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Transformer l’efficacité en art avec les modèles Ableton

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Tout musicien, quel que soit son niveau d’expérience, a déjà ressenti l’excitation d’une inspiration soudaine. C’est une sensation éthérée, qui exige une traduction immédiate dans la réalité audible. Pourtant, combien de fois nous retrouvons-nous à naviguer à partir de zéro dans notre station de travail audio numérique (Digital Audio Workstation, DAW), luttant pour mettre en place les éléments de base alors que tout ce que nous voulons, c’est créer?

C’est là que la puissance des modèles dans les DAW comme Ableton Live devient évidente.

Si vous n’avez pas encore commencé à utiliser des modèles, j’aimerais vous encourager à les intégrer dans votre routine. Au début, cela peut être difficile à maîtriser, mais avec un peu de pratique, cette routine portera ses fruits.

 

Qu’est-ce qu’un modèle (si vous ne savez pas)?

Il s’agit d’un projet avec ou sans matériel, qui peut être utilisé comme point de départ. Au lieu de commencer par un nouveau projet, qui représenterait 0 % sur une échelle de travail de 100 %, un modèle représenterait plutôt 10 % ou même 40 % du morceau de musique achevé. Cela peut prêter à confusion, car 40% de réalisation signifie généralement qu’il y a beaucoup de matériel dans un projet. Cependant, lorsque tout est bien organisé, vous êtes bien plus avancé que vous ne l’imaginez.

Création d’un modèle Ableton

Pour créer un modèle, il suffit d’ouvrir un projet, d’aller dans le menu Fichier et de sélectionner « Sauvegarder Set Live comme modèle ».

Cela vous permettra d’utiliser votre projet terminé comme point de départ pour de nouveaux projets, ce qui accélérera considérablement le processus et vous permettra d’obtenir un son cohérent.

Deux manières d’organiser un modèle Ableton :

Les deux façons dont j’organise habituellement un modèle consistent à créer un projet dans lequel j’organise à l’avance tout ce dont j’ai besoin, comme des canaux avec des plugins et des paramètres déjà réglés sur ce que je fais habituellement, des macros, des pistes de retour et un bus Master prêt à l’emploi. Une fois tout cela préparé, je l’enregistre en tant que modèle.

L’autre méthode consiste à prendre un projet réussi, à supprimer tous les clips, l’audio et l’automatisation, puis à l’enregistrer en tant que modèle.

Toutefois, il ne s’agit pas d’une science exacte. Il est également amusant de sauvegarder des projets avec des automatisations ou d’autres paramètres bizarres et de les sauvegarder en tant que modèle, comme l’a inspiré le Manifeste de Matthew Herbert.

Nouveau départ ou démarrage rapide avec les modèles d’Ableton

 

Il y a des avantages et des inconvénients à repartir à zéro ou à démarrer un projet avec un modèle.

De nombreux musiciens recommencent à zéro à chaque fois, peut-être parce qu’ils ne connaissent pas l’idée d’utiliser des modèles ou peut-être parce qu’ils savent tout simplement comment faire. Le fait de repartir à zéro leur permet de s’exercer, de se familiariser avec leurs outils informatiques et d’adopter une approche personnalisée pour chaque projet. Mais il y a un revers à la médaille : cela prend du temps.

Imaginez que vous soyez peintre et que vous deviez fabriquer votre pinceau chaque fois que vous avez envie de peindre. S’il est essentiel de bien connaître ses outils, il est tout aussi crucial d’être prêt lorsque l’inspiration vient à manquer.

La solution? Trouver un équilibre.

N’hésitez pas à repartir à zéro lorsque la situation le permet. Mais armez-vous également de modèles pour accélérer le processus si nécessaire.

Idée de modèle : Créez un projet dans lequel vous ajoutez plusieurs canaux midi, chacun étant équipé de vos synthétiseurs préférés. Pour chaque synthé, appuyez sur cmd+G pour le transformer en macro (groupe) et affectez vos paramètres de synthé préférés à chaque bouton. Cela facilitera la prise en main de l’outil ou permettra d’utiliser la fonction « randomize » (aléatoire) pour trouver une nouvelle inspiration.

CONSEIL : Je vous encourage à vous procurer cette sélection de modulateurs gratuits nommée Mod Squad 2. Il contient de nombreux outils utiles et essentiels à ajouter à votre modèle.

 

Modèles Ableton : Plus qu’un simple raccourci

 

À première vue, un modèle peut sembler n’être qu’un préréglage, un moyen de gagner du temps. Mais il n’y a pas de problème avec les préréglages et croyez-moi, ce n’est pas de la triche!

Les modèles permettent certes de gagner du temps, mais c’est bien plus que cela. Considérez un modèle comme un ami musicien, toujours prêt à jammer quand vous l’êtes. Avec les modèles, vous pouvez :

  • Créer des macros : La création de macros que vous utilisez fréquemment vous permet d’accéder immédiatement à vos paramètres et commandes préférés.
  • Organiser le routage : Les configurations de routage avancées, une fois définies, peuvent être facilement reproduites dans les différents projets.
  • Former des groupes : Le regroupement de pistes ou d’instruments qui vont souvent ensemble permet de gagner du temps et d’avoir une vision plus claire de votre projet.
  • Effets et plugins prédéfinis : Le fait d’avoir vos effets et plugins préférés déjà chargés vous permet de vous plonger directement dans le réglage des sons.

Idée de modèle Ableton : Créez votre propre modèle de mixage en créant 5 groupes qui accueilleront les canaux de votre projet. Vous pouvez ensuite les faire glisser et les déposer dans chaque groupe. Ceux-ci peuvent contenir plusieurs plugins de votre choix. Vous pouvez même créer un modèle de mixage avec plusieurs préréglages de canaux, puis les faire glisser et les déposer à partir de votre navigateur.

L’art d’élaborer des modèles Abelton

Il ne s’agit pas seulement d’avoir des modèles, mais d’avoir des modèles efficaces. Un modèle idéal doit inspirer la créativité, et non l’entraver. Voici comment :

  • Différents modèles pour différents besoins : Au lieu d’adopter une approche unique, envisagez plusieurs modèles pour différents objectifs : mixage, conception sonore, production, voire un modèle complet, comme mon concept de « vaisseau mère« .
  • Incorporer des éléments de modulation : Ajoutez des outils de modulation préconfigurés qui réagissent et interagissent avec ce que vous introduisez. Des outils tels que les suiveurs d’enveloppe ou les scrubbers audio, comme ceux proposés par Manifest Audio, peuvent détecter et moduler automatiquement les sons, ajoutant ainsi de la profondeur et de la dynamique à votre musique.
  • Pensez soutien, pas remplacement : Un modèle ne doit jamais donner l’impression de diriger votre musique. Au contraire, il doit être perçu comme une base sur laquelle vous pouvez vous appuyer. Les meilleurs modèles renforcent la créativité et ne la limitent pas.

Quand les modèles Ableton brillent réellement

Le véritable test de l’efficacité d’un modèle réside dans sa capacité à stimuler la créativité. Si l’utilisation d’un modèle vous donne l’impression d’avoir amené une paire de mains supplémentaire dans votre studio, aidant et élevant votre musique, alors vous avez trouvé le bon filon. Il ne s’agit pas de remplacer le processus organique de création musicale, mais de disposer d’outils qui le rationalisent.

Dans le monde de la production musicale numérique, où le paysage est vaste et les outils nombreux, les modèles apparaissent comme un vecteur d’efficacité. Il ne s’agit pas seulement d’accélérer le processus, mais de renforcer l’essence même de la créativité. Ils garantissent que, lorsque l’inspiration vous prend, vous êtes non seulement prêt, mais aussi équipé pour laisser libre cours à vos idées. Adoptez la puissance des modèles et voyez votre processus de production musicale passer de la simple création à l’art pur.

 

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Le bruit en musique

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Dans le domaine de la production musicale numérique, il existe un concept fondamental connu sous le nom de « Noise floor » ou bruit de fond. Il représente le niveau de bruit de fond présent dans tout système audio ou environnement d’enregistrement. Il est intéressant de noter que notre monde n’est jamais totalement silencieux. Il y a toujours un doux bourdonnement de bruit ambiant qui nous entoure. L’ouïe humaine a évolué pour apprécier ces bruits subtils et s’en accommoder, ce qui fait d’eux une partie intégrante de notre vie quotidienne.

 

Si vous enregistrez des sons dans la rue avec votre téléphone ou un appareil portable, vous entendrez ce bruit blanc doux en arrière-plan. En écoutant l’enregistrement par la suite, on retrouve cette réalité avec une couverture de bruit qui nous est familière. Tout au long de l’histoire de l’enregistrement musical, le bruit a varié en fonction de l’époque et du support. Si vous avez grandi avec un certain son, il se peut que vous y associiez un bruit typique.

 

Le bruit dans la musique peut être nostalgique.

 

Sans oublier que certaines personnes aiment dormir avec du bruit en arrière-plan, car cela bloque les sons extérieurs. Dans le cas du TDAH, certains bruits (comme le bruit brun) peuvent aider à se concentrer.

 

Le concept de bruit trouve une application captivante dans le monde des synthétiseurs modulaires. Les synthétiseurs modulaires offrent un terrain de jeu aux possibilités infinies, où les musiciens et les concepteurs sonores peuvent manipuler et exploiter différents types de bruits pour créer des paysages musicaux époustouflants. Dans cet article de blogue, nous allons parcourir le monde du bruit dans les synthétiseurs modulaires, en explorant les différents types de bruit disponibles et les possibilités créatives qu’ils offrent.

