Objectifs musicaux : Se fixer des repères au lieu d’objectifs

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Vous entendez souvent parler d’établir des objectifs musicaux pour maintenir votre motivation et vous diriger dans la bonne direction. J’ai déjà discuté des meilleures façons de se fixer des objectifs et de les atteindre, mais au fil du temps, je ne sais pas si l’établissement d’objectifs est encore la façon la plus efficace de progresser.

Cependant, certains objectifs de votre liste peuvent encore être pertinents, cela dépend de la façon dont vous les fixez. Par exemple, chaque fois que j’ai des gens en coaching, nous discutons du fait que l’établissement d’objectifs devrait se faire de manière à pouvoir quantifier le succès de votre travail. Par exemple, les gens essaient souvent de se fixer comme objectif de « devenir un artiste connu », ce qui, d’une certaine manière, n’a aucun sens par rapport à « finir un album ». Le problème avec le premier objectif implique deux choses importantes :

  • Vous ne pouvez pas contrôler votre cercle d’influence. Que signifie exactement « devenir un artiste connu » ? Est-ce apparaitre dans les charts ou plutôt que 1000 personnes aient vos morceaux sur leurs playlists Spotify ? Vous ne pouvez pas contrôler cela du tout et le fait d’être vague dans vos objectifs vous mènera à l’échec.
  • Devenir un artiste connu peut se produire ou non. Si c’est le cas, vous n’êtes peut-être même pas au courant de votre réputation et certaines personnes pensent qu’elles sont connues, alors que ce n’est pas le cas (par exemple, acheter des « likes » sur Facebook ne veut rien dire).

Dans le deuxième objectif « finir un album », vous avez le contrôle total de ce but — vous pouvez clairement « définir de ce qui est fait ». Si cette définition est atteinte, alors vous avez terminé, et le but a été atteint. Travailler de cette façon peut être utile, mais je vous recommande fortement de fixer une date limite à votre objectif.

Il y a maintenant une autre alternative à l’établissement d’objectifs, que, faute d’une meilleure terminologie, je définirai comme l’établissement de repères (signposts). Par exemple, les panneaux de signalisation sont des repères que vous voyez lorsque vous conduisez et qui vous aident à connaître la direction à suivre, à vous amener là où vous voulez, et aussi à vous guider de façon fiable lorsque vous êtes perdu. J’aime bien le terme en français de « repères » — mais « signpost » en anglais garde une dimension importante reliée aux lieux physiques.

Qu’est-ce qu’un repère dans votre voyage musical ??

Il s’agit de quelque chose sur lequel vous pouvez compter, comme une communauté dont vous voulez faire partie, ou un son spécifique dans lequel vous voulez plonger à 100 %. Je vais vous donner les meilleurs exemples de la façon dont j’ai appliqué l’approche communautaire dans ma vie et pourquoi je m’en inspire parallèlement au type d’établissement d’objectifs que nous avons décrit ci-dessus.

À Montréal, à la fin des années 90, nous avons eu la chance d’avoir un noyau solide de gens et de producteurs qui se sont rassemblés autour du festival MUTEK, ce qui était notre communauté, mais aussi une sorte de repère : une direction. C’était un endroit où nous pouvions jouer la musique que nous apprécions tous (arrangés selon nos goûts personnels) et où nous pouvions aussi discuter de la production musicale. Donc, à l’époque, un de mes objectifs était de jouer à MUTEK, mais en même temps, c’est cette communauté qui nous dictait le son que nous devions avoir pour l’atteindre.

Un autre repère (ou signpost) était une sorte de « cible » musicale que j’ai fixée par l’intermédiaire de Ricardo Villalobos. J’étudiais sa musique, ses sets, et la question récurrente que je me posais était : « Est-ce qu’il va jouer un de mes morceaux ? » Il n’y avait pas vraiment d’autres objectifs derrière que de le voir jouer ma musique, mais c’était plutôt un point de référence sur la façon dont ma musique pouvait être faite ou adaptée.

Je fais souvent du mix/mastering pour des artistes/labels ou du coaching, et une chose que je vois souvent, c’est que les gens sont un peu perdus pour déterminer à qui s’adresse leur musique. Qui voulez-vous atteindre exactement ? Qui vous inspire ? Quelle communauté vous soutiendrait et vous encouragerait ? C’est le type de question à considérer sérieusement, car je travaille souvent avec des gens qui sont loin de la communauté physique dont ils aimeraient faire partie et qui dépendent fortement d’Internet pour être en contact. Par exemple, je pense à des gars d’Amérique du Sud qui aiment les artistes roumains — c’est une sacrée distance !

Dans plusieurs articles précédents, j’ai parlé de l’importance du réseautage. Voici quelques façons de vous aider à trouver vos propres repères :

  • Localement. Y a-t-il un club, une salle ou un promoteur qui book et joue la musique que vous aimez ? Où se trouve l’endroit le plus proche de vous qui pourrait être votre référence locale ? C’est très important, car vous pouvez rencontrer des gens qui ont les mêmes goûts que vous. C’est peut-être un festival auquel vous pouvez assister dans une autre ville, comme MUTEK (cela me rappelle une énorme communauté du Colorado qui avait l’habitude de venir à MUTEK par groupe de 20 personnes ! Ils ont forgé des liens lors de leurs voyages).
  • En ligne. Je trouve qu’il est important de trouver un crew qui fait de bons podcasts, des DJ sets, ou de la musique qui vous donne la chair de poule. Un piège serait cependant de viser trop haut, des artistes renommés ou des organisations (ex. Time Warp en Allemagne) si grandes qu’en devenir partie intégrante peut vite devenir un casse-tête. Il existe de nombreux festivals plus petits qui ont le même genre de musique, mais à plus petite échelle, vous pouvez grandir avec eux. Cela dit, essayez de réduire l’échelle, ou suivez les plus grands noms, mais essayez de connecter avec les autres, plus petits, qui aiment la même musique et qui sont aussi en train de percer.
  • Esthétique, genre, humeur, direction. . Essayez de trouver des artistes que vous aimez qui émergent et qui ont l’air stable et sérieux à propos de leur métier. Vous n’avez pas besoin de les contacter ; il s’agit plutôt de suivre leur production et de les soutenir. Soyez un fan, quelqu’un qui encourage et donne, sans rien attendre en retour. Nourrir les gens qui vous inspirent est aussi une bonne façon d’investir en vous-même. J’ai soutenu et encouragé des artistes qui ont commencé à bien marcher, mais qui ont ensuite disparu. C’est une déception, et parfois je me demande ce que j’aurais pu faire d’autre pour aider. Voir quelqu’un que vous aimez performer est une grande motivation pour votre propre art !

J’adorerais entendre ce que vous considérez comme étant vos propres repères !

Jouer de la musique électronique live – Comment préparer votre Live Set ? (Partie 5)

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Dans les quatre articles précédents sur jouer de la musique électronique live, j’ai parlé de tout ce que vous devez faire avant de jouer. Vient maintenant le moment de vérité, où vous êtes fondamentalement prêt. Ce post couvrira le dernier kilomètre de préparatifs, y compris la façon de faire une vérification du son (ce qui est essentiel pour jouer un set de qualité) et quelques conseils bonus sur les derniers trucs à faire avant d’appuyer sur le bouton play.

RÉGLAGES DU SON

Voici quelques conseils pour la préparation finale de vos sons :

  • Les clips n’ont pas besoin d’être parfaits ou masterisés.
  • Laissez tout avec beaucoup de headroom (marge de volume), nous parlons de -12 dB.
  • Le gain provient principalement de ce que vous avez sur le master (bus).
  • Les 5 premières minutes de votre live seront consacrées à la mise au point de votre son.
POURQUOI LES CLIPS N’ONT-ILS PAS BESOIN D’ÊTRE PARFAITS?

