Les principes de De Vinci appliqués au coaching musical

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Comme vous le savez déjà (enfin j’espère, à ce stade), l’une de mes spécialités est de travailler avec des producteurs de musique, jeunes ou vétérans, et d’éliminer les obstacles afin qu’ils puissent créer librement. Récemment, j’ai étudié la manière dont Léonard de Vinci apprenait et créait, ce qui m’a permis de faire le lien avec mon travail. Après tout, chaque chanson que nous composons est une création en soi, une innovation et un prototype pour nos futurs projets. Si ce n’est pas déjà le cas, je vous invite d’ores et déjà à considérer chaque chanson que vous composez comme un pas dans une direction qui vous mènera vers quelque chose de plus grand.

Léonard de Vinci a maîtrisé l’art de l’innovation et de la pensée interdisciplinaire. Les musiciens et producteurs modernes peuvent s’inspirer de ses principes pour libérer leur potentiel dans le domaine de la production musicale. Dans cet article de blogue, nous allons approfondir chacun des sept principes du livre « How to Think Like Leonardo da Vinci » (Comment penser comme Léonard de Vinci) et explorer comment ils peuvent être habilement appliqués à la production musicale, vous permettant de devenir un véritable maestro dans votre art. Si vous cherchez à améliorer votre parcours de coaching musical, adoptez ces principes comme des étoiles pour naviguer dans le cosmos musical.

 

Curiosità – Adopter une diversité musicale

 

La curiosité insatiable de Léonard de Vinci a nourri sa passion pour le savoir et l’exploration. En tant que musicien et producteur, nourrir sa curiosità implique de se plonger dans différents genres musicaux, styles et cultures. Trop souvent, en tant que producteur, nous sommes obsédés par un genre, une chanson, un artiste et nous nous concentrons dessus pendant un certain temps, en oubliant tout le reste. Parfois, les réponses à nos questions et aux obstacles à l’inspiration proviennent d’une autre source inattendue.

Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Libérez-vous des limites créatives et aventurez-vous dans de nouveaux territoires pour expérimenter de nouvelles sonorités et de nouveaux éléments musicaux. Plongez dans des genres que vous n’aimez pas, revenez à des époques plus anciennes, explorez les racines d’un autre pays : voilà de bonnes pistes à explorer. Le drum and bass a pioché des boucles dans le funk. Le hip-hop s’inspire du jazz, tandis que la techno dub s’inspire du reggae, qui trouve ses racines dans la musique africaine ancienne. Tous les genres s’inspirent d’une autre culture, ce qui signifie que vous pouvez briser les règles en douceur en faisant la même chose, quel que soit le genre que vous pratiquez.

ASTUCE pour l’inspiration : Trouvez un genre à explorer, choisissez n’importe quelle chanson et isolez un moment instrumental où vous pouvez entendre la mélodie principale, puis convertissez-la en midi dans Ableton.

 

Participez à des festivals de musique et à des ateliers, prêtez attention aux artistes de rue et écoutez un large éventail de musiciens d’horizons différents. Apprenez qui a inspiré vos héros, comme l’amour de Villalobos pour Keith Jarrett. Cette exposition diversifiée enrichira non seulement votre palette musicale, mais donnera également à vos productions des saveurs uniques.

Dimostrazione – Apprentissage pratique et expérimentation

 

L’approche de De Vinci, qui consiste à apprendre par l’expérience pratique, trouve un écho dans la production musicale. Les producteurs en herbe devraient se livrer à des expériences pratiques avec différents instruments, stations de travail audio numériques (DAW) et effets audio. Il existe différents projets que l’on peut réaliser, tels que des unités de réverbération bricolées, des idées de bruitages (foley) ou simplement l’enregistrement de percussions à partir de n’importe quel objet à la maison.

Un fait que je partage constamment avec mes clients : pratiquez, pratiquez, pratiquez et faites des erreurs.

Pratiquez la création de divers arrangements, expérimentez la modulation et la synthèse, et explorez diverses techniques de mixage. En pratiquant régulièrement la dimostrazione, vous acquerrez une compréhension plus profonde de la production musicale que la théorie seule ne pourra jamais vous apporter.

ASTUCE : Je suis en train de dresser une liste Youtube d’expériences que vous pouvez essayer. Cette liste s’allonge chaque jour et regorge d’idées à essayer.

Sensazione – Développer une oreille affûtée et une vision aiguisée

 

La sensazione fait référence à l’aiguisage des sens et, pour un musicien, il s’agit de cultiver une oreille attentive à la musique. Entraînez-vous à écouter activement diverses compositions musicales, anciennes et contemporaines. Prêtez attention aux nuances des mélodies, des harmonies, des rythmes et aux détails subtils de la production qui rendent chaque pièce unique. La pratique régulière d’exercices d’entraînement de l’oreille vous aidera à identifier et à apprécier les éléments musicaux complexes, ce qui vous permettra de les appliquer de manière créative dans vos propres productions.

 

ASTUCE : écrivez quelques notes et testez toutes les gammes musicales pour voir comment elles sonnent. Essayez également tous les accords possibles. Passer du temps à les connaître aidera plus tard à comprendre les mélodies.

 

Bien que nous sachions que la musique est une question d’ouïe et que la formation de l’oreille est importante, j’encourage également la formation des yeux. Une chose que j’ai détestée lorsque j’ai travaillé dans une école de musique, c’est que tous les professeurs disaient aux élèves de ne se fier qu’à leurs oreilles et, d’après ce que j’ai vu, cette astuce était frustrante pour eux. C’est pourquoi je dis aux gens d’apprendre d’abord à faire confiance à leurs yeux lorsqu’ils utilisent des analyseurs de son, puis d’entraîner leurs oreilles à faire le lien avec ce qu’ils voient.

Comme nous travaillons avec des outils visuels tels qu’un DAW, vous apprendrez à savoir ce qui se passe lorsque vous cliquez ici et là ou où se trouvent vos outils avec de la pratique, mais l’organisation visuelle est essentielle pour la rapidité. Plus vous serez agile avec vos outils, plus vous serez dans la zone lorsqu’une idée vous viendra à l’esprit et que vous voudrez la mettre en œuvre. Cette rapidité et cette compréhension ne peuvent se produire qu’avec la pratique… oui, une fois de plus et maintenant vous le savez. Je remarque que même pour moi, si je passe quelques jours sans pratiquer, j’oublie certaines de mes idées.

Je vous invite à apprendre et à pratiquer l’écoute critique. Cette compétence est extrêmement importante pour tout ce que vous voulez accomplir et vous me remercierez plus tard.

 

Sfumato – Adopter l’ambiguïté musicale

 

Dans le domaine de la production musicale, Sfumato vous encourage à accepter l’ambiguïté et l’incertitude. C’est là que réside la difficulté pour de nombreux producteurs, mais aussi pour l’auditeur moyen. Dans la psychologie de l’écoute musicale, les gens peuvent être sur différents modes. Le premier consiste à écouter une chanson pour se reconnecter à l’humeur, à l’émotion, à l’idée, en raison du besoin émotionnel suscité par la chanson. L’autre consiste à découvrir quelque chose de nouveau. Même si quelqu’un est ouvert à l’écoute de quelque chose de nouveau, il aura un tas de filtres personnels qui l’amèneront à décider s’il aime ou non : les sons utilisés, les tonalités, la densité, la vitesse, la gamme, etc. Si vous avez des attentes, il est fort probable que vous n’apprécierez pas l’expérience.

Comprendre que votre auditeur a sa propre histoire personnelle lorsqu’il écoute votre création vous aidera à comprendre comment vous voulez qu’il l’entende. Trouver le bon équilibre d’ambiguïté est la clé pour éduquer vos auditeurs afin qu’ils soient en mesure d’aller plus loin.

 

La musique est une forme d’art où les rebondissements inattendus et les risques créatifs conduisent souvent à des percées remarquables. Permettez-vous d’explorer des progressions d’accords non conventionnelles, des structures de chansons atypiques et des combinaisons sonores peu orthodoxes. Remettez en question ce que les autres vous disent que vous ne pouvez pas faire. Bien sûr, certains aspects techniques sont essentiels, mais s’il s’agit d’un choix purement arbitraire et de goûts personnels, il peut être utile d’explorer les raisons de la gêne ressentie par certains. Accepter l’incertitude vous ouvrira les portes de territoires musicaux inexplorés et donnera à vos productions un charme distinct et avant-gardiste.

Mais l’incertitude est aussi le chemin du musicien. Nous ne savons pas si les gens aimeront notre musique, nous ne savons pas si ce que nous faisons sera compris, quel type de réaction cela nous apportera et, en fin de compte, ouvrira ou ralentira notre ascension en tant qu’artiste. Développer l’endurance à l’ambiguïté est un bon investissement.

 

ASTUCE : Considérez qu’il y a tant de chansons qui présentent des imperfections techniques qui ont fini par être considérées comme un risque, qu’elles ont ouvert la voie à de nouvelles normes. Accepter l’ambiguïté, c’est accepter l’imperfection, ce qui est difficile pour les perfectionnistes.

 

Arte/Scienza – Concilier vision artistique et expertise technique

Léonard de Vinci a su harmoniser l’art et la science, une pratique qui trouve un écho dans la production musicale, en particulier dans le domaine de la musique électronique. Je suis convaincu que s’il était toujours de ce monde, il s’intéresserait certainement à la manière dont l’électronique peut imiter les sons. Il est essentiel de trouver un équilibre entre votre vision artistique et votre expertise technique pour obtenir un son professionnel et soigné. Si l’expression artistique nourrit la créativité, la compréhension des aspects techniques de l’ingénierie audio, du mastering et de la conception sonore vous permet de donner vie à vos idées musicales avec précision et finesse.

Les cours, les formations et les connaissances techniques que vous pourriez suivre et qui vous seraient utiles sont les suivants :

  • Étudier l’informatique. Je dis souvent que si vous n’êtes pas doué pour l’informatique, vous aurez du mal à faire de la musique électronique en raison de tous les besoins technologiques qui l’accompagnent. L’étude du fonctionnement de votre ordinateur, du disque dur, de la gestion des fichiers, de l’optimisation du matériel et du codage vous aidera certainement d’une manière ou d’une autre, surtout si vous devez résoudre des problèmes.
  • Flux de signaux. Comprendre les bases du son avec la phase, la polarité mais aussi les bases de ce qu’est l’intensité sonore, le fonctionnement des haut-parleurs/moniteurs est utile. Il n’est pas nécessaire de faire des études d’ingénieur en soi. Mais s’il y a un concept que je trouve essentiel, c’est celui du niveau de gain (gain staging). En particulier pour les DJ, car beaucoup d’entre eux ne savent pas du tout comment utiliser correctement une table de mixage pour DJ, ce qui les amène à ne pas comprendre comment on fait de la musique. Cela couvre également les bits et la fréquence d’échantillonnage (bits and sample rate), deux concepts essentiels pour l’amélioration de la qualité de base de votre musique.
  • Théorie musicale. Ce n’est peut-être pas nécessaire, car on peut aller très loin avec peu de connaissances, mais connaître les bases est certainement utile.
  • Logique informatique. Si vous n’êtes pas familiarisé avec les mathématiques booléennes et la logique (Si, Alors, etc.), je vous encourage à y jeter un coup d’œil.
  • Synthèse sonore. Étude des enveloppes, des LFO, du MIDI, du signal, etc. Il y a beaucoup à apprendre, mais les bases vous aideront à utiliser de nombreux outils, car ces idées sont générales et utilisées dans de nombreux plugins et synthétiseurs.

Si vous voulez enfreindre les règles, vous devez d’abord les comprendre. Ce sera également utile pour pouvoir critiquer tous les commentaires trompeurs que vous lirez en ligne.