 

Le bruit blanc – Une fondation sifflante :

 

Le bruit blanc, qui ressemble à un léger sifflement, est l’un des types de bruit les plus courants dans les synthétiseurs modulaires. Il se caractérise par une amplitude constante sur toutes les fréquences de la gamme audible. L’intégration de bruits blancs dans vos patchs peut offrir des possibilités intéressantes. En guise d’exercice, branchez un générateur de bruit blanc pour déclencher une enveloppe et utilisez-la pour créer des rafales rythmiques de bruit à intervalles irréguliers. Cette technique peut produire des éléments percussifs et glitchy dans votre musique, ajoutant une touche aléatoire à vos compositions.

 

J’aime aussi introduire un bruit blanc en fond sonore, légèrement filtré, pour créer un sentiment de proximité. C’est difficile à expliquer, mais parfois les clients ont l’impression que leur musique est vide et veulent tout noyer dans la réverbération. L’ajout d’un bruit blanc est une bonne alternative, car la réverbération peut également poser divers problèmes de mixage.

 

Le bruit rose – Une alternative plus douce :

 

Le bruit rose, également connu sous le nom de bruit 1/f, se caractérise par une énergie égale dans chaque octave. Contrairement au bruit blanc, le bruit rose contient davantage d’énergie dans les basses fréquences, ce qui donne un son plus chaud et plus doux. Pour explorer le bruit rose, connectez-le à un module de filtrage et utilisez une enveloppe ou un LFO pour parcourir la fréquence de cutoff du filtre. Cet exercice vous aidera à comprendre comment le bruit rose peut ajouter de la profondeur et du caractère à vos sons, en particulier dans les balayages de filtre et les textures ambiantes.

 

Il existe également diverses théories sur le mixage et le bruit. Certaines personnes mettent un bruit rose en arrière-plan et font leur mixage par dessus. L’idée est de mixer chaque piste avec le bruit et lorsque vous commencez à l’entendre, vous savez qu’elle est nivelée de manière égale (puisque le bruit rose a une gamme complète). Je ne suis pas très favorable à cette approche, mais il peut être utile de l’essayer.

 

Bruit gaussien – Émulation de sons naturels :

 

Le bruit gaussien, également connu sous le nom de bruit de distribution normale, présente une distribution d’amplitude en forme de cloche, imitant les sons naturels que l’on trouve dans notre environnement. Il est particulièrement utile pour simuler les sons du vent ou de l’eau. Expérimentez ce type de bruit en l’utilisant dans un module « sample and hold » pour générer des tensions aléatoires. Ensuite, affectez les tensions aléatoires à divers paramètres de votre système modulaire, tels que la hauteur de l’oscillateur ou le cutoff du filtre. Cet exercice démontrera comment le bruit gaussien peut ajouter une touche organique à vos patchs.

 

Tous les bruits passés dans un quantificateur offriront des mélodies aléatoires. Une technique pour générer des mélodies aléatoires consiste à envoyer du bruit à travers un « sample and hold », puis à déclencher un moment où la note doit être jouée. Le « sample and hold » prélève une note dans le bruit, que vous pouvez ensuite faire passer par un quantificateur pour vous assurer qu’elle est bien sur une gamme. Le résultat est musical.

 

 

 

Bruit numérique – Possibilités infinies

Dans le contexte des synthétiseurs modulaires, le bruit numérique fait référence à la génération de bruit à l’aide d’algorithmes et de processus numériques, par opposition au bruit analogique généré par des circuits analogiques. Le terme « possibilités infinies » fait référence à la vaste gamme de sons créatifs et non conventionnels que les sources de bruit numériques peuvent produire. Contrairement aux sources de bruit analogiques traditionnelles telles que le bruit blanc ou rose, le bruit numérique permet une manipulation et une sculpture approfondies, ce qui donne lieu à des textures uniques et expérimentales.

Les générateurs de bruit numériques des synthétiseurs modulaires fournissent souvent différents types d’algorithmes de bruit qui peuvent émuler des phénomènes naturels ou chaotiques, simuler des sons environnementaux ou créer des paysages sonores entièrement nouveaux. Voici quelques exemples de ce que le bruit numérique peut offrir :

  • Bruit granulaire : La synthèse granulaire est une technique dans laquelle le son est décomposé en minuscules grains, qui peuvent être réarrangés et manipulés de manière aléatoire. Les sources de bruit numériques peuvent mettre en œuvre des algorithmes de synthèse granulaire, produisant une vaste gamme de bruits à base de grains qui peuvent aller des textures glitchy aux pads éthérés.
  • Algorithmes de bruit personnalisés : Certains modules de bruit numérique permettent aux utilisateurs de télécharger ou de créer des algorithmes personnalisés. Cette fonction permet aux concepteurs sonores de créer des bruits aux caractéristiques spécifiques, ouvrant ainsi la voie à des paysages sonores entièrement nouveaux qui repoussent les limites de la synthèse conventionnelle.
  • Bruit samplé : Les sources de bruit numériques peuvent incorporer des enregistrements de bruits samplés, ce qui permet de recréer des sons environnementaux réels, des machines ou d’autres textures intéressantes. Ces sources de bruit échantillonnées peuvent être combinées de manière créative avec d’autres éléments de la configuration modulaire pour créer des expériences sonores évocatrices et immersives.
  • Modificateurs de bruit : Les modules de bruit numériques sont souvent accompagnés de divers modificateurs et options de traitement. Il peut s’agir de la forme d’onde, du filtrage, de la modulation d’amplitude, etc., ce qui vous donne les moyens de sculpter le bruit numérique de manière unique et de l’adapter à votre vision artistique.
  • Algorithmes aléatoires : Certaines sources de bruit numériques sont dotées d’algorithmes qui introduisent un certain degré aléatoire dans la génération du son. Cette nature stochastique peut conduire à des textures imprévisibles et évolutives, qui peuvent ajouter un élément de surprise et d’excitation à vos patchs.

En expérimentant le bruit numérique dans les synthétiseurs modulaires, vous découvrirez un large éventail de possibilités créatives. Que vous cherchiez à créer des paysages sonores atmosphériques, des textures expérimentales ou des éléments de percussion uniques, les sources de bruit numériques offrent un terrain de jeu propice à l’exploration sonore. La possibilité de personnaliser et de manipuler les algorithmes de bruit dans le domaine numérique vous donne un contrôle inégalé sur les sons que vous générez, ce qui fait du bruit numérique un outil puissant et indispensable pour une conception sonore innovante.

 

Le bruit comme source de modulation – Ajouter de la vie à vos patchs

 

Le bruit peut être une source de modulation polyvalente dans les synthétiseurs modulaires. Utilisez une source de bruit pour moduler des paramètres tels que la hauteur de l’oscillateur, le cutoff du filtre ou l’amplitude du LFO. Ajustez la quantité de modulation pour comprendre comment le bruit affecte le timbre et le mouvement de votre son. Cet exercice démontrera comment le bruit en tant que source de modulation peut introduire de la dynamique et de l’imprévisibilité dans vos patchs, leur donnant ainsi vie.

Ce n’est malheureusement pas quelque chose que l’on peut faire avec Ableton Live, et c’est pourquoi la conception sonore dans des contextes modulaires ouvre de nouvelles options qui sont complémentaires à Live.

 

Percussion à base de bruit – Sons de batterie non conventionnels

 

Créez des sons de percussion uniques et non conventionnels en utilisant des sources de bruit pour déclencher des enveloppes qui contrôlent des VCA ou d’autres générateurs de sons. Cet exercice vous aidera à créer des sons de snare, des hats et d’autres éléments percussifs ayant un caractère distinctif, ce qui permettra à vos compositions de se démarquer des kits de batterie traditionnels. À partir d’un bruit rose, vous pouvez facilement créer des percussions en couvrant toutes les octaves. Si vous l’associez à un ou deux filtres, vous obtiendrez des résultats très puissants.

 

Le bruit dans les boucles de feedback – Chaos et créativité

Créer des boucles de feedback impliquant des sources de bruit et différents modules. En ajustant le gain et le routage du feedback, vous pouvez explorer des sons chaotiques et imprévisibles. Soyez prudent avec les niveaux de volume pour éviter d’endommager vos haut-parleurs ou votre ouïe. Cet exercice stimulera votre créativité et vous incitera à repousser les limites de l’exploration sonore.

