Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.

 

Mixage d’un morceau pendant l’arrangement

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L’une des questions que l’on me pose souvent lorsque j’enseigne la production est la suivante : « Dois-je commencer à mixer en même temps que je travaille sur la piste? Il n’y a pas de réponse précise à cette question, car chaque chanson est différente. Je dirai cependant que je commence à travailler sur le mixage dès le début, mais pas nécessairement de la manière dont les gens pourraient le penser.

 

Il y a trois choses auxquelles je fais attention pour m’assurer que mon mixage est correct, dès le départ.

 

  1. Gain staging (niveaux des gains). C’est un sujet que j’aborde dans les tutoriels et les ateliers sur le mixage, mais il s’agit surtout de normaliser. Vous voulez que votre entrée (échantillon, synthétiseurs) soit proche de 0 dB. Ensuite, vous ajusterez le fader au niveau désiré (ex. -10 dB).
  2. Hiérarchie des amplitudes. Quel est le son qui domine? C’est celui qui sera le plus fort de votre mixage pendant la majeure partie de la chanson. Les autres sons seront ajustés par rapport au son dominant.
  3. Séquençage et espace négatif. C’est ici que se joue l’essentiel. De nombreuses personnes ont des difficultés avec le mixage effectué à la fin de la production d’une chanson en raison de tous les chevauchements dans l’amplitude (volume) et le timing. Par exemple, si vous devez utiliser un side-chain entre le kick et la basse, c’est parce que vous n’avez pas préparé d’espace négatif pour le kick. Ensuite, il vous faudra sculpter à la fois le partage des fréquences et l’amplitude.

 

Un bon séquençage signifie un bon mixage

 

Ma devise est que si votre séquençage est fait correctement, vous n’aurez pas beaucoup à jongler avec une fois que vous serez à l’étape du mixage. En fait, vous ne voulez pas que les sons se chevauchent trop pour éviter les problèmes de masquage.

 

Lorsque je reçois un morceau pour le mastering, l’une des principales tâches que je dois accomplir est d’ajuster le niveau sonore. Si les niveaux de gain sont médiocres, je dois les augmenter considérablement pour atteindre le niveau sonore standard. Si je dois augmenter le volume, cela signifie que tout son qui se chevauche sera écrasé et fusionné avec d’autres, ce qui annihilera toute la précision d’un mixage aéré et créera un mastering muddy et sans vie.

 

Ainsi, certains sons peuvent partager la même position dans le séquençage, comme c’est le cas dans la musique techno ou house, où les kicks, les claps et les hats se mélangent. Mais comme vous le savez, ils ne se trouvent pas dans les mêmes zones de fréquence. Les kicks seront dans les basses, les claps dans les mids et les hats dans les hautes fréquences. Il y a donc de l’espace dans le spectre pour que tous les sons puissent cohabiter. Les transitoires des claps peuvent également accentuer les kicks, en leur donnant plus de punch.

 

(H2 Tag – Make sure to adjust this on WordPress) Attention à la gamme dynamique

Cela dit, ces sons auront plus de punch si vous contrôlez leur longueur. La gamme dynamique accentue le punch et la précision. Ce que nous appelons la gamme dynamique est la différence entre le pic le plus fort et la partie la plus basse. Si vous insérez un espace négatif (silence), vos sons seront théoriquement plus percutants.

 

Cela signifie que la réverbération, les delays et les bruits de fond peuvent nuire à la gamme dynamique, car ils enlèvent de l’espace au plancher sonore. Si vous en ajoutez trop, le morceau sera brouillon et muddy.

 

Avec cette idée en tête, vous commencerez par sélectionner des sons et par ajuster leur longueur, puis vous les normaliserez (par exemple, en les rapprochant de 0 dB).

 

Être stratégique avec la voix

 

Lorsqu’il s’agit de créer l’idée principale d’une chanson, nous appellerons les sons des « voix ». Vous vous faciliterez la vie en vous limitant à 4 maximum.

 

Une voix peut être un synthétiseur ou un instrument. Si vous y ajoutez des couches, il s’agit toujours d’une seule voix. Mais si vous ajoutez un deuxième instrument qui joue des notes différentes à des moments différents, il s’agira d’une deuxième voix. Avec quatre voix, le tout devient chargé.

 

Espace dans le mixage

 

En termes d’amplitude, nous savons que les niveaux doivent être différents, mais le panoramique et le positionnement stéréo peuvent également faire la différence. Vous devez garder à l’esprit que vous essayerez d’éviter les chevauchements stéréo, mais en termes d’amplitude, si deux sons s’affrontent, vous pouvez leur donner un panoramique différent afin d’obtenir de l’espace et de la clarté.