 

Corporalità – Développer un bien-être physique et mental

Dans le monde trépidant de la production musicale, il est essentiel de donner la priorité à son bien-être physique et mental. Les longues heures passées en studio peuvent nuire à la santé et à la créativité. Prenez le temps de faire régulièrement de l’exercice physique, de la méditation et des activités qui régénèrent l’esprit. Un esprit clair et concentré favorise la créativité, ce qui vous permet de canaliser efficacement vos émotions dans vos compositions musicales.

Au cours des 30 dernières années, la scène rave et le monde de la musique électronique ont fait l’apologie de la consommation de drogues et de nombreux artistes ont reçu une notoriété royale pour la façon dont ils ont maltraité leur corps. Bien que j’apprécie l’importance de faire la fête et d’expérimenter, je pense aussi que toute l’attention que l’on peut porter à soi-même sera bénéfique à long terme. Si votre art prend des années pour être reconnu, mais que votre santé ne vous permet pas de le voir, alors vous échouez dans votre réussite.

Dans mon cas, je constate que la course à pied, les séances d’entraînement et beaucoup de yoga ont porté leurs fruits. Les jours où je cours 10 km sont extrêmement productifs et plus créatifs que les soirées que je passe à faire la fête et à essayer d’accomplir quelque chose. Trouver l’équilibre est bénéfique. Je suis heureux que ces dernières années, on accorde plus d’importance aux modes de vie sains et j’en comprends tout à fait l’intérêt.

ASTUCE : Apprenez à repérer les tensions internes lorsque vous faites de la musique, ce qui devrait vous indiquer qu’il faut vous arrêter, aller vous promener pour réfléchir à ce qui se passe, puis revenir.

Connessione – Unifier les éléments musicaux

Enfin, adoptez la Connessione, le principe de Léonard de Vinci qui consiste à reconnaître l’interconnexion. La production musicale fait appel à différents éléments tels que la mélodie, l’harmonie, le rythme et la texture. Apprenez à avoir une vue d’ensemble et à identifier comment chaque élément contribue à l’ensemble. Mélangez sans effort des influences et des genres musicaux divers, faisant de vos productions un témoignage de la beauté de l’unité au sein de la diversité.

Un exercice que je pratique beaucoup ces derniers temps consiste à écouter les mélodies de n’importe quelle chanson et à faire attention si les notes montent ou descendent, quel est le schéma. Ensuite, je fais attention aux rythmes de ces notes et je vois si elles surviennent en même temps ou non. Ce type d’attention est un moyen d’observer comment la musique est faite à travers les genres afin de voir comment je peux créer mes propres mélodies. Toutes les notes peuvent ensuite être appliquées à ma musique, peut-être aussi inversées en termes modulaires, comme une façon d’utiliser un LFO pour créer des mélodies régulières.

 

 

Alors que vous vous lancez dans la production musicale, inspirez-vous de votre Léonard de Vinci intérieur et adoptez ses principes intemporels. Cultivez la curiosité, expérimentez avec audace et écoutez attentivement le monde musical qui vous entoure. Acceptez l’ambiguïté, conciliez l’art et la technique et donnez la priorité à votre bien-être. Identifiez l’interconnexion des éléments musicaux, en mélangeant diverses influences dans vos compositions uniques. En appliquant les principes de « How to Think Like Leonardo da Vinci » à la production musicale, vous libèrerez votre génie créatif et ouvrirez la voie à un héritage musical remarquable.

L’importance de la pratique d’une musique ambient et expérimentale

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Dans le vaste domaine de la création musicale, il existe un territoire inconnu où les frontières s’estompent et où les paysages sonores deviennent une toile à explorer. C’est dans ce genre que la musique expérimentale et les compositions ambient trouvent leur essence, brouillant parfois les pistes. Ces formes de musique ne repoussent pas seulement les limites de la musique traditionnelle, mais servent également de passerelle pour développer des compétences en matière de narrativité dans les compositions musicales, car chaque chanson définit ses propres règles.

Si vous avez suivi ma carrière musicale ou lu ce blogue, vous savez que l’exploration et la rupture avec la norme sont des valeurs importantes pour moi. Après avoir fait de la musique pendant des années, je me suis heurté à quelques murs de frustration. À chaque fois, c’était le sentiment d’avoir tout vu, tout dit. Jusqu’à quel point peut-on se réinventer au sein d’un genre?

Si la musique est un moyen de s’amuser, l’idée de faire la même chanson encore et encore me paraissait aliénante. L’exploration des techniques de l’ambient et la plongée dans l’expérimental m’ont beaucoup aidé dans mon désir d’évoluer, de grandir.

 

 

Musique ambient ou expérimentale

 

Pour comprendre l’importance de la musique ambient et de la musique expérimentale, il est essentiel d’élucider leurs origines et leurs intentions. La musique ambiante, dont les pionniers sont des visionnaires tels que Brian Eno et Tangerine Dream, cherche à détourner l’attention des schémas conventionnels pour aborder la musique comme un outil permettant de créer des ambiances. La musique devient alors un outil, une tapisserie. La musique ambient invite les auditeurs à écouter, attentivement ou non, une musique qui a ou non une destination ou un but. En adoptant des compositions ambient, les créateurs de musique développent un sens aigu de l’espace, de la dynamique et de l’art de capturer des idées évolutives.

Comprendre comment faire de la musique ambient ouvre de nombreuses possibilités pour tous les autres genres que vous souhaitez créer. En particulier pour la musique de danse, si l’on supprime les parties rythmiques, on obtient une musique ambient.

 

La musique ambient est destinée à induire le calme et à créer un espace de réflexion« , explique Eno dans les notes de pochette du disque. « Elle doit être capable de s’adapter à plusieurs niveaux d’attention sans en imposer un en particulier. Elle doit être aussi ignorable qu’intéressante. » Brian Eno

 

D’autre part, la musique expérimentale est née des racines de la musique concrète, un genre qui pousse à l’exploration des techniques et des frontières. L’approche expérimentale de la musique consiste à comprendre les limites et les règles d’un genre, ses structures traditionnelles, en invitant les artistes à repousser les limites de leurs outils et à s’aventurer à proposer une nouvelle approche. Elle encourage les musiciens à remettre en question la norme, à accepter l’imprévisible et à trouver l’harmonie dans le chaos. Dans ce paysage en constante évolution, la musique expérimentale favorise un environnement propice à l’innovation et à la découverte de nouvelles possibilités.

Si vous travaillez sur le même genre depuis un certain temps, vous êtes tout à fait prêt à explorer la musique expérimentale. Je vous encourage à commencer par composer sans autre but que de briser vos routines.

Étant donné qu’une grande partie de la musique qui arrive à être reconnue implique souvent de revisiter une idée, les artistes commencent souvent par briser les règles tout en gardant une base. La même chose mais différente est une bonne façon de la décrire. Ce que je considère souvent comme de la musique expérimentale, ce sont toutes ces tentatives de prendre des risques, sans filtre. Il n’y a ni bien ni mal. Si vous essayez quelque chose de nouveau, vous êtes sur la bonne voie.

 

Il existe différents axes d’exploration :

    • Déconstruire les arrangements ou examiner les motifs. Si un genre a un modèle de percussion spécifique, essayez de déplacer les rythmes.
    • Utiliser des outils d’une manière qui n’a pas été prévue à l’origine.
    • Prendre une idée et la mélanger pour en voir toutes les possibilités.
    • Apprendre les techniques génératives pour la création musicale. Cela peut être fait dans Ableton Live et VCV, mais aussi dans Bitwig.
    • Passez du temps dans la nature et écoutez les sons qui vous parviennent. J’aime écouter le chant des oiseaux et j’essaie de comprendre le motif et la conception sonore de leur chant. Il m’arrive de les enregistrer et de les utiliser dans Ableton comme séquenceur.

 

« Le son est le vocabulaire de la nature. Le moment où la musique révèle sa véritable nature est contenu dans l’exercice ancien du thème avec variations. Tout le mystère de la musique s’explique là ». Pierre Schaeffer

 

Brian Eno a créé un jeu de cartes appelé « Oblique Strategies » dans lequel vous tirez une carte pour obtenir une inspiration ou une solution aléatoire face à un problème. Je trouve que c’est un outil à explorer et vous pouvez utiliser une version en ligne ici.

Relier des concepts étrangers

 

L’un des aspects les plus convaincants de la musique expérimentale et des compositions ambient réside dans leur capacité à relier des concepts sans rapport entre eux, en cherchant l’inspiration au-delà de la musique. Comme le suggère le livre de Rick Ruben, l’exercice consistant à relier des concepts sans rapport entre eux peut donner lieu à des points de départ inattendus. En s’inspirant de différents genres musicaux, ainsi que d’autres formes d’art telles que les arts visuels, la littérature ou le cinéma, les musiciens peuvent insuffler à leurs compositions un sentiment de profondeur et d’unicité.

Quelques suggestions :

  • Prenez une scène d’un film et ajoutez-y des sons, puis ne gardez que l’audio. Les images guideront les arrangements.
  • Lisez un livre, prêtez attention à l’histoire et imaginez une bande sonore.
  • Inspirez-vous de l’architecture. Voyez comment l’importance des mathématiques joue un rôle crucial dans la structure d’un ouvrage. Comme vous le savez, la musique, c’est des mathématiques, et peut-être pouvez-vous appliquer certaines observations à votre musique.
  • Apprendre à danser. J’ai suivi de nombreux cours de danse dans ma vie et lorsque je bouge, je comprends l’expérience des danseurs.

 

Traduire des idées issues de différents domaines en éléments musicaux peut donner des résultats étonnants. Par exemple, en empruntant la palette de couleurs d’une peinture, un musicien peut évoquer des émotions spécifiques ou créer des sons vifs, tandis que des couleurs plus sombres peuvent évoquer des tons plus profonds et plus graves. De même, l’intégration d’éléments de narration dans les compositions musicales ajoute une dimension narrative qui captive les auditeurs. En adoptant cette approche, les artistes peuvent créer des paysages sonores qui transportent le public dans des voyages transformateurs, brouillant ainsi la frontière entre la musique et la narration.

 

La fabrication de rythmes revisitée

 

La musique électronique met souvent l’accent sur le rythme et la création de rythmes. Toutefois, en perfectionnant leurs compétences en matière de composition mélodique et ambiante, les musiciens peuvent développer une base solide qui s’intègre harmonieusement aux éléments rythmiques. La musique ambient et les compositions expérimentales permettent aux créateurs de se concentrer sur la construction de mélodies, l’exploration de progressions harmoniques et l’élaboration d’une conception sonore complexe. Ces points forts, lorsqu’ils sont maîtrisés, constituent une plateforme solide sur laquelle les éléments rythmiques peuvent se fondre et s’épanouir sans effort.

L’une des façons dont j’aime travailler est de générer des idées, des compositions et des moments mélodiques aléatoires qui seront ensuite utilisés lors des séances au cours desquelles je produirai des rythmes. En d’autres termes, je divise souvent mes séances de musique en deux catégories :

  • Contenu mélodique, accroches, échantillonnage. Trouver des idées et en générer. Organiser des idées aléatoires en une accroche cohérente.
  • Rythmes, rythmes, rythmes. Travail sur la création de grooves, de rythmes, de conception sonore, de boucles simples ou complexes.

Ensuite, deux autres catégories :

  • Innover. Essayer d’inventer de nouvelles idées.
  • Imiter. Essayer d’émuler ou de reproduire les idées que j’aime dans la musique des autres.