  1. Boucles de feedback dans la synthèse modulaire : Dans un synthétiseur modulaire, les boucles de feedback se produisent lorsque la sortie d’un module est renvoyée vers sa propre entrée. Cette configuration crée une boucle auto-alimentée où la sortie renvoie continuellement à l’entrée, générant une réaction en chaîne du son. Les boucles de feedback sont connues pour leur capacité à générer des sons uniques et évolutifs, souvent caractérisés par l’automodulation, les harmoniques et la complexité sonore.
  2. Bruit dans les boucles de feedback – Oscillation imprévisible : L’introduction de sources de bruit dans les boucles de feedback peut entraîner un comportement chaotique et imprévisible. Lorsque du bruit est introduit dans la boucle, il injecte des variations aléatoires dans la chaîne du signal. En interagissant avec d’autres éléments de la boucle, le bruit produit des motifs complexes d’oscillation et de modulation. Cela génère un paysage sonore en constante évolution, avec un éventail de textures et de tonalités dynamiques.
  3. Exploiter le chaos – La musicalité à partir du désordre : Si le bruit des boucles de feedback peut sembler désordonné, les concepteurs sonores et les musiciens compétents peuvent trouver de la musicalité dans le chaos. En ajustant soigneusement les paramètres, tels que le gain, la fréquence ou le filtrage, vous pouvez sculpter le feedback induit par le bruit pour créer des sons, des harmoniques et des rythmes musicaux. Ce processus nécessite de l’expérimentation et une compréhension intuitive de votre configuration modulaire.
  4. Modèles non répétitifs – Exploration sans fin : L’un des aspects les plus intrigants du bruit dans les boucles de feedback est la création de motifs non répétitifs. En raison de la nature chaotique du système de feedback, les sons résultants ne peuvent jamais se répéter deux fois de la même manière. Cela ouvre la porte à une exploration sans fin, où chaque patch devient un voyage sonore unique, vous permettant de découvrir de nouveaux sons et de nouvelles compositions à chaque itération.
  5. Patchs à évolution sonore : Le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des patchs évolutifs sur le plan sonore, qui se transforment au fil du temps. Ces patchs s’apparentent à des organismes vivants, qui changent et s’adaptent en permanence. En laissant vos patchs fonctionner et évoluer, vous pouvez faire des découvertes sonores inattendues et inspirantes qui peuvent servir de base à vos compositions musicales.
  6. Création de textures et de paysages sonores : Au-delà des tonalités musicales, le bruit dans les boucles de feedback est un excellent outil pour générer des textures sonores riches et des paysages sonores atmosphériques. En réglant les paramètres de feedback et en manipulant la source de bruit, vous pouvez créer des environnements sonores immersifs qui ajoutent de la profondeur et de la complexité à votre musique.
  7. Précautions et limites : Si le bruit dans les boucles de feedback peut conduire à des résultats intéressants, il est essentiel d’être conscient des pièges potentiels. Un feedback excessif ou des réglages de gain élevés peuvent entraîner des sons incontrôlables et écrasants susceptibles d’endommager les haut-parleurs ou de gêner les auditeurs. Il est conseillé d’aborder le patching du feedback avec prudence et d’augmenter progressivement les paramètres afin d’explorer les limites sonores en toute sécurité.

 

Dans le monde des synthés modulaires, le bruit est un élément captivant qui ajoute de la profondeur, de la complexité et une touche d’imprévisibilité à vos compositions. Des éclats rythmiques du bruit blanc aux textures chaudes du bruit rose, en passant par les possibilités expérimentales du bruit numérique, chaque type de bruit constitue un outil puissant pour la conception sonore et l’expression artistique. Adoptez le bruit dans vos patchs de synthétiseur modulaire et laissez-le vous emmener dans une aventure sonore où la créativité n’a pas de limites. N’oubliez pas que dans un monde qui n’est jamais vraiment silencieux, le bruit est la clé qui vous permet de libérer votre voix musicale unique.

 

Références de clients et exercices

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Quand il s’agit de faire de la musique ou de mixer, il faut bien commencer quelque part et s’inspirer des autres est souvent un bon moyen de démarrer. Il y a beaucoup d’idées reçues sur la manière d’utiliser les références. J’ai déjà abordé ce sujet dans un article précédent, mais j’ai décidé d’approfondir la question.

 

Bien qu’il n’y ait pas de bonne ou de mauvaise façon d’utiliser les références, je les utilise souvent pour une seule chose. Il peut s’agir d’un son qui m’intrigue, d’un type de séquence, d’un rythme ou d’un concept qui chatouille mon cerveau et l’incite à essayer de le reproduire. Si je peux la plupart du temps comprendre ce qui se passe, cela ne veut pas dire que je peux le reproduire tel quel. Certains clients que j’accompagne sont devenus très doués pour reproduire ce qu’ils entendent, parfois avec mon aide ou non.

 

Mais l’idée est d’essayer quelque chose et d’être ouvert à ce que cela vous apportera ensuite.

 

Bien que je produise beaucoup pour mes clients, les gens se demandent parfois ce que font les autres, quels sont les artistes à suivre, mais aussi quels sont les artistes que je suis personnellement pour ma propre inspiration.

 

Il m’arrive souvent d’avoir des clients qui commencent une idée à partir d’une référence, mais qui ont du mal à la concrétiser comme ils le souhaitent. Je donne ici quelques points à vérifier en premier lieu pour démarrer correctement (en d’autres termes, c’est là que les clients échouent).

 

Chargez votre morceau de référence dans Ableton (ou autre DAW) et mettez-le d’abord en solo pour pouvoir le comparer à votre projet. Je vous conseille de baisser le volume de votre référence car elle est peut-être masterisée alors que la vôtre ne l’est pas.

 

Il y a quelques points initiaux à prendre en considération :

 

  1. Le ton: Utilisez un analyseur FFT (SPAN de Voxengo est gratuit ou Fabfilter ProQ3) sur le master pour voir si le ton est similaire. La courbe est-elle similaire ou différente de la vôtre?

 

  1. Note fondamentale/gamme : Vous pouvez utiliser un détecteur de tonalité sur votre référence pour voir quelle est la tonalité et la gamme de base, puis vérifiez si la vôtre est bien réglée. Bien qu’il ne soit pas nécessaire d’avoir la même que votre référence, certains clients ne se rendent pas compte que leurs différents éléments ne sont pas dans la même tonalité. Cela se traduit souvent par le sentiment que la chanson n’est pas univoque ou qu’elle sonne faux. Notez que le son peut paraître un peu étrange si vous y avez été surexposé et que vous vous y êtes habitué, mais pour une paire d’oreilles fraîches, le son peut devenir gênant.

 

  1. Vitesse et rythme: Trouvez le BPM de votre référence et essayez de le faire correspondre au vôtre. Quelle est la signature rythmique.

 

Dernièrement, j’ai apprécié Decoda en tant que logiciel d’analyse complet. Vous pouvez faire tellement de choses avec, ainsi qu’extraire des mélodies en midi. Je trouve qu’il est essentiel pour travailler avec des clients exigeants.

 

Lorsqu’il s’agit des artistes les plus appréciés par mes clients, j’en ai compilé quelques-uns et je vais vous expliquer en quelques mots pourquoi ils sont appréciés.

 

Ricardo Villalobos

Ce n’est pas une surprise puisque c’est l’un de mes artistes préférés et que beaucoup de gens viennent me voir en sachant que j’ai passé des décennies à comprendre son style peu conventionnel et que je peux expliquer comment certaines de ses chansons sont faites. Qu’on l’aime ou qu’on le déteste, ce type a certainement développé sa propre personnalité en matière de production et ses compositions musicales ouvrent toujours de nouvelles voies à ce que l’on peut faire en musique.

 

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Il peut être amusant de créer des pistes super longues avec plus ou moins de structure.
  • Laisser ses chansons inachevées a un côté plus humain.
  • Combiner des sons vraiment bizarres peut fonctionner si l’on conserve certains éléments auxquels on peut se référer.
  • Il n’a pas peur de sampler des disques obscurs pour en faire l’idée principale de ses chansons.

 

Ricardo est connu pour avoir une énorme collection de synthétiseurs modulaires, mais contrairement à beaucoup de gens qui en ont beaucoup, il enregistre de nouveaux essais chaque semaine afin que vous puissiez voir le large éventail de ses outils.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

– Utilisez VCV pour comprendre la pensée modulaire qu’il utilise et randomisez certains éléments pour obtenir un brin de folie.

– Les polyrythmies sont la clé, avec une signature temporelle irrégulière. Examinez également les rythmes euclidiens.

– Ric utilise beaucoup de synthèse granulaire sur ses instruments ou synthétiseurs de percussion.

 

Vid

 

 

Il s’agit d’un autre artiste qui revient souvent en tant que référence. Les gens aiment la simplicité pourtant complexe de ses chansons. Contrairement à Villalobos, ses chansons sont assez polies et organisées.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • La techno atmosphérique est très amusante à réaliser et est à la fois excitante et méditative.
  • Les pads riches sur les enregistrements de terrain sont hypnotisants.
  • Les tons sombres donnent une impression plus mystérieuse.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Recueillir des enregistrements de terrain et des sons d’ambiance tels que ceux d’un restaurant ou d’une église.
  • Les grooves et les rythmes qui sont groovy valent la peine d’être étudiés et je recommande souvent de rechercher des boucles pré-fabriquées et de les copier. Le fait de supprimer une grande partie du sustain des percussions pour les garder courtes contribue vraiment à donner une impression de house minimale.
  • Il n’a souvent pas d’éléments brillants et le fait de garder les sons dans les basses fréquences lui confère une ambiance mystérieuse.

 

Pablo Bolivar (ou la Dub Techno)

 

Comme j’ai une longue expérience de la dub techno, on me pose beaucoup de questions sur la façon dont ces pads sont fabriqués. Si elle n’est pas forcément compliquée, elle nécessite tout de même quelques ajustements car ce qui rend les pads dub techno captivants, c’est leur côté toujours en mouvement. Cela provient de la modulation ou de l’automatisation. Pablo fait un excellent travail en sélectionnant de beaux sons, des pads et de belles mélodies luxuriantes, ce qui fait de lui une référence pour de nombreux clients.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

  • Beaucoup de classiques dub techno ont des mélodies de 1 ou 2 notes, très minimaliste. Pablo apporte des mélodies simples mais plus complexes que 2 simples notes ce qui lui confère des moments mémorables.
  • Production et mixage super propres. Rien d’inutile n’est jamais ajouté.
  • Tout comme Vid, son approche de l’ambiance dynamique permet de se détendre ou de danser.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

  • Utilisez une fondamentale avec une gamme mineure. Des accords mineurs complètent également la mélodie. La plupart de ses mélodies sont composées de 4 à 5 notes au maximum. Envisagez de faire des progressions d’accords.
  • Utilisez des enregistrements de terrain pour compléter les mélodies.
  • Les percussions sont assez simples et répétitives. Le résultat est satisfaisant.