C’est un peu difficile à expliquer, mais je vais rester simple. Un traitement excessif de votre son peut s’avérer horriblement mauvais dans une salle de concert, et si c’est le cas, il n’y aura pas de retour en arrière. Je préfère avoir quelque chose d’imparfait et l’ajuster pendant la balance (sound check) jusqu’à ce que ça soit propre. Si vous faites plusieurs concerts, cela vous permet également d’avoir différentes options pour différentes salles. Jouer sur un très petit système de son par rapport à un festival en plein air aura une sensation totalement différente et vous devrez peut-être utiliser votre compression/égalisation différemment.

DES CLIPS AVEC DU HEADROOM FERONT L’AFFAIRE.

Une des choses que les gens ne remarquent pas, c’est que pour certains sons, les pistes peuvent ne pas sonner comme en studio et donc, dans un contexte live, vous aurez besoin d’augmenter le gain sur certains éléments auxquels vous ne vous attendiez pas. Honnêtement, il est plus important d’avoir un son correct par rapport à un son fort, ce qui signifie que vous devez être précis dans tous vos ajustements sonores et trouver un équilibre. Cela signifie également que si un son doit être encore plus fort que les autres, en laissant du headroom, vous aurez de l’espace pour pousser votre fader vers le haut. Si tout est au maximum, vous n’aurez que peu d’espace pour travailler, ce qui n’est pas pratique. N’hésitez pas à regarder les indicateurs de chaque piste pour vous assurer qu’ils sont à niveau. Même si ce n’est pas la meilleure façon de l’expliquer, ce sera toujours utile et si vous êtes stressé, vous apprécierez ce conseil rapide concernant le gain. Il y a aussi deux choses que vous pouvez faire :

  • Un compresseur dans un bus Send pour toutes les pistes ayant besoin d’un boost. Faire en sorte que le compresseur soit agressif avec un ratio élevé, mais une attaque lente. Envoyez selon les besoins de chaque piste.
  • Rooter les pistes vers un « bus groupé ». Au lieu d’envoyer une piste dans le Master, faites-la passer sur une autre piste qui agira comme un bus. J’aime en avoir 3 : basse, mediums, aigus. Chaque piste de groupe ayant une compression et un égaliseur supplémentaires. De plus, vous pouvez rapidement ajuster la tonalité de votre set avec ces faders. Tous ces bus vont ensuite dans le Master.
LE BUS MASTER FERA LE TRAVAIL

Sur le dernier bus, j’aime avoir un limiteur qui boostera suffisamment le signal entrant pour voir pomper avec une réduction de gain d’environ -2 dB. Il se peut donc que vous deviez ajouter +6 dB au gain par exemple. De cette façon, vos faders de piste pourraient, au début, n’être qu’à 3/4 ou à la moitié, mais vous aurez aussi assez d’espace pour booster jusqu’à zéro. N’utilisez pas Ozone ou d’autres aides « rapides » au mastering à moins que vous ne sachiez vraiment ce que vous faites. Je vous encourage à utiliser un EQ shelf juste avant le limiteur. L’égaliseur 3 bandes d’Ableton fera l’affaire, mais il y en a d’autres que vous pouvez utiliser. L’idée d’un égaliseur shelf est d’ajuster rapidement les différentes zones de fréquence.

CONSEIL : Comment savoir ce qu’il faut ajuster ? Disons que vous sentez qu’il n’y a pas assez de basses (Kick/Bass), réduisez les médiums, puis augmentez le gain du Limiter. N’augmentez pas les basses !!

RÉGLAGE DE VOTRE SON AU COURS DES 5 PREMIÈRES MINUTES

Je trouve que la meilleure façon de trouver mes niveaux est de prendre mon temps dans l’intro de mon set et de rentrer lentement en fondu des éléments tels que le kick, la mélodie, etc. Vous pouvez les amener à un niveau qui ressemble à ce que vous connaissez bien. Il est important de passer du temps dans le booth ou sur la scène avant de jouer pour connaître les niveaux des différents éléments de la salle. J’aime aussi aller dans la zone de foule pendant cinq minutes pour voir comment ça sonne, puis retourner dans le booth pour voir comment les niveaux se traduisent. Parfois, sur la piste de danse, vous avez les aigus perçant alors que ce n’est pas le cas sur la scène ou vice versa. C’est une leçon super importante sur la façon dont vous mixez à la maison et comment cela se traduit en dehors.

SOUND-CHECK

OK, alors maintenant que vous êtes sur place, on vous a donné l’occasion de faire une vérification du son. Parfois, vous n’aurez pas ce luxe, alors soyez reconnaissant si vous le pouvez. Pour tirer le meilleur parti de cette expérience, concentrez-vous sur le branchement de votre interface audio pour qu’elle soit prête à fonctionner et ne vous préoccupez pas tant d’avoir tout votre setup installé. Cela peut arriver de devoir débrancher ou déplacer certaines choses par manque de place. J’ai appris que laisser traîner du matériel peut aussi être une mauvaise idée, car j’ai vu des gens renverser des boissons ou même du matériel volé. Quoi qu’il en soit, voici les principaux points de la phase un de votre sound-check :

  1. Au préalable, sauvegardez votre set de façon à ce que, lorsque vous appuyez sur play, le moment le plus intense de votre set soit joué. Très probablement, le technicien son demandera cela pour commencer et j’aime être prêt à envoyer quand j’arrive et que je suis branché. Son premier intérêt sera de voir comment il a besoin d’ajuster le limiteur du sound system pour votre son et il pourrait aussi faire une courbe d’égalisation rapide.
  2. Si vous êtes branché à une table de mixage DJ sur la scène, votre première chose sera de vous assurer que votre piste est réglée sur « Line in », puis d’augmenter le gain de celle-ci pour atteindre zéro et éviter de voir une indication de crête rouge (clip) à la fois sur la piste et sur le master.
  3. Assurez-vous de pouvoir contrôler le son du booth ou de la scène et mettez-le à un niveau confortable. Pendant votre set, il est important de le couper plusieurs fois pour voir ce qui se passe dans la foule.

Si votre son arrive jusqu’au système de son et que tout va bien, alors la première phase de votre test sonore est terminée. Le gain est généralement géré par le technicien et vous pouvez contrôler le gain supplémentaire si nécessaire.

Maintenant, phase deux de votre contrôle de son : les ajustements de tonalité.

« Comment puis-je savoir si mon son est correct ? »

Lorsque vous êtes à la maison, essayez de trouver une chanson dont vous savez qu’elle ressemble à ce que vous faites, et dont les niveaux sont équilibrés (par exemple, kick vs mids vs highs) et chargez-la dans une piste de votre set. La sortie de cette piste doit être réglée sur « External out » et non sur Master.

  1. Jouez la chanson de référence dans la salle et voyez comment elle sonne à la fois dans la cabine et sur la piste de danse. Prenez des notes mentales.
  2. Comparez votre sortie Master à cette référence d’abord dans le booth, puis sur la piste de danse.
    1. Le volume est-il plus ou moins le même ? Ajustez le limiteur, la compression.
    2. Certaines fréquences sont-elles nocives ? Ajustez l’égaliseur.
  3. Allez-y une chose après l’autre, jusqu’au cœur de chaque moment/chanson de votre set pour voir s’il n’y a pas de conflits de fréquences. Ma façon rapide de le faire est de toujours commencer par le kick pour m’assurer que tous les kicks sont au même niveau, puis la basse, la mélodie et les percussions. Vous voulez que tous les kicks soient très proches afin de ne pas avoir de mauvaises surprises lorsque vous passez d’une chanson à l’autre. Idem pour les autres éléments.

Vous êtes maintenant prêt à jouer. Donc, si le temps vous le permet, essayez de jouer rapidement entre chaque morceau. Voyez si quelque chose doit être ajusté.

ASTUCE : Vous pourriez par exemple voir que toutes vos percussions ont besoin d’une correction d’EQ. Vous pouvez ajouter un égaliseur sur la piste ou vous pouvez plus simplement geler et écraser cette piste avec l’EQ.

Et s’il n’y a pas de soundcheck ?