 

Là encore, en ce qui concerne l’amplitude, vous pouvez réduire certaines fréquences de manière à ce que le bas ou le milieu de gamme n’interfère pas. C’est pourquoi les égaliseurs passifs, tels que les Pultecs ou les égaliseurs à 3-4 bandes, sont très utiles. Ils vous permettent d’ajuster une gamme de fréquences sans modifier l’ensemble du spectre.

 

En fin de compte, je vous invite à réfléchir à la manière dont vous séquencez votre musique avec soin et je pense que votre mixage sera beaucoup plus facile.

La recherche du succès est un modèle voué à l’échec

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Il y a quelque chose d’assez trompeur à voir les artistes que l’on aime dans leur studio, surtout lorsqu’il y a tout l’équipement dont on peut rêver. D’une part, vous voyez une personne accomplie avec tout cet équipement et vous pensez peut-être que c’est le succès qui a apporté tout cet équipement ou plutôt que c’est l’équipement qui a engendré le succès. D’autre part, vous vous imaginez dans la même situation, où vous rêvez d’être sous les feux de la rampe. Dans les deux cas, vous pouvez imaginer que le succès est au rendez-vous et que le studio est la clé qui vous permettra d’atteindre vos objectifs.

 

La recherche de la perfection revient à courir après un mirage dans le désert. Cela revient à chasser un fantôme, sans savoir si ce fantôme existe vraiment.

 

Dans des articles précédents, j’ai expliqué quelques défis à relever à cet égard et comment travailler avec une défintion de terminé afin d’avoir une meilleure idée de l’endroit où vous vous dirigez.

 

L’industrie de la musique a connu une transformation importante ces dernières années. Avec l’essor des services de diffusion numérique de musique, des médias sociaux et d’autres plateformes numériques, le modèle traditionnel de recherche du succès dans la production musicale est aujourd’hui dépassé. Dans cet article de blogue, nous discuterons des raisons pour lesquelles la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, et nous proposerons des alternatives aux musiciens pour qu’ils puissent s’épanouir dans leur carrière musicale.

 

L’idée fausse du succès

L’une des plus grandes idées fausses dans l’industrie de la musique est la définition du succès. Pour de nombreux musiciens, le succès est synonyme de célébrité, de richesse et de reconnaissance de leur musique. Toutefois, cette définition est réductrice et incomplète. Tous ces éléments ne peuvent être mesurés. Vous pensez peut-être qu’un certain nombre d’adeptes sur un média social vous apportera une certaine forme de succès, mais une fois que vous aurez atteint ce nombre, vous vous rendrez compte que cela ne vous apportera pas de revenus passifs ou de ventes supplémentaires. Vous devez continuer à travailler dur pour en retirer quelque chose, ce qui vous prendra du temps hors de votre studio. Il en va de même pour les ventes. Vous faites peut-être beaucoup de ventes, mais ensuite? Vous rechercherez quelque chose d’autre. Le succès en musique doit être considéré comme un accomplissement personnel, plutôt que comme une validation extérieure. C’est ce que j’appelle souvent le bonheur.

Alan Watts, philosophe britannique, a dit un jour : « Le sens de la vie, c’est simplement d’être en vie. C’est si simple et si évident. Et pourtant, tout le monde se précipite dans une grande panique comme s’il était nécessaire d’atteindre quelque chose qui les dépasse ». Cette citation illustre parfaitement l’importance de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale, plutôt que de rechercher une validation extérieure.

 

Le contexte du succès

Un autre aspect que les musiciens négligent souvent lorsqu’ils courent après le succès est le contexte dans lequel le succès s’est produit. Le succès d’un artiste n’est pas seulement le résultat de son talent, mais aussi le fruit du hasard, de la chance et d’autres facteurs externes. Le film « Searching for Sugarman » raconte l’histoire de Sixto Rodriguez, un musicien qui a été acclamé par la critique en Afrique du Sud dans les années 1970, mais qui est resté inconnu aux États-Unis. Le film souligne l’importance du contexte dans le succès, et la façon dont le succès peut être atteint par des moyens inattendus.

 

Les alternatives à la recherche du succès

Alors, si la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, quelles sont les alternatives? Voici quelques alternatives à envisager :

  1. Se concentrer sur le processus créatif (le voyage)

L’un des meilleurs moyens de s’épanouir dans la production musicale est de se concentrer sur le processus créatif. Plutôt que d’être obsédé par le résultat final, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale. Cette approche vous aidera à rester motivé et inspiré et, en fin de compte, à vivre une expérience musicale plus satisfaisante. Comme c’est plus facile à dire qu’à faire, comment faire? En effet, lorsque l’on se concentre sur le résultat final, on s’agace si quelque chose ne va pas : par exemple, un synthé ne sonne pas comme on l’avait imaginé au départ. Se concentrer sur le processus signifie principalement que vous êtes curieux de la tâche que vous êtes en train d’accomplir et que vous ne recherchez pas la perfection.