 

J Dilla

Je ne dirais pas que quelqu’un m’a contacté pour faire de la musique exactement comme lui, mais j’ai quelques clients dans le hip hop lofi qui, à mon avis, est un dérivé de J Dilla. Il est issu de la génération MPC, où les gens échantillonnaient des disques et jouaient avec. Son album « Donuts » est considéré comme un album novateur dans le domaine du hip-hop et mérite d’être écouté.

 

Ce qu’il nous a inspiré :

 

  • Sampler de manière flagrante et faire preuve d’audace. Samplez de la musique de n’importe quelle source et utilisez-en de courtes notes, soit pour créer votre accroche, soit pour mettre l’accent sur ce qui se passe.
  • Allez à l’essentiel. Apprenez à composer des chansons de moins de 3 minutes. Un défi pour la techno mais pour la musique électronique en général, c’est un exercice qui vous oblige à aller droit au but.
  • Exagérez le swing de vos percussions. Essayez de le pousser au maximum pour voir ce qui se passe.

 

Exercices liés à l’étude de sa musique :

 

  • Comme indiqué plus haut, ces apprentissages sont aussi des choses à essayer. Mais je recommanderais de dénicher quelques disques dans un magasin d’occasion et de sampler des parties obscures.
  • Utilisez un contrôleur midi comme le PUSH ou avec des pads et essayez d’introduire manuellement vos rythmes.
  • Dans un clip, jouez avec les points de chaîne (warp) pour créer des étirements bizarres et des rythmes élastiques.
  • Découpez des rythmes et reprogrammez-les pour créer de nouveaux motifs.

 

Fred Again

Je me suis désintéressé de la musique pop il y a des années et je me suis toujours tenu à l’écart de la musique électronique commerciale. Mais Fred Again m’a impressionné par sa façon de faire de la musique et, bien sûr, par le résultat final. Le problème avec sa musique, c’est qu’il s’agit en fait de l’approche typique de n’importe quelle musique commerciale, de structure standard, et que ce qui compte ici, c’est le bon goût.

 

Cela signifie que la compréhension des progressions d’accords et le travail avec les tonalités et les gammes seront au centre des préoccupations. L’utilisation de plugins comme Captain Plugins suite fera une énorme différence à moins que vous n’ayez beaucoup de patience pour apprendre la théorie musicale.

 

Il n’y a pas de raccourci pour ce genre de musique. Mais les outils que vous pouvez utiliser vous faciliteront la tâche.

 

C’est son récent album avec Brian Eno qui m’a fait l’apprécier.

 

Daft Punk

 

J’ai suivi le duo depuis 1995 jusqu’à leur séparation. Je ne pense pas qu’il y ait eu beaucoup de groupes musicaux qui aient eu un impact aussi important avec leur carrière que ces deux-là. C’est principalement dû à leur désir d’innover, mais aussi de prendre des idées qui fonctionnent très bien et d’en tirer des idées solides pour leur donner une nouvelle tournure.

 

Dans un article précédent, je disais qu’il y a deux modes principaux lorsqu’il s’agit de travailler sur un projet : vous pouvez vouloir répéter une idée que vous aimez à partir d’une chanson ou d’un artiste, ou vous pouvez vouloir innover par rapport à ce que vous faites.

 

Les choses que j’ai apprises en travaillant avec des clients qui veulent s’inspirer d’eux consistent principalement, une fois de plus, à rechercher des samples et à jouer avec. C’est un peu ce que nous avons repris de Dilla, mais avec un rythme plus rapide et une signature temporelle en 4/4. Il fut un temps où la French Touch House/Disco faisait fureur. Cette musique consistait à utiliser un sample avec un filtrage important et l’effet classique de pompage et d’aspiration (pump/duck). Cette technique est encore utilisée de nos jours mais avec un peu plus de contrôle où on la perçoit moins.

 

Outre le filtrage, voici quelques effets notables qu’ils utilisent et que vous pouvez explorer aujourd’hui : Bit crusher, tape saturation, vocoder, chorus/phaser. Ils aiment aussi un bon kit 909.

 

Et pour finir, qui sont mes références personnelles?

 

Ada Kaleh, Gigi Masin, Jan Jelinek, Rhythm and Sound, Vladislav Delay, Ricardo Villalobos, Matt Dear, Lawrence… et bien d’autres encore.

 

Les incontournables Max For Live pour Ableton

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(Mis à jour le 23 juin 2023)

Cela fait un moment que j’ai envie de parler de mes patchs Max préférés. Il y en a tellement et parfois, certains sont simplement moyens et d’autres sont tout à fait surprenants. Comme j’accumule les outils numériques pour mon studio, j’ai pensé dresser une liste de quelques patches qui donnent l’impression de pirater le flux de production au point d’être une sorte de triche.

 

De temps en temps, je fais de la musique et chaque fois que cela me semble trop facile (cela n’arrive pas assez souvent cependant), j’ai toujours l’impression que ce n’est pas correct.

 

En coaching, j’enseigne que ce n’est jamais un problème. Je pense qu’il faut récolter des idées lorsque cela semble trop facile, car vous avez peut-être trouvé une astuce. Et si cela sonne bien, cela signifie que vous avez trouvé un moyen de vous exprimer.

 

C’est pourquoi je n’ai jamais assez d’outils qui facilitent ma créativité, mais je ne compte pas sur eux comme solution rapide pour quelque chose que je peux faire normalement. S’il existe un raccourci pour faire quelque chose qui prend beaucoup de temps et qui donne les mêmes résultats, je choisirai toujours le raccourci. La fatigue décisionnelle est un phénomène qui ruine de nombreuses séances de travail en studio, et cela s’accentue chaque fois qu’il faut résoudre un problème ou que l’on se heurte à un flux de travail compliqué.

 

En termes d’outils, j’ai établi quelques catégories et je les présente en fonction d’un besoin ou d’un problème.

 

J’aime à penser que les différents besoins liés à la musique proviennent de différentes sphères.

 

Melodies: Séquençage, construction d’accroches, pas d’harmonies, découpage/réarrangement, génération.

 

Sons: Conception, harmoniques/inharmoniques, quantifiés, enveloppes.

 

Effets: à associer à des sources sonores pour qu’il y ait des variations et des altérations.

 

Rythmes : génération, réarrangement, schémas inhabituels, schémas familiers, etc.

 

Si vous avez lu mon article sur VCV et sur le fonctionnement du cerveau et du cœur, vous avez une source centrale de séquences dans un canal et ensuite, vous avez d’autres canaux qui correspondent aux sons qui recevront le signal. C’est pourquoi je sépare mes sources et mes récepteurs. Lorsque vous cherchez de nouvelles idées, il se peut que vous ayez une bonne mélodie mais pas le bon son, ou vice versa, et vous devez donc pouvoir passer de l’un à l’autre.

 

C’est la raison pour laquelle j’aime VCV et le modulaire, car ils permettent de construire des systèmes d’outils de génération de mélodies qui envoient vers de multiples sources sonores.

 

1- Séquençage : je veux créer des rythmes différents ou trouver des modèles en dehors de mon flux habituel.

 

En matière de séquençage, il existe de multiples façons de procéder. Vous pouvez utiliser un motif de note à partir d’un clip midi si vous voulez des idées précises. Cette méthode est utile pour définir l’idée principale d’une chanson et pour avoir un contrôle direct sur le développement d’un motif. Mais lorsqu’il s’agit de générer des idées, je trouve que les step sequencers qui proposent des options aléatoires, des probabilités, des ajustements de la longueur des phrases, pour n’en citer que quelques-uns, sont très utiles. Ils transforment votre machine en créateur d’idées et vous permettent de piocher dans ce qui correspond à votre idée.

 

Les séquenceurs de batterie qui viennent en tête de liste pour moi sont XO by XLN et Atlas.. Les deux sont assez similaires, mais ils permettent l’échange de samples en contexte, ainsi que l’organisation des samples, de sorte qu’il devient vraiment facile et rapide d’échanger un son pour voir à quoi cela ressemblerait. Les deux offrent des idées complémentaires différentes, c’est pourquoi j’utilise souvent les deux, mais ils ne sont pas bon marché.

 

Sinon, si vous voulez une solution rapide, le patch MaxInstant Haus d’Alexkid est une alternative gratuite. Il créera des rythmes différents pour tous vos instruments de percussion, mais vous pouvez l’utiliser pour séquencer des notes ou échanger des éléments de percussion pour des éléments musicaux. Malheureusement, il n’y a pas de patch Max pour entendre les percussions dans leur contexte comme le fait XO. Si vous aimez celui-là, il a également créé d’autres packs qui sont assez impressionnants ici, avec d’autres idées pour générer des percussions.

 

J’ai vu ce patch ici qui est très intéressant. It is there to generate ideas so there are some nice potential.Il est là pour générer des idées, il y a donc un potentiel intéressant. Également très puissant, le Polyrhythm d’Encoder audio, l’un de mes développeurs préférés.

 

J’aime aussiEucledean Pro parce qu’il utilise l’approche euclidienne classique pour créer des rythmes.

 

Il y a peu de temps, un nouveau séquenceur Max est sorti et il s’appelle Opal. Il est fortement influencé par les machines Elektron. Il est vraiment génial et permet d’obtenir des résultats impressionnants pour la batterie, mais aussi pour les textures et même les mélodies. Puissant.

 

2 – Séquençage des mélodies : Générer des accroches, des phrases et des idées musicales

 

Il existe de nombreuses façons de créer une accroche. Vous pouvez utiliser l’échantillonnage/sampling (nous y reviendrons plus tard), jouer des mélodies, extraire des mélodies, combiner des sons pour créer quelque chose d’accrocheur, enregistrer des instruments ou des sons… Tout cela couvre à peu près les principales façons de trouver une accroche. En fonction du genre, une technique peut être utilisée plus fréquemment.