Si cela se produit et que cela signifie que la première phase n’est pas disponible. Le lieu peut vous demander de faire un « line-check », ce qui signifie que vous envoyez votre audio à la table de mixage et que le technicien s’en chargera. Il se peut que vous n’ayez pas de technicien et que vous deviez le faire vous-même sur la table de mixage. Assurez-vous que votre signal est à peu près le même que celui de la personne qui vous précède et… bonne chance !

CONSEILS DE DERNIÈRE MINUTE DE LA PART D’UN INTERPRÈTE EXPÉRIMENTÉ…..

Ce sont les choses que je fais toujours et qui m’ont pris du temps à comprendre, alors pensez à les utiliser pour plus de confort :

  • Soyez mentalement prêt à jouer une heure avant de jouer. Soyez autour du booth, assurez-vous que votre équipement est installé, testé et qu’il fonctionne correctement. À de nombreuses reprises, j’ai dû changer la cartographie de mes contrôleurs — Dieu sait pourquoi — donc il est bon d’avoir un peu de temps au cas où.
  • Passez un moment sans parler à personne au moins 15 minutes avant de jouer. Restez concentré.
  • Évitez les boissons à proximité de votre équipement. Vous savez pourquoi.
  • Avoir un ami pour filtrer et aider. J’aime avoir quelqu’un pour repousser les gens qui veulent vous parler pendant que vous jouez.
  • Apportez des câbles supplémentaires de tout : USB, des câbles audio et même un câble pour jouer à partir de votre carte son interne.
  • Si Ableton plante, ayez quelque chose de prêt à jouer dans iTunes pendant que vous redémarrez le programme.
  • Utilisez des protections auditives si vous le pouvez.

Faites-moi savoir si vous avez des questions et peut-être que j’écrirai une sixième partie sur les lives !

Mise en forme des transients

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Dans ce blogue, j’ai déjà discuté de nombreuses façons de jouer avec une piste pour créer de nouvelles textures et variations et comment garder vos sons captivants. J’aimerais discuter d’une autre façon de colorer votre musique : la mise en forme des transients (ou crêtes transitoires). Cela peut radicalement changer la façon dont une piste sonne, selon la manière dont vous façonnez vos sons.

Pour expérimenter les transients, nous aurons besoin de jouer avec certaines fonctionnalités d’Ableton Live qui peuvent être très puissantes. Par ailleurs, vous pouvez aussi investir dans un plug-in de la catégorie « Transient Shapers », il y en a beaucoup, mais mes favoris sont MTransientMTransient de Melda Production et Transient Shaper de Softubes. Les deux offrent des résultats de qualité à un prix décent.

Tout d’abord, si vous n’êtes pas familier avec les transients, il s’agit généralement du début d’un son/sample. Si vous êtes familier avec l’enveloppe Attack-Decay-Sustain-Release (ADSR) des synthétiseurs, l’attaque manipule généralement le transient. Il peut-être rapide et percutant, d’autres fois lent et doux. Pour un kick avec beaucoup de punch, vous voulez qu’il soit prononcé et vif. Si vous recherchez cette texture spécifique, alors la mise en forme du transient sera vraiment intéressante pour vous. Un plug-in vous permettra de rendre le transient plus apparent ou plus silencieux, et en général, vous pourrez également contrôler le sustain du transient. Parfois, vous voulez que votre transient claque, mais que le reste du kick soit plus silencieux ; un plug-in de mise en forme transitoire pourra le faire avec 2 boutons. J’ai plusieurs versions de ces outils et je les utilise quotidiennement — c’est assez captivant ce que l’on peut faire si l’on exagère l’attaque de sons qui n’ont pas de transients du tout.
Dans Ableton Live, vous pouvez également vous amuser avec une fonction intégrée dans la vue détaillée du sample. Voyons comment vous pouvez le manipuler et comment vous pouvez jouer avec.

Tout d’abord, prenez un sample de loop et dupliquez-le dans une autre piste.

Ensuite, sur la boucle dupliquée, assurez-vous de configurer les détails comme suit. Baissez maintenant le pourcentage du transient.

Vous remarquerez qu’en descendant cette valeur, il ne restera que les transients et le reste des sons disparaîtra. Vous ajustez chaque son pour n’en garder que le début, qui correspond au transient. La nouvelle piste peut être remontée en volume et superposé à l’autre : vous remarquerez que le transient est plus fort et que vous aurez maintenant un certain punch en plus s’il n’y en avait pas assez à l’origine.

Si vous consolidez, vous obtiendrez une nouvelle visualisation :

Vous voyez la différence et ce qu’on a enlevé ? En superposant le début, vous donnez plus de punch.

Astuce : essayez ça avec une boucle de kick ou une boucle de hats.

Maintenant, le fun ne fait que commencer !

Voici quelques suggestions pour essayer de pousser votre conception sonore encore plus loin :

  1. Contrôler/abaisser les transients de la boucle d’origine avec un compresseur. Si vous réglez un compresseur avec une attaque rapide, il contrôlera les transients. Jouez avec la release pour vraiment l’apprivoiser.
  2. Ajoutez une réverb ou tout autre effet sur la piste de transients seul. C’est vraiment cool parce que l’effet peut affecter le début ou la fin des sons. J’aime mettre la réverbération uniquement sur le sustain en laissant le transient sec, ce qui donne plus de précision à vos percussions au lieu de les perdre dans une marée de réverb.
  3. Mettre un EQ sur les transients et ne garder que les hautes fréquences pour la précision ou seulement les médiums pour plus de puissance.
  4. Side-chain le transient avec le son d’origine. Expérimentez avec celui-ci et vous obtiendrez des résultats amusants !
  5. Compressez les deux pistes en les groupant.

N’hésitez pas à partager vos réflexions sur la mise en forme des transients !

Créer un projet principal pour vous organiser

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Au fil des ans, j’ai parlé avec des dizaines et des dizaines de personnes d’horizons différents qui aimeraient commencer à produire de la musique, mais qui ne savent tout simplement pas par où commencer. D’un autre côté, si vous avez déjà créé de la musique, mais que dernièrement vous avez été submergé par trop de sons, trop de VSTs, et que vous êtes moins productif en studio, ce post est pour vous. Nous nous concentrerons sur comment créer un projet principal pour vous organiser dans vos sessions Ableton et vous permettra de passer un moment productif et efficace en studio.

POUR QUE VOTRE STUDIO SOIT PRODUCTIF ET AGRÉABLE, IL EST ESSENTIEL QUE VOUS SOYEZ ORGANISÉ ET QUE VOUS AYEZ UNE BONNE MAÎTRISE DE VOS SONS ET DE VOS OUTILS.

Les DJs qui ont écouté des centaines de morceaux de haute qualité, finement masterisés, se plaignent souvent que la qualité et le son de leurs premiers efforts en studio entrent en conflit avec le volume et le raffinement de la musique qu’ils ont l’habitude d’entendre. Cette frustration est prévisible, mais aussi évitable, et c’est l’une des raisons pour lesquelles j’encourage fortement les débutants à commencer par utiliser des boucles préfaites ou simplement remixer les pistes qu’ils ont déjà. Pour que les choses restent organisées et productives, sélectionnez seulement deux pistes avec le son et le style que vous souhaitez pour vos propres productions, et travaillez sur un seul projet à la fois.

En parlant de boucles achetées — Je veux démystifier le mythe ou l’opinion selon laquelle l’utilisation de boucles préfaites est de la tricherie. C’est 100 % faux, et contre-productif de penser cela.

JE CROIS QUE L’ÉTAT D’ESPRIT PARFAIT POUR ABORDER LA PRODUCTION MUSICALE RESSEMBLE BEAUCOUP À CELUI D’UN MODÉRATEUR, VOUS DEVEZ TRAVAILLER AVEC CE QUI EST DEVANT VOUS.

Cette idée exige beaucoup d’ouverture et d’humilité, mais l’utilisation de cette approche vous rendra beaucoup plus fort pour faire preuve de débrouillardise face à l’adversité.

