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Feuille de route de l’apprentissage de la production musicale

novembre 29, 2023/dans Blogue/par pheek

Une chose que j’ai remarquée chez les personnes qui veulent apprendre à faire de la musique électronique, c’est qu’elles sont confrontées à un manque d’informations sur la façon de commencer. Je suis tombé récemment sur une interview de Mr. Beast qui suggérait que si vous voulez apprendre à faire des vidéos virales, vous devez commencer par vous entraîner à faire des vidéos. Ses suggestions recoupent en quelque sorte la manière dont j’enseigne la musique, où l’importance de la pratique est plus grande que, disons, le fait de terminer parfaitement les chansons. Il suggère que l’on pourrait tenter de réaliser 100 vidéos en pratiquant un élément dans chacune d’entre elles, en essayant de s’améliorer de 1 % à chaque fois, au lieu de d’entreprendre quelque chose d’énorme au départ. Mais surtout, il faut rester un peu discret jusqu’à ce que l’on devienne plus solide dans ce que l’on fait.

Les chansons sont des histoires basées sur une découverte personnelle. Si vous vous imaginez en train de raconter une histoire personnelle à un ami, vous concentrerez votre récit sur un seul élément et vous pourriez, dans votre narration, lui donner un grand dénouement. La musique est un peu similaire, mais pour de nombreuses personnes qui commencent à faire de la musique, elles ne veulent pas décevoir ou passer pour des débutants. Dans la plupart des cas, ils en font trop.

Au fur et à mesure que vous progressez dans l’apprentissage de la production musicale, vous ne savez pas qu’il existe de nombreuses techniques différentes, à moins que vous ne les trouviez en faisant des recherches ou que quelqu’un vous en parle. Vous pourriez ne pas savoir que votre musique présente différents problèmes si elle n’est pas examinée par un mentor expérimenté. Cela peut donc être assez déroutant.

C’est pourquoi j’ai décidé de reprendre l’idée de M. Beast de 100 projets et d’en faire une liste pour vous ici.

Il n’y a pas de bonne ou de mauvaise façon de l’utiliser. Il s’agit en fait de 100 idées que vous pouvez exploiter. La plupart d’entre elles sont accompagnées d’une vidéo YouTube que vous pouvez regarder pour apprendre la technique à pratiquer. En ce qui concerne les projets ou les chansons, je dirais qu’il faut essayer de faire des chansons qui durent entre 1 et 5 minutes. Il ne s’agit pas d’impressionner, mais de vous perfectionner. J’ai ajouté suffisamment de vidéos et de liens par projet pour que vous puissiez pratiquer une technique. Faites de votre mieux pour l’utiliser, mais vous pouvez bien sûr partir d’un point et aboutir à un résultat totalement différent. Il n’y a pas de règles.

Ce projet est directement lié à mon programme Patreon. Il y a le tiers « Road Map » qui vous permet d’adhérer à un soutien constant.

Bâtir les bases – Projets 1 à 10

Boucles, MIDI, et arrangements

La création de musique électronique commence généralement par l’utilisation d’échantillons (samples), de boucles (loops) et de MIDI. Commençons par la base.

Round 1 : Boucles et arrangements de base (Projets 1-3)

Ceci est l’introduction, je vous encourage à regarder ma vidéo personnelle destinée aux débutants.

Je vous encourage à vous abonner à Splice pour obtenir des boucles et des sons. Vous pouvez également visiter le site Freesounds.org pour obtenir des idées gratuites, mais la qualité peut parfois être discutable.

Si la tonalité et la gamme d’une chanson vous déroutent, cet article vous aidera. Également cette video.

Projet 1 – Exploration des boucles

Titre : « Loop Groove »
BPM : 100
Durée : 1-2 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importer, dupliquer et arranger des boucles pré-fabriquées de manière efficace. Il s’agit ici d’importer quelques boucles différentes et de les jouer dans la section arrangement. Voyez comment vous pouvez les placer pour créer une trame temporelle. Il s’agit de l’introduction la plus élémentaire.

Projet 2 – Transformation des boucles

Titre : « Loop Evolution »
BPM : 110
Durée : 1-2 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Modifier les boucles, ajouter des fondus et créer des variations. Essayez de couper les boucles et de les réorganiser en différentes versions d’elles-mêmes.

Projet 3 – Arrangement de base

Titre : « Simple Structure »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Construire la structure d’un morceau avec des boucles, y compris les motifs, les sections et les accroches (hooks). Essayez d’avoir des sections distinctes telles que le couplet, le refrain, le pont et l’outro.

Round 2 : Notions de base sur le MIDI (Projets 4-6)

Jetez un coup d’œil à ce tutoriel et pratiquez les principes fondamentaux du midi pour vos prochains projets.

Projet 4 – Introduction au MIDI

Titre : « MIDI Essentials »
BPM : 95
Durée : 2 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Comprendre le MIDI, l’entrée des notes et l’édition MIDI de base. Utilisez un synthétiseur virtuel comme Operator pour recevoir des notes et commencer à faire des mélodies en utilisant une clé et une gamme.

Projet 5 – Mélodies avec MIDI

Titre : « Melodic MIDI »
BPM : 130
Durée : 2 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de mélodies à l’aide du MIDI, exploration des notes et des gammes. Ouvrez une boucle qui est une mélodie et vous pouvez soit essayer de la reproduire (un peu plus avancé) soit de la compléter. Assurez-vous de connaître la tonalité de base de cette boucle. Extraire une mélodie d’une boucle.

Projet 6 – Rythme avec MIDI

Titre : « Rhythmic MIDI »
BPM : 85
Durée : 2 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Travailler le rythme en utilisant le MIDI, les gates, les triggers et le contrôle de la vélocité. Créer vos percussions à la place des boucles. Extraire des percussions d’une boucle. Explorer les signatures rythmiques.

Round 3 : Plongée dans les arrangements (Projets 7-10)

Si vous avez suivi mon tutoriel initial, j’en explique les fondements. Il existe d’innombrables tutoriels sur les arrangements sur YouTube. En voici un à consulter.

Projet 7 – Arrangement avancé

Titre : « Arrangement Intro »
BPM : 115
Durée : 2-3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à mettre en pratique : Ajout de variations, de silences et de motifs dynamiques (introduction de l’appel et de la réponse). Apprenez à jouer avec les automations.

Projet 8 – Motifs et accroches MIDI

Titre : « MIDI Patterns »
BPM : 105
Durée : 2-3 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Créer des motifs (patterns) MIDI et des accroches (hooks) pour vos morceaux. Écoutez une chanson que vous connaissez et essayez de comprendre ce qu’est l’accroche.

Projet 9 – Automation MIDI

Titre : « MIDI Automation »
BPM : 125
Durée : 2-3 min.
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Exploration de l’automatisation MIDI pour le contrôle de l’expression.

Projet 10 – Jalon : Création d’une chanson

Titre : « Your First Track »
BPM : 140
Durée : 3 min.
Key : E Minor
Gamme : Locrian Mode
Élément à pratiquer : Appliquez tout ce que vous avez appris pour créer votre première chanson complète.

Ces 10 premiers projets fourniront une base solide en matière de boucles, de MIDI et d’arrangements de base. Après avoir suivi ces cours, l’étudiant aura acquis les compétences nécessaires pour créer une piste complète.

Bâtir les bases – Projets 11 à 20

Boucles, MIDI, arrangements et références

Round 4 : Boucles et arrangements avancés avec références (projets 11-13)

Il existe de nombreuses vidéos sur la manière d’utiliser les références et celle-ci est une excellente vidéo.

Pour cet exercice de travail avec une piste de référence, je vous encourage à obtenir des échantillons de Splice et à essayer de les faire correspondre à la chanson que vous avez choisie.

Projet 11 – Expérimentation de boucles avec références

Titre : « Reference Grooves »
BPM : Analyser et faire correspondre l’intro de référence
Durée : à vous de décider.
Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Élément à pratiquer : Importer des boucles, analyser des pistes de référence et appliquer des arrangements similaires. Utilisez le swing et les grooves.

Projet 12 – Hachage et découpage de boucles avec références

Titre : « Chopped References »
BPM : Analyser et faire correspondre la percussion de la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Découper et réarranger des boucles en se référant à un morceau pour recréer une accroche similaire.

Projet 13 – Arrangements avancés avec des références

Titre : « Reference Arrangements »
BPM : Analyser et faire correspondre les sections et les transitions de la piste de référence.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Créer des arrangements inspirés de morceaux de référence afin de reproduire la décomposition. Se concentrer sur la référence A/B pour comparer les niveaux des sons.

Round 5 : MIDI avancé avec références (projets 14-16)

Projet 14 – Harmonie et accords avec références

Titre : « Harmonic References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Analyser et recréer des progressions d’accords à partir de morceaux de référence. Utiliser l’outil Chord dans Ableton.

Projet 15 – Mélodies avancées avec MIDI et références

Titre : « Melodic References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Créer des mélodies complexes inspirées de morceaux de référence.

Projet 16 – Expression MIDI avec références

Titre : « Expressive References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Utiliser le MIDI pour capturer l’expression des pistes de référence.

Round 6 : Application du MIDI et des arrangements avec références (projets 17-20)

L’idée ici est de prendre votre référence dans la section arrangement, essayez de jouer quelques notes midi en même temps que la référence pour reproduire des notes, des percussions ou n’importe quoi d’autre, à jouer en même temps.

Projet 17 – Combinaison de MIDI et de boucles avec des références

Titre : « Hybrid References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Combinez des éléments MIDI avec des boucles inspirées par la basse du morceau de référence.

Projet 18 – Superposition (layering) et texture avec références

Titre : « Textural References »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Création de textures et de couches à l’aide de références. Apprenez à utiliser des enregistrements de terrain pour les fonds sonores.

Projet 19 – Techniques d’arrangement avancées avec références

Titre : « Reference more »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Concentrez-vous sur les hits et les sons spontanés qui se produisent de temps à autre.

Projet 20 – Jalon : Piste avancée avec références

Titre : « Elevated Creations »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 2-3 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une piste avancée avec influence de la piste de référence.

Bâtir les bases – Projets 21 à 30

Boucles, MIDI, arrangements, références et effets

Round 7 : Boucles et MIDI avec effets (Projets 21-23)

Projet 21 – Manipulation de boucles avec délai (delay)

Titre : « Delay Loops »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Importation de boucles, application d’effets de délai et arrangement créatif. Concentrez-vous sur les différents types de plugins de délai et amusez-vous à régler les paramètres.

Projet 22 – Effets MIDI : Arpèges et Phaser

Titre : « Arpeggiated Phases »
BPM : 110
Durée : 4 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : L’utilisation du MIDI pour les arpèges et l’application d’effets de phaser.

Projet 23 – Arrangements basés sur les effets

Title: « Effects Arrangements »
BPM : 120
Durée : 4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Créer des arrangements avec des transitions basées sur des effets, où vous utilisez l’automation pour modifier les paramètres du délai au fur et à mesure de l’évolution du morceau.

Round 8 : Maîtrise du MIDI avec effets (projets 24-26)

Projet 24 – MIDI et réverbération pour l’atmosphère

Titre : « Reverberant Atmosphere »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation du MIDI pour créer des sons atmosphériques avec réverbération.

Projet 25 – MIDI et délai pour la texture

Titre : « Delayed Textures »
BPM : 130
Durée : 4 min.
Key : E Major
Gamme : Mixolydian Mode
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores texturés à l’aide de mélodies MIDI et d’effets de délai/réverbération.

Projet 26 – MIDI et Flanger pour le mouvement

Titre : « Flanged Movement »
BPM : 85
Durée : 3-4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Ajouter du mouvement aux éléments percussifs MIDI en utilisant l’effet flanger.

Round 9 : Arrangements avancés avec effets (projets 27-29)

Projet 27 – Arrangement et balayages de filtres

Titre : « Filter Swept Arrangements »
BPM : 115
Durée : 4 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Création d’arrangements avec des balayages de filtre. Jouez avec le filtre sur différents éléments pour vous entraîner aux fréquences d’ouverture et de fermeture.

Projet 28 – Arrangement et panoramique stéréo

Titre : « Panned Arrangements »
BPM : 105
Durée : 3-4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur et du mouvement aux arrangements grâce au panoramique stéréo (auto-pan). Transformez l’auto-pan en trémolo.

Projet 29 – Jalon : Piste avancée avec effets

Titre : « Effects-Driven Mastery »
BPM : 125
Durée : 4 min
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Appliquez tous les concepts appris pour créer une piste avancée en mettant l’accent sur les effets. Explorez l’utilisation de Chorus.

Projet 30 – Remix et effets

Titre : « Remix and Effects Showcase »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Remixer un morceau en intégrant les techniques d’effets Beat-repeat.

Ces projets permettront aux étudiants d’explorer les possibilités créatives des effets tout en améliorant leurs compétences en matière de boucles, de MIDI, d’arrangements et de références. Si vous souhaitez mettre l’accent sur des effets ou des outils spécifiques dans l’un de ces projets, n’hésitez pas à m’en faire part, et nous pourrons les adapter en conséquence.

Bâtir les bases – Projets 31 à 35

Boucles, MIDI, arrangements, références, effets et modulation

Round 10 : Les bases de la modulation (projets 31-35)

Projet 31 – Modulation LFO sur un synthé

Titre : « Synth LFO Groove »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Utilisation de la modulation LFO pour ajouter du mouvement à un son de synthétiseur

Projet 32 – Enveloppes pour un MIDI dynamique

Titre : « Dynamic MIDI Envelopes »
BPM : 110
Durée : 4 min
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Appliquer des enveloppes pour façonner la dynamique des éléments MIDI

Projet 33 – Effets et enveloppes pour le traitement de la voix

Titre : « Vocal Envelope Processing »
BPM : 120
Durée : 4 min
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Utilisation d’enveloppes en combinaison avec des effets pour la manipulation de la voix. Apprenez à utiliser Shifter. Vous pourriez utiliser les filtres ou la réverbération comme éléments à modifier.

Projet 34 – Techniques avancées de LFO sur les effets

Titre : « LFO x LFO »
BPM : 95
Durée : 4 min
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Appliquer la modulation d’un LFO à un autre paramètre LFO pour une conception sonore créative. Utilisez l’outil Shaper.

Projet 35 – Modulation et jalon

Titre : « Modulation Mastery »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : votre choix.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez à entendre la modulation dans les chansons que vous connaissez. Essayez de reproduire un effet sonore. Explorez les effets sur Splice.