CONSEIL : Essayez de consacrer 50 % de vos séances en studio à jammer et à vous amuser plutôt qu’à être productif.

 

  • Développer vos compétences

Un autre moyen de s’épanouir est de se concentrer sur le développement de ses compétences. Plus vous pratiquerez et perfectionnerez votre art, plus vous évoluerez en tant que musicien. Une chose que je dis aux gens, c’est qu’ils apprendront plus en commençant 100 chansons qu’en essayant d’en perfectionner une. Lorsque vous démarrez 100 projets différents, l’objectif est de relever un défi différent à chaque fois. Il peut s’agir d’une nouvelle technique, de l’utilisation d’un nouveau plugin ou d’un son inhabituel. Cela vous apportera non seulement une satisfaction personnelle, mais fera également de vous un musicien plus compétitif et plus compétent dans le secteur.

CONSEIL : Essayez de commencer 100 chansons, puis travaillez-les en alternance.

 

  • Se rapprocher de son public immédiat

L’un des aspects les plus gratifiants de la production musicale est le contact avec le public. L’erreur que commettent la plupart des gens est d’essayer d’atteindre des personnes qui ne s’intéressent pas vraiment. Ce qu’il faut faire, c’est favoriser les personnes proches qui peuvent se sentir concernées, ce que j’appelle (sans mauvais jeu de mots) le cercle des cinq (clin d’œil au cercle des cinquièmes, circle of fifth). Cette approche vous procurera non seulement un sentiment d’accomplissement, mais vous aidera également à construire une carrière musicale durable.

CONSEIL : Engagez-vous à connecter avec 5 personnes et créez une dynamique où chacun peut s’entraider.

 

  • Fixer des objectifs réalistes

S’il est important de se concentrer sur le voyage plutôt que sur la destination, l’établissement d’objectifs réalistes peut vous aider à rester sur la bonne voie et à rester motivé. Plutôt que de vous fixer des objectifs basés sur une validation externe, concentrez-vous sur des objectifs qui ont un sens pour vous et qui correspondent à vos valeurs personnelles. Remettez en question vos objectifs, discutez avec des mentors et des producteurs expérimentés, puis essayez de réduire vos projets au minimum.

Conseil : faites une liste des différents sons que vous aimez ou des chansons que vous écoutez souvent, puis essayez de comprendre ce que vous aimez. Travaillez ensuite à faire de la musique que vous aimez.

 

Conclusion

La recherche du succès dans la production musicale est un modèle dépassé et voué à l’échec. L’industrie musicale s’est considérablement transformée ces dernières années, et le succès ne peut plus être défini par des indicateurs traditionnels tels que les ventes d’albums ou les performances dans les hit-parades. En revanche, les musiciens devraient se concentrer sur la recherche d’un épanouissement personnel dans le processus créatif, le développement de leurs compétences, la connexion avec leur public et l’établissement d’objectifs réalistes.

Comme l’a dit Alan Watts, le sens de la vie est simplement d’être en vie. Il en va de même pour la production musicale. L’aspect le plus important de la production musicale est de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale. Alors, plutôt que de courir après le succès, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale.

 

Méthode pour le classement des projets et fichiers

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Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais il est possible que votre disque dur, après un certain temps, devienne un véritable fouillis. Il y aura des dossiers avec quelques projets dedans, et d’autres dossiers avec des échantillons aléatoires. Sans parler de tous ces projets nommés Nouveau projet…

 

Il existe différentes façons d’organiser vos dossiers et tout votre travail pour y naviguer facilement. La façon dont je classe les projets a aussi pour but d’avoir une vue d’ensemble rapide de celui sur lequel je vais travailler ensuite, des chansons qui devraient aller dans un album, et de ceux qui nécessitent des actions spécifiques.

 

Avant de m’expliquer, parlons des différentes étapes par lesquelles passe un projet et des différentes tâches qui y sont liées.

Remarque : Si vous êtes nouveau sur ce blogue et que vous n’êtes pas familier avec ma technique de production, je vous encourage à lire quelques articles à ce sujet, qui donneront plus de sens à ce que je m’apprête à décrire.

 

Les différentes étaps de la production musicale (et l’étiquetage de vos projets en conséquence)

 

Pour maximiser les résultats, je prends chaque partie de la création musicale et je la désigne comme une phase ou une étape.