 

L’expérimentation dans le domaine de la musique ambient et expérimentale ouvre la voie à des découvertes inattendues. Ces expériences peuvent se faire de multiples façons, par exemple en trouvant de nouveaux outils gratuits, de nouveaux tutoriels Youtube sur des genres ou des techniques que nous n’avons pas encore explorés ou simplement en explorant la randomisation dans Ableton. En s’éloignant des schémas rythmiques conventionnels et en explorant des sons qui peuvent être déstabilisants, les musiciens peuvent ouvrir de nouvelles possibilités de création de rythmes qui sortent de leur zone de confort.

 

ASTUCE : je trouve qu’une fois que vous avez des séquences, vous pouvez les découper en détail et les réorganiser selon vos goûts.

 

En tant que créateurs de musique, il est essentiel d’embrasser le vaste domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, car elles offrent des possibilités inégalées d’épanouissement personnel et artistique. En nous immergeant dans les paysages sonores qu’offrent ces genres, nous acquérons une compréhension profonde de l’espace, de l’atmosphère et de l’interaction délicate entre les éléments. En outre, en reliant des concepts sans lien entre eux et en puisant notre inspiration dans diverses sources, nous insufflons à nos compositions une richesse et une profondeur qui transcendent les frontières traditionnelles.

 

Dans le domaine de la musique électronique, où le rythme a souvent la priorité, le développement de compétences fondamentales en matière de composition ambiante et mélodique jette les bases d’une intégration harmonieuse avec la création de rythmes. En nous engageant dans la création musicale expérimentale, nous libérons notre véritable potentiel créatif et nous embarquons pour un voyage de découverte de soi, d’innovation et d’imagination sans limites.

Alors, aventurons-nous dans le domaine de la musique expérimentale et des compositions ambient, où les territoires inexplorés de la créativité nous attendent, prêts à être explorés, expérimentés et partagés avec le monde.

 

Leçons tirées de nombreuses années de musique

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J’ai eu de nombreuses discussions avec des clients, des amis ou d’autres musiciens sur la façon dont les choses se sont passées sur une période de plus de 20 ans. Les personnes qui s’intéressent à la musique trouvent parfois que les premières années sont un peu difficiles et se demandent comment cela se passe lorsqu’on acquiert de l’expérience, comme si cela devenait plus facile.

 

La vérité, qui est mon expérience partagée avec de nombreux pairs, est un peu déstabilisante pour certaines personnes parce que j’aime dire que c’est un peu comme être parent. Cela ne devient pas nécessairement plus facile avec le temps, mais il y a des défis constants au début qui deviennent plus faciles par la suite, tandis que de nouveaux problèmes apparaissent. Cela signifie qu’au cours du développement d’un musicien, on passe par des étapes où l’on cherche à résoudre certains problèmes qui ouvrent la porte à d’autres problèmes dont on ne soupçonnait même pas l’existence.

 

En d’autres termes, lorsque l’on en sait moins, on doit également faire face à moins de problèmes, car on les ignore et on se contente d’avancer. Lorsque j’entends mon fils écouter des chansons qu’il aime sur Spotify, créées par des amateurs évidents, je peux dire qu’elles ont été créées sans aucune connaissance, mais l’auditeur moyen ne le sait pas.

 

Au fil des ans, j’ai rassemblé une multitude de faits que je souhaite partager avec vous. Il ne s’agit là que d’une compréhension factuelle des succès, des échecs, des luttes et des victoires, que j’ai pu constater moi-même et que j’ai pu observer chez les autres. C’est la principale différence entre un jeune producteur et quelqu’un d’expérimenté : le temps vous apprend quelques dures vérités.

 

Fait : Les avantages d’un savoir limité sont réels

 

Je me souviens d’être assis devant mon matériel nouvellement acquis. En allant dans ce magasin de synthétiseurs, je suis devenu un peu fou. J’ai acheté beaucoup de matériel sans rien y connaître. Puis je suis rentré chez moi et j’ai eu du mal à tout connecter correctement, mais j’ai commencé à jouer avec.

 

Tout était excitant. Tout sonnait à merveille. J’ai ressenti une joie pure, car je ne savais pas ce que je faisais, mais c’était vraiment amusant. Je n’avais aucune idée de ce que je faisais et j’essayais simplement de contrôler ce qui en sortait. Il n’y avait pas Youtube pour me donner des instructions et je n’ai jamais été attiré par la lecture de manuels. Tout s’est fait par tâtonnements.

 

Ce que je constate, c’est que lorsqu’on en sait moins, les choses paraissent faciles et cela peut donner beaucoup d’énergie. J’ai vu des gens très novices en musique créer un tube. Ensuite, ils n’ont plus vraiment été capables de faire de la musique. Le nouveau départ est parfois très facile, mais lorsque vous essayez de vous améliorer, vous apprenez davantage, vous vous rendez compte de vos erreurs, vous achetez du matériel adéquat et vous vous rendez compte que vous venez de compliquer votre flux de travail. La courbe pour entrer dans la zone est alors plus difficile.

 

Les choses se compliquent lorsque vous créez des attentes ou que vous vous comparez.

 

CONSEIL : Je recommande toujours aux débutants d’essayer de jouer avec les sons plutôt que de chercher à créer des chansons.

 

CONSEIL 2: Utilisez-en moins pour maximiser votre état de zone et votre capacité à trouver des idées.

 

Fait : La croissance par la pratique et non par le matériel

 

L’un des défis auxquels est confronté un producteur peu expérimenté est de tomber dans le piège qui consiste à croire qu’il a besoin de conditions parfaites pour être inspiré, productif ou performant. C’est l’origine de la procrastination et du syndrome de la page blanche. Les personnes qui achètent trop de choses alors qu’elles ne pratiquent pas n’arrivent généralement à rien.

 

Si vous voulez devenir un bon producteur de musique, faites-en l’élément central de votre vie. Prenez le temps de vous entraîner tous les jours, d’écouter des tonnes de musique, de rechercher des samples, des enregistrements et des idées intéressantes et passez beaucoup de temps à apprendre vos outils avant d’acquérir quoi que ce soit d’autre. Développez le vocabulaire des sons que vous aimez, des outils que vous utilisez et reconnaissez ce que vous entendez dans les chansons des autres.

 

Si vous avez Ableton Live, vous avez déjà tout ce qu’il vous faut. Lancez-vous dans de nouvelles idées, tous les jours, tout le temps, et suivez ce que vous aimez absolument faire. Si vous pratiquez ce que vous aimez faire, vous deviendrez un maître dans ce domaine. Il n’est pas nécessaire de pouvoir tout faire soi-même, en une seule fois.

 

Fait : L’achèvement d’une chanson ne garantit pas sa sortie

 

Imaginons que nous comparions la musique à des photos. Toutes les photos que vous avez prises sur votre téléphone intelligent méritent-elles d’être publiées dans un livre?

 

Si vous terminez une chanson, la dure réalité est qu’elle n’intéressera qu’un certain nombre de personnes et que, parmi elles, une poignée sera intéressée par le fait de payer pour l’écouter. Mais nous sommes tellement inondés de musique chaque jour que nous choisissons avec soin ce dans quoi nous voulons investir.

 

Cela signifie que plus vous ferez de la musique, plus vous la terminerez, plus elle s’améliorera et plus elle intéressera de gens. Plus vous faites de la musique pour être publié ou pour plaire aux autres, plus vous vous éloignez de ce que vous êtes.

 

Cela veut-il dire qu’il ne vaut pas la peine de terminer sa musique?

 

Non. Il est important que vous alliez au bout de ce que vous faites, comme vous le feriez pour un repas.

 

ASTUCE: Adoptez l’idée que tout ce que vous faites n’est important que pour vous. Partagez humblement avec les bonnes personnes.

 

Remarque : J’ajouterais également que le fait de sortir une chanson ne signifie pas que vous aurez du succès.

 

Fait : La recherche de validation peut conduire à une rétroaction trompeuse

 

Il s’agit d’une proportion ÉNORME de personnes qui fréquentent les forums de production, les groupes Facebook et tout autre débat en ligne. Leur logique est souvent la somme de plusieurs lectures, de quelques expériences personnelles et ils cherchent des réponses, mais ils partageront aussi certaines de leurs opinions, en les imposant comme des faits.

 

Je suis très exigeant quant aux personnes à qui je fais confiance lorsqu’il s’agit d’obtenir des explications. Tout ce qui relève du domaine non technique est toujours une zone grise. L’histoire d’une personne peut être vraie pour elle-même, mais peut-être pas pour vous.

 

Quand on m’explique quelque chose, je n’applique pas ce qui est dit. J’essaie de le comprendre, d’en saisir la logique, puis de le tester. Je suis allergique à ceux qui me disent que la musique doit être faite d’une certaine manière ou non. Les commentaires sur ma musique portent toujours sur des points techniques et neutres. Si j’ai besoin de l’appréciation de quelqu’un, je le lui demande directement et je choisis également les personnes à qui partager.

 

CONSEIL: C’est en posant les bonnes questions que l’on obtient des renseignements utiles.

 

Fait : Des idées solides l’emportent sur une production solide

 

Je pense que cette question sera controversée, mais je suis assez ferme sur ce point. Pour prouver ce que j’avance, je peux vous dire que n’importe quelle idée géniale vous restera à l’esprit pendant des jours, mais une très belle snare ou un très beau kick, pas vraiment.

 

On ne se souvient pas d’une belle production comparée à une accroche de 4 secondes, mais cela donne une bonne impression. Je vois malheureusement beaucoup d’idées médiocres cachées par une production impeccable. Cela fait avaler la mauvaise idée mais ne vieillira pas bien. J’ai entendu des accroches incroyables avec une production merdique et, honnêtement, il arrive que l’on pense que l’approche technique médiocre était intentionnelle.

 

C’est ainsi que certaines productions lofi ont pris de l’ampleur, car je pense que certaines ont été réalisées au départ par des personnes qui ne savaient pas ce qu’elles faisaient. Mais elles sont ensuite imitées et copiées. Quand je vois des gens qui essaient de faire sonner leur musique comme dans les années 90, ils ne comprennent pas qu’à l’époque, nous étions frustrés par nos limites et nous essayions de sonner futuriste.

 

L’acid house était minimaliste parce que les gens n’avaient le budget que pour une 808 et une 303.

 

Trouver de bonnes accroches est un mélange de chance et d’expérimentation, de curiosité et d’ouverture d’esprit.

 

ASTUCE: Quelle que soit l’étape de la création musicale dans laquelle vous vous trouvez actuellement, c’est suffisant. Si vous acceptez vos limites, vous serez en mesure d’accomplir plus que vous ne le pensez.

 

Fait : Le pouvoir du réseautage et de la communauté change la donne

 

Vous pouvez être le meilleur producteur de musique, mais si vous n’avez pas de communauté pour le soutenir ou de réseau pour le partager, il y a beaucoup de chances que votre musique ne soit jamais écoutée. C’est un sujet dont j’ai beaucoup parlé dans ce blogue, mais l’importance de connaître les bonnes personnes vous mènera à des opportunités que votre musique seule ne pourra pas vous offrir.

Il existe un mythe selon lequel si vous composez la chanson parfaite, toutes les portes s’ouvriront devant vous. Je n’ai jamais vu cela. Jamais. Il y a beaucoup plus de chansons extraordinaires qui n’ont jamais été publiées à cause du manque de contacts de l’artiste.

 

Fait : Succès, cycles et libération de la concurrence illusoire

 

Courir après le succès est une chose à laquelle nous sommes tous confrontés à un moment ou à un autre. Voir les autres réussir peut déclencher le sentiment que nous ne sommes pas sur la bonne voie, que nous avons manqué quelque chose d’important, que nous méritons la même chose (pour n’importe quelle raison idiote). La définition du succès est très personnelle. Il existe différents types de succès et si nous les poursuivons tous, nous aurons toujours l’impression de manquer quelque chose.