Bâtir les bases – Projets 36 à 40

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres et Compression

Round 11 : Techniques d’égalisation, de filtrage et de compression (projets 36-40)

Projet 36 – Égalisation de base pour clarté du mixage

Titre : « Mix Clarity with EQ »
BPM : 100
Durée : 4 min
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Familiarisez-vous avec Equilizer, en jouant avec le shelving EQ, le passe-bas et le passe-haut.

Projet 37 – Balayages de filtre et filtrage dynamique

Titre : « Dynamic Filtering »
BPM : 110
Durée : 4 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Utilisez l’enveloppe sur le filtre ainsi que le drive et son LFO intégré.

Projet 38 – Sidechain

Titre: « Sidechain Exploration »
BPM : 120
Durée : 3-4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Familiarisez-vous avec les différentes options du sidechaining : autofiltre, compression, gate.

Projet 39 – Compression parallèle pour la batterie

Titre : « Punchy Drum Compression »
BPM : 95
Durée : 3 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation de la compression parallèle pour booster les sons.

Projet 40 – Mastering avec EQ et Compression

Title : « Mastering Techniques »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : libre
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : L’application de l’égalisation et de la compression à l’étape du mastering afin d’obtenir un son impeccable

Bâtir les bases – Projets 41 à 45

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates et Mono

Round 12 : Compression side-chain, mixage des basses fréquences, Gates et Mono (projets 41-45)

Projet 41 – Compression sidechain de base

Titre : « Creating Space with Side-Chain »
BPM : 100
Durée : 4 min
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Utilisation de la compression side-chain pour créer un espace rythmique dans un mixage.

Projet 42 – Mixer les basses fréquences

Titre : « Low-End Clarity »
BPM : 110
Durée : 4 min
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Techniques de mixage et d’amélioration des graves d’une piste par un side-chain de la basse avec le kick.

Projet 43 – Techniques alternatives de side-chain

Titre : « Alternative Side-Chain »
BPM : 120
Durée : 4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Exploration des techniques avancées de compression side-chain à l’aide de l’outil Shaper, de l’Envelope Follower ou du LFO.

Projet 44 – Gate et Expansion pour le contrôle de la batterie

Titre : « Drum Control with Gate »
BPM : 95
Durée : 3 min
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation du gate et de l’expansion pour façonner les sons de la batterie et contrôler la dynamique.

Projet 45 – Compatibilité mono et image stéréo

Titre : « Mono and Stereo Balance »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Compatibilité mono et optimisation de l’image stéréo dans un mixage. Apprenez à utiliser Utility.

Prendre ses marques – Projets 46 à 55

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side-chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Buses et Pistes de retour

Round 13: Mixage et routage avancés (Projets 46-55)

Projet 46 – Groupes et buses de batterie

Titre : « Drum Group Processing »
BPM : 100
Durée : 3 min.
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Groupement et mise en bus d’éléments de batterie individuels pour un traitement cohérent. Apprenez le routage du son.

Projet 47 – Techniques de traitement parallèle/pistes de retour

Titre : « Parallel Magic »
BPM : 110
Durée : 4 min
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Utilisez le traitement parallèle pour ajouter de la profondeur et du caractère aux pistes avec les envois (retours).

Projet 48 – Routage et retours d’effets

Titre : « More Effects Sends and Returns »
BPM : 120
Durée : 3 min
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Explorer d’autres voies de routage, de pistes de retour et de feedback.

Projet 49 – Mixage de synthétiseurs et de voix principaux

Titre : « Lead Mixing »
BPM : 95
Durée : 4 min.
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : À l’aide de groupes, apprenez à appliquer le side-chain afin d’ouvrir l’espace pour un lead.

Projet 50 – Traitement avancé des bus

Titre : « Bus Driver »
BPM : 85
Durée : 4 min.
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Utiliser des bus et des groupes pour le mixage.

Projet 51 – Pistes de retour et réverbération

Titre : « Return Channel Reverb »
BPM : 115
Durée : 3 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Incorporer des pistes de retour et de la réverbération pour les effets spatiaux. Utilisez deux pistes de retour, dont l’une est réglée sur Hall et l’autre sur une réverbération courte. Envoyer différents canaux vers ces pistes de retour.

Projet 52 – Mixer avec des pistes de référence

Titre : « Mixing References »
BPM : 105
Durée : 4 min.
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Apprenez ce qu’est le Gain staging (étalonnage du gain) et adaptez le niveau de votre chaîne à cet étalonnage.

Projet 53 – Effets et mixage

Titre : « Dynamic EQ »
BPM : 125
Durée : 3 min.
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Element to Practice: Learn how to use dynamic EQ in ableton.

Projet 54 – Production vocale et harmonies

Titre : « Vocal Production Excellence »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Apprenez les principaux effets utilisés pour le traitement de la voix : Shifter, Delay, Reverb, Chorus/ensemble.

Projet 55 – Jalon : Mixage et routage en action

Titre : « Mix and Routing Exercice »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer un mixage avancé avec un routage et un traitement complexes.

Conception sonore – Projets 56 à 65

La tendance est au modulaire depuis quelques années et le concept a pris de l’ampleur avec l’arrivée de VCV Rack. L’une des meilleures façons d’apprendre les techniques modulaires est d’installer VCV, qui est gratuit en tant que DAW autonome. Il m’a permis d’en apprendre plus sur la conception sonore que des années d’études.

Round 14 : Conception sonore avancée et concepts modulaires (projets 56-65)

Projet 56 – Envelope follower et générateur

Titre : « Envelope Shaping »
BPM : 100
Durée : 3 min
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Comprendre les suiveurs et les générateurs d’enveloppe pour façonner le son. À l’aide d’Operator, apprenez à vous familiariser avec les enveloppes.

Projet 57 – Reset, Trigger et Gating

Titre : « Reset and Trigger Techniques »
BPM : 110
Durée : 5 min.
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Exploration des concepts de reset, de trigger et de gating dans la conception sonore.

Projet 58 – Types d’oscillateurs

Titre : « Oscillator Exploration »
BPM : 120
Durée : 4 min.
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Apprendre à connaître les différents types d’oscillateurs et leurs caractéristiques sonores en explorant Analog.

Projet 59 – Génération et manipulation du bruit

Titre : « Noise Crafting »
BPM : 95
Durée : 4 min
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Créer et manipuler du bruit pour donner de la texture et du caractère. Utilisez Drift pour jouer avec.

Projet 60 – Techniques de modulation

Titre : « Modulation Magic »
BPM : 85
Durée : 4 min
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Exploration des sources et des techniques de modulation dans la conception sonore.

Projet 61 – Conception sonore avec des synthétiseurs modulaires

Titre : « Modular Soundscapes »
BPM : 115
Durée : 5 min.
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores et de textures à l’aide de synthétiseurs modulaires.

Projet 62 – Contrôle avancé de l’enveloppe

Titre : « Enveloping Envelope »
BPM : 105
Durée : 3 min
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : contrôle de l’enveloppe pour une conception sonore expressive.

Projet 63 – Modulation complexe de l’oscillateur

Titre : « Complex Oscillator Artistry »
BPM : 125
Durée : 6 min.
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Utilisation d’oscillateurs complexes et de sources de modulation pour créer des paysages sonores complexes à l’aide de Drift et Wavetable.

Projet 64 – Techniques de bruit créatives

Titre : « Noise Sculpting »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Durée : 4 min.
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Utiliser des techniques de bruits créatives pour créer des sons uniques.

Project 65 – Jalon : Conception sonore avancée

Titre : « Sound Design Mastery »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce de conception sonore avancée.

Ces projets permettront aux étudiants d’explorer le monde fascinant de la conception sonore, des concepts modulaires et des techniques de synthèse, ce qui leur permettra de créer des textures sonores uniques et expressives.

Niveau supérieur – Projets 66 à 70

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Resampling, Enregistrement et Manipulation de la voix.

Round 15 : Resampling, enregistrement et manipulation de la voix (projets 66-70)

Pour ces projets, la durée n’a pas d’importance tant que vous pouvez construire des idées en quelques minutes. À partir d’ici, essayez de toujours avoir une introduction, un milieu et une fin.

Vous devez essayer d’avoir une accroche par chanson ainsi que des idées complémentaires. Vous en savez assez pour être capable de créer des chansons et vous devriez maintenant mettre un peu plus d’énergie pour les réaliser le mieux possible.

Projet 66 – Techniques créatives de rééchantillonnage (resampling)

Titre : « Resampling Magic »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Exploration de méthodes créatives de rééchantillonnage pour transformer l’audio.

Projet 67 – Enregistrement de terrain et échantillonnage (sampling)

Titre : « Field to Sound »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Capturer et incorporer des enregistrements de terrain dans la production musicale. Apprenez à utiliser simplement votre téléphone intelligent pour enregistrer des sons et les importer.

Projet 68 – Enregistrement et traitement des voix

Titre : « Vocal Doctor »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Enregistrement et traitement des voix avec rééchantillonnage.

Projet 69 – Manipulation et échantillonnage de la voix

Titre : « Voice Transformation »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Manipulation et rééchantillonnage d’enregistrements vocaux pour obtenir des textures uniques à partir du mode « warp » du clip.

Projet 70 – Paysages sonores rééchantillonnés

Title : « Resampled Soundscapes »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Création de paysages sonores complexes grâce au rééchantillonnage et à la manipulation.

Plus de conception sonore – Projets 71 à 75

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression sidechain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation de la voix, Réverbération, Délais, Résonances et Synthèse Granulaire

Round 16 : Effets spatiaux et synthèse granulaire (projets 71-75)

Projet 71 – Réverbération et conception de l’espace

Titre : « Spatial Reverb Design »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Créer des effets spatiaux immersifs avec la « Convolution reverb« .

Projet 72 – Techniques de délai et échos

Titre : « Echo Exploration »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Exploration de diverses techniques de délai pour créer des échos et des motifs rythmiques.

Projet 73 – Manipulation de la résonance

Titre : « Resonance Magic »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Manipuler les résonances pour obtenir un caractère sonore unique

Projet 74 – Synthèse granulaire et texture

Titre : « Granular Textures »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Créer des textures à l’aide de techniques de synthèse granulaire

Projet 75 – Paysages sonores granulaires et jalon

Titre : « Granular Soundscapes Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer de la folie de l’espace!

L’espace, ultime frontière – Projets 76 à 80

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression side chain, Mixage des graves, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, et Mouvement spatial.

Round 17 : Panning, Depth, and Spatial Movement (Projects 76-80)

Projet 76 – Notions de panoramique et d’image stéréo

Titre : « Stereo Magic »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Exploration des techniques de base du panoramique, de la largeur (width) et de l’image stéréo sans phasing.

Projet 77 – Profondeur et effets spatiaux

Titre : « Creating Depth »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Ajouter de la profondeur aux mixages à l’aide d’effets et de techniques spatiaux.

Projet 78 – Automatiser les panoramiques et les mouvements

Titre : « Automated Movement »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Automatiser les panoramiques et créer des mouvements spatiaux dynamiques, avec doppler.

Projet 79 – Audio 3D et son ambiophonique

Titre : « 3D Audio Adventure »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Exploration des concepts audio 3D et des techniques de son surround.

Projet 80 – Jalon : Conception spatiale avancée

Titre : « Spatial Mastery »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer une pièce conçue spatialement.

Mixage ludique – Projets 81 à 85

Boucles, MIDI, Arrangements, Références, Effets, Modulation, EQ, Filtres, Compression, Compression Side-chain, Mixage des basses fréquences, Gates, Mono, Techniques de mixage, Routage, Groupes, Bus, Canaux de retour, Sound Design, Rééchantillonnage, Enregistrement, Manipulation vocale, Réverbération, Délais, Résonances, Synthèse granulaire, Panning, Profondeur, Mouvement spatial, Transitoires et Sustain.

Exercices sur les transients et le sustain (projets 81-85)

Projet 81 – Principes de base sur la forme des transitoires (Transient Shaping)

Titre : « Transients 101 »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Introduction aux techniques de mise en forme des transitoires.

Projet 82 – Amélioration du sustain

Titre : « Sustain Elevation »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Techniques d’amélioration et de contrôle de la durée des sons (sustain) à l’aide de la compression.

Projet 83 – Effets transitoires dynamiques

Titre : « Dynamic Transients »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Création d’effets dynamiques à l’aide de la manipulation des transitoires.

Projet 84 – Sustain sur mesure

Titre : « Tailored Sustain »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Affiner les caractéristiques du sustain pour des sons spécifiques avec doubling.

Projet 85 – Intégration des transitoires et du sustain

Titre : « Transients and Sustain Job »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer les concepts de transitoire et de sustain pour créer un mixage dynamique avancé.

Conclusion – Projets 86 à 95

Round 19 : Programmation et articulation des motifs (projets 86-95)

Projet 86 – Articulation des motifs rythmiques

Titre : « Rhythmic Expressions »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Explorer l’articulation dans les motifs rythmiques

Projet 87 – Dynamique des phrases mélodiques

Titre : « Melodic Phrasing Mastery »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Ajouter de la dynamique et de l’expression aux phrases mélodiques

Projet 88 – Motifs de groove et de swing

Titre : « Groove and Swing Artistry »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Programmer des motifs groovy avec du swing à l’aide de l’articulation

Projet 89 – Précision des motifs percussifs

Titre : « Percussive Precision »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Créer des motifs de percussion précis et dynamiques

Projet 90 – Programmation avancée de motifs

Titre : « Pattern Programming Excellence »
BPM : 85
Key : F# Minor
Gamme : Harmonic Minor
Élément à pratiquer : Appliquer tous les concepts appris pour créer des motifs musicaux complexes et expressifs.

Projet 91 – Explorations polyrythmiques

Titre : « Polyrhythmic Adventures »
BPM : 105
Key : C Minor
Gamme : Phrygian Mode
Élément à pratiquer : Explorer les motifs polyrythmiques avec l’articulation

Projet 92 – Arpèges expressifs

Titre : « Arpeggio Artistry »
BPM : 115
Key : Bb Major
Gamme : Dorian Mode
Élément à pratiquer : Ajouter de l’expressivité aux arpèges dans les motifs

Projet 93 – Phrasé et expression vocale

Titre : « Vocal Phrasing Mastery »
BPM : 125
Key : F Major
Gamme : Lydian Mode
Élément à pratiquer : Appliquer l’articulation et l’expression au phrasé vocal

Projet 94 – Construction d’un motif dynamique

Titre : « Dynamic Pattern Construction »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Construire des motifs dynamiques et évolutifs avec l’articulation

Projet 95 – Jalon : Programmation et articulation des motifs

Titre : « Pattern Articulation Masterpiece »
BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
Key : Analyser et faire correspondre les pistes de référence
Élément à pratiquer : Démontrer la maîtrise de la programmation de motifs avec une articulation expressive.