 

Pour la musique ambiante et électronique, en général, le séquençage d’idées/notes sur un synthé ou une source sonore est assez populaire. Les lignes de basse, les pads, les accords et les mélodies proviennent souvent du piano roll. Mais vous pouvez aussi utiliser un séquenceur mélodique pour le faire.

 

Je suis obnubilé par les séquenceurs de mélodies. Ils sont amusants, mais ils donnent aussi l’impression d’avoir un partenaire dans lequel on peut puiser des idées à l’infini.

 

Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Pattern Generator de Manifest audio. Solide pour créer des mélodies simples ou complexes, il peut également être utilisé pour la batterie.

 

Snake: Excellent patch pour les séquences rapides.

 

Ask and answer: Permet de créer des accroches de « questions-réponses ».

 

Turing Machine: Inspiré par Allan Turing, cet outil génère des séquences de manière aléatoire et vous pouvez ensuite mettre en boucle les parties qui vous intéressent.

 

Aisle: Cet outil de génération complexe permet de trouver des séquences et des motifs originaux basés sur la répétition. Je le trouve excellent pour les percussions et les mélodies percussives évolutives.

 

Dans le domaine plus expérimental, Dillon Bastian a été un héros. Il est difficile d’expliquer en quelques mots ce qu’il fait, mais il crée essentiellement des motifs et des sons dans un contexte visuel. Par exemple, avec Rhythmorphic, il utilise des cartes visuelles qui déterminent comment les motifs se produisent et quelles notes sont déclenchées. C’est un peu difficile à expliquer, mais c’est quelque chose de tout à fait unique et vous pouvez façonner des motifs originaux. Le son peut être très organique, un peu comme un carillon. Vous pouvez également l’utiliser pour déclencher des percussions.

 

3 – Les sons : Je veux des sons qui sont nouveaux pour moi mais qui ne sont pas trop délirants (ou pas).

 

Lorsqu’il s’agit de produire des sons, je suis souvent confronté à deux types d’état d’esprit. D’une part, je me retrouve souvent à vouloir imiter les sons de chansons ou d’artistes que j’aime beaucoup. J’essaierai de faire de la rétro-ingénierie sur la façon dont il sonne et j’utiliserai un certain nombre de préréglages différents, je choisirai celui qui est le plus proche et j’essaierai de l’ajuster pour qu’il soit proche de l’objectif.

 

C’est là que les « instruments » sont utiles. Bien que vous ayez déjà beaucoup d’options avec les excellents synthés internes d’Ableton, j’en ai listé quelques uns ici pour vous.

 

Chiral: Synthé holographique, il crée des sons irréels, basés sur de multiples approches de synthèse. Difficile à décrire, ces textures sonneront très artificielles, dans le bon sens du terme. Pensez au synthétiseur ultime pour les musiques de science-fiction.

 

Iridescence: Il s’agit d’une cellule de delay qui transforme des sons simples en arpèges. Vous pouvez transformer n’importe quel son en mélodie.

 

Grain Forest: L’opposé de Chiral. Il crée des sons et un environnement très organiques. Bastian a construit un instrument évolutif avec des images de vent, de graines, d’arbres qui poussent et meurent. C’est très relaxant et hypnotique en soi.

 

poly-Plaits: Le module Plaits vient de Mutable Instruments et bien qu’il s’agisse d’un synthé open source, il a été intégré à Max For Live. C’est un synthé avec des modèles. Il sonne super bien.

 

Rings: Un autre exemple de Mutable instruments, mais avec le module du même nom. C’est un synthé résonant avec de magnifiques sons de carillon et de cloches.

 

Copy Machine: Cet échantillonneur prend un échantillon que vous choisissez et en crée des copies. Les résultats sont assez époustouflants. Imaginez que vous preniez un échantillon de clap et que vous le transformiez en un groupe de personnes qui applaudissent en même temps.

 

Fortrek: Inspiré par les rubans 4 pistes des années 70 et 80, il prend plusieurs enregistrements et les passe au crible. Très appréciable pour les ambiances lofi.

4 – Effets : Ajouter des épices et des couleurs

 

Ne jugez jamais un son ennuyeux comme étant inutile, car parfois, l’ajout des bons effets peut lui apporter toute une dose de fun.

 

Granular Mirror Maze: Un granulateur qui produit de superbes textures à partir de percussions ou de synthés. Idéal pour les pads et les arrière-plans.

 

Maze: Un looper, style bande avec pitch. Il est très amusant pour créer des idées en dehors des sentiers battus et d’avoir un style Musique concrète.

 

Nube: une version de Clouds, un effet modulaire légendaire qui est une combinaison de délai, de réverbération et de granulation.

 

Muse Concrète: Cet outil très avancé n’est pas destiné à tout le monde. C’est l’outil ultime pour enregistrer et manipuler les sons. Un grand merci à Offthesky pour celui-là.

 

Tous les effetsEncoder Audio sont excellents.

 

J’ai récemment découvert le travail de Robert K / Groov Mekanik et sa vaste collection de patches m’a impressionné. Non seulement la plupart d’entre eux sont gratuits et ceux qui sont en vente sont à des prix très bas, mais les outils qu’il propose couvrent les besoins des producteurs nouveaux et expérimentés. J’ai été séduit par le High Frequencies Limiter que de nombreux artistes devraient utiliser, car beaucoup d’entre eux renforcent trop les aigus. Un patch que je recommanderais d’obtenir sans attendre est le Note Probability qui est super utile pour les patchs génératifs, ajoutant flux et performance. Il supprime simplement certaines notes en raison de la probabilité. Allez jeter un coup d’œil, il y a de très beaux outils là-dedans.

 

Mais honnêtement, je pense que pour tirer le meilleur parti de ce que vous avez, il faut ajouter de la modulation à ce que vous avez déjà. C’est pourquoi les options de modulation sont utiles. Voici quelques-uns de mes favoris :

 

Auto-Slider: Un autre outil essentiel et brillant d’Offthesky. Il enregistre vos mouvements et les transforme en LFO ou en signal de fonction super longue.

 

Strange Mod: Dillon Bastian a sorti ce superbe modulateur que j’utilise partout. Idéal pour une modulation aléatoire inhabituelle.

 

Source: Inspiré du Buchla 266, il crée des signaux aléatoires.

 

Tous les LFOs de Kentaro: Avancés et sophistiqués, ils permettent d’amener n’importe quelle modulation dans votre création…

 

Je mettrai cette page à jour lorsque je découvrirai de nouvelles choses, vous pouvez donc l’ajouter à vos favoris. Si vous avez des suggestions, n’hésitez pas à les partager!

 

Démarrer avec VCV Rack

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La synthèse modulaire existe depuis des décennies, mais avec l’essor de la technologie numérique, elle est devenue plus accessible que jamais. Puis sont apparus VCV, Cardinal, Mirack, pour n’en citer que quelques-uns. VCV Rack est un logiciel libre et gratuit qui vous permet d’explorer le monde de la synthèse modulaire dans un environnement virtuel. Dans cet article, nous aborderons les trois types de modules de la synthèse modulaire, les différences entre VCV Rack et VCV Rack Pro, l’utilisation de VCV Rack dans Ableton Live, les modules gratuits essentiels, ainsi que les avantages de l’utilisation des séquences maîtresses et des modulations.

 

Créer des sons et les moduler

 

La synthèse modulaire consiste à construire un système de génération de sons à partir de modules individuels.

 

Il existe trois types de modules : les générateurs de sons, les modificateurs de sons et les transmetteurs de signaux.

Les générateurs de sons créent le son initial, les modificateurs de sons façonnent le son et les transmetteurs de signaux contrôlent le flux du son dans le système. En combinant ces modules de différentes manières, vous pouvez créer des sons complexes et uniques qu’il serait difficile d’obtenir avec des synthétiseurs traditionnels.

 

VCV Rack est un logiciel de synthétiseur modulaire populaire qui émule un système de synthétiseur modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. Bien que VCV Rack soit un logiciel libre et gratuit, VCV Rack Pro propose des modules et des fonctionnalités supplémentaires payants. Ces modules et fonctionnalités supplémentaires peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail, mais la version gratuite de VCV Rack reste un outil puissant qui peut être utilisé pour créer des sons étonnants.

 

Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez utiliser VCV Rack comme plugin dans Ableton Live. Cela vous permet de contrôler et d’enregistrer VCV Rack dans l’environnement Ableton Live. Vous pouvez utiliser les clips MIDI d’Ableton Live pour déclencher les modules VCV Rack et automatiser les paramètres en temps réel. Cette intégration facilite l’intégration de VCV Rack dans votre flux de production.

 

Modules essentiels

 

En ce qui concerne les modules gratuits essentiels, il en existe quelques-uns que tout amateur de synthétiseur modulaire devrait posséder. Pour les séquenceurs, le module SEQ-3 est un excellent point de départ. Il est doté de trois séquenceurs indépendants pouvant comporter jusqu’à 16 pas chacun. La raison pour laquelle vous voulez avoir un séquenceur avec 3 séquences intégrées est que vous pouvez les utiliser non seulement pour créer des mélodies mais aussi pour d’autres types de modulations comme la vélocité.

Le module VCO-1 (VCV) est un oscillateur simple mais puissant qui peut produire une large gamme de 4 formes d’ondes différentes : sinusoïdale, triangulaire, dent de scie et carrée. L’idée est généralement de le coupler avec le mixeur à 4 entrées de VCV où vous pouvez décider de la quantité de chaque source que vous voulez utiliser pour créer votre propre signal. Je vous encourage à ajouter une source de bruit (VCV à nouveau) et d’obtenir un plus grand mixeur tel que le 8 entrées de Bog Audio et d’y ajouter du bruit (noise). Le bruit semble unifier le tout et ajouter un contenu harmonique.