 

Les différents types de succès associés à la production musicale pourraient être organisés en différentes sphères. Certains le voient dans les personnes avec lesquelles ils travaillent, d’autres dans leur responsabilité sociale, dans les personnes avec lesquelles ils communiquent, dans le nombre de ventes, de bookings, etc.

 

Si vous persistez dans ce que vous faites, vous connaîtrez des hauts et des bas, comme n’importe qui d’autre. Il n’est pas possible d’être toujours au sommet de son art ou d’être toujours présent dans les médias et les cercles sociaux. La réussite d’une personne ne vous laisse pas dans son ombre. Cela pourrait même vous ouvrir des portes si vous vous y engagez.

 

CONSEIL : Personne ne vous vole votre attention, vos gigs ou votre succès. La seule personne avec laquelle vous êtes en compétition, c’est vous-même, et c’est un choix.

 

 

Fait : La nature insaisissable des tubes

 

Je me souviens d’avoir participé à une table ronde lors de la réunion LOOP d’Ableton avec Young Guru, un célèbre producteur de Los Angeles. Il a partagé son point de vue sur ce qu’est un tube et je suis tout à fait d’accord avec lui.

 

« Un tube est une chanson qui touche la bonne idée, au bon moment et qui est reprise par les bonnes personnes. »

 

On ne contrôle pas le fait que sa chanson soit un succès ou non. Dès que vous comprenez qu’il s’agit d’une situation indépendante de votre volonté, vous pouvez vous sentir à la fois libre et déprimé. Si vous courez après le succès et voulez faire des tubes, cela peut sembler décourageant parce que vous comprendrez que c’est comme une loterie. Et c’est vraiment le cas.

 

Mais cela peut aussi vous libérer. Créer avec un objectif absolu, c’est souvent créer de grands angles morts où l’on passe à côté de beaux résultats que l’on rejette parce que l’on se concentre sur quelque chose que l’on ne contrôle pas.

 

Le jour où vous ferez un tube, il est possible que vous ne vous en rendiez même pas compte. Cela se produit, ou non. Vous n’avez pas de contrôle là-dessus. Mais plus vous cherchez à faire des chansons réussies, plus vous risquez de tomber dans le perfectionnisme.

 

Le parcours d’un musicien est fait de défis, d’échecs, de triomphes et de croissance personnelle. À travers mes propres expériences et observations, j’ai partagé plusieurs connaissances factuelles sur la réussite, les limites, la créativité et la communauté. Profitez de la joie de l’exploration, persévérez dans la pratique et n’oubliez pas que l’impact de votre musique va au-delà du succès commercial. Cherchez à obtenir un retour d’information sincère, donnez la priorité à des idées solides plutôt qu’à une production impeccable et tissez des liens significatifs au sein de la communauté musicale. Le succès n’est peut-être pas constant, mais l’épanouissement réside dans la poursuite de l’expression artistique et l’évolution continue de votre art.

 

Les outils pour comprendre vos références

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Nous sommes tous passés par là : nous nous efforçons de composer la mélodie parfaite ou d’écrire des paroles captivantes, mais nous sommes freinés par la recherche incessante de l’originalité. Et si nous vous disions qu’il existe un moyen de sortir de cette impasse créative et de découvrir une toute nouvelle dimension d’idées musicales?

 

Quel que soit le nombre de fois où je me mets devant mon ordinateur pour faire de la musique, je me trouve souvent dans deux modes : essayer de faire de la musique qui sera complètement originale ou essayer d’émuler des idées que j’aime (c’est à dire le contraire d’être original). Dans la plupart des cas, j’oublie que je m’amuse jusqu’à ce que j’atteigne la zone. Heureusement, il existe de nombreuses techniques qui peuvent être comprises à partir de la musique que nous aimons et il existe également de nombreux outils facilitant la compréhension de la magie derrière certaines chansons. Je vais vous proposer quelques outils que j’utilise lorsque je fais de la production pour des clients.

 

Récemment, j’ai lu le livre d’Austin Kleon, « Steal Like an Artist » (Volez comme un artiste), où j’ai découvert cinq idées précieuses pour lancer votre exploration musicale. J’ai eu le sentiment que cela pouvait s’appliquer à la musique.

La révolution des remixes :

 

Dans un monde débordant de musique, trouver l’originalité absolue peut ressembler à chercher une aiguille dans une botte de foin. Mais n’ayez crainte! Kleon suggère d’adopter le concept de remix : un collage créatif d’idées et d’influences existantes. N’oubliez pas que même les musiciens les plus renommés ont été inspirés par les sons d’antan. Alors, plongez dans les archives, explorez différents genres et laissez la magie de la pollinisation croisée libérer vos prouesses musicales!

Le premier exercice que je propose à tout client qui se trouve confronté au syndrome de la page blanche, c’est de se procurer un tas de boucles et de commencer à les remixer, sans aucun objectif. Bien qu’il s’agisse du meilleur remède dans la plupart des cas, certains ont l’impression qu’il s’agit d’un vol de samples, de copie etc. Mais quand l’esprit est bloqué, c’est surtout parce qu’on réfléchit trop. Le fait de commencer par un simple exercice consistant à jouer avec des idées toutes faites n’est qu’une porte ouverte qui permet de revenir en arrière et de développer ensuite ce qui nous semble le plus pertinent.

 

Astuce: Il est difficile de ne pas s’amuser en utilisant la grande quantité de boucles de qualité que vous trouverez surSplice. Il offre également la possibilité de louer des synthés, des plugins ou d’avoir des presets pour les genres que vous aimez. Il dispose également d’une application de bureau qui vous permet de prévisualiser les boucles, puis de les importer dans votre DAW. J’apprécie également le fait que vous puissiez synchroniser l’application avec le tempo de votre projet en utilisant le VST Splice.

 

Une autre alternative consiste à utiliser Loopcloud, qui ressemble un peu à Splice, mais qui propose également des outils tels qu’une boîte à rythmes très agréable où vous pouvez importer n’importe quel son de la bibliothèque.

 

Astuce 2: J’aime utiliserSoundsnap pour les samples. Il contient de nombreux sons naturels, des enregistrements de terrain et des enregistrements aléatoires. Il est utilisé dans les films et peut l’être également dans vos chansons.

 

Échangez les idées, pas votre identité :

En tant que musiciens, il est naturel d’aspirer à un son unique qui nous distingue. Cependant, essayer de forcer l’originalité conduit souvent à une paralysie créative. Au lieu de cela, prenez exemple sur Kleon (littéralement!) et volez des idées sans vergogne. Mais voici l’astuce : concentrez-vous sur les éléments que vous admirez et retravaillez-les pour en faire quelque chose de tout à fait personnel. Reconnaissez les mérites, mais n’ayez pas peur d’y mettre votre grain de sel. Après tout, le monde n’a pas besoin d’un autre copycat, il a besoin du mélange extraordinaire que vous seul pouvez créer!

Toutefois, l’art du remixage peut s’avérer plus subtil. Vous pouvez écouter Keith Jarrett, un vieux dub de Studio One, du classique moderne et prêter attention aux sons utilisés, à la façon dont ils sont exprimés (mélodie) et à l’espace créé.

 

Que remarquez-vous? Les notes sont-elles lentes ou rapides? Le son est-il dense ou aéré? Quelle est la signature temporelle?

 

Écrivez les notes, puis appliquez le concept à tout ce que vous faites. C’est la pollinisation croisée.

ASTUCE : Vous pouvez acheter des packs MIDI ou des mélodies MIDI un peu partout et chercher des idées qui ne sont pas dans les genres que vous faites. Les notes MIDI ne produisent pas de son, ce ne sont que des mélodies. Vous pouvez utiliser des sons harmoniques aléatoires ou des synthétiseurs de votre choix afin d’extraire des mélodies qui sortent de votre routine.

ASTUCE 2 : De nombreux clients ne réalisent pas qu’une des mesures à prendre pour que leurs chansons paraissent plus professionnelles est d’utiliser une tonalité de base avec une gamme. J’aime les nombreux outils de Captain Plugins. Ils ont des plugins de studio qui vous permettent de comprendre la tonalité et la gamme des idées importantes ou de vos propres mélodies (par exemple, certains clients improvisent des mélodies pour découvrir plus tard qu’elles sont dans une gamme spécifique sans le savoir!) Vous pouvez également jeter un œil à Tonic pour ce type d’analyse.

 

Cultivez vos influences :

Avez-vous déjà entendu le dicton « Vous êtes ce que vous mangez »? Dans le monde de la musique, « Vous êtes ce que vous écoutez ». Entourez-vous d’un large éventail d’influences musicales. Des compositions classiques aux expériences d’avant-garde, absorbez tout comme une éponge musicale. En créant une tapisserie unique d’influences, vous développerez une riche palette de sons dans laquelle vous pourrez puiser. N’ayez donc pas peur de vous lancer dans une aventure sonore, vous pourriez bien trouver l’étincelle qui enflammera votre génie musical!

 

Pour faire de la musique de qualité, il faut être exposé à des chansons de qualité.

 

Cela signifie que vous devez écouter de la musique autant que vous en faites. À partir de ce que vous écoutez, essayez de diversifier votre répertoire autant que possible. Lorsque vous découvrez un artiste que vous aimez, fouillez ses racines, ses premières œuvres et ses œuvres récentes.

 

Faites-vous des amis qui aiment profondément la musique et demandez-leur des recommandations. On ne demande pas assez aux gens quels sont leurs favoris, mais c’est un sujet très apprécié si vous aimez la musique.

 

J’adore ce patch max qui ouvre le répertoire de tous les sons de Freesound.org. J’aime ce site parce qu’il est gratuit, mais aussi parce qu’il permet de demander des samples au hasard. J’aime aussi cette page qui me donne des vidéos Youtube à regarder au hasard…

 

TIP: Elphnt a fait un patch sympa qui vous propose des idées pour démarrer de nouvelles idées ou si vous manquez d’idées à un moment donné.

 

Les contraintes vous libèrent :

 

Contrairement aux idées reçues, les contraintes peuvent être le meilleur ami du musicien. Kleon souligne l’importance de fixer des limites pour libérer sa créativité. En vous imposant des limites spécifiques, telles que des restrictions de temps, des instruments limités ou même des structures de chansons inhabituelles, vous obligez votre esprit à sortir des sentiers battus. Ces défis auto-imposés deviennent le catalyseur de l’innovation, ouvrant la voie à des percées musicales que vous n’auriez jamais crues possibles.

 

ASTUCE : faites-vous un kit de batterie et quelques échantillons pour créer vos chansons. Choisissez une chanson au hasard et utilisez-la comme modèle pour la vôtre (BPM, section, ambiance, tonalité, gamme, etc.). J’adore l’outil de Decoda parce qu’il peut vraiment aider à extraire une mélodie ou à comprendre comment une chanson est arrangée.

 

Profitez du voyage :

 

Créer une musique remarquable n’est pas un sprint, c’est un marathon qui dure toute une vie. Alors que vous vous embarquez dans votre odyssée musicale, n’oubliez pas d’apprécier le voyage. Kleon encourage les artistes à embrasser le processus plutôt que d’être obstinés par le résultat final. Chaque composition, chaque séance d’entraînement et chaque faux pas constituent une partie essentielle de votre développement en tant que musicien. Alors, attachez votre ceinture et savourez l’aventure, car c’est le voyage lui-même qui fait de vous l’artiste que vous êtes censé être.

 

Mais que se passe-t-il lorsque l’on est père ou que l’on a un travail exigeant et que l’on ne peut pas consacrer beaucoup de temps à son passe-temps favori? Le voyage se complique un peu. Pouvez-vous encore vous réjouir des résultats sans avoir le temps de faire ce qu’il faut pour lancer votre projet?