Utiliser Ableton pour faire de la musique avec ou pour vous – Projets 96 à 100

Il s’agit de mon sujet préféré. Je peux en parler à l’infini et m’amuser avec pendant des heures.

Round 20 : Musique générative, mélodies, probabilités et hasard (Projets 96-100)

Projet 96 – Introduction aux mélodies génératives

Titre : « Generative Melodies Introduction »
BPM : 100
Key : C Major
Gamme : Pentatonique mineure
Élément à pratiquer : Explorer les bases de la création générative de mélodies.

Projet 97 – Motifs mélodiques basés sur les probabilités

Titre : « Probabilistic Melodies »
BPM : 110
Key : D Major
Gamme : Majeure
Élément à pratiquer : Créer des motifs mélodiques à l’aide de techniques basées sur les probabilités

Projet 98 – Aléatoire et exploration mélodique

Titre : « Random Melodic Journeys »
BPM : 120
Key : G Minor
Gamme : Natural Minor
Élément à pratiquer : Utiliser l’aléatoire pour explorer des possibilités mélodiques uniques

Projet 99 – Harmonies et accords génératifs

Titre : « Generative Harmony Adventures »
BPM : 95
Key : A Minor
Gamme : Aeolian Mode
Élément à pratiquer : Explorer les harmonies et les accords génératifs

Projet 100 – Jalon : Musique générative et projet final

– Titre : « Final Project »

- – BPM : Analyser et faire correspondre la piste de référence
- – Key : Analyser et faire correspondre la piste de référence
- – Élément à pratiquer : Générer des idées aléatoires à l’aide des techniques apprises, puis en faire une chanson complète.

Félicitations si vous êtes allé jusqu’au bout des exercices. Vous devriez maintenant disposer d’une base solide pour savoir comment créer une chanson. Il y a tant de sujets qui auraient pu être abordés. Si vous avez des suggestions à ajouter, faites-le moi savoir dans les commentaires.

Chambres d’écho associées à la musique

septembre 11, 2023/dans Production/par pheek

Dans la tapisserie complexe de la production musicale, il y a un fil sous-jacent qui se tisse silencieusement depuis des années : le phénomène de la chambre d’écho. Tout comme la politique est parfois piégée dans ces chambres, le monde de la production musicale n’est pas à l’abri. Bien qu’elles puissent offrir l’illusion réconfortante de l’unité et de l’harmonie, ces chambres d’écho peuvent devenir un piège pour la créativité, l’authenticité et la croissance.

En outre, les plateformes de médias sociaux et les services de diffusion de musique en continu, avec leurs algorithmes, peuvent créer une boucle de feedback croissante. Un artiste peut gagner en popularité grâce à un son particulier, qui devient soudain la référence. Les nouveaux artistes qui visent le succès ont tendance à s’en inspirer, ce qui conduit à une saturation de titres aux sonorités similaires. Si l’artiste initial a pu être révolutionnaire, le raz-de-marée qui s’ensuit peut noyer l’innovation.

Dans le monde politique, les chambres d’écho apparaissent lorsque les individus ne s’entourent que de voix et d’opinions qui s’alignent sur les leurs. En musique, un phénomène similaire se produit. Si les artistes et les producteurs ne s’exposent qu’à un groupe restreint d’influences, cela limite leur croissance et étouffe l’innovation. Dans les deux sphères, ces chambres d’écho peuvent conduire à une stagnation des idées et à une résistance au changement ou à l’évolution.

Pour que les artistes se développent, il est essentiel de sortir de leur zone de confort. Collaborer avec des personnes de genres différents, participer à des ateliers qui ne correspondent pas directement à leurs intérêts musicaux, ou même rechercher activement les commentaires de personnes extérieures peut s’avérer inestimable. Un producteur de hip-hop peut acquérir une nouvelle perspective en travaillant avec un musicien classique, ou un artiste techno peut s’inspirer de mélodies folkloriques. Ce sont ces croisements d’idées diverses qui donnent naissance à la musique la plus révolutionnaire.

Guti a récemment fait un grand tapage sur le nombre de faux sets fabriqués par certains artistes depuis un certain temps et, à mon avis, il s’agit d’un pur effet secondaire d’une chambre d’écho. Les artistes ont été encouragés par l’industrie à opter pour un spectacle préenregistré auquel toute personne qui s’y confronterait serait écartée.

Je pense que la responsabilité incombe à la fois aux vétérans du secteur et aux débutants. Les vétérans doivent encadrer et guider les nouveaux venus, en les encourageant à apprendre le métier correctement et à ne pas se fier uniquement aux outils. Les nouveaux artistes doivent être avides de connaissances, repousser les limites et ne pas se contenter de suivre les sentiers battus.

Masterclass de Mr. Bill @ KMGLife Inc. Vidéo Youtube

Cette semaine, j’ai regardé une vieille vidéo de M. Bill, qui est un Youtuber solide au contenu créatif, et j’ai remarqué quelque chose chez lui qui m’a en quelque sorte irrité. Dans sa vidéo, il explique toutes sortes d’approches sur la façon de sonner fort tout en étant cool. Bien que j’aie abandonné le débat sur le fait que sonner fort, c’est cool, il y a une chose qui m’agace précisément, c’est lorsque quelqu’un passe du temps à montrer que son son est plus cool que le mien.

Comme Deadmau5 l’a dit récemment : « Who the F_ are you? (T’es qui?) The sound police? (La police du son?) »

Je comprends que si l’on veut sonner comme lui, et puisqu’il est convaincu d’être cool,c’est logique. Mais dans un monde où les tendances vont si vite, je pense que M. Bill regarde probablement ses vidéos du début de l’année passée et pense que ses nouveaux sons sont plus cool. Ne vous méprenez pas, je n’essaie pas de le dénigrer parce que j’aime ses sons et ses techniques, mais pas au point de dénigrer d’autres genres ou d’autres conceptions sonores. Je veux rester loin d’un esprit de compétition et son point de vue pourrait encourager cet état d’esprit.

Si vous avez lu ce blogue, vous savez que je préfère avoir une approche beaucoup plus modérée de la compréhension du son. Je préfère rester ouvert.

Le fait de qualifier certains sons de « cool » et d’autres de « pas cool » crée une dualité. Cela crée des chambres d’écho, une hiérarchie, un renforcement de l’ego. Je préfère donc le nondualisme (advaita).

Au fond, la non-dualité met l’accent sur l’interconnexion et l’unicité de toute chose. Transposé au domaine de la musique, ce concept suggère que les genres, les styles et les techniques font tous partie d’un vaste réseau interconnecté d’expression musicale. Plutôt que de s’enfermer dans un seul genre ou style, une approche non dualiste encourage l’exploration des paysages musicaux. En considérant toute la musique comme interconnectée, les producteurs peuvent croiser les idées, les techniques et les inspirations de différents genres, ce qui permet d’obtenir des sons novateurs et rafraîchissants.

L’ego peut constituer un obstacle important à l’innovation et à la croissance dans le domaine de la musique. Un ego surdimensionné peut rendre une personne réfractaire aux commentaires, réticente à l’idée d’explorer des genres peu familiers, voire dédaigneuse des nouvelles techniques. Une philosophie qui prône l’altruisme peut contribuer à dissoudre l’ego, ce qui permet à l’artiste d’être plus réceptif aux influences extérieures, aux commentaires et aux collaborations.

1. L’attrait de la chambre d’écho

À première vue, il est indéniable qu’il est intéressant de s’entourer de passionnés partageant les mêmes idées, en particulier lorsqu’on se lance dans la production musicale. La phase initiale est pleine d’incertitudes et de questions. Dans ces moments-là, le fait d’avoir une communauté qui se fait l’écho de vos goûts et de vos préférences est indéniablement réconfortant. Les conversations sont fluides, la validation n’est souvent qu’à un signe de tête, et une bulle d’enthousiasme et d’aspirations partagées se forme.

Cependant, sous cette surface de sympathie, un inconvénient subtil émerge. Lorsque nous nous isolons dans un genre ou un style particulier, les nuances de ce style deviennent notre univers. S’il est essentiel de comprendre et de maîtriser une niche, le danger est de s’y immerger au point de manquer la symphonie des diverses expressions musicales à l’extérieur.

2. Les inconvénients de l’autoréférence

En tant que propriétaire d’un label et ingénieur du son ayant plus de vingt ans d’expérience, j’ai observé une tendance intéressante. Les artistes et les producteurs, en particulier lorsqu’ils débutent, ont tendance à s’appuyer fortement sur des références qui reflètent leurs propres aspirations. C’est tout à fait naturel. Toutefois, lorsque ces références sont imparfaites ou limitées dans leur portée, l’art qui en résulte peut manquer de la profondeur et de la qualité qu’il aurait pu atteindre.

Un exemple concret : j’ai récemment masterisé des pistes pour un artiste techno. Ses pistes de référence, bien que populaires, présentaient de nombreux problèmes inhérents. Cet artiste, qui a toujours été dans sa chambre d’écho, n’a pas réalisé les failles potentielles. Mais une fois que je lui ai fait découvrir des références plus diverses et de qualité, ce fut comme une révélation. Soudain, il a pu percevoir la richesse et la profondeur que ses morceaux pouvaient atteindre, et la différence était palpable lorsqu’ils ont été joués dans un club doté d’un système son de premier ordre.

3. Découvrir de nouveaux outils

Le monde de la production musicale est en constante évolution, et des outils tels que la version Ozone d’Izotope, récemment sortie, offrent de nouvelles perspectives. De telles innovations sont une aubaine, non seulement pour leurs prouesses techniques, mais aussi parce qu’elles peuvent servir de porte pour sortir de ces chambres d’écho. En tirant parti des nouvelles fonctions et capacités qu’ils apportent, les producteurs peuvent explorer des territoires inexplorés, en remettant en question leurs idées reçues et leurs préjugés.

Il était intéressant de voir comment des outils comme Ozone (la version 11 est sortie cette semaine et elle est vraiment bien faite – je ne comprends même pas comment ils arrivent à l’améliorer !), bien qu’ils soient conçus pour améliorer le processus de mixage et de masterisation, peuvent aussi perpétuer involontairement ces chambres d’écho. Entre les mains d’un novice, les préréglages et les chaînes de masterisation populaires peuvent rapidement devenir une béquille. Au lieu d’apprendre les principes fondamentaux du mixage et du mastering, de nombreux jeunes producteurs se contentent de coller un preset, pensant qu’il s’agit de la « norme de l’industrie ». Ces outils, s’ils sont utilisés sans être bien compris, peuvent contribuer à l’homogénéisation du son dans l’industrie.

Il est indéniable que la familiarité d’une chambre d’écho offre un réconfort. Mais pour une forme d’art aussi dynamique et changeante que la musique, ces chambres peuvent parfois étouffer la créativité qu’elles visent à encourager. Il est impératif de reconnaître lorsque nous nous trouvons dans ce phénomène et de trouver le courage d’en sortir. Ce n’est qu’à cette condition que nous pouvons vraiment entendre les mélodies infinies que le monde de la musique a à offrir.

L’esprit du débutant en production musicale

août 29, 2023/dans Blogue/par pheek

Dans le monde de la production musicale, le concept de « chance du débutant » est quelque chose que beaucoup de gens ne connaissent pas. Il ne s’agit pas seulement de hasard ou de sérendipité. Il s’agit de la créativité débridée qui naît lorsqu’un nouveau venu, dépourvu d’idées préconçues, plonge sans crainte dans le monde de la création musicale. J’y ai toujours vu la preuve que parfois, il ne s’agit pas de faire quelque chose à la perfection, mais plutôt de faire preuve de spontanéité. Plus vous en savez, plus vous vous enfermez dans votre esprit en essayant de contrôler tous les petits détails que vous connaissez, ce qui anéantit l’idée initiale. Il est très fréquent que des personnes me contactent pour me demander de l’aide parce qu’elles ont gâché une belle idée initiale en essayant de « l’améliorer ».

Comme je l’ai dit dans mon précédent article, les gens se souviennent des idées, pas de la perfection technique. Par ailleurs, les chansons techniquement parfaites ne vieillissent pas toujours bien, car elles peuvent facilement sonner cliniques, froides, sans âme.

Je trouve que les personnes qui ont moins de connaissances techniques et qui se concentrent sur une idée, sortent souvent une chanson simple qui fonctionne. J’ai vu des gens sortir de nulle part, composer une chanson qui fonctionne sans vraiment savoir ce qu’ils font. Puis, pendant des années, ils ont essayé d’apprendre tout ce qu’ils pouvaient pour sonner comme des « pros », mais ils ont parfois perdu cette étincelle magique en cours de route. L’esprit du débutant est une pratique abordée dans le cadre de la méditation de pleine conscience. J’ai remarqué qu’il s’agit d’une approche bénéfique pour les personnes qui luttent contre le désintérêt et le manque d’inspiration.

Dans cet article, nous explorons l’importance de cultiver et d’entretenir l’esprit du débutant dans la production musicale, en nous inspirant de l’approche de la pleine conscience prônée par Jon Kabat-Zinn.

La chance du débutant en production musicale

Les gens veulent naturellement écouter de la nouvelle musique et parfois aussi se rattacher à la musique qu’ils connaissent. Mais il y a incontestablement un certain nombre de personnes qui veulent s’informer sur la prochaine grande nouveauté. Par conséquent, les nouveaux venus sont pris dans cette zone étrange où il leur est difficile d’émerger alors que d’autres, dans la même position qu’eux, se démarqueront. Néanmoins, si vous êtes novice en matière de musique, vous avez de la chance pour des raisons évidentes : tout ce qui concerne la musique est nouveau et peut sembler fascinant. Cet état d’esprit est propice à la création, car vous ne portez pas de jugement sur certains sons du fait qu’on vous a dit que certains n’étaient pas assez bons pour un genre spécifique.