 

 

 

Pour les filtres, le module VCF-1 (VCV) est un excellent choix. Il offre des modes de filtrage passe-bas, passe-haut et passe-bande, ainsi qu’un contrôle de résonance pour façonner la réponse en fréquence du filtre. Mais je recommanderais aussi fortement le simple VCF de Bog audio car il a plus d’options (pente de la courbe du filtre et v/oct) ce qui est super utile pour modeler votre son.

 

Le cœur et le cerveau

 

L’un des principaux avantages de l’utilisation de VCV Rack est la possibilité d’utiliser des séquences maîtresses et des modulations. Les séquences maîtresses sont des séquences qui contrôlent plusieurs modules à la fois. Cela vous permet de créer des motifs complexes qui évoluent dans le temps. Les modulations sont similaires aux séquences maîtresses, mais elles peuvent être utilisées pour contrôler n’importe quel paramètre dans n’importe quel module. Cela vous permet de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps.

 

Je les ai classés en deux catégories :

 

Le cœur : Tout ce qui est lié au tempo de la chanson. Est-il constant ou cassé? Tout sera synchronisé ou non, certains pourront suivre le tempo mais peut-être à double vitesse ou à moitié.

 

Le cerveau : Il s’agit des modulations qui affectent plusieurs paramètres dans le patch, tels que l’échelle, la transition, les mélodies/accroches, la vélocité, l’accentuation et même le mixage.

 

Kit de départ pour un patch :

 

Je recommanderais de créer un modèle de patch pour commencer, qui contiendrait les éléments essentiels pour démarrer. Vous pouvez ensuite commencer à l’enrichir. Je pense qu’il est important de commencer assez simplement, car cela peut facilement devenir compliqué.

 

Tempo principal (Cerveau) :

  • Utilisez simplement un LFO. J’aime le 4FO de Bog Audio parce qu’il présente 4 LFO à des phases différentes.
  • Ensuite, j’ajouterais un diviseur pour avoir un multiple différent et une vitesse à partir du cœur. Vous pouvez utiliser Clocked par Impromptu à la fois pour le tempo et le diviseur, mais je préfère un LFO pour le tempo car la modulation est plus facile.
  • J’aime avoir plusieurs diviseurs afin que ma séquence complète offre des pas de 1/4, 1/8, 1/16 de façon à ce que je puisse décider ce que je dois alimenter et à quel endroit.

 

Accroche (cœur) :

  • C’est ici que l’on peut utiliser le SEQ-3. Il comporte trois voies, ce qui permet d’avoir trois variantes.
  • Quantificateur pour l’échelle globale : utilisez Quantizer de VCV.
  • J’utiliserais un interrupteur séquentiel pour passer d’une voie à l’autre. Count Modula en a plusieurs, mais j’aime aussi le switch de ML Module en raison des différentes options qu’il offre.

 

Voix:

  • Utilisez les échantillons ou les oscillateurs de votre choix, mais vous aurez besoin d’un ADSR, d’un VCA et de deux filtres pour pouvoir contrôler correctement le signal. J’ajouterais un octave shifter afin d’avoir une voix par octave.
  • Je trouve que Bog audio a tout ce dont vous avez besoin, ou vous pouvez utiliser les modules par défaut de VCV.
  • Vous aurez besoin d’un mixeur pour toutes ces voix. Je recommande celui de MindMeld. Il est parfait.

 

Percussions:

  • En utilisant le séquençage du SEQ 3, vous pouvez l’utiliser comme déclencheur pour vos percussions.
  • J’utiliserais un Bernoulli Gate pour ajouter des probabilités à vos percussions ou pour passer d’un son à l’autre. Celui d’Audible Instruments fait l’affaire.

 

Modulation:

  • Un LFO principal. Là encore, un 4FO fera l’affaire.
  • Un master random. Utilisez le module aléatoire (Random) de VCV.

 

Conclusion et utilisation de VCV Rack dans Ableton

 

En conclusion, VCV Rack est un outil puissant pour explorer le monde de la synthèse modulaire. Il offre une vaste bibliothèque de modules, notamment des générateurs de sons, des modificateurs de sons et des transmetteurs de signaux. La version gratuite de VCV Rack est un excellent point de départ, mais la version pro offre des modules et des fonctionnalités supplémentaires qui peuvent améliorer vos capacités de conception sonore et votre flux de travail. Si vous utilisez Ableton Live, vous pouvez facilement intégrer VCV Rack dans votre flux de production. Des modules gratuits essentiels comme le SEQ-3, le VCO-1 et le VCF-1 peuvent vous aider à créer des sons complexes et uniques. Les séquences maîtresses et les modulations vous permettent de créer des compositions dynamiques et évolutives qui changent au fil du temps. Avec VCV Rack, les possibilités sont infinies et la seule limite est votre imagination.

 

Méthode pour le classement des projets et fichiers

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Je ne sais pas si vous êtes comme moi, mais il est possible que votre disque dur, après un certain temps, devienne un véritable fouillis. Il y aura des dossiers avec quelques projets dedans, et d’autres dossiers avec des échantillons aléatoires. Sans parler de tous ces projets nommés Nouveau projet…

 

Il existe différentes façons d’organiser vos dossiers et tout votre travail pour y naviguer facilement. La façon dont je classe les projets a aussi pour but d’avoir une vue d’ensemble rapide de celui sur lequel je vais travailler ensuite, des chansons qui devraient aller dans un album, et de ceux qui nécessitent des actions spécifiques.

 

Avant de m’expliquer, parlons des différentes étapes par lesquelles passe un projet et des différentes tâches qui y sont liées.

Remarque : Si vous êtes nouveau sur ce blogue et que vous n’êtes pas familier avec ma technique de production, je vous encourage à lire quelques articles à ce sujet, qui donneront plus de sens à ce que je m’apprête à décrire.

 

Les différentes étaps de la production musicale (et l’étiquetage de vos projets en conséquence)

 

Pour maximiser les résultats, je prends chaque partie de la création musicale et je la désigne comme une phase ou une étape.

 

Les différentes étapes que j’étiquette sont les suivantes :

 

1— Recherche d’idées, concept, test de techniques, recherche d’accroches, etc.

2— Boucle préliminaire faite à partir de l’étape 1 qui pourrait être le cœur de la chanson. Structure de base de la chanson.

3— Arrangements.

4— Mixage.

5— Chanson terminée à 90 % et nécessitant des derniers ajustements mineurs.

 

La raison principale pour laquelle j’accorde une grande priorité à l’état de la chanson est basée sur l’idée que lorsque je veux travailler sur de la musique, je peux me trouver dans un état d’esprit précis. Peut-être qu’un jour je voudrais juste m’amuser en faisant du sound design et une autre fois, je devrais travailler sur un EP et je vérifierais les quelques chansons en incubation. Comme vous le savez peut-être, lorsque je fais de la musique et que je rouvre un projet, je veux savoir rapidement où il en est. En une heure de travail sur la musique, je passe d’une chanson à l’autre, mais j’aime aussi revisiter des projets qui sont restés en dormance pendant des semaines, car ce que je veux, c’est avoir toujours la perspective la plus fraîche sur mon travail. Si vous travaillez sur quelque chose pendant des heures, croyez-moi, à la fin, vous risquez d’avoir perdu toute perspective et votre travail en souffrira.

 

Les étapes 1 et 2 peuvent se chevaucher

 

Je vais vous présenter un de mes cas d’étude pour que nous puissions bien comprendre comment utiliser un projet et son évolution vers une chanson finie. Mais nous allons commencer par les 2 premières étapes.

 

Les projets qui sont au stade 1 sont votre bassin pour pêcher des idées.

Donc l’idée d’un projet au stade 1 est vraiment une question d’idées, pas beaucoup plus que ça. Cela peut être plus si vous le souhaitez, c’est à vous de voir.

 

L’étape 2 est celle où l’on travaille sur une accroche précise ou une idée principale. Il y a de multiples façons de travailler et de trouver des accroches, nous en avons parlé dans des articles précédents.. En général, je dépose une boucle percussive très simple pour définir ce qui sera le rythme de la chanson, son groove, et ses accents, puis je place ce qui serait l’accroche par-dessus. On réfléchit souvent trop à l’accroche. Pourtant, c’est souvent très simple.

 

Habituellement, à l’étape 2, je devrais avoir :

 

  • Une clé de base (tonalité)
  • Une gamme
  • Une accroche, pas plus longue qu’une mesure
  • Un groove rythmique, une signature temporelle

 

Si j’ai tout cela, je sais que le projet est passé à cette nouvelle étape et je le renomme. En général, lorsque je renomme un projet, je m’assure de le sauvegarder et de faire un « tout réunir et sauvegarder » pour m’assurer que je copie tous les fichiers nécessaires dans leur forme précédente. Lorsque vous renommez un projet, il est préférable de faire « Enregistrer le projet sous… » dans le menu Fichier d’Ableton et son étape 1 sera toujours accessible. Vous pourrez décider plus tard si vous archivez le projet original ou si vous le gardez comme incubateur. Habituellement, lorsque je trouve une idée à partir d’un incubateur, je m’assure de sauvegarder les différentes chaînes d’effets en tant que macros afin de pouvoir les réutiliser. Je donne également un code couleur à mes pistes et je les nomme pour pouvoir les récupérer plus tard dans le navigateur de gauche d’Ableton.