 

Les différentes étapes que j’étiquette sont les suivantes :

 

1— Recherche d’idées, concept, test de techniques, recherche d’accroches, etc.

2— Boucle préliminaire faite à partir de l’étape 1 qui pourrait être le cœur de la chanson. Structure de base de la chanson.

3— Arrangements.

4— Mixage.

5— Chanson terminée à 90 % et nécessitant des derniers ajustements mineurs.

 

La raison principale pour laquelle j’accorde une grande priorité à l’état de la chanson est basée sur l’idée que lorsque je veux travailler sur de la musique, je peux me trouver dans un état d’esprit précis. Peut-être qu’un jour je voudrais juste m’amuser en faisant du sound design et une autre fois, je devrais travailler sur un EP et je vérifierais les quelques chansons en incubation. Comme vous le savez peut-être, lorsque je fais de la musique et que je rouvre un projet, je veux savoir rapidement où il en est. En une heure de travail sur la musique, je passe d’une chanson à l’autre, mais j’aime aussi revisiter des projets qui sont restés en dormance pendant des semaines, car ce que je veux, c’est avoir toujours la perspective la plus fraîche sur mon travail. Si vous travaillez sur quelque chose pendant des heures, croyez-moi, à la fin, vous risquez d’avoir perdu toute perspective et votre travail en souffrira.

 

Les étapes 1 et 2 peuvent se chevaucher

 

Je vais vous présenter un de mes cas d’étude pour que nous puissions bien comprendre comment utiliser un projet et son évolution vers une chanson finie. Mais nous allons commencer par les 2 premières étapes.

 

Les projets qui sont au stade 1 sont votre bassin pour pêcher des idées.

Donc l’idée d’un projet au stade 1 est vraiment une question d’idées, pas beaucoup plus que ça. Cela peut être plus si vous le souhaitez, c’est à vous de voir.

 

L’étape 2 est celle où l’on travaille sur une accroche précise ou une idée principale. Il y a de multiples façons de travailler et de trouver des accroches, nous en avons parlé dans des articles précédents.. En général, je dépose une boucle percussive très simple pour définir ce qui sera le rythme de la chanson, son groove, et ses accents, puis je place ce qui serait l’accroche par-dessus. On réfléchit souvent trop à l’accroche. Pourtant, c’est souvent très simple.

 

Habituellement, à l’étape 2, je devrais avoir :

 

  • Une clé de base (tonalité)
  • Une gamme
  • Une accroche, pas plus longue qu’une mesure
  • Un groove rythmique, une signature temporelle

 

Si j’ai tout cela, je sais que le projet est passé à cette nouvelle étape et je le renomme. En général, lorsque je renomme un projet, je m’assure de le sauvegarder et de faire un « tout réunir et sauvegarder » pour m’assurer que je copie tous les fichiers nécessaires dans leur forme précédente. Lorsque vous renommez un projet, il est préférable de faire « Enregistrer le projet sous… » dans le menu Fichier d’Ableton et son étape 1 sera toujours accessible. Vous pourrez décider plus tard si vous archivez le projet original ou si vous le gardez comme incubateur. Habituellement, lorsque je trouve une idée à partir d’un incubateur, je m’assure de sauvegarder les différentes chaînes d’effets en tant que macros afin de pouvoir les réutiliser. Je donne également un code couleur à mes pistes et je les nomme pour pouvoir les récupérer plus tard dans le navigateur de gauche d’Ableton.

 

Cependant, vous pouvez avoir un incubateur au stade 1 qui ne se développera jamais parce que vous pouvez faire muter l’incubateur original au stade 2, il est complètement différent, mais il provient toujours d’un projet parent. Par exemple, j’ai des projets qui sont faits pour créer des sons. Ils n’ont jamais évolué à partir de là et des tonnes de chansons ou même des sets live en sont issus.

 

Les arrangements, l’histoire complète de l’étape 3

 

Je trouve que les arrangements doivent commencer par un travail sur la partie centrale de la chanson, puis déconstruire cette idée jusqu’au début de la chanson. Ainsi, le début de l’étape 3 consisterait à travailler sur la partie centrale, d’une durée d’environ 1 minute.

 

Comme vous pouvez le voir, il s’agit essentiellement de déplacer votre boucle initiale de l’étape 2 et de la faire glisser vers la vue Arrangement, puis de l’étirer. Certaines personnes construisent leur boucle initiale en mode arrangement afin de pouvoir la déplacer du début au milieu. Lorsque je travaille sur des arrangements, j’aime généralement faire un brouillon rapide de la chanson, où je la divise en 3 sections : intro, cœur, outro. Ce brouillon est fait rapidement, parfois en un temps surprenant de 20 minutes seulement. Je reviendrai plus tard avec un regard neuf, j’écouterai depuis le début et réajusterai les arrangements pour qu’ils aient plus de sens.