Voici quelques points et atouts :

1. Une créativité débridée : Lorsque les débutants entrent dans le domaine de la production musicale, ils sont principalement guidés par leur passion et leur intuition. Ne maîtrisant pas les techniques complexes, ils s’appuient sur leur talent brut et leur instinct pour créer leur musique. Cette approche donne souvent lieu à des morceaux non conventionnels, frais et innovants qui captivent le public. C’est quelque chose qui, personnellement, m’intéresse toujours dans la musique des débutants, parce qu’ils utilisent des techniques de base, parfois mal utilisées, mais qui se révèlent agréables. Dans le monde de la peinture, il existe un équivalent appelé « art naïf« , où l’artiste réalise un portrait d’une manière inhabituelle. J’ai également remarqué que Midjourney, qui est un générateur d’art basé sur l’IA, était similaire, car la première version avait du mal à créer des mains, ce qui donnait des résultats très bizarres, mais néanmoins époustouflants.

Credits : Bootcamp

2. L’expérimentation sans crainte : Les novices ne sont pas freinés par la peur de l’échec ou par les contraintes des normes établies. Ils explorent des sons, des genres et des techniques variés sans avoir à répondre à des attentes. Cette expérimentation audacieuse peut conduire à des découvertes accidentelles et à la création d’une musique qui défie toute catégorisation. J’ai parfois remarqué que les nouveaux compositeurs qui n’ont aucune expérience en tant que DJ créent des morceaux avec des arrangements très étranges sans savoir qu’ils risquent de faire rager les DJ lorsqu’ils essaieront de mixer leur musique, mais cela a aussi un certain charme.

3. Expression authentique : Les débutants créent souvent de la musique comme un moyen d’expression personnelle plutôt que de viser le succès commercial. Cette authenticité trouve un écho auprès des auditeurs, qui sont attirés par les émotions et les histoires authentiques contenues dans la musique. Plus quelqu’un fait de la musique pendant longtemps, plus il peut être tenté de tomber dans des routines, des habitudes ou de se conformer à l’esthétique d’un genre afin de « rester pertinent ».

Récemment, quelqu’un a partagé cette remarque sur Facebook :

Ce à quoi j’ai répondu :

Signes d’un changement dans l’esprit du débutant

Peut-on déterminer le moment où quelqu’un perd son esprit de débutant?

Oui et non. Il ne s’agit certainement pas d’un processus linéaire ni d’une perte définitive. Mais lorsqu’un client vient pour une consultation, j’imagine une échelle « esprit de débutant » et je tente de repérer les signes avant-coureurs d’un état négatif.

Il y aura des signes indiquant que l’effet vous quitte sur la base de quelques points. Au fur et à mesure que vous le verrez cet état d’esprit partir, certains problèmes apparaîtront.

1. L’attrait de la perfection :

Lorsque les artistes débutants connaissent le succès, ils ont tendance à rechercher la perfection. La définition du succès est très différente d’une personne à l’autre, ce qui rend la chose un peu délicate. Mais chaque fois qu’il y a une obsession ou une grande préoccupation pour les détails techniques, quelque chose me dit qu’il y a un désir d’être impeccable, avant de sonner authentique. Certains peuvent commencer à être obsédés par des détails techniques (par exemple, rechercher sans cesse un échantillon spécifique, ajuster les niveaux de 0,5 dB, se fatiguer à prendre des décisions sur les arrangements, etc.), la surproduction, ou la conformité aux normes de l’industrie. Ce faisant, ils risquent de perdre l’essence distinctive qui a rendu leurs créations initiales si attrayantes.

Symptôme 1 : La partie technique prend le pas sur la partie artistique, tant en importance qu’en temps investi.

CONSEIL : consacrez plus de temps à la spontanéité, enregistrez vos idées en temps réel, limitez le nombre d’itérations d’une chanson ou limitez le temps passé sur une chanson spécifique en une journée.

2. Réflexions excessives et doute de soi :

Avec l’expérience, on a tendance à trop réfléchir. Les artistes peuvent devenir trop critiques à l’égard de leur travail, étouffant leur flux créatif par le doute et les limites qu’ils s’imposent. Cette conscience de soi les empêche de puiser dans la créativité naturelle qui caractérisait leurs premiers travaux.

Symptôme 2 : Les inquiétudes prennent le pas sur l’excitation. La plupart du processus de réflexion est axé sur l’expérience de l’auditeur plutôt que sur le sujet de la chanson. Imaginez que vous soyez dans une conversation et que vous soyez plus préoccupé par la façon dont l’auditeur vous entend que par ce que vous voulez dire, alors il y a de fortes chances que vous ne fassiez aucun sens.

CONSEIL : Concentrez-vous sur le sujet de la chanson et mettez-le en valeur.

3. Stagnation créative :

S’accrocher à une formule qui a fait ses preuves peut conduire à une stagnation créative. La répétition des mêmes modèles et techniques, même s’ils ont été couronnés de succès dans le passé, peut entraîner un manque d’innovation et de croissance artistique.

Symptôme 3 : Toutes vos chansons sonnent de la même manière. Elles finissent toutes par ressembler à une version différente d’une chanson précédente (réussie).

CONSEIL : Changez vos chansons de référence, explorez de nouvelles musiques qui sortent de votre zone de confort.

L’esprit du débutant et la pleine conscience

Une chose qu’il est important de comprendre à propos de la chance du débutant est que les gens sont naturellement attirés par la nouveauté. Ou du moins, c’est le cas pour de nombreuses personnes. Je me souviens qu’à l’époque où j’ai commencé à faire de la musique et à jouer sur scène, on m’offrait beaucoup d’opportunités comparé à aujourd’hui. Même si je suis toujours considéré comme un artiste émergent, parce que je ne suis pas célèbre, je suis également considéré comme vieux, et donc peut-être moins pertinent. Mais encore une fois, c’est très différent de celui qui m’écoute. Certaines personnes qui ont eu un bon départ recherchent la première sensation et essaient de la recréer en changeant leur façon de travailler ou en compensant par de nombreuses nouvelles acquisitions pour leur studio.

C’est là qu’intervient la sagesse de la pleine conscience, telle qu’elle est partagée par Jon Kabat-Zinn. À la base, la pleine conscience encourage à être pleinement présent dans le moment présent, sans jugement. Voici comment les artistes peuvent appliquer cette approche à la production musicale :

1. Se défaire des idées préconçues :

Abordez chaque nouveau morceau avec un esprit ouvert, sans idées préconçues sur le son qu’il devrait avoir. Laissez la musique évoluer naturellement, en acceptant la direction qu’elle prend.

Cela signifie que lorsque vous lancez de nouvelles idées, vous devez être moins pointilleux sur la manière dont la session doit commencer. Peut-être qu’un jour vous serez intéressé par les pads ou qu’un autre jour, vous ferez des boucles de percussion bizarres. Ne vous enfermez pas dans un mode opératoire qui a déjà fonctionné et laissez-vous toujours tenter par la nouveauté.

CONSEIL : divisez vos séances de musique en deux catégories : l’une liée à la création musicale (trouver de nouvelles idées, jouer, improviser) et l’autre purement technique. Lorsque ces deux éléments se chevauchent, l’esprit peut avoir du mal à s’ouvrir à de nouvelles idées.

2. Ne pas s’attacher aux résultats :

Au lieu de se focaliser sur le résultat final ou de rechercher une validation externe, il faut se concentrer sur le processus de création lui-même. Ce détachement des résultats libère la créativité et encourage la prise de risques.

Cela signifie-t-il que le laisser-aller est toléré?

Il s’agit plutôt de la manière dont vous gérez vos arrangements. Il s’agit également de ne pas penser aux résultats finaux et d’être ouvert à tout ce qui émerge.

CONSEIL : je dis souvent que je m’efforce d’achever la musique à près de 90 % et que je reviens plus tard avec la possibilité de la réviser complètement.

3. Accepter l’imperfection :

Comprendre que les défauts et les imperfections font partie intégrante du processus créatif. Accepter ces imperfections favorise l’authenticité et évite un polissage excessif qui pourrait ôter l’âme de la piste.

Lorsque je suis proche de la phase finale d’une chanson, je remarque parfois que mon esprit traque les imperfections, voulant toutes les couvrir. Je trouve que le fait d’en laisser délibérément laisse une touche humaine et je jure que des années plus tard, je ne les vois même pas comme des erreurs mais comme une partie de l’identité de la chanson elle-même. Plus souvent qu’autrement, toutes les choses que j’ai réparées finissent par être de trop.

CONSEIL : trouvez un ami qui peut écouter votre idée finale et demandez-lui de l’écouter une fois, puis de vous faire part de ses commentaires. S’ils n’ont rien remarqué, vous êtes sauvés.

4. Apprentissage continu :

Tout comme un débutant est désireux d’apprendre et d’explorer, maintenez une attitude d’apprentissage permanent. Tenez-vous au courant des nouvelles techniques, des nouveaux sons et des nouveaux outils afin d’insuffler de la fraîcheur à vos créations.

Comme je l’ai déjà dit, dans mon cas, je cherche des tutoriels tous les jours et je commence généralement une nouvelle chanson en essayant une nouvelle technique. C’est très utile tout en étant créatif.

Dans le domaine de la production musicale, le concept de chance du débutant est plus qu’un simple coup de chance éphémère. C’est un état d’esprit qui, lorsqu’il est adopté intentionnellement, peut conduire à une créativité durable et à une identité artistique distincte. En appliquant les principes de la pleine conscience, les artistes peuvent maintenir la créativité brute et non filtrée qui a rendu leurs premières œuvres si captivantes. Ainsi, que vous soyez un producteur chevronné ou un nouveau venu, n’oubliez pas d’adopter l’état d’esprit du débutant, qui est la porte d’entrée vers une musique qui résonne profondément chez le créateur et l’auditeur.

Rituels, routines et habitudes en production musicale

août 8, 2023/dans Blogue, Coaching/par pheek

Pour nous, musiciens, où la créativité rencontre la discipline, la symphonie secrète réside dans l’art des rituels, des routines et des habitudes. Comme les notes complexes d’une mélodie, ces éléments s’entremêlent pour créer un processus harmonieux amenant les musiciens du statut de novices à celui de virtuoses. De la recherche de l’accroche parfaite à l’élaboration d’arrangements complexes, ces rituels servent de baguette de chef d’orchestre, guidant les musiciens dans le labyrinthe de la création. Dans cette exploration mélodique, nous nous penchons sur les points communs qui unissent ces pratiques et découvrons leur impact transformateur sur le parcours de la production musicale.

Je constate que les personnes que je connais et avec lesquelles je travaille manquent d’organisation et de temps pour faire la musique qu’elles veulent faire. Il est important de prendre le temps de s’occuper de soi pour que les séances soient plus satisfaisantes. C’est ce qui nous motive tous, non? Alors pourquoi ne pas s’autoriser des pratiques plus saines?

La plupart du temps, il semble que de nombreux artistes aient l’impression, ou la superstition, que leur méthode malsaine donne de meilleurs résultats. Qu’il s’agisse d’automédication ou d’entêtement, on peut s’y tenir jusqu’à ce que cela ne fonctionne plus ou parce qu’on est entré dans une phase d’autodestruction.

Parlons donc d’améliorer vos séances.

Définissons ce que chacun de ces termes signifie.

1. Rituel : Un rituel est un ensemble d’actions, de comportements ou de pratiques qui sont accomplis avec un but, une intention et souvent une signification plus profonde. Les rituels sont généralement associés au symbolisme, à la signification et à un sens accru de la conscience. Ils sont exécutés pour marquer un événement, une transition ou un moment spécifique et ont souvent une signification culturelle, spirituelle ou personnelle. Dans le contexte de la production musicale, un rituel peut impliquer une méditation spécifique avant l’enregistrement, la mise en place d’une disposition particulière de l’espace de travail, ou même un geste symbolique avant d’entamer le processus créatif. Les rituels peuvent contribuer à créer un état d’esprit concentré et intentionnel, en apportant un sentiment de révérence et d’attention à l’effort créatif.

Rituals sont des pratiques intentionnelles dotées d’une signification symbolique, souvent utilisées pour apporter de la vigilance, de la concentration et une signification plus profonde à une activité ou à un événement spécifique.

2. Routine : Une routine est une séquence de tâches ou d’activités qui sont suivies régulièrement dans un ordre spécifique. Les routines apportent une structure et une prévisibilité à la vie quotidienne. Contrairement aux rituels, les routines n’ont pas toujours la même signification symbolique ou spirituelle. Au contraire, les routines servent des objectifs pratiques et peuvent englober toute une série d’activités, depuis les tâches banales de l’hygiène quotidienne jusqu’à des processus plus complexes tels que la routine d’un musicien pour installer son matériel avant une séance d’enregistrement. Les routines donnent un sentiment d’organisation, aident à gérer efficacement le temps et établissent un modèle cohérent pour l’accomplissement des tâches.

Routines sont des séquences de tâches qui structurent et organisent la vie quotidienne, en aidant à gérer le temps et à accomplir diverses activités de manière systématique.

3. Habitude : Les habitudes sont des comportements automatiques qui ont été répétés de manière cohérente au fil du temps jusqu’à ce qu’ils soient ancrés dans notre vie quotidienne. Elles nécessitent un minimum de réflexion et d’effort conscient. Les habitudes peuvent être positives ou négatives et se développent souvent par la répétition. Dans le contexte de la production musicale, une habitude peut être un planning régulier de pratique d’un instrument, un rituel quotidien d’écoute de musique pour trouver l’inspiration, ou même la tendance à commencer chaque séance d’enregistrement par une tasse de café. Les habitudes sont puissantes parce qu’elles façonnent notre comportement à long terme, qu’il s’agisse d’efforts créatifs ou de routines quotidiennes.

Les habitudes sont des comportements automatiques qui se développent par la répétition et s’ancrent dans nos routines, façonnant nos actions et nos comportements à long terme.

Rituels, routines et habitudes : Une symphonie collective

1. Le prélude : Préparer le terrain

Les rituels, les routines et les habitudes ont tous un objectif commun : préparer le terrain pour une créativité productive. Tout comme un orchestre bien préparé accorde ses instruments avant une représentation, les musiciens accordent leur esprit et leur environnement par des pratiques régulières. Ces pratiques créent un cadre mental, signalant au cerveau qu’il est temps d’entrer dans la zone créative.

Il existe de nombreuses petites choses que vous pouvez faire pour améliorer votre studio, le rendre plus chaleureux et en faire une source d’inspiration.