 

Cependant, vous pouvez avoir un incubateur au stade 1 qui ne se développera jamais parce que vous pouvez faire muter l’incubateur original au stade 2, il est complètement différent, mais il provient toujours d’un projet parent. Par exemple, j’ai des projets qui sont faits pour créer des sons. Ils n’ont jamais évolué à partir de là et des tonnes de chansons ou même des sets live en sont issus.

 

Les arrangements, l’histoire complète de l’étape 3

 

Je trouve que les arrangements doivent commencer par un travail sur la partie centrale de la chanson, puis déconstruire cette idée jusqu’au début de la chanson. Ainsi, le début de l’étape 3 consisterait à travailler sur la partie centrale, d’une durée d’environ 1 minute.

 

Comme vous pouvez le voir, il s’agit essentiellement de déplacer votre boucle initiale de l’étape 2 et de la faire glisser vers la vue Arrangement, puis de l’étirer. Certaines personnes construisent leur boucle initiale en mode arrangement afin de pouvoir la déplacer du début au milieu. Lorsque je travaille sur des arrangements, j’aime généralement faire un brouillon rapide de la chanson, où je la divise en 3 sections : intro, cœur, outro. Ce brouillon est fait rapidement, parfois en un temps surprenant de 20 minutes seulement. Je reviendrai plus tard avec un regard neuf, j’écouterai depuis le début et réajusterai les arrangements pour qu’ils aient plus de sens.

 

Au stade 3, le mixage n’est pas important. Vous pouvez le niveler pour une écoute agréable, mais je ne m’en soucierais pas trop.

 

Le mixage en tant que 4e étape

 

Pas besoin de beaucoup d’explications ici, mais une chose à préciser est que ce n’est pas quelque chose de rigide non plus. Il se peut que vous remarquiez des problèmes d’arrangement lors du mixage qui vous obligeront à retravailler. Comme je le dis toujours à mes clients, si votre conception sonore et vos arrangements sont solides, il n’y aura pratiquement pas de mixage, ou seulement des retouches.

 

L’étape 5 correspond à votre chanson terminée à 90 %

 

Pour moi, 90 % est ma définition de terminé. Je sais que ça semble bizarre, mais c’est comme ça. Tout d’abord, lorsque vous acceptez qu’une chanson n’est jamais terminée, il est plus facile d’accepter ses imperfections et de passer à autre chose. Deuxièmement, vous voulez amener autant de chansons que possible à 90 % parce que le jour où vous voulez sortir un album ou EP, vous prendrez celles-là et les emballerez toutes d’un coup pour les amener à 100 %. Cela peut sembler déroutant, mais laisser vos chansons dormir à 90 % et emballer plusieurs chansons à la fois signifie que la dernière ligne droite pour toutes les chansons vous donne une chance de les unifier pour les rendre cohérentes en tant que sortie.

 

Alors quelle est la différence entre les étapes 4 et 5?

 

Eh bien, c’est un peu quand vous avez fini l’arrangement que vous passez à l’étape 5. Cela ressemble à : j’en ai fini avec celui-là. De temps en temps, je peux rouvrir l’étape 5 pour faire une petite mise au point, mais pour moi, quand on arrive à l’étape 5, ça veut dire que c’est prêt.

 

En conclusion

 

Lorsque j’ouvre mon dossier avec tous mes projets, je verrai des projets allant de 1 à 5, tous les morceaux étant dans l’ordre. Avec le navigateur de fichiers, je peux aussi les classer de 5 à 1. J’aime bien pouvoir mettre des tags dans mac OS. Cela peut être pour le genre, si c’est signé, ou tout ce qui peut être utile.

Photo par Amy Shamblen sur Unsplash

Génération d’idées et capacité d’attention de l’auditeur

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(Crédit photo : Avi Richards sur Unsplash)

Parfois en tant qu’artiste, vous vous retrouvez dans une zone où les choses sont un peu confuses. Cela arrive précisément lorsque vous perdez votre perspective, à savoir si vous faites de la musique pour vous-même ou pour un auditoire précis.

 

Il y a plusieurs perspectives dans la musique, celle du créateur et celle de l’auditeur. Il y a quelque chose d’assez contradictoire dans la création musicale : vous jouez de la musique, elle vient de vous, de votre imagination et de votre émotion du moment, mais pourtant, les musiciens ont souvent quelqu’un d’autre en tête lorsqu’ils créent. Cette personne pour laquelle vous faites de la musique n’est pas là pour vous donner son opinion.

 

En tant que responsable d’un groupe Facebook sur le coaching et d’un programme Patreon où je forme des gens, je suis confrontée à cette situation à maintes reprises avec mes étudiants. Ils craignent que leur chanson soit ennuyeuse ou que l’auditeur ne l’écoute pas jusqu’à la fin.

 

Existe-t-il une solution miracle pour garantir que tout le monde aimera la chanson et l’écoutera jusqu’au bout?

La réponse la plus simple est non. Vous ne pouvez jamais contrôler la façon dont quelqu’un va percevoir votre musique parce que vous pouvez écouter de la musique à différents moments de la journée et avoir des perceptions différentes. Cela peut être lié à l’émotion présente, à l’endroit où vous l’écoutez et à ce que vous faisiez avant, mais l’élément perturbateur sera sans aucun doute lié aux attentes de l’auditeur.

 

Cependant, tout n’est pas perdu : il existe des moyens d’augmenter la probabilité que la personne apprécie pleinement le morceau. Dans cet article, nous allons passer en revue une liste de choses que vous pouvez faire et qui peuvent certainement aider, techniquement, à faire en sorte que l’auditeur soit plus captivé.

 

L’attention est une compétition

 

J’aimerais également prendre un moment pour souligner que nous vivons à une époque où l’on recherche l’attention, ce qui a créé une culture de la recherche de l’attention. Ce désir d’attention est normal, mais vous devez comprendre que les gens n’ont pas beaucoup de temps à perdre. Toutes les plateformes de médias sociaux engagent des équipes pour attirer l’attention de personnes comme nous, de sorte que la capacité d’attention de chacun a considérablement diminué au fil du temps en raison de la concurrence. La bonne nouvelle est que la musique peut être une expérience de fond : elle ne vous empêche pas de faire d’autres choses pendant que vous l’écoutez. Vous pouvez toujours faire votre lessive, parler à vos amis, cuisiner, etc. tout en écoutant de la musique. Il s’agit d’une attention non partagée, mais lorsqu’il s’agit de musique, cela vaut autant que n’importe quelle attention.

 

Vous vous lasserez de vos chansons (ce qui conduit au doute)

 

Une chose que je vois lorsque les gens font de la musique, ils atteignent généralement un point où ils se sentent un peu perdus. Par perdu, je veux dire qu’ils peuvent avoir certains doutes qui s’insinuent en eux. Cela arrive principalement parce que les gens passent trop de temps à travailler sur leur morceau, parfois d’affilée (par exemple, une session prolongée de plus de 2 heures) ou qu’ils le peaufinent depuis plus de 3 jours d’affilée. Si vous suivez ce blogue, vous connaissez déjà mon opinion à ce sujet : ne pas espacer le temps que vous passez sur votre piste aura pour résultat le plus probable de ne plus savoir si votre idée peut être comprise ou si elle est « bonne ».

 

Il y a plusieurs phases dans la créativité, la première étant celle où vous avez dans les mains ce qui semble être une bonne idée, puis vous essayez de mettre cela dans une histoire et enfin, vous essayez d’en faire une ligne de temps. Une fois que vous avez ces 3 éléments initiaux, il se peut que vous tourniez en rond entre eux encore et encore parce que plus vous passez de temps sur votre chanson, plus vous entendrez des choses à corriger et ressentirez le besoin d’ajuster quelque chose parce que, eh bien, vous avez écouté la même idée pendant des heures.

 

Personne, à part vous-même, n’écoutera votre chanson autant que vous le faites.

 

C’est exactement la raison pour laquelle vous douterez de vous. Parce que toute personne qui y serait exposée autant s’en lasserait ou en aurait marre. Alors qu’en réalité, il n’y a absolument rien de mal à cela.

 

Ne tombez pas dans les extrêmes

 

Lorsque vous faites de la musique, l’équilibre entre faire de la musique pour vous-même et pour les autres est quelque chose d’étrange à trouver. Si, à un extrême, vous faites de la musique uniquement pour vous-même, il y a de fortes chances que votre musique soit vraiment désordonnée et qu’elle ne touche personne. Mais si vous allez à l’autre extrême et que vous ne faites de la musique que pour les autres, vous n’aurez aucune personnalité là-dedans et vous serez une sorte de coquille vide. Le bon équilibre consiste à comprendre ce qui fonctionne en tant que concept, puis à y injecter vos idées. En d’autres termes, ce qui fonctionne est bien souvent « la même chose mais différente ».

 

Vous n’avez aucun contrôle sur l’auditeur

 

En ce qui concerne l’auditeur, vous devez accepter que vous n’avez aucun contrôle sur ses goûts, sa capacité d’attention, son humeur et sa disponibilité. Lorsqu’une personne décide d’écouter une chanson, elle répond à un besoin spécifique qui lui est propre. Certains voudront quelque chose d’énergique pour une tâche, d’autres quelque chose de doux pour se détendre, certains qui sont DJ veulent une musique avec une direction spécifique, d’autres quelque chose entre les deux pour travailler/étudier, etc. Vous pouvez imaginer que quiconque écoutera votre chanson, viendra avec un besoin spécifique et il est aussi tout à fait possible que l’auditeur écoute votre chanson avec quelques autres avant, et quelques autres après. Il n’est pas fréquent que vous écoutiez soudainement un morceau, puis plus rien.