 

Au stade 3, le mixage n’est pas important. Vous pouvez le niveler pour une écoute agréable, mais je ne m’en soucierais pas trop.

 

Le mixage en tant que 4e étape

 

Pas besoin de beaucoup d’explications ici, mais une chose à préciser est que ce n’est pas quelque chose de rigide non plus. Il se peut que vous remarquiez des problèmes d’arrangement lors du mixage qui vous obligeront à retravailler. Comme je le dis toujours à mes clients, si votre conception sonore et vos arrangements sont solides, il n’y aura pratiquement pas de mixage, ou seulement des retouches.

 

L’étape 5 correspond à votre chanson terminée à 90 %

 

Pour moi, 90 % est ma définition de terminé. Je sais que ça semble bizarre, mais c’est comme ça. Tout d’abord, lorsque vous acceptez qu’une chanson n’est jamais terminée, il est plus facile d’accepter ses imperfections et de passer à autre chose. Deuxièmement, vous voulez amener autant de chansons que possible à 90 % parce que le jour où vous voulez sortir un album ou EP, vous prendrez celles-là et les emballerez toutes d’un coup pour les amener à 100 %. Cela peut sembler déroutant, mais laisser vos chansons dormir à 90 % et emballer plusieurs chansons à la fois signifie que la dernière ligne droite pour toutes les chansons vous donne une chance de les unifier pour les rendre cohérentes en tant que sortie.

 

Alors quelle est la différence entre les étapes 4 et 5?

 

Eh bien, c’est un peu quand vous avez fini l’arrangement que vous passez à l’étape 5. Cela ressemble à : j’en ai fini avec celui-là. De temps en temps, je peux rouvrir l’étape 5 pour faire une petite mise au point, mais pour moi, quand on arrive à l’étape 5, ça veut dire que c’est prêt.

 

En conclusion

 

Lorsque j’ouvre mon dossier avec tous mes projets, je verrai des projets allant de 1 à 5, tous les morceaux étant dans l’ordre. Avec le navigateur de fichiers, je peux aussi les classer de 5 à 1. J’aime bien pouvoir mettre des tags dans mac OS. Cela peut être pour le genre, si c’est signé, ou tout ce qui peut être utile.

Photo par Amy Shamblen sur Unsplash

Génération d’idées et capacité d’attention de l’auditeur

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(Crédit photo : Avi Richards sur Unsplash)

Parfois en tant qu’artiste, vous vous retrouvez dans une zone où les choses sont un peu confuses. Cela arrive précisément lorsque vous perdez votre perspective, à savoir si vous faites de la musique pour vous-même ou pour un auditoire précis.

 

Il y a plusieurs perspectives dans la musique, celle du créateur et celle de l’auditeur. Il y a quelque chose d’assez contradictoire dans la création musicale : vous jouez de la musique, elle vient de vous, de votre imagination et de votre émotion du moment, mais pourtant, les musiciens ont souvent quelqu’un d’autre en tête lorsqu’ils créent. Cette personne pour laquelle vous faites de la musique n’est pas là pour vous donner son opinion.

 

En tant que responsable d’un groupe Facebook sur le coaching et d’un programme Patreon où je forme des gens, je suis confrontée à cette situation à maintes reprises avec mes étudiants. Ils craignent que leur chanson soit ennuyeuse ou que l’auditeur ne l’écoute pas jusqu’à la fin.

 

Existe-t-il une solution miracle pour garantir que tout le monde aimera la chanson et l’écoutera jusqu’au bout?

La réponse la plus simple est non. Vous ne pouvez jamais contrôler la façon dont quelqu’un va percevoir votre musique parce que vous pouvez écouter de la musique à différents moments de la journée et avoir des perceptions différentes. Cela peut être lié à l’émotion présente, à l’endroit où vous l’écoutez et à ce que vous faisiez avant, mais l’élément perturbateur sera sans aucun doute lié aux attentes de l’auditeur.

 

Cependant, tout n’est pas perdu : il existe des moyens d’augmenter la probabilité que la personne apprécie pleinement le morceau. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses que vous pouvez faire et qui peuvent certainement aider, techniquement, à faire en sorte que l’auditeur soit plus captivé.