1. Un éclairage réfléchi : L’utilisation de lampes DEL (LED) dont vous pouvez changer les couleurs est un excellent moyen de changer l’ambiance à la volée. L’utilisation de bougies est également très agréable.

2. Un mobilier confortable : Investissez dans un mobilier confortable, tel qu’un fauteuil ou un canapé confortable où vous pourrez faire des pauses et écouter votre travail. Également utile pour les visiteurs.

3. Touches personnelles : Décorez le studio avec des objets qui vous inspirent, tels que des œuvres d’art, des affiches ou des souvenirs liés à vos musiciens ou groupes préférés. Les touches personnelles peuvent rendre l’espace unique et stimuler votre créativité. Le fait de voir des personnes qui m’inspirent à créer m’aide, mais il a été démontré que le fait d’avoir une photo de personnes qui vous sont chères et qui vous regardent peut augmenter votre efficacité.

4. Traitement acoustique : Incorporez des panneaux acoustiques, des diffuseurs et des bass traps pour améliorer la qualité sonore de votre studio. Non seulement ces traitements améliorent l’acoustique, mais ils contribuent également à créer une atmosphère plus professionnelle et plus accueillante. En général, ce point est incontournable.

5. Éléments naturels : Intégrez des éléments naturels tels que des plantes d’intérieur, des fleurs ou même une petite fontaine de table. La verdure apporte une touche de fraîcheur au studio et peut créer une ambiance apaisante.

6. Des couleurs inspirantes : Choisissez des couleurs qui évoquent les bonnes émotions pour votre processus créatif. Les tons doux et feutrés peuvent favoriser une atmosphère détendue, tandis que les couleurs vives peuvent dynamiser votre espace. Expérimentez des combinaisons de couleurs qui vous correspondent.

7. Citations inspirantes : Accrochez des citations motivantes ou inspirantes sur les murs pour rester inspiré et concentré dans les moments difficiles. Elles peuvent vous rappeler votre parcours créatif.

8. Une bonne organisation : Gardez votre studio bien rangé et organisé. Utilisez des étagères, des bacs de rangement et des solutions de gestion des câbles pour réduire le désordre et créer un espace de travail ordonné. Un environnement organisé permet d’avoir l’esprit plus clair et de travailler plus efficacement.

9. Paysages sonores personnels : Diffusez des sons ambiants, comme une pluie fine ou le crépitement d’une cheminée, pour créer une atmosphère confortable pendant que vous travaillez. Ces sons peuvent contribuer à réduire le stress et à améliorer la concentration.

10. Expérience multisensorielle : Faites appel à plusieurs sens en utilisant des bougies parfumées, de l’encens ou des diffuseurs d’huiles essentielles. Un arôme agréable peut contribuer à créer un environnement relaxant et inspirant.

11. Un sol confortable : Choisissez un revêtement de sol confortable, tel qu’un tapis ou une moquette, pour assurer l’isolation et le confort pendant les longues heures passées debout ou assis. Les tapis peuvent également améliorer l’acoustique.

12. Espaces de pause créative : Aménagez un coin confortable pour la détente et le brainstorming. Un pouf, des coussins de sol ou même un hamac peuvent constituer un espace confortable pour s’éloigner de son poste de travail et laisser libre cours à ses idées.

13. Des instruments inspirants : Gardez vos instruments à portée de main pour encourager la créativité spontanée. Mettez en évidence vos guitares, claviers ou autres instruments, afin qu’ils vous rappellent constamment vos activités musicales.

2. Trouver le motif : inspirer la créativité

Qu’il s’agisse d’une méditation préenregistrée ou d’une promenade quotidienne dans la nature, les rituels stimulent l’inspiration en encourageant l’attention et la présence. Des études suggèrent que ces pratiques activent le centre créatif du cerveau, améliorant la capacité à établir des connexions et à générer des idées nouvelles : un atout précieux dans la recherche d’accroches musicales.

1. La méditation de pleine conscience : La méditation de pleine conscience consiste à concentrer son attention sur le moment présent, sans jugement. Vous pouvez commencer par vous concentrer sur votre respiration, en élargissant progressivement votre conscience aux sensations, aux pensées et aux émotions. Une pratique régulière peut améliorer votre capacité à rester présent et concentré dans diverses situations.

2. La méditation guidée : La méditation guidée consiste à suivre les instructions d’une voix enregistrée ou d’une application de méditation. Il peut vous guider à travers des visualisations, des balayages corporels ou des techniques de relaxation, vous aidant ainsi à rester engagé et centré.

3. Conscience de la respiration : Se concentrer sur sa respiration est une technique simple mais efficace. Observez chaque inspiration et chaque expiration, en notant les sensations que vous éprouvez en inspirant et en expirant. Cette pratique peut aider à ancrer votre attention et à calmer votre esprit.

4. Méditation par balayage du corps : Dans cette pratique, vous vous concentrez systématiquement sur différentes parties de votre corps, ce qui vous permet de prendre conscience de vos sensations physiques et de relâcher les tensions. C’est un moyen de cultiver la conscience corporelle et de rester concentré.

5. Méditation par mantra : L’utilisation d’un mot, d’une phrase ou d’un son répétitif (mantra) peut aider à diriger l’attention et à calmer l’esprit. La répétition peut être apaisante et aider à éviter les distractions.

6. La visualisation : La visualisation consiste à imaginer une scène paisible ou un objectif à atteindre. Le fait de se concentrer sur cette image mentale peut vous aider à vous concentrer et à développer un sentiment de positivité.

7. Méditation en marchant : Au lieu de vous asseoir, vous pouvez pratiquer la méditation en marchant lentement et en pleine conscience. Soyez attentif à chaque pas, au mouvement de votre corps et à votre environnement.

8. Relaxation musculaire progressive : Cette technique consiste à tendre puis à relâcher différents groupes de muscles du corps. Cela peut réduire la tension physique et améliorer votre capacité à vous concentrer.

9. Yoga : le yoga associe le mouvement physique, le contrôle de la respiration et la pleine conscience. La combinaison de ces éléments peut vous aider à améliorer votre concentration, votre flexibilité et votre bien-être général.

10. Le tai chi : Le tai chi est une pratique de mouvements lents et fluides qui favorise la relaxation et la pleine conscience. Cela permet d’améliorer l’équilibre, la coordination et la clarté mentale.

11. Rythmes binauraux : Les battements binauraux sont des illusions auditives créées par la diffusion de deux fréquences légèrement différentes dans chaque oreille. On pense qu’ils influencent les ondes cérébrales et peuvent aider à atteindre différents états de concentration et de relaxation.

12. Colorier ou dessiner : Les activités créatives telles que le coloriage ou le dessin de motifs complexes peuvent avoir des effets méditatifs, car elles exigent une concentration soutenue sur la tâche à accomplir.

3. Le crescendo : S’engager dans la routine

La routine, souvent synonyme de discipline, joue un rôle crucial dans la production musicale. De même qu’un musicien fait ses gammes quotidiennement pour affiner sa technique, l’établissement d’une routine peut aider à affiner des compétences telles que l’enregistrement, l’édition et l’arrangement. La recherche indique que des routines régulières améliorent la concentration, la mémoire et les capacités cognitives générales, qui font toutes partie intégrante du processus complexe de production musicale.

Si vous suivez mon blogue, vous savez que j’encourage fortement certaines choses dans la routine, telles que :

Diviser votre séance de studio en différentes phases (brainstorming, test de concept, édition, modèles de loops, arrangements, mixage) et les aborder une à la fois.
Travailler sur une chanson pendant 30 minutes, puis travailler sur une autre. Travailler sur plusieurs morceaux à la fois est utile pour l’auto-validation.
Faire des pauses de quelques minutes toutes les 10 minutes.

Tous ces éléments seront utiles pour développer une routine, car ils vous fourniront les éléments nécessaires pour vous sentir plus satisfait de ce que vous faites.

4. Harmoniser les éléments : Rituels pour l’arrangement

L’arrangement d’une composition musicale peut s’apparenter à une symphonie complexe. Ici, les rituels fournissent la structure nécessaire pour tisser différents éléments musicaux en un tout cohérent. Les études soulignent que les rituels favorisent un sentiment de contrôle et réduisent l’anxiété. Autant d’ingrédients essentiels pour s’attaquer à la tâche complexe qui consiste à agencer divers éléments en une composition homogène.

Les arrangements sont à la musique ce que le scénario est au film. Les histoires se construisent de tant de manières différentes que pour se plonger dans la manière de le faire, il est important de s’inspirer des conteurs que l’on aime. Personnellement, j’adore David Lynch et voici quelques-uns des points qu’il utilise pour ses histoires.

Son style se caractérise par le surréalisme, des séquences oniriques et un mélange de banalité et de mystère. Voici quelques aspects clés de l’approche de David Lynch en matière de narration :

1. Accueillir le subconscient : Lynch plonge souvent dans le subconscient et explore les profondeurs de la psychologie humaine. Ses récits intègrent souvent des éléments oniriques, brouillant les frontières entre la réalité et le fonctionnement interne de l’esprit. Cette approche lui permet de puiser dans les émotions et les peurs universelles qui résonnent à un niveau émotionnel profond.

2. Atmosphère sombre et mystique : Les récits de Lynch présentent souvent des atmosphères sombres et mystérieuses qui créent un sentiment de malaise et de suspense. Il mêle l’ordinaire à l’étrange, insufflant au quotidien un air de mystère qui maintient l’attention et l’intrigue des spectateurs.

3. Symbolisme visuel : Le symbolisme joue un rôle important dans l’œuvre de Lynch. Il utilise souvent des symboles visuels et des métaphores pour transmettre des thèmes et des émotions complexes. Ces symboles peuvent être des motifs récurrents ou des objets qui ont une signification plus profonde dans le contexte de ses histoires.

4. Structures narratives non conventionnelles : Lynch est connu pour subvertir les structures narratives traditionnelles. Ses histoires ne suivent pas forcément un chemin linéaire et il est prêt à laisser certains aspects ouverts à l’interprétation. Cette approche non conventionnelle invite les spectateurs à s’engager avec la matière à un niveau plus contemplatif, suscitant souvent des discussions et des théories sur les significations qui se cachent derrière son travail.

5. Exploration de thèmes sombres : Les histoires de Lynch explorent fréquemment des thèmes sombres et tabous, tels que la violence, la crise d’identité et la dualité de la nature humaine. Il n’a pas peur de se confronter à des sujets inconfortables et de les présenter d’une manière qui remet en question les perceptions du public.

6. Utilisation du son et de la musique : Lynch accorde une attention méticuleuse au son et à la musique dans sa narration. Les éléments auditifs de ses films contribuent à l’atmosphère et à l’ambiance générales, améliorant l’expérience du spectateur et ajoutant une couche supplémentaire de profondeur.

7. Profondeur des personnages et ambiguïté : Les personnages de Lynch ont souvent des profondeurs cachées et leurs motivations peuvent rester ambiguës. Cette approche invite les spectateurs à s’engager activement avec les personnages et leurs parcours, encourageant l’introspection et l’analyse.

8. Approche collaborative : Lynch collabore souvent étroitement avec des artistes, des musiciens et d’autres créateurs pour donner vie à ses histoires. Cette approche collaborative donne lieu à des œuvres multidimensionnelles qui intègrent diverses formes artistiques.

Peut-être cela suscitera-t-il quelques idées.

Créer sa propre ouverture musicale : Élaborer des rituels et des routines personnels

1. Identifiez vos objectifs :

Avant d’élaborer vos rituels et routines, définissez les aspects de la production musicale que vous souhaitez améliorer. Recherchez-vous une plus grande inspiration, une meilleure concentration ou une approche plus organisée de l’arrangement?

2. Exploitez le pouvoir de la constance :

Choisissez des rituels et des routines qui vous correspondent et qui s’alignent sur votre processus créatif. La constance est essentielle : la répétition permet de consolider le lien entre la pratique et le résultat souhaité.

1. Fixez des objectifs clairs : Définissez des objectifs spécifiques et réalisables pour votre pratique et vos performances musicales. Le fait d’avoir des objectifs clairs vous donne un sentiment de direction et de finalité, ce qui vous permet de rester motivé et cohérent.

2. Établir un emploi du temps : Établissez un programme de pratique régulier et respectez-le. La constance repose sur la routine. Que ce soit sur une base quotidienne, hebdomadaire ou mensuelle, le fait de consacrer du temps à la pratique permet de créer une dynamique.

3. Commencez modestement : évitez de vous laisser submerger par des objectifs trop ambitieux. Commencez par des séances d’entraînement raisonnables, en augmentant progressivement la durée et la complexité au fur et à mesure que vous gagnez en régularité.

4. Décomposez : divisez vos séances de pratique en segments plus petits et plus ciblés. Cette approche permet d’éviter l’épuisement et de travailler sur des domaines d’amélioration spécifiques.

5. Pratiquer en pleine conscience : La qualité importe plus que la quantité. Concentrez-vous pleinement sur votre pratique sans vous laisser distraire. Engagez-vous dans une pratique délibérée en identifiant les domaines à améliorer et en y travaillant de manière ciblée.

6. Utilisez un journal de bord : Tenez un journal de pratique pour suivre vos progrès, vos difficultés et vos domaines d’amélioration. Cette réflexion vous permet d’identifier des tendances, de célébrer des étapes importantes et de rester vigilant.

7. Adopter la répétition : La constance se construit par la répétition. La pratique répétée des gammes, des exercices et des chansons permet de développer la mémoire musculaire et de maîtriser les techniques au fil du temps.

8. Privilégier la régularité à l’intensité : Des séances de pratique régulières et plus courtes sont souvent plus efficaces que des séances intenses et sporadiques. La constance permet de progresser régulièrement, tandis que l’intensité peut conduire à l’épuisement.

9. Se responsabiliser : Partagez vos objectifs et votre routine d’entraînement avec un ami, un professeur ou un collègue musicien. La responsabilisation peut vous motiver à rester cohérent et à suivre vos progrès.

10. Récompensez-vous : Célébrez vos réussites, aussi petites soient-elles. Faites-vous plaisir après avoir atteint des étapes importantes pour renforcer un comportement positif.

11. Accepter l’imperfection : Le perfectionnisme peut nuire à la constance. Acceptez que le progrès implique de faire des erreurs et d’en tirer des leçons. Privilégiez l’amélioration plutôt que l’exécution sans faille.