L’Internet est une source inépuisable d’outils et d’options, et il est essentiel à un moment donné de tirer le meilleur parti du matériel dont vous disposez et d’arrêter de consommer des idées. Ma règle : ne jamais acheter une nouvelle VST tant que je n’ai pas parfaitement pris en main celles que j’ai déjà. Cela dit, si vous avez besoin d’un conseil pour vous aider à vous organiser, je vous recommande fortement de créer un projet Ableton principal qui sera votre vaisseau mère, votre compendium sonore, votre laboratoire personnel pour développer vos idées.

  • Acheter de nouveaux effets pour vos synthétiseurs : pour vraiment avoir un aperçu de ce que vos nouveaux effets peuvent faire, il suffit de les déposer dans une piste et d’expérimenter. Je vous recommande fortement d’enregistrer toute la session d’exploration sous forme de fichier .wav, mais aussi sous forme de session où l’automatisation et le mouvement des boutons seront enregistrés.
  • Rassembler les restes : chaque fois que vous finissez une chanson, il y aura des sons que vous n’avez pas utilisés. Vous pouvez les copier et les coller dans votre projet principal. L’utilisation de vos restes audio est une excellente façon de créer rapidement des idées de départ pour votre prochaine chanson.
  • Créer des macros : la création de macros peut prendre beaucoup de temps. Celles que j’utilise impliquent généralement une bonne utilisation des boutons de la macro, car lorsque j’enregistre une session, je peux simplement les déposer dans une piste et contrôler rapidement les paramètres en utilisant le PUSH et son excellente fonction d’automap.
  • Rassembler de nouveaux sons : parce que je n’ai pas le temps et l’énergie pour enregistrer tous les sons que je veux, je vais juste acheter les quelques sons dont j’ai besoin. J’achèterai aussi des sons que je n’ai pas les moyens de faire comme les sons d’un avion. Certains sons que vous utiliserez souvent seront un excellent investissement, mais il y en a aussi beaucoup qui sont disponibles gratuitement.
  • Construire des kits de batterie : domaine où je passe souvent beaucoup de temps. Quand je commence une idée, je veux être capable d’avoir une bonne combinaison de percussions. Avec l’énorme choix qui m’est offert, choisir le bon son peut prendre une éternité. Regardez cette super  video qui montre comment créer un outil pour tester plusieurs sons à la fois. C’est génial, mais vous devez quand même fabriquer vos propres kits.
  • Création de couches (layers) : C’est un peu la suite logique de l’astuce précédente. Une fois que vous avez plusieurs kits, vous pouvez les assembler dans un drum rack afin de créer des layers. Comme vous le savez probablement, dans la conception sonore, un son est très souvent composé de nombreux sons qui ont été superposés correctement. C’est une bonne idée de faire plusieurs kits à l’avance, bien organisés et prêts à jouer lorsque la session démarre.
  • Créer des catégories avec vos pistes : chaque piste devrait avoir des sons de la même famille. Donc vous pouvez faire une piste qui a des pads et une autre avec des kicks. Ceci est utile parce que lorsque vous allez dans le navigateur d’Ableton et que vous ouvrez votre projet principal, vous avez accès à tous les sons de chaque piste, ce qui rend beaucoup plus rapide la recherche d’un son spécifique. Un autre grand avantage en faisant ceci est que l’exportation de vos pistes en stems permettra un meilleur mixage plus tard. (Pour en savoir plus : Exporter les stems.)

Quand je regarde la manière dont je travaille, je vois que je passe beaucoup plus de temps à préparer ma session musicale qu’à produire un titre. Plus votre organisation est performante, plus elle est facile à intégrer dans votre flux de travail.

JP

VOIR AUSSI — Conseils de production musicale : Comment démarrer une track ?

 

Supprimer toutes vos tracks et vendre votre matériel.

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Depuis le tout début, je me souviens de nombreuses fois où j’ai remis en question mes capacités en tant que producteur de musique. Me sentir coincé sur un projet ou faire face aux retours négatifs d’un titre dont j’étais fier m’a fait me demander si je n’étais pas dans une impasse musicale. Parfois, il ne faut pas grand-chose pour envisager de tout débrancher et tout ranger pour de bon. Plusieurs de mes collègues ont des histoires similaires, et j’ai vu plus d’une fois des gens se demander s’ils allaient supprimer toutes leurs tracks et vendre tout leur matériel.

Des hauts et des bas. Il existe une multitude de recherches qui confirment le fait que faire de la musique peut produire une dose massive de satisfaction, un high similaire à l’effet des drogues ou au rush d’un entraînement intense. Le frisson après avoir terminé une piste est énorme, mais en revanche, lorsque les choses ne fonctionnent pas, cela peut être déprimant. Parfois, on a l’impression de vivre dans un état de misère constante. Notre point de vue régit souvent nos humeurs et, avec un petit quelque chose, il peut passer très rapidement de maussade à positif.

J’ai passé beaucoup de temps à lire les commentaires de groupes Facebook de gens qui flirtent avec l’idée de vendre leur matériel et de tout arrêter. Du côté numérique, j’entends parler d’effacer des disques durs entiers remplis de pistes raw, et je pense au travail acharné et au temps qu’ils ont investi dans des projets qui ne seront jamais achevés. Ils estiment que le travail n’en vaut tout simplement pas la peine. Si souvent, le sentiment d’excitation et d’énergie de l’écoute de notre prochaine meilleure track peut être remplacé par la frustration et le doute de soi lorsqu’on la stocke avec toutes les autres inachevées. Une autre idée géniale qui va rester telle quelle, une idée incomplète, jamais entendue. Retour à la case départ. Encore une fois.

UNE DE MES RÈGLES PERSONNELLES EST DE NE JAMAIS EFFACER UN PROJET OU UN SAMPLE. JE NE LE FERAI PAS, C’EST TOUT. 0% DE CHANCE.

Je crois que les principaux ennemis qui modifient notre jugement sont la surexposition et les réactions adverses. Si je travaille sur un projet qui ne se réalise tout simplement pas, je me rappelle qu’il faut simplement le ranger et y revenir après un certain temps. Une fois rouvert et écouté avec une nouvelle perspective, vous trouverez probablement quelque chose qui vous inspire ou, à tout le moins, quelque chose dont vous pouvez vous débarrasser immédiatement. En tant qu’artistes, nous changeons sans cesse. L’artiste que vous serez dans un an pourrait aimer ou non ce que vous produisez en ce moment. En gardant vos projets inachevés en lieu sûr, vous investissez dans votre temps et vos talents pour demain plutôt que de jeter ce qui vous frustre aujourd’hui.

Conseil : Cela peut sembler idiot, mais si vous ne vous sentez pas à l’aise avec la musique, essayez simplement de dire : « Pour le moment, je n’ai pas envie de faire de la musique. » Insistez sur « pour le moment », car cela enlève l’idée que votre état d’esprit est permanent.

Dans des articles précédents, j’ai longuement parlé de l’avantage de planter des graines, de créer un projet principal où toutes vos idées peuvent être récupérées et utilisées comme tremplin vers quelque chose de grand avec un effort minimum. L’avantage d’avoir une bibliothèque de sons et d’outils sur mesure, prêts à tout moment, est énorme parce que l’impulsion du moment est essentielle pour compléter vos pistes.

Une chose courante est la recherche d’un vieux matériel pour obtenir un son particulier. À un moment donné, il est naturel d’avoir l’impression d’avoir dépassé les limites de votre équipement et d’être sûr que l’achat d’équipement neuf résoudra le problème. Nous sommes constamment tentés par de nouveaux produits et outils qui promettent de résoudre nos problèmes et de rendre tout cela plus facile. Même après avoir acheté du nouveau matériel, nous ne prenons pas toujours le temps de vraiment les examiner. Combien de fois nous demandons-nous ce que nous devons vraiment réparer ? Est-ce que l’équipement peut résoudre ce problème ? Il est certain que les médias et le marketing se posent la question ! Mais la prochaine fois que nous échouerons, il y aura encore un autre outil indispensable, parce que cet outil…. mec il va vraiment faire la différence.