 

Maintenant, pensons à quelqu’un qui travaille une liste de lecture et qui a quelques nouveaux morceaux à ajouter. Il aura à peu près la même approche qu’un DJ qui prépare son prochain set. La musique qu’ils conservent est surtout quelque chose d’émotionnel et teinté par les goûts. Ils aiment ou n’aiment pas. Étant donné que la musique est facilement accessible de nos jours, les gens passent rapidement à autre chose parce qu’ils le peuvent.

 

Maintenant que nous avons tout cela à l’esprit, voyons ce qui peut être un obstacle à l’appréciation ou à la désapprobation de votre musique.

 

Comment maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson

 

Voici des moyens de maintenir l’intérêt des gens pour votre chanson :

 

  • Calquer un morceau sur une chanson de référence dont vous savez qu’elle fonctionne. Cette méthode est la meilleure parce que, comme pour toute chose dans la vie, si vous avez le modèle pour quelque chose qui fonctionne, vous pouvez alors reproduire un concept. Cela fonctionne aussi bien pour faire une pizza que pour une chanson. J’en ai parlé à maintes reprises dans mes vidéos Youtube, mais il s’agit essentiellement de comprendre la structure de la chanson, la façon dont les sons entrent et sortent, les niveaux, la longueur, la densité, etc. Une fois que vous aurez analysé les chansons qui vous semblent incroyables, vous réaliserez qu’elles sont souvent plus simples que vous ne le pensez.

 

  • Faire en sorte que votre musique ne soit pas trop prévisible, mais juste assez pour maintenir l’intérêt de l’auditeur.. Ce qui maintient généralement l’intérêt d’une personne, c’est le sentiment d’être intelligent. Cela vient de l’idée qu’ils peuvent prédire ce qui va se passer ensuite dans une chanson, que ce soit en termes de progression d’accords ou d’arrangement. Si vous anticipez quelque chose et que cela se produit, cela peut vraiment déclencher une certaine excitation. Mais ce qui vous rend accroc, c’est quand cela vous prend légèrement au dépourvu. D’un côté, trop de prévisibilité rendra la chose ennuyeuse, mais de l’autre, trop de surprises créeront de la confusion et de l’irritabilité. Donc, généralement, vous voulez que la première partie de votre chanson crée une compréhension de ce dont parle la chanson, mais ensuite vous apportez de nouvelles idées. Pendant un certain temps, c’est la raison pour laquelle les breakdowns étaient si importants, car ils étaient en fait la porte d’entrée vers l’évolution suivante de la chanson, mais depuis qu’ils sont devenus si prévisibles, pour moi, les breakdowns ne sont plus pertinents.

 

  • Faire en sorte que votre musique suive les tendances actuelles, avec une légère nouveauté.. Je pense que tout musicien doit passer un peu de temps chaque jour à écouter les charts, les nouvelles sorties, ce que les DJs passent et ce que les gens aiment. Je trouve que, très souvent, j’ai des idées du présent que je mélange avec des idées du passé. J’écoute de la musique des années 90, j’entends un effet utilisé d’une certaine manière et je vois ensuite comment on peut améliorer cette vieille idée. Ce n’est pas en vivant complètement dans le passé que votre musique sera plus fraîche. Mais il n’est pas non plus nécessaire d’être dans l’instant présent, car vous serez soit perdu dans une mer de gens qui font de la musique en suivant les tendances, soit, lorsque votre chanson sera terminée, la tendance sera déjà dépassée.

 

  • Partager quelque chose de personnel. Cette question est délicate mais importante. En musique, en fin de compte, vous voulez être vous-même. Pour cela, il faut passer du temps à créer des sons jusqu’à ce que l’on trouve quelque chose que l’on aime vraiment. J’aime l’idée que si l’on s’arrête aux premières idées, elles peuvent être superficielles, mais si l’on prend son temps et que l’on va plus en profondeur, on en trouvera de plus en plus complexes. Si les choses sont aussi profondes, et que vous aimez ça, alors vous entrez dans le domaine de l’originalité et de l’espace personnel. Cette zone est cependant très vulnérable, car plus vous créez de manière personnelle, plus il est effrayant de le partager, car le rejet sera également très personnel. Mais la bonne nouvelle, c’est que les personnes qui aimeront cet espace seront aussi très proches de ce que vous êtes.

 

  • Connaître votre public cible et comprendre ce qu’il aime. Lorsque vous faites de la musique, vous pouvez suivre un genre ou non, mais si vous le faites, essayez de comprendre ce que les gens aiment dans ce genre. Peut-être le savez-vous déjà. Mais ce qui fait sauter une chanson à quelqu’un, ce sont généralement les quelques points suivants : l’inadéquation entre ses besoins et ce que la chanson lui offre (ex. la chanson n’a pas le bon ton émotionnel ou est techniquement écrasante), le choc des sons culturels (ex. la chanson a un genre mais ne respecte pas certains concepts de base, ce qui pourrait être irritant) ou des goûts complètement différents (tempo, ton, clé de la chanson, production, utilisation du son). En gros, il est recommandé de faire preuve d’audace dans ce que vous aimez, mais veillez à ce que cela reste dans les limites d’un genre, si vous souhaitez faire partie de cette direction.

 

Techniques musicales pour trouver de nouvelles idées

 

Pour faire de la musique, il faut trouver des idées. Vous pouvez faire de la musique pendant des années, mais une bonne façon de rester original est d’avoir différentes techniques pour générer de nouvelles idées. Voici 3 idées principales que j’utilise pour générer des idées, parmi tant d’autres. Fondamentalement, vous voulez, d’une part, avoir du matériel original et, d’autre part, trouver des moyens de le traiter. Cela signifie que vous pouvez avoir des idées de qualité qui n’ont pas besoin de beaucoup de cosmétiques, ou au contraire avoir des idées très génériques et ajouter des tonnes de traitement. Mais il s’agit dans les deux cas de deux méthodes différentes qui vous permettent de créer des possibilités infinies.

 

La création de nouvelles idées peut venir, soit de l’échantillonnage/enregistrement, soit de la génération d’idées synthétiques. J’utilise beaucoup l’aléatoire dans mon travail parce que c’est comme une avance rapide de mes réglages. En d’autres termes, si je manipule un bouton pour trouver des idées, cela peut prendre un certain temps. Au lieu de cela, j’utilise la puissance de l’ordinateur pour trouver des réglages aléatoires, sur plusieurs paramètres, en une seule fois, ce qui me permet de conserver les meilleures idées qui en découlent. En appuyant sur le bouton aléatoire, j’obtiens en quelques secondes autant de nouvelles idées que j’appuie sur ce bouton. Ce qui est puissant, c’est que je peux utiliser chaque instantané individuellement, et que je peux également effectuer un lent morphing entre chaque instantané, créant ainsi de merveilleuses idées évolutives.

 

Rendre aléatoire les effets, modules et macros

 

C’est assez facile dans Ableton. Vous pouvez utiliser un ou plusieurs plugins, puis utiliser command+G pour les regrouper.

 

 

 

 

 

 

Vous pouvez ensuite lier les paramètres aux macros.


 

 

 

 

 

 

 

 

Pour les plugins VST, vous devez appuyer sur le bouton de configuration, puis cliquer sur les paramètres que vous souhaitez utiliser.

 

 

 

 

 

 

Une fois que vous avez assigné un certain nombre de paramètres aux boutons de macros, vous pouvez appuyer sur le petit bouton « Rand » pour voir différentes idées aléatoires.

 

 

 

 

 

Je vous encourage à sauvegarder votre rack avec les instantanés, que vous pouvez aussi enregistrer avec le petit bouton de l’appareil photo à gauche. Ces sauvegardes sont très pratiques lorsque vous voulez rappeler des idées du passé. La plupart de mes VST les plus utilisés sont tous sauvegardés sous forme de macro pour un rappel rapide.

Pendant que nous y sommes, Shaperbox 3 change énormément la donne pour moi en matière de conception sonore. Vous pouvez faire des choses vraiment, vraiment folles avec et c’est aussi un couteau suisse pour le mixage, la conception sonore et même le mastering.

 

Générer des mélodies aléatoires

 

La génération dee mélodies aléatoires est une autre technique que j’utilise depuis plus de 20 ans. Elle a été utilisée dans la musique concrète et les premiers balbutiements de la musique électronique. Un moyen rapide de le faire est d’utiliser, par exemple, Rozzer. Il s’agit d’un patch gratuit de Max 4 Live qui permet générer des idées assez facilement. En gros, vous le déposez sur un canal MIDI, définissez une gamme et une tonalité de base, puis tapez aléatoirement sur les notes (il générera une séquence de notes), puis tapez aléatoirement sur les Gates (lesquelles de ces notes seront jouées). Il s’agit d’une phrase que vous pouvez ensuite modifier selon vos goûts ou vous pouvez également explorer les polyrythmes en transformant les notes et les gates en différents nombres (par exemple, les notes sur une longueur de 12 et les gates, 7).

 

 

 

Échantillonnage et rééchantillonnage (sampling & resampling) Il s’agit également d’une technique amusante. Vous pouvez jouer une boucle dans votre session Ableton Live et appliquer des effets, puis appliquer des effets, mais vous enregistrez l’ensemble du jam dans un nouveau clip.

 

À partir du clip enregistré, je peux ensuite découper, remodeler, traiter à nouveau, étirer, etc. C’est ce qu’on appelle le rééchantillonnage et c’est un moyen très puissant de transformer les idées. J’aime dire que les clips de rééchantillonnage sont générationnels. Ainsi, un son traité une fois est de première génération, puis si vous retraitez ce clip, il est de deuxième génération, et ainsi de suite. Lorsque j’utilise des sons pour ma musique, j’opte généralement pour des sons de 4-5ème génération. Ils sont généralement plus riches. Ils sont généralement plus riches.

 

J’espère que cela vous aidera.