12. Restez inspiré : Cherchez à vous inspirer d’autres musiciens, d’autres genres et d’autres styles. L’exploration de nouveaux territoires musicaux peut raviver votre passion et rendre votre pratique attrayante.

13. Soyez patient : La constance prend du temps pour donner des résultats notables. Ne vous découragez pas si les progrès sont lents. Gardez à l’esprit la perspective à long terme.

14. Variez les plaisirs : Variez votre routine de pratique pour éviter la monotonie. Expérimentez des techniques, des styles et des genres différents pour renouveler vos séances.

15. Repos et récupération : Intégrez des jours de repos dans votre routine. Le repos est essentiel pour prévenir l’épuisement professionnel et maintenir le bien-être physique et mental.

16. Adaptez-vous et ajustez : La vie peut être imprévisible. Si vous manquez une séance de pratique, ne soyez pas trop dur avec vous-même. Au lieu de cela, adaptez votre emploi du temps et reprenez le cours de votre vie dès que possible.

3. Pleine conscience et présence :

Intégrez la pleine conscience dans vos rituels. Qu’il s’agisse d’un exercice de respiration avant l’enregistrement ou d’un moment de calme avant l’arrangement, cultiver la pleine conscience peut amplifier votre présence créative.

Mon livre préféré sur cette pratique est « Wherever you go, there you are » de Jon Kabat-Zinn.

4. Documentez votre parcours :

Tenez un journal pour suivre l’impact de vos rituels et routines sur votre processus de production musicale. Réfléchissez aux moments de percée, de concentration accrue ou d’inspiration renforcée.

Personnellement, j’adore les mémos vocaux de mon iPhone pour prendre des notes.

5. La science au service de la symphonie : les enseignements tirés des études

Une étude publiée dans le « Creativity Research Journal » a montré que le fait de s’engager dans des rituels créatifs cohérents améliore la créativité et donne un sentiment de contrôle sur le processus créatif.
Des recherches menées dans le « Journal of Neuroscience » révèlent que les pratiques de pleine conscience, souvent intégrées dans des rituels créatifs, stimulent le réseau du mode par défaut du cerveau, favorisant ainsi la pensée divergente et les idées novatrices.
Le « Journal of Experimental Psychology » suggère que les routines peuvent stimuler les performances cognitives et améliorer la mémoire, facilitant ainsi l’efficacité des tâches d’édition et d’arrangement.

En conclusion : La symphonie de la productivité et de la créativité

Lorsque les musiciens composent leurs fresques sonores, l’interaction des rituels, des routines et des habitudes crée une symphonie qui fait écho à la discipline et à l’inspiration. Tout comme un chef d’orchestre symphonique dirige méticuleusement chaque note, l’élaboration de votre propre ensemble de pratiques peut transformer votre parcours de production musicale en un chef-d’œuvre harmonieux. En comprenant les points communs qui unissent ces pratiques et en adoptant leur impact transformateur, vous trouverez non seulement les accroches et les arrangements qui résonnent, mais vous débloquerez également tout le potentiel de votre symphonie créative.

Le pouvoir de la validation : Comment les premières influences façonnent la carrière d’un musicien

juin 13, 2023/dans Blogue, Coaching/par pheek

La validation joue un rôle essentiel dans la construction du parcours d’un individu, et pour les musiciens en herbe, elle peut avoir un impact profond sur la trajectoire de leur carrière. Cet article se penche sur l’importance de la validation, en explorant la manière dont elle peut influencer les jeunes musiciens, propulser leur passion pour la musique et, finalement, la transformer en une profession épanouissante.

Dans le monde interconnecté d’aujourd’hui, nous assistons à un changement de paradigme dans la manière dont la validation influence les décisions des enfants et des adolescents dans leur parcours de développement personnel. En explorant leurs centres d’intérêt, ils recherchent la reconnaissance et le soutien de leurs pairs, de leurs mentors et de leurs communautés. Dans le domaine de la musique, ce besoin de validation n’est pas différent.

Cela commence souvent par une fascination innée pour la musique qui incite les jeunes à se lancer dans un voyage de découverte de soi. Ils expérimentent différents instruments, mélodies et rythmes, affinant progressivement leurs compétences. En s’immergeant dans le monde de la musique, ils trouvent du réconfort et de la joie dans leurs propres expressions créatives.

Au cours de cette phase de formation, leur cercle d’amis proches et la communauté avec laquelle ils s’engagent jouent un rôle important. Le soutien positif et la validation de la part d’amis qui apprécient et admirent leur talent musical peuvent leur donner confiance en eux et renforcer leur détermination. Ces premières validations agissent comme des catalyseurs, les poussant à explorer davantage la musique, à affiner leurs compétences et à viser l’excellence.

Par ailleurs, on ne saurait trop insister sur l’importance de s’entourer d’artistes de qualité. Lorsque les jeunes musiciens entrent en contact avec des personnes qui partagent leur passion pour la musique, ils entrent dans un monde d’inspiration et d’épanouissement artistique.

Ces liens créent une communauté de musiciens qui s’inspirent et se stimulent mutuellement, favorisant un environnement de créativité, de collaboration et d’amélioration continue.

Adopter la rétroaction externe comme approbation

Ces dernières années, j’ai eu l’occasion d’accompagner de nombreux artistes qui ont dû faire face à différents défis. La validation est souvent une chose que les gens recherchent en premier lieu, lorsqu’il s’agit de faire de la musique. Je vois des artistes assister à des événements, voir des artistes en mouvement, se produire, travailler en réseau, et ils veulent alors faire partie de ce mouvement. Il n’est pas facile d’y accéder et faire de la musique est souvent une solution pour faire partie d’une communauté de musiciens.

Sur ce chemin de la création musicale, on peut adopter de multiples sources de validation. L’un des défis auxquels ils sont confrontés est lié à leur niveau d’expérience. Il est rare qu’un producteur expérimenté s’ouvre à des personnes moins expérimentées. À moins que vous ne les ayez rencontrés en personne et que vous n’ayez établi un lien avec eux, les chances que vous les contactiez par l’intermédiaire des médias sociaux sont très faibles.

Un autre point à garder à l’esprit est qu’en recherchant des réactions positives, nous risquons d’attirer des personnes trompeuses. Au cours de mes années d’expérience, il m’est arrivé très souvent de recevoir des commentaires qui n’avaient aucun sens, qui m’orientaient dans la mauvaise direction et dont je n’ai souvent pris conscience que plus tard. Lorsque je coache des personnes, je dois souvent briser les vieux schémas que les gens ont intégrés à partir des influenceurs de Youtube ou expliquer comment éviter d’appliquer simplement une technique sans savoir comment et pourquoi l’utiliser.

Examinons trois exemples illustrant la manière dont les artistes sont inspirés par leurs amis proches et leur communauté, ce qui finit par façonner leur parcours musical :

Exploration collaborative :

Imaginez un groupe d’adolescents ayant une affinité pour la musique et les festivals, formant un collectif pendant leurs années de lycée. Ils partagent leurs compositions, expérimentent différents genres et se produisent ensemble. Dans cet environnement de collaboration, ils valident les idées, les talents et le potentiel de chacun. Le groupe devient un centre de création, nourrissant leur passion pour la musique et les encourageant à affiner leurs compétences. Grâce au soutien mutuel et à la validation, ils se développent collectivement en tant que musiciens, jetant ainsi les bases de leur future carrière.

Mentorat et modèles :

Dans certains cas, les jeunes musiciens ont la chance d’avoir des mentors expérimentés ou des modèles au sein de leur communauté. Il peut s’agir de musiciens confirmés ou de professionnels de l’industrie qui reconnaissent le talent naissant et le potentiel de ces artistes en herbe. En offrant des conseils, en transmettant des connaissances et en validant leurs compétences, ces mentors deviennent des sources d’inspiration et de motivation inestimables. Leur validation renforce la conviction qu’une carrière dans la musique n’est pas seulement accessible, mais qu’elle vaut la peine d’être poursuivie.

Le pouvoir des réseaux musicaux :

Dans un monde interconnecté, les musiciens ont la possibilité d’entrer en contact avec un vaste réseau d’artistes et de professionnels du secteur par le biais de plateformes de médias sociaux, de communautés en ligne et d’événements musicaux. L’établissement de relations au sein de ce réseau peut avoir un impact profond sur leur carrière. En s’associant à des musiciens confirmés ou en collaborant avec des pairs talentueux, les jeunes artistes découvrent des perspectives, des styles et des techniques différents. La validation et la reconnaissance obtenues grâce à ces interactions renforcent leur confiance, élargissent leurs horizons musicaux et leur ouvrent de nouvelles perspectives.

Développer l’auto-validation

L’idéal est de créer une auto-validation. C’est la chose la plus difficile à développer si vous êtes un artiste. Comprendre que votre musique est une forme de communication qui a besoin d’être connectée est nécessaire pour diviser vos besoins en deux parties. D’un côté, vous voudrez apprendre à couvrir la compréhension technique de votre musique pour l’adapter au contexte dans lequel elle s’inscrit. Cela implique les points suivants :

Arrangements: Vous pouvez vous auto-valider avec vos propres références, qui devraient inclure des musiques que vous connaissez et qui fonctionnent bien.
Mixing: Cela peut être validé par un autre professionnel, mais si vous apprenez à vous valider vous-même ici, cela vous permettra de comprendre vos différents sons. Là encore, les références font la différence.
Mastering: Vous pouvez surtout vous assurer que vous avez le même volume sonore et que vous n’avez pas de distorsions, de résonances.

L’auto-validation technique prend un certain temps à comprendre, mais le fait de travailler avec des collègues artistes et professionnels vous apprendra à reconnaître ce qui fonctionne et ce qui ne fonctionne pas.

Personne n’attend de vous que vous couvriez tout cela par vous-même.

La partie non technique est compliquée. Soit vous avez une confiance incroyable dans le fait que ce que vous faites fonctionne (ce qui est rare), soit vous travaillez avec votre cercle des 5. Mais tout est relatif et arbitraire dans ce domaine, y compris votre propre jugement. Je pense que la meilleure façon de se valider soi-même est d’apprendre à accepter sa musique telle qu’elle est, avec ses défauts.

En conclusion, la validation est une pierre angulaire dans le parcours d’un musicien. Dès les premiers stades de la découverte et de l’exploration de soi, la validation positive des amis, des mentors et des communautés peut enflammer une passion pour la musique et pousser un individu à la poursuivre. S’entourer d’artistes de qualité et faire partie d’un réseau de soutien peut être source d’inspiration, de conseils et d’expériences d’apprentissage inestimables. Les musiciens en herbe qui sont reconnus très tôt ont plus de chances de transformer leur passion en une carrière épanouissante, grâce à leur confiance en leurs propres capacités et au soutien de leurs pairs.

Avantages des séances de production en personne

juin 5, 2023/dans Blogue, Communication/par pheek

Avec les progrès technologiques, il est devenu plus facile pour les musiciens de promouvoir leur musique et d’entrer en contact avec les gens en ligne. Cependant, rencontrer les gens en personne peut offrir de meilleures chances de relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique de rencontrer d’autres artistes, des directeurs de labels, des membres de l’équipe du festival et des professionnels du secteur.

J’ai peut-être l’air vieux, mais la seule chose qui, à mon avis, a fait une énorme différence dans ma carrière, c’est que j’ai eu la chance de sortir chaque semaine pendant des années et de rencontrer un cercle de personnes avec lesquelles je pouvais partager. Dans ce cercle, il y avait des producteurs de musique, mais aussi des non-musiciens qui venaient régulièrement et avec qui je pouvais échanger sur la musique, ce qu’ils aimaient et voir comment la musique les influençait. Cette communauté a grandi, s’est soutenue mutuellement et tout le monde a eu une chance de réu Pendant un certain temps, la scène montréalaise a été reconnue comme très prolifique et je suis presque sûr que le fait de se réunir régulièrement avec tout le monde a fait la différence.

Le fait d’être avec des personnes lors d’événements est lié au fait d’avoir des expériences paroxystique communes. Cela permet de créer des liens significatifs, dont les gens parlent des années plus tard. J’entends parfois des personnes dans un restaurant parler des restaurants passés sans vraiment commenter le moment présent. Il en va de même pour les événements.

Une expériences paroxystique est un terme utilisé pour décrire un moment ou une expérience transcendante, extatique ou autrement profonde qui peut impliquer un sentiment d’unité, d’unicité ou de connexion avec quelque chose de plus grand que soi. Ce concept a été introduit pour la première fois par le psychologue humaniste Abraham Maslow dans les années 1960 et a ensuite été popularisé par d’autres psychologues et auteurs d’ouvrages de développement personnel.

Les expériences paroxystiques peuvent se produire dans divers contextes, tels que les activités artistiques ou créatives, les pratiques spirituelles ou religieuses, les activités sportives ou physiques, ou même les moments quotidiens de connexion avec la nature ou avec d’autres personnes. Elles se caractérisent souvent par des sentiments d’euphorie, d’émerveillement et de compréhension profonde.

Parmi les caractéristiques communes des expériences paroxystiques figurent un sentiment d’intemporalité ou de dilatation du temps, une sensation d’être pleinement présent dans l’instant, une clarté et une perception accrues, ainsi qu’un sentiment de transformation ou d’épanouissement personnel. Les expériences paroxystiques peuvent être transformatrices et avoir un impact durable sur la vision du monde, les valeurs et le sentiment d’identité d’une personne.

Je n’oublierai jamais l’expérience paroxystique que j’ai vécue un soir où j’ai entendu Villalobos jouer au Club Der Visionaere. Il venait d’une autre dimension et les gens avec qui j’étais écoutaient tous, se regardant les uns les autres avec incrédulité. Personne ne parlait, comme c’est souvent le cas dans les clubs.

En tant que musicien et artiste, vous souhaitez concevoir une telle expérience. Sortir, c’est aussi une façon de vivre à la manière des gens. Cela permet d’établir des liens importants.

Voici trois raisons importantes pour lesquelles les contacts en personne ont un impact sur les musiciens.

1. Établir la confiance et des liens personnels

Rencontrer quelqu’un en personne permet d’instaurer un climat de confiance et de créer des liens personnels qu’il est difficile d’établir en ligne. En participant à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur, les musiciens ont l’occasion de serrer des mains, de partager des histoires et de nouer des liens personnels avec d’autres artistes et professionnels du secteur. Ces liens personnels peuvent déboucher sur des relations de travail durables, des collaborations, voire des amitiés.