Conseil : Certains équipements peuvent être loués. Si vous pouvez tester ce que vous voulez, cela peut être vraiment utile.

PRENEZ UNE MINUTE POUR RÉFLÉCHIR À VOS OBJECTIFS AVANT DE FAIRE UN AUTRE INVESTISSEMENT.

Pour vraiment passer à autre chose en tant que producteur, le meilleur investissement personnel auquel je puisse penser est de simplement finir quelque chose, n’importe quoi. Je crois que la suppression de vos pistes renforce votre incapacité à terminer ce que vous avez commencé, et n’apporte rien de bon. Vous n’avez certainement pas plus d’avance en tant que producteur, et vous n’aurez jamais rien à montrer sans avoir terminé vos projets.

Prenez un moment pour examiner vos progrès ou votre manque de progrès. Où est-ce que vous êtes coincé ? Jusqu’où progressez-vous dans la track ? Êtes-vous limités par votre conception sonore ou est-ce que vous bloquez dans l’arrangement ? Trouvez votre faiblesse et tracez un cercle autour de celle-ci avec un grand stylo rouge. C’est votre problème. C’est la partie difficile pour vous. Rien de ce que vous pourrez acheter ne résoudra ce problème. Ce qui est bien, c’est que maintenant que vous savez où vous bloquez, vous pouvez travailler sur comment l’améliorer.

YouTube. Hallelujah. Peu importe ce que vous cherchez, je vous promets qu’il y aura une vidéo pour vous aider à surmonter votre problème. Ne restez pas bloqué indéfiniment en regardant des vidéos qui, quelques heures plus tard, glissent vers sujet totalement différent (ça arrive souvent). Aussi, pour conclure, voici un conseil de production que j’adore faire : à la fin d’une session, exportez tout ce que vous avez, puis stockez ceci dans le dossier de la production. Faites systématiquement « réunir et sauvegarder », il peut s’agir d’une boucle de 30 secondes, les arrangements que vous avez en cours, ou même exporter toutes les stems de votre session. Ceci est extrêmement utile pour d’anciens projets, mais aussi pour ouvrir un projet vierge, puis importer plusieurs bounces et les utiliser immédiatement. Cette astuce a été si réellement utile pour mes albums précédents !

 

Voir aussi : Terminer vos projets.

L’essentiel du Home Studio : Kits de démarrage pour la production de musique électronique

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Je vais être très honnête ici : si vous aimez mon blogue et que vous voulez me soutenir dans mon objectif de partager mes connaissances, vous pouvez acheter directement à partir des liens ci-dessous, car cela m’apportera une petite commission en retour. Merci !

En raison de la demande populaire et parce que je reçois des questions sur ce qu’il faut acheter pour commencer pour faire de la musique électronique presque tous les jours, j’ai décidé de couvrir le sujet en fonction de différents niveaux d’investissement. Si vous suivez le plan que j’expose ci-dessous, vous n’échouerez pas et vous ne serez pas induits en erreur dans vos décisions d’achat. Cette liste est basée sur des années de discussions avec les gens, de consultations avec les clients et d’essais personnels. Comme nous l’avons déjà mentionné dans un article précédent, nous commencerons par le niveau où vous êtes complètement débutant, puis nous construirons à partir de là. Si vous avez besoin de conseils au-delà des premiers niveaux, faites défiler vers le bas pour accéder aux conseils pour des budgets plus importants et des niveaux de production plus avancés.

KIT NIVEAU 1 : DÉBUTANT

Votre niveau de connaissance : néophyte, vous envisagez de faire de la musique.

Inclus : Ordinateur portable, DAW et casque d’écoute.

Vous n’avez pas besoin de grand-chose pour commencer à faire de la musique. Il y a un mythe que beaucoup de gens croient, que plus vous avez d’équipement, meilleure est la musique que vous ferez et donc qu’il s’agit d’une perte de temps si vous n’avez pas beaucoup d’argent à investir dans les premières étapes. C’est faux, je connais de la musique assez extraordinaire qui a été faite sur les configurations les moins chères que vous pouvez imaginer.

La seule chose que je vous encourage fortement est d’obtenir une version démo d’Ableton, Reason ou Bitwig pour voir lequel vous semble le meilleur, mais mon choix personnel sera toujours Ableton, que j’utilise depuis 2002.

Pour votre ordinateur portable, si vous pouvez investir dans un PC ou un MAC avec au moins un processeur i5 ou i7 et un disque dur SSD, cela fera une différence énorme dans la façon dont vous serez en mesure de gérer les ressources nécessaires. Les plug-ins et les logiciels dépendent principalement d’un processeur puissant pour traiter l’information, tandis que le disque dur rapide permet d’optimiser la façon dont les samples sont lus. Si votre disque dur est lent, il peut créer d’importants ralentissements si vous lisez des fichiers volumineux. Un SSD externe est essentiel si vous comptez sur quelque chose qui n’est pas interne. En ce qui concerne la RAM, plus la RAM est élevée, mieux c’est. Pour l’instant, je trouve qu’un minimum de 6GB fera une différence, mais si vous pouvez en obtenir plus, c’est encore mieux. Une RAM élevée est également un élément essentiel du bon fonctionnement de votre station de travail audionumérique.

DISQUES DURS ET ORDINATEURS PORTABLES

DISQUE DUR EXTERNE SSD de TOSHIBA


ASUS ZENBOOK ULTRA-SLIM LAPTOP, 13.3″ FULL HD, 8GB RAM, 256GB SSD

Vous aurez besoin d’une bonne paire d’écouteurs. Et si finalement vous n’aimez pas la production musicale, vous aurez toujours une bonne paire. Je trouve qu’il peut être trompeur de ne pas y investir beaucoup d’argent, alors si vous le pouvez, obtenez le meilleur que vous pouvez obtenir. Je propose ici des paires pour différents budgets.

CASQUES D’ÉCOUTE (HEADPHONES)

AUDIO-TECHNICA ATH-M20X

SONY MDRZX110NC OVER-EAR À ISOLATION SONORE

AUDIO-TECHNICA ATH-M50X

SENNHEISER HD 598 CS

SENNHEISER HD1 OVER-EAR

KIT NIVEAU 2 : PRENDRE CONFIANCE EN SOI

Votre niveau de connaissance : Vous avez fait quelques chansons et vous commencez à vous sentir limité par le kit de niveau 1 (casque et ordinateur portable).

Inclus : logiciel/plug-ins supplémentaires, haut-parleurs, contrôleur MIDI.

Ok, donc maintenant vous savez que vous voulez faire ça comme un passe-temps ou plus. Je pense qu’il est important d’avoir un meilleur monitoring que votre casque d’écoute, donc obtenir des haut-parleurs devrait être une de vos prochaines priorités. Il n’y a rien de plus important que d’aller à votre magasin local et de passer du temps à tester quelques paires de moniteurs avec la musique que vous connaissez. Alors, préparez votre téléphone et allez écouter, puis vous pourrez prendre une décision et acheter. Mes choix favoris ne fonctionnent peut-être pas pour votre style, mais en voici quelques-uns, y compris pour différents budgets.

HAUT-PARLEURS ET MONITEURS

GENELEC 8010 MONITOR SYSTEM 3″

ADAM AUDIO T7V 7″ ACTIVE STUDIO MONITOR

FOSTEX PMO.3B 3″

YAMAHA HS5 STUDIO MONITOR

CONTRÔLEURS MIDI

Un bon investissement est d’ajouter des contrôleurs à votre DAW afin que vous vous sentiez un peu plus humain dans la façon dont vous interagissez avec votre musique. Cela peut aller d’un contrôleur midi basé sur un pad, à un clavier ou à une table de mixage midi. Cela dépend vraiment de ce que vous faites avec votre musique, mais n’importe lequel d’entre eux sera utile d’une manière ou d’une autre.