 

L’attention est une compétition

 

J’aimerais également prendre un moment pour souligner que nous vivons à une époque où l’on recherche l’attention, ce qui a créé une culture de la recherche de l’attention. Ce désir d’attention est normal, mais vous devez comprendre que les gens n’ont pas beaucoup de temps à perdre. Toutes les plateformes de médias sociaux engagent des équipes pour attirer l’attention de personnes comme nous, de sorte que la capacité d’attention de chacun a considérablement diminué au fil du temps en raison de la concurrence. La bonne nouvelle est que la musique peut être une expérience de fond : elle ne vous empêche pas de faire d’autres choses pendant que vous l’écoutez. Vous pouvez toujours faire votre lessive, parler à vos amis, cuisiner, etc. tout en écoutant de la musique. Il s’agit d’une attention non partagée, mais lorsqu’il s’agit de musique, cela vaut autant que n’importe quelle attention.

 

Vous vous lasserez de vos chansons (ce qui conduit au doute)

 

Une chose que je vois lorsque les gens font de la musique, ils atteignent généralement un point où ils se sentent un peu perdus. Par perdu, je veux dire qu’ils peuvent avoir certains doutes qui s’insinuent en eux. Cela arrive principalement parce que les gens passent trop de temps à travailler sur leur morceau, parfois d’affilée (par exemple, une session prolongée de plus de 2 heures) ou qu’ils le peaufinent depuis plus de 3 jours d’affilée. Si vous suivez ce blogue, vous connaissez déjà mon opinion à ce sujet : ne pas espacer le temps que vous passez sur votre piste aura pour résultat le plus probable de ne plus savoir si votre idée peut être comprise ou si elle est « bonne ».

 

Il y a plusieurs phases dans la créativité, la première étant celle où vous avez dans les mains ce qui semble être une bonne idée, puis vous essayez de mettre cela dans une histoire et enfin, vous essayez d’en faire une ligne de temps. Une fois que vous avez ces 3 éléments initiaux, il se peut que vous tourniez en rond entre eux encore et encore parce que plus vous passez de temps sur votre chanson, plus vous entendrez des choses à corriger et ressentirez le besoin d’ajuster quelque chose parce que, eh bien, vous avez écouté la même idée pendant des heures.

 

Personne, à part vous-même, n’écoutera votre chanson autant que vous le faites.

 

C’est exactement la raison pour laquelle vous douterez de vous. Parce que toute personne qui y serait exposée autant s’en lasserait ou en aurait marre. Alors qu’en réalité, il n’y a absolument rien de mal à cela.

 

Ne tombez pas dans les extrêmes

 

Lorsque vous faites de la musique, l’équilibre entre faire de la musique pour vous-même et pour les autres est quelque chose d’étrange à trouver. Si, à un extrême, vous faites de la musique uniquement pour vous-même, il y a de fortes chances que votre musique soit vraiment désordonnée et qu’elle ne touche personne. Mais si vous allez à l’autre extrême et que vous ne faites de la musique que pour les autres, vous n’aurez aucune personnalité là-dedans et vous serez une sorte de coquille vide. Le bon équilibre consiste à comprendre ce qui fonctionne en tant que concept, puis à y injecter vos idées. En d’autres termes, ce qui fonctionne est bien souvent « la même chose mais différente ».

 

Vous n’avez aucun contrôle sur l’auditeur

 

En ce qui concerne l’auditeur, vous devez accepter que vous n’avez aucun contrôle sur ses goûts, sa capacité d’attention, son humeur et sa disponibilité. Lorsqu’une personne décide d’écouter une chanson, elle répond à un besoin spécifique qui lui est propre. Certains voudront quelque chose d’énergique pour une tâche, d’autres quelque chose de doux pour se détendre, certains qui sont DJ veulent une musique avec une direction spécifique, d’autres quelque chose entre les deux pour travailler/étudier, etc. Vous pouvez imaginer que quiconque écoutera votre chanson, viendra avec un besoin spécifique et il est aussi tout à fait possible que l’auditeur écoute votre chanson avec quelques autres avant, et quelques autres après. Il n’est pas fréquent que vous écoutiez soudainement un morceau, puis plus rien.

 

Maintenant, pensons à quelqu’un qui travaille une liste de lecture et qui a quelques nouveaux morceaux à ajouter. Il aura à peu près la même approche qu’un DJ qui prépare son prochain set. La musique qu’ils conservent est surtout quelque chose d’émotionnel et teinté par les goûts. Ils aiment ou n’aiment pas. Étant donné que la musique est facilement accessible de nos jours, les gens passent rapidement à autre chose parce qu’ils le peuvent.

 

Maintenant que nous avons tout cela à l’esprit, voyons ce qui peut être un obstacle à l’appréciation ou à la désapprobation de votre musique.