2. Occasions de collaboration

Les festivals de musique rassemblent des musiciens de genres et d’horizons différents, créant ainsi des opportunités de collaboration. En se rencontrant en personne, les musiciens peuvent discuter de leur musique et explorer les possibilités de collaborations futures. Ils peuvent également échanger des idées et apprendre les uns des autres, ce qui donne lieu à des percées créatives et à de nouveaux styles musicaux.

3. Se faire connaître et travailler en réseau

La participation à des festivals de musique et à d’autres événements du secteur offre aux musiciens une visibilité et des possibilités de réseautage. En rencontrant des professionnels du secteur, tels que des propriétaires de labels, des agents de booking et des organisateurs de festivals, les musiciens peuvent se faire connaître et éventuellement s’assurer de futurs concerts et opportunités. Le réseautage est également un aspect essentiel de la construction d’une carrière musicale réussie, et les événements en personne offrent une excellente occasion d’élargir son réseau.

« Le cercle des 5 »

Le concept du « cercle des 5 » est important pour les musiciens qui cherchent à valider leur musique. Le fait de disposer d’un ensemble diversifié de contacts susceptibles de fournir un retour d’information et un soutien peut contribuer à accélérer le processus de validation et à faire progresser la carrière du musicien. Les cinq types de contacts sont les suivants :

Ami proche non musicien : Cette personne a un point de vue extérieur et peut donner un avis honnête sur l’attrait de la musique pour le grand public.
Ami proche musicien : Cette personne connaît le style du musicien et peut donner un avis constructif sur les aspects techniques de la musique.
Producteur de musique ayant une expérience similaire en matière de production : Cette personne peut donner son avis sur la qualité de production de la musique et proposer des améliorations.
Une personne de l’industrie musicale : Cette personne peut donner un aperçu de l’industrie musicale et offrir des conseils sur la manière de s’y retrouver.
Mentor : Il s’agit d’un musicien expérimenté ou d’un professionnel du secteur qui peut offrir des conseils et un soutien au musicien.

Le fait d’avoir un cercle de cinq contacts permet au musicien d’avoir des perspectives et des réactions diverses, ce qui peut l’aider à affiner sa musique et à faire avancer sa carrière. Il est essentiel d’établir des relations avec ces contacts au fil du temps pour s’assurer de leur soutien et de leur contribution continue.

Trop souvent, je travaille avec des artistes émergents en difficulté et la plupart du temps, ce que je vois, ce sont des gens qui ne sortent pas assez pour rencontrer d’autres personnes.

Mes conseils pour faire bonne impression en festival :

Contactez les gens dans le but d’apprendre à les connaître, et non pour leur faire part d’un plan d’affaires.
Soyez vous-même, laissez votre ego de côté. Ne parlez pas de vos réalisations et de ce que vous faites de mieux.
Ne prouvez rien, évitez de confronter les gens sur des points avec lesquels vous n’êtes pas d’accord. Parfois, si vous rencontrez des artistes que vous aimez, cela ne veut pas dire que vous êtes sur la même longueur d’onde. Inutile de leur dire.
Soyez généreux et adoptez un rôle d’écoute. Les gens ont tendance à apprécier les personnes qui leur prêtent attention.
Ayez confiance dans le fait que rencontrer des gens, même si cela ne semble rien apporter, est la bonne chose à faire et que cela portera ses fruits à long terme.

Conclusion

Si la technologie a permis aux musiciens de promouvoir plus facilement leur musique en ligne, les contacts personnels restent précieux pour établir des relations de travail durables. Les festivals de musique offrent aux musiciens une occasion unique d’entrer en contact avec d’autres artistes et des professionnels du secteur, ce qui favorise la collaboration, la visibilité et les possibilités de mise en réseau. Le concept du « cercle des 5 » est également essentiel pour les musiciens qui cherchent à valider et à soutenir leur musique. En établissant des relations avec ces contacts au fil du temps, les musiciens peuvent affiner leur musique et accélérer leur carrière.

Ralentir la production pour mieux apprendre

mai 21, 2023/dans Blogue/par pheek

Ces dernières années, la santé mentale est devenue un sujet moins tabou pour les musiciens, et ce pour de bonnes raisons. L’industrie musicale, ainsi que les services de streaming, ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont, ce qui a créé des circonstances destructrices qui nuisent à la créativité. Il est un peu triste que certains artistes fassent part de leur état de santé mentale, mais en même temps, c’est aussi le premier pas vers le soutien. C’est pourquoi j’ai pensé écrire sur la santé mentale et la musique.

Nous examinerons pourquoi il est essentiel pour les musiciens de vivre une vie riche et épanouissante en dehors de la musique afin de créer une musique plus profonde et plus significative. J’aimerais proposer quelques moyens de faire de la musique significative sans sacrifier votre santé mentale.

La recherche du succès

La pression de produire constamment de la nouvelle musique est indéniable dans l’industrie musicale. Il s’est longtemps dit que si nous ne sortons pas de musique, nous ne recevons aucune validation. De même, si nous restons silencieux pendant un certain temps, les gens nous oublieront. La nécessité de suivre les dernières tendances et de rester pertinent a conduit à privilégier la quantité au détriment de la qualité. Les musiciens sont souvent poussés à créer une musique qui correspond moins à ce qu’ils sont, sacrifiant leur authenticité au nom du succès commercial. Cette situation peut être extrêmement préjudiciable à la santé mentale d’un musicien, entraînant dépression, anxiété et épuisement professionnel. N’oublions pas que cela laisse des traces d’albums antérieurs dont on peut se sentir complètement déconnecté.

En outre, les tournées peuvent être une expérience incroyablement stressante pour les musiciens. Les voyages incessants, le manque de sommeil et la pression liée à la performance peuvent avoir un impact sur leur bien-être mental et physique. L’industrie a normalisé l’idée que les musiciens doivent travailler jusqu’à l’os, sans se soucier de leur santé et de leur bien-être. Cette culture toxique peut créer un environnement hostile qui n’est pas propice à la créativité et à l’expression de soi. On nous dit aussi que la tournée est le paradis, mais une fois sur place, les choses ne sont pas aussi faciles que dans un rêve.

ESSAYEZ : Concentrez-vous sur le temps que vous passez à faire de la musique plutôt que sur le résultat final. On peut y parvenir en faisant des expériences qui ne nécessitent aucun objectif, comme la réalisation d’une macro.

Faire des pauses

Il est essentiel que les musiciens fassent des pauses entre les sorties musicales pour vivre une vie riche et épanouie en dehors de la musique. Les expériences vécues en dehors de la musique peuvent contribuer à inspirer et à éclairer le processus créatif d’un musicien. Lorsqu’un musicien dispose d’un large éventail d’expériences, sa musique a plus de profondeur et de sens. Prendre le temps de vivre pleinement peut aider un musicien à se reconnecter à son moi profond, ce qui lui permet de créer une musique authentique et fidèle à ce qu’il est.

Curieusement, j’entends souvent parler d’artistes qui pensent que faire une pause, c’est faire une pause dans la création musicale. La distance que vous prenez active votre cerveau et vous serez inondé d’idées et vous ferez de la musique, dans votre esprit.

ESSAYEZ : Faites une promenade de 15 minutes et observez votre flux de pensées.

Descendre de la montagne

À ce propos, j’ai écouté une conférence de Lauren Hill qui expliquait pourquoi elle produisait lentement et cela m’a semblé très logique. Elle explique qu’il y a des montagnes et des vallées. La vie est bipolaire et même une journée comporte des hauts et des bas. Ce qui n’est pas viable, c’est de penser qu’il faut toujours rester au sommet de la montagne pour réussir et être reconnu. Le fait d’être au sommet de la montagne renforce la nécessité d’adopter le perfectionnisme comme moyen de faire de la musique.

Le sommet de la montagne, c’est le moment où l’on maîtrise parfaitement son flux et ses techniques. Certains apprennent ce qui est nécessaire et se sentent à l’aise, sortent de la musique, font des tournées. Mais cela devient fatigant et si vous n’apprenez jamais à descendre de la montagne, vous risquez d’être choqué lorsque vous finirez par vous écraser, dégringolant jusqu’au bas de la montagne.

ESSAYEZ : Passez une séance de studio à maîtriser un effet ou un outil dans votre DAW. Regardez quelques tutoriels et exercez-vous.

Faire face à l’imperfection

J’ai toujours été à l’aise avec l’imperfection. Je pense que le fait de l’accepter m’a aidé à aller de l’avant dans mes projets, mes albums. Je me contente de comprendre que je peux finaliser une idée et passer à autre chose, je travaille sur le prochain projet en utilisant ce que j’ai appris. Avec le recul, je pense que j’ai passé beaucoup trop de temps dans les vallées plutôt qu’au sommet des montagnes, ce qui explique pourquoi je ne fais pas beaucoup de tournées, mais je suis tout à fait en paix avec cela.

Ce qui est difficile, c’est de faire face à des critiques acerbes et à des personnes qui estiment que vous devez leur servir une musique parfaite, à chaque fois. J’accepte la critique et la considère comme un moyen de m’améliorer, parfois, si elle a du sens, mais cela peut être frustrant si je pense que l’auditeur ne comprend pas que je suis peut-être en train d’apprendre de nouvelles techniques, ce qui signifie que ma production n’est pas de la même qualité que la précédente.

Il s’agit donc de plonger dans la créativité autant que possible et de ne pas trop contrôler les défauts dans ma musique.

ESSAYEZ : Lorsque vous êtes sur le point de terminer un projet, demandez-vous quelle partie vous êtes prêt à accepter comme imperfection. Gardez à l’esprit que l’endroit où vous vous situez ne sera qu’un moment imparfait par rapport à votre futur vous.

Apprendre de nouvelles techniques pour entretenir un état d’esprit sain

L’apprentissage de nouvelles musiques et de nouvelles techniques est un moyen d’inspirer la créativité. Cependant, il est important de ne pas s’attarder sur les aspects techniques de la musique. Lorsqu’un musicien est à l’aise avec ses techniques, il peut atteindre un état de zone qui lui permet de puiser dans son intuition et sa créativité. Cette zone permet au musicien d’être pleinement présent et de vivre le moment présent, ce qui permet à sa créativité de s’épanouir. C’est à ce moment-là que l’on se trouve au sommet de la montagne.

Comment trouver de nouvelles techniques?

Principalement en écoutant des chansons que l’on aime et en prêtant attention à un élément que l’on aime pour essayer de le reproduire. Lorsque j’écoute de la musique, je l’écoute dans son ensemble, mais je fais ensuite une seconde écoute avec une approche modulaire en me posant certaines questions : Comment est la percussion? Comment évolue la mélodie? Quels sont les sons que j’entends (synthé, acoustique, long, court, étouffé, détaillé)? Y a-t-il un arrière-plan? Qu’y a-t-il à l’avant?

J’ai appris à aimer les chansons, mais j’ai appris à aimer les chansons pour des attributs spécifiques, ce qui a été une compétence très importante pour mon travail. En tant qu’ingénieur du son, j’estime qu’il est important d’apprendre à aimer n’importe quelle musique, surtout si je dois travailler avec. Lorsqu’un client me demande de travailler sur une chanson, je dois trouver au moins une chose que j’aime dans cette chanson et construire à partir de là.

Ensuite, s’il y a des choses que je n’aime pas, je veux voir comment je peux les améliorer. Cela devient une expérience d’apprentissage, mais à travers des thèmes spécifiques. Ceux-ci deviennent un exercice d’apprentissage.

Par exemple, les progressions d’accords, la conception des kicks, les synthétiseurs, les effets vocaux, etc. Ensuite, vous allez sur YouTube et vous écrivez dans vos propres mots ce que vous avez besoin de savoir.

Par exemple :

Comment réaliser des progressions d’accords efficaces en musique électronique

Comment créer un kick sec

Comment concevoir un synthé complexe dans Pigments

Comment créer une chaîne d’effets vocaux qui ressemble à Tame Impala

Ce qui est intéressant, c’est qu’il y a tellement de vidéos sur un même sujet et qu’il existe de multiples façons d’arriver à un résultat spécifique, ce qui vous permet d’élargir votre champ de compétences. Personnellement, lorsque des personnes viennent me voir pour apprendre le mixage ou la production, je remarque qu’elles ne comprennent souvent pas les concepts de la phase précédente. Par exemple, celui qui précède le mixage est l’arrangement. Vous pourriez vouloir apprendre à mixer, mais vous devez d’abord comprendre les arrangements. Parfois, les gens veulent apprendre les arrangements, mais je remarque qu’ils ne comprennent pas la conception sonore. Lorsque vous apprenez une compétence, vous ouvrez en fait des voies et des facilités pour les suivantes.

Parfois, les gens demandent : « Je ne sais pas s’il y a des choses que je ne sais pas, alors j’ai du mal à savoir par où commencer » ou comment commencer exactement. Cela commence par la curiosité.

Intéressez-vous aux parties de chansons que vous aimez. Par exemple, la basse de cette chanson et la percussion de cette autre. Ou les accords d’une chanson spécifique. Ensuite, allez sur Youtube et voyez si quelqu’un peut vous expliquer comment faire. Commencez par des recherches simples qui vous donneront plus d’idées.

Quelques concepts de base qu’il est important de comprendre dès le départ, si vous manquez d’idées :

Gain staging (niveaux des gains)
Le fonctionnement des enveloppes.
Flux de signaux (un peu avancé).

Essayez de vous référer à des artistes, utilisez les logiciels que vous possédez et essayez de formuler vos meilleures idées. Mais plus vous chercherez, plus vous serez exposé à de nombreuses façons différentes de faire les choses et plus vous aurez de matériel pour vous entraîner.

Deux logiciels que je recommande régulièrement pour le référencement sont Bassroom (pour le bas du spectre) et Reference pour la compréhension globale de la différence entre vos références et votre musique.

Je pense qu’il est plus important d’enregistrer un grand nombre d’idées afin de documenter votre parcours. C’est une bonne leçon pour se défaire du contrôle des imperfections. Une façon de lâcher prise est de comprendre qu’il y aura toujours des imperfections, mais que vous serez limité à ce que vous savez, à un moment précis. Laisser les choses telles qu’elles sont, montre que vous êtes d’accord avec cela.