AKAI PROFESSIONAL MPK MINI MKII | CONTRÔLEUR USB CLAVIER MIDI 25 TOUCHES & DRUM PAD

MIDIPLUS AKM320 CLAVIER MIDI

ICON I-CONTROLS-POTABLE 9-FADER MIDI CONTROLLER

Si vous êtes sérieux au sujet de votre musique, vous voudrez du matériel original et il est important d’investir dans de bons synthés. Vous pouvez alors combiner des contrôleurs avec des sons. KOMPLETE de Native Instruments est un investissement puissant et rentable pour les années à venir. Sinon, Arturia est aussi assez surprenant.

NATIVE INSTRUMENTS KOMPLETE KONTROL S25

CONTRÔLEUR MIDI USB ARTURIA KEYLAB 25 TOUCHES

KIT NIVEAU 3 : LE HOBBYIST

Votre niveau de connaissance : Vous passez beaucoup de temps à faire de la musique et parvenez à terminer vos chansons.

Inclus: logiciel/plug-ins supplémentaire, mises à jour de l’équipement.

À ce stade, vous pouvez faire de la musique, finir des chansons, et peut-être faire signer certains de vos morceaux sur un label. C’est le stade où se trouvent la plupart de mes clients. En général, leurs besoins sont à peu près les mêmes. Beaucoup n’ont pas investi dans un bon monitoring, qu’il s’agisse d’une carte son ou de moniteurs. Une carte son/interface de qualité fera une grande différence dans la qualité de votre son. Cela semble assez évident, mais beaucoup de gens avec qui je travaille doivent encore être convaincus… jusqu’à ce qu’ils en acquièrent une et viennent me dire que j’avais raison ! Les cartes son ne sont pas comme les moniteurs, ce n’est pas une question de goûts personnels, mais une question de compréhension de ce dont vous avez besoin. La toute première question que vous devriez vous poser est « combien de matériel dois-je enregistrer ? » parce que cela déterminera le nombre d’entrées dont vous avez besoin dans votre interface. Vous pourriez toujours obtenir une petite table de mixage pour vos entrées son puis l’acheminer vers deux entrées stéréo, mais certaines personnes préfèrent avoir plusieurs entrées audio.

INTERFACES AUDIO ET CARTES SON

INTERFACE AUDIO LA PLUS BASIQUE : FOCUSRITE

FOCUSRITE SCARLETT-SOLO GEN2 INTERFACE AUDIO USB

BUDGET MOYEN : MOTU — QUI FAIT AUSSI D’EXCELLENTS CONVERTISSEURS POUR L’ENREGISTREMENT.

MOTU MICROBOOK IIC INTERFACE AUDIO USB

BUDGET ÉLEVÉ : RME

RME BABYFACE PRO PROFESSIONAL INTERFACE AUDIO USB 24 CANAUX AVEC TOTALMIX FX

Ma suggestion personnelle est d’opter pour l’UAD Apollo Twin, qui vous donne aussi accès à tous leurs plug-ins et à la puissance de leur CPU externe.

BUDGET ÉLEVÉ : UAD

UNIVERSAL AUDIO APLTWSII APOLLO TWIN MKII SOLO

Je trouve qu’à ce stade, investir dans un logiciel pour définir votre son et sortir du son interne de votre DAW est une bonne idée. Certaines compagnies que j’adore sont U-He avec leurs synthés étonnants comme Diva, Bazille ou le compresseur Presswork. Je suis aussi sur la liste de diffusion de Plugin Boutique pour obtenir des rabais quotidiens sur les logiciels. Non seulement j’apprends ce qui existe, mais il devient alors possible d’obtenir des rabais pour les plug-ins sur lesquels j’ai eu l’œil. Suivre KVRAudio est aussi une habitude essentielle.

KIT NIVEAU 4 : LE BUNDLE SÉRIEUX

Votre niveau de connaissance : Vous devenez très sérieux et voulez être semi-professionnel.

Inclus : Logiciels/plug-ins supplémentaires, équipement et amélioration du studio.

À ce stade, vous avez organisé votre studio et tous les éléments essentiels sont couverts. Habituellement, c’est là que vous vous sentirez prêt à investir dans des synthétiseurs modulaires, des synthétiseurs, des effets externes et à peaufiner ce que vous avez déjà. Avant toute chose, je vous suggère de vous assurer d’avoir quelque chose pour couvrir les basses fréquences. Si vous avez des voisins et que vous voulez toujours de bonnes relations avec eux, j’opterais pour un Subpac :

BASSES ET SUBWOOFERS

SUBPAC M2X WEARABLE PHYSICAL AUDIO SYSTEM

Cette chose m’a vraiment été utile à la maison et m’a aidé à obtenir des mixs plus précis. Il existe cette version portable, mais aussi une version moins chère pour votre dos lorsque vous êtes assis sur une chaise. C’est une pièce d’équipement qui vous donne l’impression physique d’avoir un subwoofer. Si vous pouvez obtenir un sub, c’est encore mieux. Je peux en recommander beaucoup, mais habituellement quelque chose comme le Yamaha HS8s Studio Subwoofer fera l’affaire pour la maison ou pour un petit studio.

Assurer les basses fréquences est vraiment une partie importante de la musique, et vous ne pouvez y arriver qu’en étant capable d’entendre ce qui se passe là en bas. Pour l’ajuster, vous n’aurez pas vraiment besoin de l’entendre autant que de le sentir, ce que le Subpac fait aussi.

SYNTHÉTISEURS

Pour ce qui est des synthés, il y en a beaucoup d’excellents. Si vous pouvez vous rendre dans un magasin pour en faire l’essai en personne, je vous recommande de le faire. Je peux expliquer dans mes propres mots les détails techniques des sons que chaque synthétiseur peut produire, mais tester un synthétiseur est la meilleure chose à faire, pour savoir s’il s’adaptera vraiment à ce que vous faites. Je pense qu’à mon avis, lorsque vous aurez un synthétiseur, il deviendra un élément important de votre identité artistique. Je vais énumérer quelques-uns de mes préférés, basé sur différentes branches et esthétiques : Roland, Korg, Moog, Elektron.

ASTUCE : Cherchez toujours des démos de synthés sur YouTube pour voir comment ils sonnent !

ROLAND : ESTHÉTIQUE — SON CLASSIQUE

Pilier du monde de la musique électronique, Roland en a fondamentalement façonné ses débuts avec les boîtes à rythmes et le TB-303, source des tonalités acides originales ou encore le Juno qui a façonné la Trance/Deep Techno. Après avoir été silencieux pendant des années, Roland est revenu en force, déployant des produits super solides tels que le Roland Aira TR-8 Rhythm Performer pour la 808, fortement recommandé si vous voulez des kicks classiques. Le son est très classique, propre et efficace. Je recommande le Roland GAIA SH-01 Synthesizer qui a fait un grand retour dans de nombreux genres au cours des dernières années et qui est loin d’être dépassé.

KORG : ESTHÉTIQUE — AVANT-GARDISTE, MODERNE, PROPRE ET CHALEUREUX.

Abordons les bases de Korg comme je connais certains d’entre eux. Le favori pour le moment est certainement le Synthétiseur Analogique Semi-modulaire Korg MS-20 Mini qui est un bon compromis de synthétiseur analogique grâce à ses options de patching. Il peut sembler très moderne et expérimental, mais il peut aussi faire penser à la science-fiction des années 50. Il demande un peu de temps d’apprentissage, mais l’investissement est très gratifiant une fois que vous plongez dedans. Très imprévisible à certains moments, il peut fournir de nombreuses idées remarquables.

Un autre est le Korg Minilogue 4-Voice Polyphonic Analog Synth un synthé super cool qui sonne très propre et moderne. Il est capable de faire des basses précises aussi bien que des pads flous et chauds. Excellent pour la techno.
Il y a aussi une version moins chère. Enfin, super utile et amusante : la série Volca. Il y a un joli petit synthétiseur FM dans cette série — un copain très puissant qui peut fournir des sons vraiment chauds.