 

Comment maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson

 

Voici des moyens de maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson :

 

  • Calquer un morceau sur une chanson de référence dont vous savez qu’elle fonctionne. Cette méthode est la meilleure parce que, comme pour toute chose dans la vie, si vous avez le modèle pour quelque chose qui fonctionne, vous pouvez alors reproduire un concept. Cela fonctionne aussi bien pour faire une pizza que pour une chanson. J’en ai parlé à maintes reprises dans mes vidéos Youtube, mais il s’agit essentiellement de comprendre la structure de la chanson, la façon dont les sons entrent et sortent, les niveaux, la longueur, la densité, etc. Une fois que vous aurez analysé les chansons qui vous semblent incroyables, vous réaliserez qu’elles sont souvent plus simples que vous ne le pensez.

 

  • Faire en sorte que votre musique ne soit pas trop prévisible, mais juste assez pour maintenir l’intérêt de l’auditeur.. Ce qui maintient généralement l’intérêt d’une personne, c’est le sentiment d’être intelligent. Cela vient de l’idée qu’ils peuvent prédire ce qui va se passer ensuite dans une chanson, que ce soit en termes de progression d’accords ou d’arrangement. Si vous anticipez quelque chose et que cela se produit, cela peut vraiment déclencher une certaine excitation. Mais ce qui vous rend accroc, c’est quand cela vous prend légèrement au dépourvu. D’un côté, trop de prévisibilité rendra la chose ennuyeuse, mais de l’autre, trop de surprises créeront de la confusion et de l’irritabilité. Donc, généralement, vous voulez que la première partie de votre chanson crée une compréhension de ce dont parle la chanson, mais ensuite vous apportez de nouvelles idées. Pendant un certain temps, c’est la raison pour laquelle les breakdowns étaient si importants, car ils étaient en fait la porte d’entrée vers l’évolution suivante de la chanson, mais depuis qu’ils sont devenus si prévisibles, pour moi, les breakdowns ne sont plus pertinents.

 

  • Faire en sorte que votre musique suive les tendances actuelles, avec une légère nouveauté.. Je pense que tout musicien doit passer un peu de temps chaque jour à écouter les charts, les nouvelles sorties, ce que les DJs passent et ce que les gens aiment. Je trouve que, très souvent, j’ai des idées du présent que je mélange avec des idées du passé. J’écoute de la musique des années 90, j’entends un effet utilisé d’une certaine manière et je vois ensuite comment on peut améliorer cette vieille idée. Ce n’est pas en vivant complètement dans le passé que votre musique sera plus fraîche. Mais il n’est pas non plus nécessaire d’être dans l’instant présent, car vous serez soit perdu dans une mer de gens qui font de la musique en suivant les tendances, soit, lorsque votre chanson sera terminée, la tendance sera déjà dépassée.

 

  • Partager quelque chose de personnel. Cette question est délicate mais importante. En musique, en fin de compte, vous voulez être vous-même. Pour cela, il faut passer du temps à créer des sons jusqu’à ce que l’on trouve quelque chose que l’on aime vraiment. J’aime l’idée que si l’on s’arrête aux premières idées, elles peuvent être superficielles, mais si l’on prend son temps et que l’on va plus en profondeur, on en trouvera de plus en plus complexes. Si les choses sont aussi profondes, et que vous aimez ça, alors vous entrez dans le domaine de l’originalité et de l’espace personnel. Cette zone est cependant très vulnérable, car plus vous créez de manière personnelle, plus il est effrayant de le partager, car le rejet sera également très personnel. Mais la bonne nouvelle, c’est que les personnes qui aimeront cet espace seront aussi très proches de ce que vous êtes.

 

  • Connaître votre public cible et comprendre ce qu’il aime. Lorsque vous faites de la musique, vous pouvez suivre un genre ou non, mais si vous le faites, essayez de comprendre ce que les gens aiment dans ce genre. Peut-être le savez-vous déjà. Mais ce qui fait sauter une chanson à quelqu’un, ce sont généralement les quelques points suivants : l’inadéquation entre ses besoins et ce que la chanson lui offre (ex. la chanson n’a pas le bon ton émotionnel ou est techniquement écrasante), le choc des sons culturels (ex. la chanson a un genre mais ne respecte pas certains concepts de base, ce qui pourrait être irritant) ou des goûts complètement différents (tempo, ton, clé de la chanson, production, utilisation du son). En gros, il est recommandé de faire preuve d’audace dans ce que vous aimez, mais veillez à ce que cela reste dans les limites d’un genre, si vous souhaitez faire partie de cette direction.