 

Voilà pour les musiciens intrépides! Armé des précieux conseils d’Austin Kleon tirés de « Steal Like an Artist », vous possédez désormais les armes secrètes pour vous libérer du carcan des blocages créatifs. Embrassez la révolution du remix, piochez des idées avec fierté, cultivez vos influences, épanouissez-vous dans les contraintes et, par-dessus tout, savourez le voyage.

N’oubliez pas que le monde de la musique est votre univers. Alors plongez sans crainte, créez sans complexe et laissez vos mélodies volées remodeler le tissu même de l’innovation musicale.

 

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

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La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

 

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

 

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

 

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

 

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

 

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

 

Adopter la rétroaction externe comme approbation

 

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

 

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

 

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

 

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

 

Exploration collaborative :

 

  • Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

 

Mentorat et modèles :

 

  • Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

 

Le pouvoir des réseaux musicaux :

 

  • Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

 

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

  • Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
  • Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
  • Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

 

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

 

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

 

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

 

Avantages des séances de production en personne

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Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

 

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

 

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

 

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

 

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

 

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

 

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

 

« Le cercle des 5 »

 

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

  1. Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
  2. Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
  3. Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
  4. Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
  5. Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

 

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

  1. Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
  2. Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
  3. Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
  4. Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
  5. Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

 

Conclusion

 

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.

 

Comment l’IA aide les musiciens à s’affranchir du manque d’originalité

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Lorsqu’il s’agit de créer de la musique, il existe une tension permanente entre le désir d’innover et la pression de gagner de l’argent. De nombreux musiciens se retrouvent piégés dans un cycle de production d’une musique sans originalité qui s’inscrit parfaitement dans des catégories préexistantes, tout cela dans le but de plaire à leur public et de faire du profit. Et s’il existait un moyen de sortir de ce cycle?

Nous avons récemment parlé de la nécessité de ralentir pour acquérir de nouvelles compétences, mais voyons ce qu’il en est de la technologie la plus avancée.

L’intelligence artificielle (IA) est un outil de plus en plus utilisé par les musiciens pour repousser les limites de la production musicale. L’IA ayant suscité de nombreuses controverses dans la communauté artistique parce qu’elle change la donne en démocratisant son accès, j’ai voulu mettre l’accent sur les aspects positifs.

 

L’utilisation de l’IA pour générer des idées auxquelles nous ne penserions pas

 

L’une des raisons pour lesquelles les musiciens ont tendance à produire une musique peu originale est qu’ils sont constamment à l’affût des dernières tendances et de ce qui est populaire auprès de leur public. Pour gagner de l’argent, ils se sentent obligés de produire de la musique qui s’inscrit parfaitement dans ces tendances, plutôt que d’explorer de nouveaux territoires. Il en résulte une homogénéisation de la musique, où tout commence à sonner pareil. Si vous lisez souvent ce blog, vous savez que nous parlons souvent du « piège de la réussite », qui consiste à essayer de répéter une histoire à succès, ce qui ne mène à rien.

 

L’IA, quant à elle, n’est pas consciente de ces tendances. Elle n’a pas de notion préconçue de ce qui est populaire ou de ce qui se vendra. En revanche, elle est capable d’analyser de grandes quantités de données afin d’identifier des schémas et des connexions que les humains ne pourraient pas voir. Cela en fait un outil puissant pour l’innovation dans la production musicale.

 

Par exemple, l’IA peut analyser la musique existante et identifier les éléments communs qui pourraient être utilisés pour créer quelque chose de nouveau. Elle peut également générer des idées entièrement nouvelles auxquelles les humains n’auraient pas pensé. En utilisant l’IA, les musiciens peuvent se libérer des contraintes de leur propre créativité et explorer de nouveaux territoires qu’ils n’auraient peut-être pas découverts autrement.

 

L’IA peut recycler de vieilles idées de manière innovante

 

Mais l’IA n’est pas seulement un outil permettant de créer de la musique entièrement nouvelle. Elle peut également être utilisée pour recycler des idées existantes de manière innovante. Par exemple, l’IA peut prendre une mélodie existante et la transposer dans une autre tonalité, ou appliquer des motifs rythmiques différents à une progression d’accords familière. En utilisant l’IA de cette manière, les musiciens peuvent créer quelque chose de frais et de nouveau, tout en s’appuyant sur des éléments familiers que leur public reconnaîtra.

 

Bien entendu, l’utilisation de l’IA dans la production musicale n’est pas sans poser de problèmes. Certains musiciens craignent que leur travail ne soit moins authentique ou que l’élément humain qui rend la musique si spéciale ne disparaisse. Mais la vérité est que l’IA n’est qu’un outil et que, comme tout outil, elle peut être utilisée de différentes manières. Les musiciens qui considèrent l’IA comme un outil d’innovation et d’exploration peuvent l’utiliser pour améliorer leur propre créativité, plutôt que de la remplace

 

Outils d’IA pour la création de musique électronique

  1. Amper Music: Une plateforme qui utilise l’IA pour générer des morceaux de musique originaux sur la base des informations fournies par l’utilisateur concernant le genre, les émotions et le tempo.
  2. AIVA (Artificial Intelligence Virtual Artist) : Un compositeur et générateur de musique qui utilise des algorithmes d’apprentissage profond pour créer des morceaux de musique originaux dans différents genres.
  3. Melodrive : Un outil qui utilise l’IA pour créer de la musique personnalisée pour les jeux vidéo et autres médias interactifs, en adaptant la musique au comportement et aux émotions de l’utilisateur.
  4. Google Magenta : Un projet open-source qui vise à faire progresser l’état de l’art en matière d’apprentissage automatique pour la génération de musique et d’art, en fournissant des outils pour la création et l’exploration de nouvelles expériences musicales.
  5. Amadeus Code: Un outil qui utilise l’IA pour aider les auteurs-compositeurs à générer de nouvelles idées musicales, en leur suggérant des progressions d’accords et des mélodies sur la base des données fournies par l’utilisateur.
  6. Humtap: Une plateforme qui utilise l’IA pour aider les utilisateurs à créer de la musique originale en leur suggérant des accords, des mélodies et des paroles en fonction de ce qu’ils ont saisi.
  7. Emergent Drums: génère des kits de batterie en quelques clics. Puissant!
  8. AI Kitchen : Celui-ci n’est pas encore public, mais il semble prometteur. Il s’agit en fait du Midjourney de l’audio. Vous saisissez des instructions et l’IA vous donne des idées.

Comment savoir si un outil est vraiment de l’IA et pas autre chose :

Il peut être difficile de déterminer si un outil de production musicale décrit comme étant piloté par l’IA utilise réellement l’IA, car le terme « IA » est souvent utilisé de manière vague et peut avoir des significations différentes dans des contextes différents. J’ai remarqué un certain nombre de plugins qui disent utiliser l’IA mais ce n’est pas vraiment le cas. Cependant, voici quelques éléments qui peuvent indiquer qu’un outil utilise l’IA :

  1. Algorithmes d’apprentissage automatique: De nombreux outils de production musicale pilotés par l’IA utilisent des algorithmes d’apprentissage automatique pour analyser et générer de la musique. Si un outil prétend utiliser l’IA, il convient d’examiner les algorithmes d’apprentissage automatique spécifiques qu’il utilise et la manière dont ils sont appliqués.
  2. Données d’apprentissage: Les systèmes d’intelligence artificielle ont besoin de grandes quantités de données d’apprentissage. Si un outil de production musicale prétend utiliser l’IA, il convient de vérifier sur quelles données d’apprentissage il a été formé, et s’il a été formé sur un ensemble de données suffisamment diversifié et représentatif.
  3. Variabilité des résultats: L’une des caractéristiques des systèmes d’intelligence artificielle est qu’ils peuvent générer un large éventail de résultats à partir d’une entrée donnée. Si un outil de production musicale est capable de générer un grand nombre de pistes ou de variations uniques sur la base des données fournies par l’utilisateur, cela peut être le signe qu’il utilise l’IA.
  4. Appuis d’experts : Si un outil de production musicale est approuvé par des experts dans le domaine de l’IA ou de la production musicale, cela peut être un signe qu’il utilise des techniques d’IA légitimes.
  5. Transparence: Enfin, il est important de rechercher la transparence dans la manière dont l’outil est décrit et commercialisé. Si un outil est vague sur la manière dont il utilise l’IA ou s’il fait des déclarations irréalistes sur ce qu’il peut faire, c’est un signal d’alarme.

En fin de compte, la meilleure façon de déterminer si un outil de production musicale utilise réellement l’IA est de faire des recherches et de poser des questions. Recherchez des critiques provenant de sources fiables, interrogez les développeurs sur leurs techniques d’intelligence artificielle et discutez avec d’autres utilisateurs pour vous faire une idée des performances de l’outil dans la pratique.

 

Génératif vs IA

La musique générative est l’ancêtre de la musique IA. Ce que nous faisons dans le domaine modulaire est essentiellement un travail d’homme des cavernes préhistorique comparé à l’approche de haute technologie des systèmes de modélisation. La modularité repose en quelque sorte sur la logique booléenne et les opérations de base. Je pense qu’il est important d’explorer la musique générative pour comprendre comment les machines sont là pour créer du matériel que vous pouvez utiliser dans votre musique. La musique générative vous fournira de multiples idées basées sur les paramètres de votre choix. La musique générative est quelque chose qu’il est important de comprendre si vous cherchez à vous débarrasser du syndrome de la page blanche.

L’un des défauts de l’IA que j’apprécie est son manque de compréhension des bonnes et des mauvaises idées.

Elle fait simplement ce qu’elle sait faire.

Vous pouvez ensuite transformer des prises maladroites en idées qui vous sont propres. C’est un peu comme si une blague d’un enfant en bas âge pouvait être utilisée pour inventer une histoire drôle pour les adultes.

Alors, à tous les musiciens qui se sentent piégés dans un cycle de manque d’originalité : il est temps de reconsidérer votre approche. En adoptant l’IA comme outil d’innovation, vous pouvez vous libérer des contraintes liées à la popularité et explorer de nouveaux territoires que vous n’auriez peut-être pas découverts autrement. Que vous créiez de la musique entièrement nouvelle ou que vous recycliez des idées existantes de manière innovante, l’IA peut vous aider à repousser les limites du possible en matière de production musicale.

 

Ralentir la production pour mieux apprendre

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Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

 

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

 

La recherche du succès

 

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

 

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

 

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

 

Descendre de la montagne

 

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

 

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

 

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

 

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

 

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

 

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

 

Comment trouver de nouvelles techniques?

 

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

 

Comment créer un kick sec

 

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

 

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

  • Gain staging (niveaux des gains)
  • Le fonctionnement des enveloppes.
  • Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

 

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.

 

Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.

 

Mixage d’un morceau pendant l’arrangement

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L’une des questions que l’on me pose souvent lorsque j’enseigne la production est la suivante : « Dois-je commencer à mixer en même temps que je travaille sur la piste? Il n’y a pas de réponse précise à cette question, car chaque chanson est différente. Je dirai cependant que je commence à travailler sur le mixage dès le début, mais pas nécessairement de la manière dont les gens pourraient le penser.

 

Il y a trois choses auxquelles je fais attention pour m’assurer que mon mixage est correct, dès le départ.

 

  1. Gain staging (niveaux des gains). C’est un sujet que j’aborde dans les tutoriels et les ateliers sur le mixage, mais il s’agit surtout de normaliser. Vous voulez que votre entrée (échantillon, synthétiseurs) soit proche de 0 dB. Ensuite, vous ajusterez le fader au niveau désiré (ex. -10 dB).
  2. Hiérarchie des amplitudes. Quel est le son qui domine? C’est celui qui sera le plus fort de votre mixage pendant la majeure partie de la chanson. Les autres sons seront ajustés par rapport au son dominant.
  3. Séquençage et espace négatif. C’est ici que se joue l’essentiel. De nombreuses personnes ont des difficultés avec le mixage effectué à la fin de la production d’une chanson en raison de tous les chevauchements dans l’amplitude (volume) et le timing. Par exemple, si vous devez utiliser un side-chain entre le kick et la basse, c’est parce que vous n’avez pas préparé d’espace négatif pour le kick. Ensuite, il vous faudra sculpter à la fois le partage des fréquences et l’amplitude.