MOOG : ESTHÉTIQUE — GRAS, ROND, SON ELECTRO, VINTAGE ET RUGUEUX

Moog est un incontournable pour son nom et l’héritage qu’il a laissé au fil des ans dans tant de chansons que nous avons tous entendues. Les basses grasses et sales proviennent souvent de Moogs et les mélodies audacieuses sont une marque de commerce. Si vous voulez plonger votre orteil dans le monde modulaire, le Mother est une excellente machine à acquérir. Ses sons sont vraiment, vraiment chauds et épais et le patching board est bien conçu pour que vous puissiez commencer intuitivement. Le Moog Sub Phatty est un autre favori de beaucoup pour le nom qu’il porte, et pour ce que vous obtenez en retour. Le Moog Minitaur Bass Synthesizer est une autre bête qui peut produire des sons extrêmement puissants, basses, kicks et leads.

ELEKTRON : ESTHÉTIQUE – TECHNO BERLIN, MUSIQUE DANCE MODERNE ET UNDERGROUND.

Cette société est actuellement le leader préféré des studios. C’est la définition d’un grand nombre des titres techno actuels qui sortent. Le principal badass ici est l’Elektron Digitakt. Il y a deux choses qui définissent le succès de ce monstre : il sonne bien et l’intégration avec Ableton/DAWs en fait un compagnon de bureau idéal. Si vous avez le budget, vous pouvez également obtenir le Elektron Analog Keys qui est une autre brute. Des possibilités folles sur celui-ci et des ressources pour faire à peu près tout ce que vous voulez.

Notre première retraite musicale

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L’idée de retraite musicale est venue d’une discussion avec mon ami Fred au sujet de la nécessité de fuir la ville avec d’autres producteurs de musique pour passer un week-end à faire de la musique. Je veux dire, être à la campagne, être avec des amis, puis être capable de faire de la musique semble être une recette pour quelque chose de très spécial, n’est-ce pas ? Eh bien, depuis que je suis rentré de notre retraite, je ne peux que dire que c’était au-delà de toutes mes attentes, et je crois que cela pourrait même valoir la peine d’être répété sur une base régulière.

Lorsque j’ai affiché pour la première fois mes intentions d’organiser une retraite musicale sur Facebook, j’ai été ébloui par la réaction et l’enthousiasme qu’elle a suscité. Je pense que l’excitation d’une retraite vient d’un besoin d’être avec d’autres personnes qui partagent la même passion, mais aussi d’être dans un contexte où nous pouvons nous connecter à ce sujet.

Nous avons finalement eu 13 participants (note : nous avions même des gens de France qui voulaient venir, mais nous n’avons pas affiché les dates assez tôt pour qu’ils puissent s’y préparer) et nous avons trouvé un beau manoir à l’extérieur de Montréal avec vue sur des champs et des collines comme lieu pour la retraite. Le cadre était parfait. Fred a organisé deux studios séparés et nous avions beaucoup d’espace travailler sur nos ordinateurs portables et entrer dans notre bulle.

J’avais prévu de faire quelques ateliers, mais après avoir discuté et décidé du plan pour le week-end, nous ne voulions pas vraiment suivre une structure. Cette première expérience déterminerait nos besoins et la façon de faire face à tout ce qui se passe.

Ce qui en est ressorti était de la magie pure !

Imaginez être dans une pièce où tout le monde fait de la musique, a de l’équipement et se concentre sur sa propre musique, où vous pouvez montrer aux autres ce sur quoi vous travaillez pour obtenir du feedback, pour obtenir des réponses aux questions que vous vous posez concernant les problèmes techniques, pour observer le flux de travail de chacun et l’utilisation des plug-ins… C’était vraiment comme si un besoin était satisfait par tout le monde présent : faire partie d’une communauté, obtenir une validation instantanée et une expérience dans un environnement créatif.

Nous avons échangé Soundcloud et Facebook contre de vrais contacts humains. Traîner dans des clubs pour trouver des gens qui partagent les mêmes centres d’intérêt et travailler en même temps que les autres correspond vraiment à un besoin que nous partageons tous : se connecter physiquement.

Peu importe la façon dont Internet se développe et les outils qu’il offre, il n’y a rien de mieux que la proximité physique. Même moi, je me sentais submergé par le désir de faire des sons et aussi de commenter ceux des autres ou de répondre aux questions que les gens partageaient à haute voix. C’est assez courant pour les producteurs de musique de se rencontrer dans les bars et les clubs, mais vous ne pouvez pas vraiment parler parce que le contexte est bruyant et n’est pas vraiment approprié, en plus vous ne pouvez pas vraiment partager votre configuration technologique ou la façon dont vous travaillez. Il semble qu’une retraite crée un espace approprié pour co-créer et voir le jeu de tout le monde être mis à niveau. J’ai l’impression que cela pourrait être le meilleur moyen de façonner le son d’une communauté tous ensemble.

Alors que nous nous préparons déjà à organiser d’autres retraites, nous prévoyons aussi de réunir les producteurs de musique dans des cafés, un samedi après-midi. Je pense que c’est quelque chose que nous aimerions explorer ailleurs dans le monde également.

COMMENT J’AI UTILISÉ LA RETRAITE MUSICALE POUR MON FLUX CRÉATIF.

Je voulais faire exactement ce que je fais pendant mes journées en ville, mais en me concentrant sur une courte période de temps pour voir ce qui en sortirait. Ma routine habituelle est de prendre mes générateurs de sons tels que des synthés et de jammer. Je l’ai fait de façon intensive jusqu’à samedi après-midi, puis j’ai rencontré une certaine fatigue mentale. Cela arrive habituellement à un moment et c’était assez intéressant de voir cela se produire de cette façon. Le plus cool, c’est d’être autour des gens, de parler et d’échanger sur tout ce qui vient. Je n’étais pas chez moi sur Netflix à attendre que mon énergie revienne.

Plus tard, j’ai réalisé qu’il y avait des moyens d’améliorer notre productivité pendant la retraite. Voici quelques idées que je note pour la prochaine fois, ainsi que pour vous donner quelques suggestions au cas où vous envisagez de vous lancer dans une retraite musicale :

  • Faites des samples en équipe. Comme tout le monde a des origines et des inspirations différentes, nous pourrions analyser certaines chansons pour essayer de reproduire certains sons.
  • Essayez de terminer une chanson où tout le monde est impliqué. Chaque participant pourrait utiliser un instrument et une personne recueille le tout pour le mettre en arrangement.
  • Faites appel à plusieurs personnes pour réaliser des enregistrements complexes sur le terrain, des sons et des atmosphères étranges.
  • Faire des images en convolution de différents espaces, par exemple en utilisant des microphones pour sampler les différentes pièces de l’endroit où nous nous trouvions.
  • Faire la méthode du relais en la musique, c’est-à-dire « essayer de faire le plus possible sur cette piste puis la transmettre à la personne suivante ».
  • Essayez de faire un cadavre exquis musical.

Si vous avez des suggestions à nous faire, faites-le-nous savoir, car nous planifions déjà la prochaine !

Le cycle de l’inspiration

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La plupart des gens aiment discuter de musique techniquement en termes de production, car nous nous demandons tous par où commencer et comment gérer les idées pour faire une chanson. Je lis aussi beaucoup de magazines et d’articles qui expliquent comment le cerveau perçoit la créativité, où elle commence, comment l’invoquer et la maintenir active. Cependant, même si vous connaissez les techniques pour faire de la musique, demeurer inspiré peut devenir un défi. Je bataille aussi avec l’inspiration musicale, mais j’ai quelques conseils qui fonctionnent quand on se retrouve face au syndrome de la page blanche.

COMMENT FONCTIONNE VOTRE CYCLE D’INSPIRATION?

Cette vidéo sur l’utilisation du flux (zone, flow) est étroitement liée à l’expérience de l’inspiration. Regardons les choses de plus près.

Grâce à mes lectures et à mon expérience personnelle, j’ai remarqué que l’inspiration vient et passe par un certain nombre de phases, sous forme de cycle :

  1. La stimulation et la satisfaction de l’esprit.
  2. La conceptualisation.
  3. La lutte.
  4. Libération et créativité.
  5. Achèvement du projet.
  6. Transmission, validation.
  7. Célébration.

