trier des samples en un clin d’œil.

N’ayez pas non plus peur d’essayer de nouveaux plug-ins et de faire des choses qui n’ont pas de sens. En fin de compte, personne ne se soucie vraiment de savoir comment vous avez fait quelque chose, du moment que vous le faites.

La vraie magie ici, c’est que si vous l’enregistrez, vous vous retrouverez avec tellement de choses uniques que vous pourrez utiliser dans votre travail futur. Ne sous-estimez jamais l’utilité de s’amuser.

Le paradoxe de signer une musique originale

juin 3, 2021/dans Blogue, Gestion de label, Production/par pheek

Signer une musique originale peut s’avérer difficile si l’artiste est vraiment très original. Récemment, le producteur de techno et propriétaire de label Ramon Tapia a déploré qu’après avoir passé la journée à écouter des démos, « les jeunes aspirants producteurs créent tous des morceaux à peu près identiques. » Pourtant, quand on écoute son label, Say What? Recordings, on se rend compte que tous ses morceaux se ressemblent.

Vous avez donc ce producteur bien connu qui insiste sur le fait que tout ce qu’il reçoit sonne de la même façon, mais quand vous écoutez les sorties de Say What?, les morceaux sonnent presque tous pareil. Donc, naturellement, après que les gens aient écouté son label, ils vont lui envoyer une représentation assez précise de ce qu’ils pensent avoir sa place sur le label, et donc tout ce qu’il reçoit sonnera, plus ou moins, de la même façon. Ceci, mes amis, est ce qu’on appelle un paradoxe. Cependant, il n’est pas le seul dans ce cas. L’industrie est ainsi faite.

Catégorisation = Homogénéisation

De nombreux artistes ont du mal à concilier leur intégrité artistique et la possibilité de faire entendre leur musique. Et tout comme les artistes, les labels qui les signent sont confrontés à cette énigme. De nombreux labels aimeraient pouvoir laisser briller l’intégrité artistique, mais en fin de compte, ils doivent faire des ventes et, honnêtement, la plupart des gens, même les hipsters de la musique, sont assez fermés aux nouveaux sons.

De plus, pour le meilleur ou pour le pire, nous vivons à une époque où le son s’est homogénéisé en un tas de genres et de sous-genres, et où le temps s’est figé (la nostalgie est forte en 2021). Il semble que cela devait à l’origine faciliter la création d’une taxonomie de la musique, et donc ouvrir plus de possibilités aux artistes pour créer des sons plus originaux et uniques, mais à bien des égards, cela a fait le contraire.

Alors qu’à l’époque, tout était considéré comme de la « musique de rave », aujourd’hui, tout a sa propre petite maison, et tout ce qui s’en écarte devient trop différent pour être stratifié, ou se voit simplement attribuer l’étiquette omniprésente d’« expérimental », qui est souvent un signal d’alarme pour « inaccessible ». C’est pourquoi il peut être difficile de signer une musique originale.

Comment cela a rendu difficile de signer une musique unique

Il est donc difficile pour les personnes qui créent de la musique axée sur l’art de trouver un foyer. Bien sûr, certains labels sont plus ouverts d’esprit que d’autres, mais ils sont très peu nombreux. La plupart des labels ont un son et s’y tiennent, car ils savent qu’il se vendra sur leur marché.

Cependant, de temps en temps, on voit un des responsables de label, comme Ramon, déclarer que toutes les chansons qu’on leur envoie ont toutes le même son, sans se rendre compte qu’ils ont créé leur propre problème en « créant un son ».

Bien que nous soyons les instigateurs d’un son, Archipel (mon label) fait les choses un peu différemment. C’est pourquoi, dans cet article de blogue, je voulais aborder la façon dont nous équilibrons l’originalité et les possibilités de commercialisation.

Comment la musique est-elle vendue et consommée?

Tout d’abord, parlons de la quantité de musique écoutée et vendue. Il y a trois sphères : les gens qui font de la musique, ceux qui écoutent de la musique et le pont qui relie les deux. Ce pont, ce sont soit les labels, soit les canaux tels que les blogues, les chaînes YouTube et les listes de lecture Spotify.

Cependant, en raison de l’ère algorithmique dans laquelle nous vivons, pour que beaucoup de ces chaînes se développent, elles doivent maintenir l’intérêt des auditeurs, et le fait regrettable est que la plupart des auditeurs ne sont pas très intéressés par la musique nouvelle. Bien sûr, ils peuvent être intéressés par la nouvelle musique dans un genre particulier, mais tout ce qui remet en question ce genre peut pousser l’utilisateur à passer à la chanson suivante. Et chaque fois que vous êtes ignoré, vous êtes dévalorisé dans l’algorithme. Les créateurs de contenu le savent, ils ont donc tout intérêt à ce que les choses restent prévisibles et à se méfier de ceux qui sortent de la musique originale.

Votre culture est importante

Une autre façon dont les gens consomment la musique est la culture dans laquelle ils vivent. Si elle encourage les gens à être ouverts à de nouveaux sons, alors ils peuvent en découvrir de nouveaux.