 

Un bon séquençage signifie un bon mixage

 

Ma devise est que si votre séquençage est fait correctement, vous n’aurez pas beaucoup à jongler avec une fois que vous serez à l’étape du mixage. En fait, vous ne voulez pas que les sons se chevauchent trop pour éviter les problèmes de masquage.

 

Lorsque je reçois un morceau pour le mastering, l’une des principales tâches que je dois accomplir est d’ajuster le niveau sonore. Si les niveaux de gain sont médiocres, je dois les augmenter considérablement pour atteindre le niveau sonore standard. Si je dois augmenter le volume, cela signifie que tout son qui se chevauche sera écrasé et fusionné avec d’autres, ce qui annihilera toute la précision d’un mixage aéré et créera un mastering muddy et sans vie.

 

Ainsi, certains sons peuvent partager la même position dans le séquençage, comme c’est le cas dans la musique techno ou house, où les kicks, les claps et les hats se mélangent. Mais comme vous le savez, ils ne se trouvent pas dans les mêmes zones de fréquence. Les kicks seront dans les basses, les claps dans les mids et les hats dans les hautes fréquences. Il y a donc de l’espace dans le spectre pour que tous les sons puissent cohabiter. Les transitoires des claps peuvent également accentuer les kicks, en leur donnant plus de punch.

 

(H2 Tag – Make sure to adjust this on WordPress) Attention à la gamme dynamique

Cela dit, ces sons auront plus de punch si vous contrôlez leur longueur. La gamme dynamique accentue le punch et la précision. Ce que nous appelons la gamme dynamique est la différence entre le pic le plus fort et la partie la plus basse. Si vous insérez un espace négatif (silence), vos sons seront théoriquement plus percutants.

 

Cela signifie que la réverbération, les delays et les bruits de fond peuvent nuire à la gamme dynamique, car ils enlèvent de l’espace au plancher sonore. Si vous en ajoutez trop, le morceau sera brouillon et muddy.

 

Avec cette idée en tête, vous commencerez par sélectionner des sons et par ajuster leur longueur, puis vous les normaliserez (par exemple, en les rapprochant de 0 dB).

 

Être stratégique avec la voix

 

Lorsqu’il s’agit de créer l’idée principale d’une chanson, nous appellerons les sons des « voix ». Vous vous faciliterez la vie en vous limitant à 4 maximum.

 

Une voix peut être un synthétiseur ou un instrument. Si vous y ajoutez des couches, il s’agit toujours d’une seule voix. Mais si vous ajoutez un deuxième instrument qui joue des notes différentes à des moments différents, il s’agira d’une deuxième voix. Avec quatre voix, le tout devient chargé.

 

Espace dans le mixage

 

En termes d’amplitude, nous savons que les niveaux doivent être différents, mais le panoramique et le positionnement stéréo peuvent également faire la différence. Vous devez garder à l’esprit que vous essayerez d’éviter les chevauchements stéréo, mais en termes d’amplitude, si deux sons s’affrontent, vous pouvez leur donner un panoramique différent afin d’obtenir de l’espace et de la clarté.

 

Là encore, en ce qui concerne l’amplitude, vous pouvez réduire certaines fréquences de manière à ce que le bas ou le milieu de gamme n’interfère pas. C’est pourquoi les égaliseurs passifs, tels que les Pultecs ou les égaliseurs à 3-4 bandes, sont très utiles. Ils vous permettent d’ajuster une gamme de fréquences sans modifier l’ensemble du spectre.

 

En fin de compte, je vous invite à réfléchir à la manière dont vous séquencez votre musique avec soin et je pense que votre mixage sera beaucoup plus facile.

La recherche du succès est un modèle voué à l’échec

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Il y a quelque chose d’assez trompeur à voir les artistes que l’on aime dans leur studio, surtout lorsqu’il y a tout l’équipement dont on peut rêver. D’une part, vous voyez une personne accomplie avec tout cet équipement et vous pensez peut-être que c’est le succès qui a apporté tout cet équipement ou plutôt que c’est l’équipement qui a engendré le succès. D’autre part, vous vous imaginez dans la même situation, où vous rêvez d’être sous les feux de la rampe. Dans les deux cas, vous pouvez imaginer que le succès est au rendez-vous et que le studio est la clé qui vous permettra d’atteindre vos objectifs.

 

La recherche de la perfection revient à courir après un mirage dans le désert. Cela revient à chasser un fantôme, sans savoir si ce fantôme existe vraiment.

 

Dans des articles précédents, j’ai expliqué quelques défis à relever à cet égard et comment travailler avec une défintion de terminé afin d’avoir une meilleure idée de l’endroit où vous vous dirigez.

 

L’industrie de la musique a connu une transformation importante ces dernières années. Avec l’essor des services de diffusion numérique de musique, des médias sociaux et d’autres plateformes numériques, le modèle traditionnel de recherche du succès dans la production musicale est aujourd’hui dépassé. Dans cet article de blogue, nous discuterons des raisons pour lesquelles la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, et nous proposerons des alternatives aux musiciens pour qu’ils puissent s’épanouir dans leur carrière musicale.

 

L’idée fausse du succès

L’une des plus grandes idées fausses dans l’industrie de la musique est la définition du succès. Pour de nombreux musiciens, le succès est synonyme de célébrité, de richesse et de reconnaissance de leur musique. Toutefois, cette définition est réductrice et incomplète. Tous ces éléments ne peuvent être mesurés. Vous pensez peut-être qu’un certain nombre d’adeptes sur un média social vous apportera une certaine forme de succès, mais une fois que vous aurez atteint ce nombre, vous vous rendrez compte que cela ne vous apportera pas de revenus passifs ou de ventes supplémentaires. Vous devez continuer à travailler dur pour en retirer quelque chose, ce qui vous prendra du temps hors de votre studio. Il en va de même pour les ventes. Vous faites peut-être beaucoup de ventes, mais ensuite? Vous rechercherez quelque chose d’autre. Le succès en musique doit être considéré comme un accomplissement personnel, plutôt que comme une validation extérieure. C’est ce que j’appelle souvent le bonheur.

Alan Watts, philosophe britannique, a dit un jour : « Le sens de la vie, c’est simplement d’être en vie. C’est si simple et si évident. Et pourtant, tout le monde se précipite dans une grande panique comme s’il était nécessaire d’atteindre quelque chose qui les dépasse ». Cette citation illustre parfaitement l’importance de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale, plutôt que de rechercher une validation extérieure.

 

Le contexte du succès

Un autre aspect que les musiciens négligent souvent lorsqu’ils courent après le succès est le contexte dans lequel le succès s’est produit. Le succès d’un artiste n’est pas seulement le résultat de son talent, mais aussi le fruit du hasard, de la chance et d’autres facteurs externes. Le film « Searching for Sugarman » raconte l’histoire de Sixto Rodriguez, un musicien qui a été acclamé par la critique en Afrique du Sud dans les années 1970, mais qui est resté inconnu aux États-Unis. Le film souligne l’importance du contexte dans le succès, et la façon dont le succès peut être atteint par des moyens inattendus.

 

Les alternatives à la recherche du succès

Alors, si la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, quelles sont les alternatives? Voici quelques alternatives à envisager :

  1. Se concentrer sur le processus créatif (le voyage)

L’un des meilleurs moyens de s’épanouir dans la production musicale est de se concentrer sur le processus créatif. Plutôt que d’être obsédé par le résultat final, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale. Cette approche vous aidera à rester motivé et inspiré et, en fin de compte, à vivre une expérience musicale plus satisfaisante. Comme c’est plus facile à dire qu’à faire, comment faire? En effet, lorsque l’on se concentre sur le résultat final, on s’agace si quelque chose ne va pas : par exemple, un synthé ne sonne pas comme on l’avait imaginé au départ. Se concentrer sur le processus signifie principalement que vous êtes curieux de la tâche que vous êtes en train d’accomplir et que vous ne recherchez pas la perfection.

CONSEIL : Essayez de consacrer 50 % de vos séances en studio à jammer et à vous amuser plutôt qu’à être productif.

 

  • Développer vos compétences

Un autre moyen de s’épanouir est de se concentrer sur le développement de ses compétences. Plus vous pratiquerez et perfectionnerez votre art, plus vous évoluerez en tant que musicien. Une chose que je dis aux gens, c’est qu’ils apprendront plus en commençant 100 chansons qu’en essayant d’en perfectionner une. Lorsque vous démarrez 100 projets différents, l’objectif est de relever un défi différent à chaque fois. Il peut s’agir d’une nouvelle technique, de l’utilisation d’un nouveau plugin ou d’un son inhabituel. Cela vous apportera non seulement une satisfaction personnelle, mais fera également de vous un musicien plus compétitif et plus compétent dans le secteur.

CONSEIL : Essayez de commencer 100 chansons, puis travaillez-les en alternance.

 

  • Se rapprocher de son public immédiat

L’un des aspects les plus gratifiants de la production musicale est le contact avec le public. L’erreur que commettent la plupart des gens est d’essayer d’atteindre des personnes qui ne s’intéressent pas vraiment. Ce qu’il faut faire, c’est favoriser les personnes proches qui peuvent se sentir concernées, ce que j’appelle (sans mauvais jeu de mots) le cercle des cinq (clin d’œil au cercle des cinquièmes, circle of fifth). Cette approche vous procurera non seulement un sentiment d’accomplissement, mais vous aidera également à construire une carrière musicale durable.

CONSEIL : Engagez-vous à connecter avec 5 personnes et créez une dynamique où chacun peut s’entraider.

 

  • Fixer des objectifs réalistes

S’il est important de se concentrer sur le voyage plutôt que sur la destination, l’établissement d’objectifs réalistes peut vous aider à rester sur la bonne voie et à rester motivé. Plutôt que de vous fixer des objectifs basés sur une validation externe, concentrez-vous sur des objectifs qui ont un sens pour vous et qui correspondent à vos valeurs personnelles. Remettez en question vos objectifs, discutez avec des mentors et des producteurs expérimentés, puis essayez de réduire vos projets au minimum.

Conseil : faites une liste des différents sons que vous aimez ou des chansons que vous écoutez souvent, puis essayez de comprendre ce que vous aimez. Travaillez ensuite à faire de la musique que vous aimez.

 

Conclusion

La recherche du succès dans la production musicale est un modèle dépassé et voué à l’échec. L’industrie musicale s’est considérablement transformée ces dernières années, et le succès ne peut plus être défini par des indicateurs traditionnels tels que les ventes d’albums ou les performances dans les hit-parades. En revanche, les musiciens devraient se concentrer sur la recherche d’un épanouissement personnel dans le processus créatif, le développement de leurs compétences, la connexion avec leur public et l’établissement d’objectifs réalistes.

Comme l’a dit Alan Watts, le sens de la vie est simplement d’être en vie. Il en va de même pour la production musicale. L’aspect le plus important de la production musicale est de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale. Alors, plutôt que de courir après le succès, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale.

 

Méthode pour le classement des projets et fichiers

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Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais il est possible que votre disque dur, après un certain temps, devienne un véritable fouillis. Il y aura des dossiers avec quelques projets dedans, et d’autres dossiers avec des échantillons aléatoires. Sans parler de tous ces projets nommés Nouveau projet…

 

Il existe différentes façons d’organiser vos dossiers et tout votre travail pour y naviguer facilement. La façon dont je classe les projets a aussi pour but d’avoir une vue d’ensemble rapide de celui sur lequel je vais travailler ensuite, des chansons qui devraient aller dans un album, et de ceux qui nécessitent des actions spécifiques.