Dans la vidéo ci-dessus, la discussion porte sur le flux qui est un état d’esprit important pour atteindre le haut niveau de créativité auquel accèdent les athlètes et les musiciens au cours d’une performance. Vous pouvez également accéder à ce niveau de créativité en faisant de la musique dans votre studio. Mais avant d’entrer dans le studio, vous avez besoin d’une idée et d’un concept. Examinons les phases du cycle d’inspiration musicale que j’ai décrit ci-dessus :

LA STIMULATION ET LA SATISFACTION DE L’ESPRIT

Pour résumer cette phase, pensez à tomber amoureux de quelque chose. Pour l’écrivain, c’est un livre ou une description de scène. Le photographe s’enthousiasme pour un paysage, le jardinier, pour les arbres parfaits, et pour le musicien ce sont les sons et les chansons. Cette stimulation peut se produire n’importe où et à n’importe quel moment : dans votre voiture par exemple, ou dans de nombreux cas, lors d’une « célébration » d’une sorte ou d’une autre. Le cycle devient évident ici, parce que la dernière phase est la célébration de l’accomplissement de votre travail, mais cette phase peut aussi relancer le cycle et correspond à la première phase de stimulation.

Par exemple, beaucoup de gens pensent qu’ils veulent devenir DJ après une soirée spéciale dans un club. C’est un exemple de stimulation musicale qui donne le coup d’envoi du cycle de l’inspiration. Les gens aiment aussi célébrer l’art, à la recherche d’une sorte de nouvelle stimulation de l’esprit, être inspirés pour créer.

Décrivant son processus créatif, Mozart observe : « Je garde les idées qui me plaisent en mémoire, et comme on a pu me le dire, j’ai l’habitude de les fredonner. Si je continue de cette façon, écrit-il, il me vient bientôt à l’esprit comment je peux rendre compte de ceci ou de cela pour en faire quelque chose de bon… Tout cela met le feu à mon âme » (Harding, ).

L’esprit se sentira satisfait par certaines choses qui l’inspireront à rassembler différents éléments dans une collection qui mènera à la création d’un concept.

Conseil : Avant d’investir et de vous plonger dans la production, essayez de créer une collection de musique personnelle qui vous touche. Il peut s’agir d’une liste de lecture privée sur YouTube, Spotify ou Soundcloud, par exemple. Plus votre collection est riche, plus vous aurez de sources d’inspiration potentielles.

CONCEPTUALISATION

Comprendre votre concept est la clé ici, il s’agit de mettre en mots ce que vous avez en tête. Le syndrome de la page blanche en musique électronique est de faire face à des options illimitées, ce qui peut brider la créativité. Les idées et les concepts vous aident à vous encadrer et à créer vos sons dans une palette qui correspond à votre idée. Par exemple, le fait de savoir que vous voulez faire du « banging techno » vous donne déjà une direction quant à ce que vous allez faire. Le défi dans ce cas particulier serait de vous instruire et de comprendre comment les sons complexes sont enregistrés ainsi que d’autres détails techniques. La conceptualisation mène à la phase suivante qui est la lutte, une partie inévitable du processus créatif nécessaire à l’application de votre concept.

Je trouve qu’il y a deux choses principales qui aident à la conceptualisation :

  • Trouver un équivalent concret dans la vie réelle de votre vision, par exemple des chansons qui contiennent votre idée ou une partie de celle-ci.
  • Trouver des ressources pour vous aider à comprendre ce qu’est réellement votre idée.

Plus votre idée ou concept initial est clair, mieux vous pouvez l’expliquer. De là, vous pouvez trouver quelqu’un qui a l’expérience ou les outils pour vous aider à y arriver si nécessaire.

Conseil : L’utilisation de mémos vocaux pour enregistrer quelque chose que vous entendez ou pour vous laisser des notes est une pratique très utile. Si vous pouvez investir dans un microphone pour essayer de reproduire des sons avec votre bouche ou des objets trouvés, cette technique peut donner des résultats très intéressants.

LA LUTTE (Struggle)

La lutte est la phase dans laquelle beaucoup de gens ont l’impression qu’ils veulent arrêter de faire de la musique et même vendre tout le matériel qu’ils ont dans les cas extrêmes. Peut-être avez-vous déjà vécu cette lutte (elle peut se manifester de plusieurs façons), mais la meilleure approche pour gérer efficacement une lutte est de modérer ce que vous aimez faire, en réduisant le temps ou les efforts que vous consacrez à l’élaboration de votre concept.

Par exemple, au lieu d’être en studio pendant quatre heures, pourquoi ne pas en passer qu’une seule ? Que diriez-vous d’aller vous promener quand surviennent des idées négatives ? Il n’y a pas de précipitation à faire de la musique.

J’ai vu tant d’artistes rester bloqués dans cette phase en étant victimes d’abus de substances, ce qui est de loin la façon la plus risquée pour faire face au blocage de la page blanche. Si vous avez besoin d’une substance pour vous rendre créatif, vous en deviendrez rapidement dépendant.

Conseil : Ma drogue, c’est d’aller courir.

RLA LIBÉRATION ET LA CRÉATIVITÉ

Cette phase correspond au moment où vous criez : « Eurêka ! » Tous les détails techniques se mettent en place et vous pouvez vous exprimer entièrement. J’ai eu ce moment avec deux albums que j’ai fait, Tones Of Void et White Raven. Cependant, pour d’autres albums, j’ai travaillé sans relâche pour trouver un rythme qui me donne l’impression d’être inarrêtable. Je finissais les chansons en une journée, ce qui me prenait normalement des mois. Trouvez une recette, un patch, une série d’effets qui vous donnent des ailes pour transformer n’importe quoi dans le son que vous recherchez.

Pour moi, le moment « Eurêka » est facile à percevoir sur Tones Of Void. J’avais trouvé la série d’effets que j’aimais et je parcourais ma bibliothèque, puis j’ai facilement pu transformer 1-2 sons en une chanson complète. Je l’enregistrais en live, j’effectuais des modifications mineures et je me sentais entièrement satisfait de ce que j’avais. J’ai aussi vu des gens utiliser des synthés modulaires pour faire des patchs autogénératifs où les chansons s’écrivent d’elles-mêmes et c’est vraiment beau à voir.

Conseil : Cette phase n’est pas linéaire et se produit en quelques instants. Trouvez des moyens de sauvegarder vos outils et de comprendre ce qui élève votre travail.

ACHÈVEMENT DU PROJET

Beaucoup de gens ont du mal à terminer leurs projets. La vraie question est de savoir : quand est-il vraiment terminé ? Récemment, j’ai fait une liste d’éléments à vérifier pour vous donner une idée, mais vous pouvez aussi vous donner certains critères. J’aime l’idée que quelque chose n’est jamais vraiment terminé, et cela fait partie de son charme. Savoir que le prochain projet sera meilleur est une façon de laisser tomber tout ce qui a été révisé trop souvent.

Une fois que vous pouvez sauvegarder votre fichier et être satisfait, faites un back-up et cette phase est simplement terminée.

TRANSMISSION, VALIDATION ET CÉLÉBRATION

Vous savez quand vous aimez tant votre chanson que vous voulez la partager avec le monde entier ? C’est de cela qu’il s’agit dans la phase de célébration dont j’ai parlé tout à l’heure. Nous voulons que notre travail soit validé, mais il y a une partie de nous-mêmes qui veut aussi transmettre nos idées aux autres. Cela crée le désir de faire une « célébration » et de donner de l’inspiration musicale à d’autres.
Il y a cependant des gens qui craignent de partager leur musique. Ce n’est un secret pour personne que la plupart des musiciens recherchent l’approbation de leur communauté et la musique est un moyen de le faire. Ce qui empêche certaines personnes de partager leur travail avec d’autres, c’est la peur d’être critiqué. Cependant, la transmission et la validation sont nécessaires pour passer à « la célébration », qui est la fin d’un cycle, mais aussi le début d’un autre.

J’adorerais entendre vos histoires sur votre inspiration. Partagez, s’il vous plaît !