Un bon exemple de cela est Montréal, d’où je viens. Nous avons une tonne de musiciens uniques et avant-gardistes qui ne ressemblent à personne d’autre et qui sortent de la musique originale. De bons exemples sont Tim Hecker, Godspeed You! Black Emperor, Arcade Fire, Grimes, Kaytranada et Leonard Cohen.

Bien sûr, il y a des dizaines de musiciens qui ressemblent à Arcade Fire et Leonard Cohen, mais à l’époque où ils ont commencé à sortir une musique originale, ces sons étaient frais et exaltants. Et cette innovation n’était possible que grâce à la culture dans laquelle ils évoluaient. Malheureusement, la plupart des endroits ne sont pas comme Montréal.

Ne négligez pas les petites cultures

En parlant de culture, même si vous ne vivez pas dans un endroit aussi ouvert d’esprit que Montréal, il existe très probablement de petits cercles où vous pouvez vous permettre de sortir une musique originale et de la jouer devant une foule réceptive. Il existe une perception selon laquelle, pour apprécier la musique, il faut en quelque sorte faire partie de la foule mainstream qui la représente. C’est généralement irréaliste pour la plupart des gens, c’est pourquoi je recommande toujours de trouver environ cinq personnes qui peuvent devenir des ambassadeurs de votre musique. Ils en parleront à d’autres, et on ne sait jamais quelles opportunités cela ouvrira, ou quelles autres sous-cultures auxquelles ils appartiennent et dans lesquelles votre son s’inscrit.

La culture du label est importante pour signer de la musique originale

J’ai beaucoup écrit à ce sujet, mais une autre chose à propos d’Archipel est que ce n’est pas parce que votre son peut convenir que vous serez signé. En effet, si un label a pour but de créer un portrait sonore, il s’agit également d’une question d’adéquation culturelle, comme la plupart des autres entreprises.

Pensez-y, vous êtes un développeur de logiciels qui postule pour un emploi. Vous avez toutes les qualifications requises, et pouvez coder comme les meilleurs. Cependant, il en va de même pour tous les autres candidats qui se trouvent dans la même série d’entretiens que vous. Alors qu’est-ce qui vous sépare d’eux? Votre personnalité. C’est pourquoi nous ne signons généralement que les personnes avec lesquelles nous avons une relation personnelle ou celles qui se présentent comme culturellement pertinentes.

Par conséquent, avant d’essayer de signer avec Archipel, il est préférable de nous parler un peu. Vous pourriez nous contacter pour du mixing et mastering. Interagissez avec nos articles. Parlez à nos artistes. Mais si vous ne voulez pas faire tout cela, alors, pour l’amour de Dieu, ne vous contentez pas d’envoyer un lien par courriel. Cela s’est produit constamment au cours des dix dernières années, et c’est une perte de temps. Au lieu de cela, écrivez quelque chose sur la façon dont vous seriez un bon candidat et montrez que vous avez fait vos devoirs, comme pour tout entretien d’embauche. Cette attitude se traduira par un taux d’acceptation plus élevé auprès d’autres labels également, même si votre son ne correspond pas forcément.

Les bons labels signent une musique originale dans le cadre d’un récit

Il y a quelque temps, j’étais en train de faire le mastering de la sortie d’un artiste, et j’ai pensé qu’il conviendrait au label. Je l’ai donc contacté pour lui demander s’il voulait le signer. Sa réponse se situait entre la flatterie et le choc. Il était flatté que je pense qu’il devrait figurer sur le label, mais en même temps, il ne pensait pas que cela conviendrait. C’est parce qu’avec Archipel, j’aborde le label comme un album, ou un mix de DJ, où la prochaine sortie est une chanson qui sert de passerelle à la suivante.

Je vois le tout comme un récit, d’une certaine manière. Et cela signifie que même si une chanson avait fonctionné dans le passé sur le label, à ce moment précis ce n’a pas été le cas, à cause de l’histoire élaborée.

Cependant, la sortie de ce type, même si elle n’avait pas eu de sens dans le passé, a eu un sens parfait ici.

La morale de cette histoire est que si vous voulez vraiment être sur un label, et que ce label sélectionne de nombreux genres différents, ne vous inquiétez pas de savoir si votre album sera adapté ou non — envoyez-le simplement. On ne sait jamais vraiment quelles sont les intentions du directeur artistique. Cependant, si vous voulez envoyer de la musique à un label comme Say What? Recordings qui sort presque exclusivement de la techno à 130+ BPM, il n’est probablement pas judicieux de leur envoyer votre morceau d’ambient.

En Conclusion

Les labels sont une chose délicate si vous prévoyez de signer une musique originale. Si elle est trop semblable à tout le reste, elle sera ignorée. Si elle est trop différente de tout le reste, elle sera ignorée. Même si vous trouvez le juste milieu, il y a de fortes chances qu’elle soit également ignorée, puisque vous n’avez pas de relation avec le label. Par conséquent, il est préférable de cultiver les relations et de rejoindre une culture qui vous acceptera tel que vous êtes. N’oubliez pas qu’à un moment donné, tous les genres étaient vraiment originaux. Il fallait juste qu’un diffuseur ait la confiance nécessaire pour le signer sur le marché. Peut-être qu’il serait temps pour les diffuseurs d’avoir plus de confiance?