 

Techniques musicales pour trouver de nouvelles idées

 

Pour faire de la musique, il faut trouver des idées. Vous pouvez faire de la musique pendant des années, mais une bonne façon de rester original est d’avoir différentes techniques pour générer de nouvelles idées. Voici 3 idées principales que j’utilise pour générer des idées, parmi tant d’autres. Fondamentalement, vous voulez, d’une part, avoir du matériel original et, d’autre part, trouver des moyens de le traiter. Cela signifie que vous pouvez avoir des idées de qualité qui n’ont pas besoin de beaucoup de cosmétiques, ou au contraire avoir des idées très génériques et ajouter des tonnes de traitement. Mais il s’agit dans les deux cas de deux méthodes différentes qui vous permettent de créer des possibilités infinies.

 

La création de nouvelles idées peut venir, soit de l’échantillonnage/enregistrement, soit de la génération d’idées synthétiques. J’utilise beaucoup l’aléatoire dans mon travail parce que c’est comme une avance rapide de mes réglages. En d’autres termes, si je manipule un bouton pour trouver des idées, cela peut prendre un certain temps. Au lieu de cela, j’utilise la puissance de l’ordinateur pour trouver des réglages aléatoires, sur plusieurs paramètres, en une seule fois, ce qui me permet de conserver les meilleures idées qui en découlent. En appuyant sur le bouton aléatoire, j’obtiens en quelques secondes autant de nouvelles idées que j’appuie sur ce bouton. Ce qui est puissant, c’est que je peux utiliser chaque instantané individuellement, et que je peux également effectuer un lent morphing entre chaque instantané, créant ainsi de merveilleuses idées évolutives.

 

Rendre aléatoire les effets, modules et macros

 

C’est assez facile dans Ableton. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs plugins, puis utiliser command+G pour les regrouper.

 

 

 

 

 

 

Vous pouvez ensuite lier les paramètres aux macros.


 

 

 

 

 

 

 

 

Pour les plugins VST, vous devez appuyer sur le bouton de configuration, puis cliquer sur les paramètres que vous souhaitez utiliser.

 

 

 

 

 

 

Une fois que vous avez assigné un certain nombre de paramètres aux boutons de macros, vous pouvez appuyer sur le petit bouton « Rand » pour voir différentes idées aléatoires.

 

 

 

 

 

Je vous encourage à sauvegarder votre rack avec les instantanés, que vous pouvez aussi enregistrer avec le petit bouton de l’appareil photo à gauche. Ces sauvegardes sont très pratiques lorsque vous voulez rappeler des idées du passé. La plupart de mes VST les plus utilisés sont tous sauvegardés sous forme de macro pour un rappel rapide.

Pendant que nous y sommes, Shaperbox 3 change énormément la donne pour moi en matière de conception sonore. Vous pouvez faire des choses vraiment, vraiment folles avec et c’est aussi un couteau suisse pour le mixage, la conception sonore et même le mastering.

 

Générer des mélodies aléatoires

 

La génération dee mélodies aléatoires est une autre technique que j’utilise depuis plus de 20 ans. Elle a été utilisée dans la musique concrète et les premiers balbutiements de la musique électronique. Un moyen rapide de le faire est d’utiliser, par exemple, Rozzer. Il s’agit d’un patch gratuit de Max 4 Live qui permet générer des idées assez facilement. En gros, vous le déposez sur un canal MIDI, définissez une gamme et une tonalité de base, puis tapez aléatoirement sur les notes (il générera une séquence de notes), puis tapez aléatoirement sur les Gates (lesquelles de ces notes seront jouées). Il s’agit d’une phrase que vous pouvez ensuite modifier selon vos goûts ou vous pouvez également explorer les polyrythmes en transformant les notes et les gates en différents nombres (par exemple, les notes sur une longueur de 12 et les gates, 7).

 

 

 

Échantillonnage et rééchantillonnage (sampling & resampling) Il s’agit également d’une technique amusante. Vous pouvez jouer une boucle dans votre session Ableton Live et appliquer des effets, puis appliquer des effets, mais vous enregistrez l’ensemble du jam dans un nouveau clip.

 

À partir du clip enregistré, je peux ensuite découper, remodeler, traiter à nouveau, étirer, etc. C’est ce qu’on appelle le rééchantillonnage et c’est un moyen très puissant de transformer les idées. J’aime dire que les clips de rééchantillonnage sont générationnels. Ainsi, un son traité une fois est de première génération, puis si vous retraitez ce clip, il est de deuxième génération, et ainsi de suite. Lorsque j’utilise des sons pour ma musique, j’opte généralement pour des sons de 4-5ème génération. Ils sont généralement plus riches. Ils sont généralement plus riches.

 

J’espère que cela vous aidera.