En conclusion, l’industrie musicale et les services de streaming ont exercé une pression énorme sur les musiciens pour qu’ils créent de la musique qui n’est peut-être pas fidèle à ce qu’ils sont. Je pense que nous devons inverser cette tendance en ralentissant et en consacrant plus de temps à l’apprentissage. On passe trop de temps à essayer de produire sans maîtriser ses techniques, ce qui fait perdre beaucoup de temps.

La recherche du succès est un modèle voué à l’échec

avril 16, 2023/dans Blogue, Production/par pheek

Il y a quelque chose d’assez trompeur à voir les artistes que l’on aime dans leur studio, surtout lorsqu’il y a tout l’équipement dont on peut rêver. D’une part, vous voyez une personne accomplie avec tout cet équipement et vous pensez peut-être que c’est le succès qui a apporté tout cet équipement ou plutôt que c’est l’équipement qui a engendré le succès. D’autre part, vous vous imaginez dans la même situation, où vous rêvez d’être sous les feux de la rampe. Dans les deux cas, vous pouvez imaginer que le succès est au rendez-vous et que le studio est la clé qui vous permettra d’atteindre vos objectifs.

La recherche de la perfection revient à courir après un mirage dans le désert. Cela revient à chasser un fantôme, sans savoir si ce fantôme existe vraiment.

Dans des articles précédents, j’ai expliqué quelques défis à relever à cet égard et comment travailler avec une défintion de terminé afin d’avoir une meilleure idée de l’endroit où vous vous dirigez.

L’industrie de la musique a connu une transformation importante ces dernières années. Avec l’essor des services de diffusion numérique de musique, des médias sociaux et d’autres plateformes numériques, le modèle traditionnel de recherche du succès dans la production musicale est aujourd’hui dépassé. Dans cet article de blogue, nous discuterons des raisons pour lesquelles la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, et nous proposerons des alternatives aux musiciens pour qu’ils puissent s’épanouir dans leur carrière musicale.

L’idée fausse du succès

L’une des plus grandes idées fausses dans l’industrie de la musique est la définition du succès. Pour de nombreux musiciens, le succès est synonyme de célébrité, de richesse et de reconnaissance de leur musique. Toutefois, cette définition est réductrice et incomplète. Tous ces éléments ne peuvent être mesurés. Vous pensez peut-être qu’un certain nombre d’adeptes sur un média social vous apportera une certaine forme de succès, mais une fois que vous aurez atteint ce nombre, vous vous rendrez compte que cela ne vous apportera pas de revenus passifs ou de ventes supplémentaires. Vous devez continuer à travailler dur pour en retirer quelque chose, ce qui vous prendra du temps hors de votre studio. Il en va de même pour les ventes. Vous faites peut-être beaucoup de ventes, mais ensuite? Vous rechercherez quelque chose d’autre. Le succès en musique doit être considéré comme un accomplissement personnel, plutôt que comme une validation extérieure. C’est ce que j’appelle souvent le bonheur.

Alan Watts, philosophe britannique, a dit un jour : « Le sens de la vie, c’est simplement d’être en vie. C’est si simple et si évident. Et pourtant, tout le monde se précipite dans une grande panique comme s’il était nécessaire d’atteindre quelque chose qui les dépasse ». Cette citation illustre parfaitement l’importance de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale, plutôt que de rechercher une validation extérieure.

Le contexte du succès

Un autre aspect que les musiciens négligent souvent lorsqu’ils courent après le succès est le contexte dans lequel le succès s’est produit. Le succès d’un artiste n’est pas seulement le résultat de son talent, mais aussi le fruit du hasard, de la chance et d’autres facteurs externes. Le film « Searching for Sugarman » raconte l’histoire de Sixto Rodriguez, un musicien qui a été acclamé par la critique en Afrique du Sud dans les années 1970, mais qui est resté inconnu aux États-Unis. Le film souligne l’importance du contexte dans le succès, et la façon dont le succès peut être atteint par des moyens inattendus.

Les alternatives à la recherche du succès

Alors, si la recherche du succès dans la production musicale est un modèle voué à l’échec, quelles sont les alternatives? Voici quelques alternatives à envisager :

Se concentrer sur le processus créatif (le voyage)

L’un des meilleurs moyens de s’épanouir dans la production musicale est de se concentrer sur le processus créatif. Plutôt que d’être obsédé par le résultat final, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale. Cette approche vous aidera à rester motivé et inspiré et, en fin de compte, à vivre une expérience musicale plus satisfaisante. Comme c’est plus facile à dire qu’à faire, comment faire? En effet, lorsque l’on se concentre sur le résultat final, on s’agace si quelque chose ne va pas : par exemple, un synthé ne sonne pas comme on l’avait imaginé au départ. Se concentrer sur le processus signifie principalement que vous êtes curieux de la tâche que vous êtes en train d’accomplir et que vous ne recherchez pas la perfection.

CONSEIL : Essayez de consacrer 50 % de vos séances en studio à jammer et à vous amuser plutôt qu’à être productif.

Développer vos compétences

Un autre moyen de s’épanouir est de se concentrer sur le développement de ses compétences. Plus vous pratiquerez et perfectionnerez votre art, plus vous évoluerez en tant que musicien. Une chose que je dis aux gens, c’est qu’ils apprendront plus en commençant 100 chansons qu’en essayant d’en perfectionner une. Lorsque vous démarrez 100 projets différents, l’objectif est de relever un défi différent à chaque fois. Il peut s’agir d’une nouvelle technique, de l’utilisation d’un nouveau plugin ou d’un son inhabituel. Cela vous apportera non seulement une satisfaction personnelle, mais fera également de vous un musicien plus compétitif et plus compétent dans le secteur.

CONSEIL : Essayez de commencer 100 chansons, puis travaillez-les en alternance.

Se rapprocher de son public immédiat

L’un des aspects les plus gratifiants de la production musicale est le contact avec le public. L’erreur que commettent la plupart des gens est d’essayer d’atteindre des personnes qui ne s’intéressent pas vraiment. Ce qu’il faut faire, c’est favoriser les personnes proches qui peuvent se sentir concernées, ce que j’appelle (sans mauvais jeu de mots) le cercle des cinq (clin d’œil au cercle des cinquièmes, circle of fifth). Cette approche vous procurera non seulement un sentiment d’accomplissement, mais vous aidera également à construire une carrière musicale durable.

CONSEIL : Engagez-vous à connecter avec 5 personnes et créez une dynamique où chacun peut s’entraider.

Fixer des objectifs réalistes

S’il est important de se concentrer sur le voyage plutôt que sur la destination, l’établissement d’objectifs réalistes peut vous aider à rester sur la bonne voie et à rester motivé. Plutôt que de vous fixer des objectifs basés sur une validation externe, concentrez-vous sur des objectifs qui ont un sens pour vous et qui correspondent à vos valeurs personnelles. Remettez en question vos objectifs, discutez avec des mentors et des producteurs expérimentés, puis essayez de réduire vos projets au minimum.

Conseil : faites une liste des différents sons que vous aimez ou des chansons que vous écoutez souvent, puis essayez de comprendre ce que vous aimez. Travaillez ensuite à faire de la musique que vous aimez.

Conclusion

La recherche du succès dans la production musicale est un modèle dépassé et voué à l’échec. L’industrie musicale s’est considérablement transformée ces dernières années, et le succès ne peut plus être défini par des indicateurs traditionnels tels que les ventes d’albums ou les performances dans les hit-parades. En revanche, les musiciens devraient se concentrer sur la recherche d’un épanouissement personnel dans le processus créatif, le développement de leurs compétences, la connexion avec leur public et l’établissement d’objectifs réalistes.

Comme l’a dit Alan Watts, le sens de la vie est simplement d’être en vie. Il en va de même pour la production musicale. L’aspect le plus important de la production musicale est de trouver un épanouissement personnel dans le processus de création musicale. Alors, plutôt que de courir après le succès, concentrez-vous sur le voyage et appréciez le processus de création musicale.

L’intuition pour faire des choix en production

novembre 26, 2017/dans Blog mosaïque, Blogue, Blogue, Mixdown, Production/par pheek

Dans un sens, l’intuition musicale se définit avec celui qui peut apporter de la magie créatrice dans sa musique, par rapport à celui qui s’en tient à une véritable application technique du logiciel. J’ai souvent eu l’occasion de voir des producteurs expérimentés faire de la musique, que ce soit en studio ou en plein jam. Par exemple, au début des années 2000, nous avons eu le fameux Narod Niki au MUTEK de Montréal où Zip, Villalobos, Dan Bell, Akufen, Cabanne, Dandy Jack, Monolake (même Cassy a chanté pendant quelques minutes) ont tous synchronisé leur ordinateur portable et leur équipement pour improviser un live pour nous. Notre festival local nous a donné de nombreuses occasions de regarder, ce que j’appellerais, des maîtres dans ce qu’ils font, jouer devant une foule pour montrer comment créer et jouer live. L’acte live lui-même, lorsqu’il est fait correctement, doit représenter ce que l’artiste fait dans son studio, mais de manière à faire voyager la foule.

Quand je parle d’un live fait correctement, je fais référence à quelque chose qui est en partie préparé et en partie improvisé : un set qui repose donc sur l’intuition musicale. L’intuition musicale est le combo parfait qui permet à des « accidents créatifs » de survenir et crée un sentiment de prise de risque. Il y a beaucoup de performances préenregistrées dont je ne comprends pas l’intérêt. Ce qui m’intéresse ici, c’est le sujet de l’intuition musicale. Depuis que j’ai commencé à enseigner, cette question est souvent soulevée :

Comment enseigner l’intuition musicale, ou l’intuition en général ?

Il y a 3 points sur l’intuition qu’il nous faut aborder. L’intuition peut être :

Une appréhension ou une connaissance immédiate sans raisonnement ni déduction.
Une connaissance ou conviction acquises uniquement par l’intuition.
Le pouvoir ou la faculté d’acquérir une connaissance directe ou une cognition, sans pensée et déduction rationnelles évidentes.

Ce à quoi je fais référence en utilisant le mot intuition est un peu différent de ces trois points. Pour moi, l’intuition en musique, c’est la manière de faire quelque chose qui semble aléatoire, mais qui se fait de façon très efficace. Partiellement imprévisible, en partie guidé par l’expérience, mais entièrement guidé par une vision personnelle pour arriver à un résultat spécifique. C’est l’intuition musicale.

Un exemple notable serait celui d’un artiste, lors d’un set live, qui drop des sons ou une idée musicale inattendue, mais qui fonctionne avec ce qui se passe au moment présent. Un autre exemple pourrait être celui d’un musicien proposant une idée aléatoire et la faisant prendre tout son sens après 2-3 minutes de développement.

Peut-on apprendre ou développer l’intuition musicale dans la production ?

Je crois dur comme fer que c’est possible. Voici quelques façons d’y parvenir :

Écoutez beaucoup de genres musicaux, soyez divers dans la sélection. La meilleure façon d’obtenir de nouvelles idées pour une chanson et d’apporter un vent de fraîcheur qui vient d’ailleurs. Le nombre d’idées que je tire du free jazz ou de la musique indienne est faramineux, je trouve beaucoup de profondeur dans ces genres ; ils existent depuis si longtemps qu’ils ont développé une grande maturité. Essayez de creuser dans des domaines qui semblent obscurs ou passez du temps à écouter de la musique folklorique comme point de départ.
Connaître vos outils. C’est frustrant, car il y a toujours quelque chose à apprendre. Je dis souvent aux gens, ce que vous avez besoin de savoir sur votre DAW devrait se limiter à faire des clips et construire des pistes. Le reste s’apprend au fur et à mesure. Mais le principal est que vous devriez être à l’aise avec votre DAW, et son utilisation devrait être une seconde nature pour vous. Le déplacement des blocs, les copier-coller, et les arrangements de base doivent se faire rapidement pour ne pas perdre votre workflow. C’est quand vous commencez à chercher comment faire quelque chose de très simple que vous perdez votre idée initiale. Imaginez que vous ne puissiez pas expliquer à un ami comment se rendre à l’épicerie la plus proche parce qu’il y a trop de détails à expliquer ; ce serait déroutant pour lui et pour vous.
Soyez attentif à vos habitudes et aux choses que vous n’aimez pas. Nous sommes pris dans ce qui a déjà fonctionné, et nous avons tendance à le répéter ad nauseam. Bien que ce soit une partie de ce qui attire les gens vers notre musique, même un son en particulier, si nous sommes esclaves de nous-mêmes et des attentes des gens, nous ne pourrons pas grandir en tant qu’artistes. L’intuition musicale progresse avec votre engagement personnel à évoluer et à sortir de votre zone de confort. Plus il vous sera facile d’explorer, plus vous pourrez vous exprimer facilement. Le sens de la maîtrise de la musique vous permettra de devenir plus spontané et de trouver de nouvelles idées.
Développer votre curiosité technique. Passez votre temps à lire sur la musique, mais aussi sur des sujets qui ne sont pas reliés à la musique. Beaucoup d’idées me sont venues en lisant des romans de science-fiction, en regardant des danseurs, en lisant des livres d’architecture, en dessinant avec mon fils, en courant dans les bois, etc. Votre cerveau doit faire autre chose que de passer du temps en studio. Vous ne pouvez apprendre que dans une certaine mesure en studio, les nouvelles idées viennent en faisant d’autres choses.
Pratiquez seul et avec les autres. Si vous pouvez jouer seul pour vous mettre à l’aise dans votre art, c’est une chose importante. Mais quand vous pouvez jouer avec un ami, cela devient très intéressant, car le dialogue vous force à interagir, proposer, écouter, ajuster. Cela améliorera vos aptitudes de communication musicale considérablement.
Jouez pour des amis. J’avais l’habitude de faire des concerts intimes dans le salon où je jouais pour trois ou quatre amis, assis sur le sol, sirotant du thé, dessinant, dansant, bavardant, mais surtout, écoutant attentivement. C’est à ces moments-là que j’ai le plus appris et c’est souvent sous-estimé, car les gens pensent que jouer devant beaucoup de gens est le moment où on s’amuse ; cela peut être le cas, mais ce n’est pas la seule option. L’avantage de jouer pour une poignée d’invités est d’obtenir un feedback intime et instantané, ce qui peut être une expérience enrichissante.

Expérimentez ces idées et vous devriez lentement développer votre intuition musicale. Faites-moi savoir si vous avez des questions ou faites appel à mon service de coaching pour explorer votre musique plus en profondeur.