 

Avant de m’expliquer, parlons des différentes étapes par lesquelles passe un projet et des différentes tâches qui y sont liées.

Remarque : Si vous êtes nouveau sur ce blogue et que vous n’êtes pas familier avec ma technique de production, je vous encourage à lire quelques articles à ce sujet, qui donneront plus de sens à ce que je m’apprête à décrire.

 

Les différentes étaps de la production musicale (et l’étiquetage de vos projets en conséquence)

 

Pour maximiser les résultats, je prends chaque partie de la création musicale et je la désigne comme une phase ou une étape.

 

Les différentes étapes que j’étiquette sont les suivantes :

 

1— Recherche d’idées, concept, test de techniques, recherche d’accroches, etc.

2— Boucle préliminaire faite à partir de l’étape 1 qui pourrait être le cœur de la chanson. Structure de base de la chanson.

3— Arrangements.

4— Mixage.

5— Chanson terminée à 90 % et nécessitant des derniers ajustements mineurs.

 

La raison principale pour laquelle j’accorde une grande priorité à l’état de la chanson est basée sur l’idée que lorsque je veux travailler sur de la musique, je peux me trouver dans un état d’esprit précis. Peut-être qu’un jour je voudrais juste m’amuser en faisant du sound design et une autre fois, je devrais travailler sur un EP et je vérifierais les quelques chansons en incubation. Comme vous le savez peut-être, lorsque je fais de la musique et que je rouvre un projet, je veux savoir rapidement où il en est. En une heure de travail sur la musique, je passe d’une chanson à l’autre, mais j’aime aussi revisiter des projets qui sont restés en dormance pendant des semaines, car ce que je veux, c’est avoir toujours la perspective la plus fraîche sur mon travail. Si vous travaillez sur quelque chose pendant des heures, croyez-moi, à la fin, vous risquez d’avoir perdu toute perspective et votre travail en souffrira.

 

Les étapes 1 et 2 peuvent se chevaucher

 

Je vais vous présenter un de mes cas d’étude pour que nous puissions bien comprendre comment utiliser un projet et son évolution vers une chanson finie. Mais nous allons commencer par les 2 premières étapes.

 

Les projets qui sont au stade 1 sont votre bassin pour pêcher des idées.

Donc l’idée d’un projet au stade 1 est vraiment une question d’idées, pas beaucoup plus que ça. Cela peut être plus si vous le souhaitez, c’est à vous de voir.

 

L’étape 2 est celle où l’on travaille sur une accroche précise ou une idée principale. Il y a de multiples façons de travailler et de trouver des accroches, nous en avons parlé dans des articles précédents.. En général, je dépose une boucle percussive très simple pour définir ce qui sera le rythme de la chanson, son groove, et ses accents, puis je place ce qui serait l’accroche par-dessus. On réfléchit souvent trop à l’accroche. Pourtant, c’est souvent très simple.

 

Habituellement, à l’étape 2, je devrais avoir :

 

  • Une clé de base (tonalité)
  • Une gamme
  • Une accroche, pas plus longue qu’une mesure
  • Un groove rythmique, une signature temporelle

 

Si j’ai tout cela, je sais que le projet est passé à cette nouvelle étape et je le renomme. En général, lorsque je renomme un projet, je m’assure de le sauvegarder et de faire un « tout réunir et sauvegarder » pour m’assurer que je copie tous les fichiers nécessaires dans leur forme précédente. Lorsque vous renommez un projet, il est préférable de faire « Enregistrer le projet sous… » dans le menu Fichier d’Ableton et son étape 1 sera toujours accessible. Vous pourrez décider plus tard si vous archivez le projet original ou si vous le gardez comme incubateur. Habituellement, lorsque je trouve une idée à partir d’un incubateur, je m’assure de sauvegarder les différentes chaînes d’effets en tant que macros afin de pouvoir les réutiliser. Je donne également un code couleur à mes pistes et je les nomme pour pouvoir les récupérer plus tard dans le navigateur de gauche d’Ableton.

 

Cependant, vous pouvez avoir un incubateur au stade 1 qui ne se développera jamais parce que vous pouvez faire muter l’incubateur original au stade 2, il est complètement différent, mais il provient toujours d’un projet parent. Par exemple, j’ai des projets qui sont faits pour créer des sons. Ils n’ont jamais évolué à partir de là et des tonnes de chansons ou même des sets live en sont issus.

 

Les arrangements, l’histoire complète de l’étape 3

 

Je trouve que les arrangements doivent commencer par un travail sur la partie centrale de la chanson, puis déconstruire cette idée jusqu’au début de la chanson. Ainsi, le début de l’étape 3 consisterait à travailler sur la partie centrale, d’une durée d’environ 1 minute.

 

Comme vous pouvez le voir, il s’agit essentiellement de déplacer votre boucle initiale de l’étape 2 et de la faire glisser vers la vue Arrangement, puis de l’étirer. Certaines personnes construisent leur boucle initiale en mode arrangement afin de pouvoir la déplacer du début au milieu. Lorsque je travaille sur des arrangements, j’aime généralement faire un brouillon rapide de la chanson, où je la divise en 3 sections : intro, cœur, outro. Ce brouillon est fait rapidement, parfois en un temps surprenant de 20 minutes seulement. Je reviendrai plus tard avec un regard neuf, j’écouterai depuis le début et réajusterai les arrangements pour qu’ils aient plus de sens.

 

Au stade 3, le mixage n’est pas important. Vous pouvez le niveler pour une écoute agréable, mais je ne m’en soucierais pas trop.

 

Le mixage en tant que 4e étape

 

Pas besoin de beaucoup d’explications ici, mais une chose à préciser est que ce n’est pas quelque chose de rigide non plus. Il se peut que vous remarquiez des problèmes d’arrangement lors du mixage qui vous obligeront à retravailler. Comme je le dis toujours à mes clients, si votre conception sonore et vos arrangements sont solides, il n’y aura pratiquement pas de mixage, ou seulement des retouches.

 

L’étape 5 correspond à votre chanson terminée à 90 %

 

Pour moi, 90 % est ma définition de terminé. Je sais que ça semble bizarre, mais c’est comme ça. Tout d’abord, lorsque vous acceptez qu’une chanson n’est jamais terminée, il est plus facile d’accepter ses imperfections et de passer à autre chose. Deuxièmement, vous voulez amener autant de chansons que possible à 90 % parce que le jour où vous voulez sortir un album ou EP, vous prendrez celles-là et les emballerez toutes d’un coup pour les amener à 100 %. Cela peut sembler déroutant, mais laisser vos chansons dormir à 90 % et emballer plusieurs chansons à la fois signifie que la dernière ligne droite pour toutes les chansons vous donne une chance de les unifier pour les rendre cohérentes en tant que sortie.

 

Alors quelle est la différence entre les étapes 4 et 5?

 

Eh bien, c’est un peu quand vous avez fini l’arrangement que vous passez à l’étape 5. Cela ressemble à : j’en ai fini avec celui-là. De temps en temps, je peux rouvrir l’étape 5 pour faire une petite mise au point, mais pour moi, quand on arrive à l’étape 5, ça veut dire que c’est prêt.

 

En conclusion

 

Lorsque j’ouvre mon dossier avec tous mes projets, je verrai des projets allant de 1 à 5, tous les morceaux étant dans l’ordre. Avec le navigateur de fichiers, je peux aussi les classer de 5 à 1. J’aime bien pouvoir mettre des tags dans mac OS. Cela peut être pour le genre, si c’est signé, ou tout ce qui peut être utile.

Photo par Amy Shamblen sur Unsplash

Génération d’idées et capacité d’attention de l’auditeur

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(Crédit photo : Avi Richards sur Unsplash)

Parfois en tant qu’artiste, vous vous retrouvez dans une zone où les choses sont un peu confuses. Cela arrive précisément lorsque vous perdez votre perspective, à savoir si vous faites de la musique pour vous-même ou pour un auditoire précis.

 

Il y a plusieurs perspectives dans la musique, celle du créateur et celle de l’auditeur. Il y a quelque chose d’assez contradictoire dans la création musicale : vous jouez de la musique, elle vient de vous, de votre imagination et de votre émotion du moment, mais pourtant, les musiciens ont souvent quelqu’un d’autre en tête lorsqu’ils créent. Cette personne pour laquelle vous faites de la musique n’est pas là pour vous donner son opinion.

 

En tant que responsable d’un groupe Facebook sur le coaching et d’un programme Patreon où je forme des gens, je suis confrontée à cette situation à maintes reprises avec mes étudiants. Ils craignent que leur chanson soit ennuyeuse ou que l’auditeur ne l’écoute pas jusqu’à la fin.

 

Existe-t-il une solution miracle pour garantir que tout le monde aimera la chanson et l’écoutera jusqu’au bout?

La réponse la plus simple est non. Vous ne pouvez jamais contrôler la façon dont quelqu’un va percevoir votre musique parce que vous pouvez écouter de la musique à différents moments de la journée et avoir des perceptions différentes. Cela peut être lié à l’émotion présente, à l’endroit où vous l’écoutez et à ce que vous faisiez avant, mais l’élément perturbateur sera sans aucun doute lié aux attentes de l’auditeur.

 

Cependant, tout n’est pas perdu : il existe des moyens d’augmenter la probabilité que la personne apprécie pleinement le morceau. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses que vous pouvez faire et qui peuvent certainement aider, techniquement, à faire en sorte que l’auditeur soit plus captivé.

 

L’attention est une compétition

 

J’aimerais également prendre un moment pour souligner que nous vivons à une époque où l’on recherche l’attention, ce qui a créé une culture de la recherche de l’attention. Ce désir d’attention est normal, mais vous devez comprendre que les gens n’ont pas beaucoup de temps à perdre. Toutes les plateformes de médias sociaux engagent des équipes pour attirer l’attention de personnes comme nous, de sorte que la capacité d’attention de chacun a considérablement diminué au fil du temps en raison de la concurrence. La bonne nouvelle est que la musique peut être une expérience de fond : elle ne vous empêche pas de faire d’autres choses pendant que vous l’écoutez. Vous pouvez toujours faire votre lessive, parler à vos amis, cuisiner, etc. tout en écoutant de la musique. Il s’agit d’une attention non partagée, mais lorsqu’il s’agit de musique, cela vaut autant que n’importe quelle attention.

 

Vous vous lasserez de vos chansons (ce qui conduit au doute)

 

Une chose que je vois lorsque les gens font de la musique, ils atteignent généralement un point où ils se sentent un peu perdus. Par perdu, je veux dire qu’ils peuvent avoir certains doutes qui s’insinuent en eux. Cela arrive principalement parce que les gens passent trop de temps à travailler sur leur morceau, parfois d’affilée (par exemple, une session prolongée de plus de 2 heures) ou qu’ils le peaufinent depuis plus de 3 jours d’affilée. Si vous suivez ce blogue, vous connaissez déjà mon opinion à ce sujet : ne pas espacer le temps que vous passez sur votre piste aura pour résultat le plus probable de ne plus savoir si votre idée peut être comprise ou si elle est « bonne ».

 

Il y a plusieurs phases dans la créativité, la première étant celle où vous avez dans les mains ce qui semble être une bonne idée, puis vous essayez de mettre cela dans une histoire et enfin, vous essayez d’en faire une ligne de temps. Une fois que vous avez ces 3 éléments initiaux, il se peut que vous tourniez en rond entre eux encore et encore parce que plus vous passez de temps sur votre chanson, plus vous entendrez des choses à corriger et ressentirez le besoin d’ajuster quelque chose parce que, eh bien, vous avez écouté la même idée pendant des heures.

 

Personne, à part vous-même, n’écoutera votre chanson autant que vous le faites.

 

C’est exactement la raison pour laquelle vous douterez de vous. Parce que toute personne qui y serait exposée autant s’en lasserait ou en aurait marre. Alors qu’en réalité, il n’y a absolument rien de mal à cela.

 

Ne tombez pas dans les extrêmes

 

Lorsque vous faites de la musique, l’équilibre entre faire de la musique pour vous-même et pour les autres est quelque chose d’étrange à trouver. Si, à un extrême, vous faites de la musique uniquement pour vous-même, il y a de fortes chances que votre musique soit vraiment désordonnée et qu’elle ne touche personne. Mais si vous allez à l’autre extrême et que vous ne faites de la musique que pour les autres, vous n’aurez aucune personnalité là-dedans et vous serez une sorte de coquille vide. Le bon équilibre consiste à comprendre ce qui fonctionne en tant que concept, puis à y injecter vos idées. En d’autres termes, ce qui fonctionne est bien souvent « la même chose mais différente ».

 

Vous n’avez aucun contrôle sur l’auditeur

 

En ce qui concerne l’auditeur, vous devez accepter que vous n’avez aucun contrôle sur ses goûts, sa capacité d’attention, son humeur et sa disponibilité. Lorsqu’une personne décide d’écouter une chanson, elle répond à un besoin spécifique qui lui est propre. Certains voudront quelque chose d’énergique pour une tâche, d’autres quelque chose de doux pour se détendre, certains qui sont DJ veulent une musique avec une direction spécifique, d’autres quelque chose entre les deux pour travailler/étudier, etc. Vous pouvez imaginer que quiconque écoutera votre chanson, viendra avec un besoin spécifique et il est aussi tout à fait possible que l’auditeur écoute votre chanson avec quelques autres avant, et quelques autres après. Il n’est pas fréquent que vous écoutiez soudainement un morceau, puis plus rien.

 

Maintenant, pensons à quelqu’un qui travaille une liste de lecture et qui a quelques nouveaux morceaux à ajouter. Il aura à peu près la même approche qu’un DJ qui prépare son prochain set. La musique qu’ils conservent est surtout quelque chose d’émotionnel et teinté par les goûts. Ils aiment ou n’aiment pas. Étant donné que la musique est facilement accessible de nos jours, les gens passent rapidement à autre chose parce qu’ils le peuvent.

 

Maintenant que nous avons tout cela à l’esprit, voyons ce qui peut être un obstacle à l’appréciation ou à la désapprobation de votre musique.

 

Comment maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson

 

Voici des moyens de maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson :

 

  • Calquer un morceau sur une chanson de référence dont vous savez qu’elle fonctionne. Cette méthode est la meilleure parce que, comme pour toute chose dans la vie, si vous avez le modèle pour quelque chose qui fonctionne, vous pouvez alors reproduire un concept. Cela fonctionne aussi bien pour faire une pizza que pour une chanson. J’en ai parlé à maintes reprises dans mes vidéos Youtube, mais il s’agit essentiellement de comprendre la structure de la chanson, la façon dont les sons entrent et sortent, les niveaux, la longueur, la densité, etc. Une fois que vous aurez analysé les chansons qui vous semblent incroyables, vous réaliserez qu’elles sont souvent plus simples que vous ne le pensez.

 

  • Faire en sorte que votre musique ne soit pas trop prévisible, mais juste assez pour maintenir l’intérêt de l’auditeur.. Ce qui maintient généralement l’intérêt d’une personne, c’est le sentiment d’être intelligent. Cela vient de l’idée qu’ils peuvent prédire ce qui va se passer ensuite dans une chanson, que ce soit en termes de progression d’accords ou d’arrangement. Si vous anticipez quelque chose et que cela se produit, cela peut vraiment déclencher une certaine excitation. Mais ce qui vous rend accroc, c’est quand cela vous prend légèrement au dépourvu. D’un côté, trop de prévisibilité rendra la chose ennuyeuse, mais de l’autre, trop de surprises créeront de la confusion et de l’irritabilité. Donc, généralement, vous voulez que la première partie de votre chanson crée une compréhension de ce dont parle la chanson, mais ensuite vous apportez de nouvelles idées. Pendant un certain temps, c’est la raison pour laquelle les breakdowns étaient si importants, car ils étaient en fait la porte d’entrée vers l’évolution suivante de la chanson, mais depuis qu’ils sont devenus si prévisibles, pour moi, les breakdowns ne sont plus pertinents.

 

  • Faire en sorte que votre musique suive les tendances actuelles, avec une légère nouveauté.. Je pense que tout musicien doit passer un peu de temps chaque jour à écouter les charts, les nouvelles sorties, ce que les DJs passent et ce que les gens aiment. Je trouve que, très souvent, j’ai des idées du présent que je mélange avec des idées du passé. J’écoute de la musique des années 90, j’entends un effet utilisé d’une certaine manière et je vois ensuite comment on peut améliorer cette vieille idée. Ce n’est pas en vivant complètement dans le passé que votre musique sera plus fraîche. Mais il n’est pas non plus nécessaire d’être dans l’instant présent, car vous serez soit perdu dans une mer de gens qui font de la musique en suivant les tendances, soit, lorsque votre chanson sera terminée, la tendance sera déjà dépassée.

 

  • Partager quelque chose de personnel. Cette question est délicate mais importante. En musique, en fin de compte, vous voulez être vous-même. Pour cela, il faut passer du temps à créer des sons jusqu’à ce que l’on trouve quelque chose que l’on aime vraiment. J’aime l’idée que si l’on s’arrête aux premières idées, elles peuvent être superficielles, mais si l’on prend son temps et que l’on va plus en profondeur, on en trouvera de plus en plus complexes. Si les choses sont aussi profondes, et que vous aimez ça, alors vous entrez dans le domaine de l’originalité et de l’espace personnel. Cette zone est cependant très vulnérable, car plus vous créez de manière personnelle, plus il est effrayant de le partager, car le rejet sera également très personnel. Mais la bonne nouvelle, c’est que les personnes qui aimeront cet espace seront aussi très proches de ce que vous êtes.

 

  • Connaître votre public cible et comprendre ce qu’il aime. Lorsque vous faites de la musique, vous pouvez suivre un genre ou non, mais si vous le faites, essayez de comprendre ce que les gens aiment dans ce genre. Peut-être le savez-vous déjà. Mais ce qui fait sauter une chanson à quelqu’un, ce sont généralement les quelques points suivants : l’inadéquation entre ses besoins et ce que la chanson lui offre (ex. la chanson n’a pas le bon ton émotionnel ou est techniquement écrasante), le choc des sons culturels (ex. la chanson a un genre mais ne respecte pas certains concepts de base, ce qui pourrait être irritant) ou des goûts complètement différents (tempo, ton, clé de la chanson, production, utilisation du son). En gros, il est recommandé de faire preuve d’audace dans ce que vous aimez, mais veillez à ce que cela reste dans les limites d’un genre, si vous souhaitez faire partie de cette direction.

 

Techniques musicales pour trouver de nouvelles idées

 

Pour faire de la musique, il faut trouver des idées. Vous pouvez faire de la musique pendant des années, mais une bonne façon de rester original est d’avoir différentes techniques pour générer de nouvelles idées. Voici 3 idées principales que j’utilise pour générer des idées, parmi tant d’autres. Fondamentalement, vous voulez, d’une part, avoir du matériel original et, d’autre part, trouver des moyens de le traiter. Cela signifie que vous pouvez avoir des idées de qualité qui n’ont pas besoin de beaucoup de cosmétiques, ou au contraire avoir des idées très génériques et ajouter des tonnes de traitement. Mais il s’agit dans les deux cas de deux méthodes différentes qui vous permettent de créer des possibilités infinies.

 

La création de nouvelles idées peut venir, soit de l’échantillonnage/enregistrement, soit de la génération d’idées synthétiques. J’utilise beaucoup l’aléatoire dans mon travail parce que c’est comme une avance rapide de mes réglages. En d’autres termes, si je manipule un bouton pour trouver des idées, cela peut prendre un certain temps. Au lieu de cela, j’utilise la puissance de l’ordinateur pour trouver des réglages aléatoires, sur plusieurs paramètres, en une seule fois, ce qui me permet de conserver les meilleures idées qui en découlent. En appuyant sur le bouton aléatoire, j’obtiens en quelques secondes autant de nouvelles idées que j’appuie sur ce bouton. Ce qui est puissant, c’est que je peux utiliser chaque instantané individuellement, et que je peux également effectuer un lent morphing entre chaque instantané, créant ainsi de merveilleuses idées évolutives.

 

Rendre aléatoire les effets, modules et macros

 

C’est assez facile dans Ableton. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs plugins, puis utiliser command+G pour les regrouper.

 

 

 

 

 

 

Vous pouvez ensuite lier les paramètres aux macros.


 

 

 

 

 

 

 

 

Pour les plugins VST, vous devez appuyer sur le bouton de configuration, puis cliquer sur les paramètres que vous souhaitez utiliser.

 

 

 

 

 

 

Une fois que vous avez assigné un certain nombre de paramètres aux boutons de macros, vous pouvez appuyer sur le petit bouton « Rand » pour voir différentes idées aléatoires.

 

 

 

 

 

Je vous encourage à sauvegarder votre rack avec les instantanés, que vous pouvez aussi enregistrer avec le petit bouton de l’appareil photo à gauche. Ces sauvegardes sont très pratiques lorsque vous voulez rappeler des idées du passé. La plupart de mes VST les plus utilisés sont tous sauvegardés sous forme de macro pour un rappel rapide.

Pendant que nous y sommes, Shaperbox 3 change énormément la donne pour moi en matière de conception sonore. Vous pouvez faire des choses vraiment, vraiment folles avec et c’est aussi un couteau suisse pour le mixage, la conception sonore et même le mastering.

 

Générer des mélodies aléatoires

 

La génération dee mélodies aléatoires est une autre technique que j’utilise depuis plus de 20 ans. Elle a été utilisée dans la musique concrète et les premiers balbutiements de la musique électronique. Un moyen rapide de le faire est d’utiliser, par exemple, Rozzer. Il s’agit d’un patch gratuit de Max 4 Live qui permet générer des idées assez facilement. En gros, vous le déposez sur un canal MIDI, définissez une gamme et une tonalité de base, puis tapez aléatoirement sur les notes (il générera une séquence de notes), puis tapez aléatoirement sur les Gates (lesquelles de ces notes seront jouées). Il s’agit d’une phrase que vous pouvez ensuite modifier selon vos goûts ou vous pouvez également explorer les polyrythmes en transformant les notes et les gates en différents nombres (par exemple, les notes sur une longueur de 12 et les gates, 7).

 

 

 

Échantillonnage et rééchantillonnage (sampling & resampling) Il s’agit également d’une technique amusante. Vous pouvez jouer une boucle dans votre session Ableton Live et appliquer des effets, puis appliquer des effets, mais vous enregistrez l’ensemble du jam dans un nouveau clip.

 

À partir du clip enregistré, je peux ensuite découper, remodeler, traiter à nouveau, étirer, etc. C’est ce qu’on appelle le rééchantillonnage et c’est un moyen très puissant de transformer les idées. J’aime dire que les clips de rééchantillonnage sont générationnels. Ainsi, un son traité une fois est de première génération, puis si vous retraitez ce clip, il est de deuxième génération, et ainsi de suite. Lorsque j’utilise des sons pour ma musique, j’opte généralement pour des sons de 4-5ème génération. Ils sont généralement plus riches. Ils sont généralement plus riches.

 

J’espère que cela vous aidera.