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Les meilleurs égaliseurs pour la musique électronique

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Les gens me demandent souvent quel est mon égaliseur (EQ) préféré pour la musique électronique, et ma réponse est que cela dépend de leur objectif, ainsi que de leur niveau de compétence. Cependant, les EQ que j’aime pour la musique électronique répondent généralement à un certain nombre de critères. Tous les égaliseurs présentés dans cet article ne répondent pas à tous ces critères, mais voici une liste non exhaustive de ce que j’aime voir lorsque j’en achète un nouveau.

Gardez à l’esprit que tous les EQ sont, à la base, de simples filtres, mais certains vont encore plus loin. Les réglages des égaliseurs pour la musique électronique varient en fonction des timbres et des styles, mais chacun de ces éléments fonctionnera de manière universelle pour la musique électronique.

 

CRITÈRES

  1. Ils ont des aperçus du groupe que vous pouvez mettre en solo (vous pouvez appuyer sur le bouton et entendre le groupe seul). Cela vous permet d’entendre les choses de manière plus spécifique.
  2. Le plug-in doit être capable de faire du suréchantillonnage.
  3. Le plug-in doit pouvoir mettre en solo le filtre (bande d’égalisation).
  4. L’égaliseur doit disposer d’un mode mid et side (mode M/S)..
  5. L’égaliseur peut passer d’une approche numérique à une approche analogique. Un égaliseur numérique est très propre, tandis qu’un égaliseur analogique est un peu plus organique et moins précis.
  6. L’égaliseur peut être dynamique. 
  7. Bien que tous n’aient pas cette fonctionnalité, il est intéressant qu’un égaliseur dispose d’un piano roll, afin que vous puissiez voir comment les fréquences sont quantifiées par rapport aux notes (c’est un bon moyen de voir si une note peut s’insérer dans la piste).

 

Fabfilter Pro-Q 3

A picture of one of the best equalizers for electronic music, in my opinion, the Fabfilter Pro Q 3

Le premier sur la liste est le Fabfilter ProQ 3 : un égaliseur abordable et facile à utiliser qui répond à la plupart des critères que je recherche. Il est polyvalent, c’est-à-dire qu’il peut être utilisé aussi bien en mastering qu’en mixage. En plus d’un fonctionnement en phase linéaire de pointe et de la possibilité d’obtenir des lectures sans latence sur votre égaliseur, vous disposez de modes de phase naturelle, d’un traitement mid/side et d’un tas d’autres options intuitives.

 

Une astuce sur le Pro-Q 3

 

L’une de mes fonctions préférées est que si vous avez le ProQ 3 sur plusieurs pistes ou bus, il peut communiquer avec les ProQ 3 sur les autres et vous indiquer s’il y a des conflits de fréquences.

Ensuite, avec le traitement latéral (sidechain), vous pouvez facilement atténuer des fréquences précises, et vous pouvez même mettre ces fréquences en solo pour entendre exactement comment le sidechain affecte la relation entre tous les sons individuels. Parfois, vous n’avez même pas besoin d’un sidechain, et vous pouvez simplement saisir la courbe et baisser la fréquence conflictuelle.

Une autre astuce avec le Fabfilter ProQ 3 est que vous pouvez l’utiliser pour diviser la stéréo, et modifier la même fréquence à différents niveaux d’amplitude sur la stéréo. Par exemple, il arrive que dans un enregistrement vous ayez un son qui se mélange bien sur le panoramique droit, et ne se mélange pas parfaitement sur le gauche, mais devrait être un peu présent sur le panoramique gauche afin de remplir le champ stéréo.

Avec le ProQ 3, vous pouvez laisser le niveau du canal droit tel quel, et sur le canal gauche, modifier l’amplitude afin de s’adapter aux fréquences avec lesquelles il rentre en conflit.

Toutes ces raisons expliquent pourquoi il s’agit d’un égaliseur privilégié pour la musique électronique. Il produit parmi les meilleurs réglages d’égaliseur pour les basses, les médiums et les aigus dans tous les genres.

 

Wavefactory Trackspacer

A photo of Wavefactory's trackspacer, which allows you to have some of the best equalizer settings for electronic music without the hassle.

Il ne s’agit pas nécessairement d’un égaliseur, mais si vous êtes familier avec le Trackspacer de Wavefactory, vous comprendrez pourquoi il a sa place dans cette liste. En fait, il utilise une formule mathématique pour déterminer automatiquement où se trouvent les fréquences conflictuelles entre deux pistes, puis il applique une compression latérale précise aux parties qu’il est nécessaire de compresser pour qu’elles se fondent mieux.

Vous pouvez même appliquer un filtre passe-bas ou passe-haut à chaque extrémité du spectre de fréquences pour isoler la partie des sons que vous souhaitez compresser. Il est ridiculement facile à utiliser.

 

HornetVST Total EQ

a photo of HornetVST's Total EQ. It's one of my favorite equalizers for electronic music.

Tout le monde n’a pas l’argent nécessaire pour investir dans des VST. Cependant, HornetVST fabrique des VST qui sont ridiculement bon marché, et ils font souvent des rabais, donc vous pouvez obtenir des plug-ins décents pour 5 dollars.

Le HornetVST Total EQ est similaire à ProQ 3, sonne vraiment bien, et est facile à utiliser. Personnellement, je pense qu’il est meilleur que l’égaliseur de base d’Ableton parce que vous avez une équipe qui travaille spécifiquement sur le développement du meilleur égaliseur pour la musique électronique (ou toute autre musique d’ailleurs).

Bien qu’il ne dispose pas de tous les gadgets et détails que possède le ProQ 3, il demeure excellent. Par exemple, il dispose de 12 bandes, d’un analyseur de spectre en temps réel, de 17 types de filtres différents pour chaque bande, d’une réponse analogique individuelle et d’une émulation pour chaque bande, d’un solo de bande (comme dans le ProQ 3), d’un mono/stéréo pour chaque bande et d’un tas d’autres fonctions.

 

Melda Productions – MAutoEQ

Image of one of my favorite equalizers for electronic music - the Melda Productions - MAuto EQ

Ce qui rend cet EQ spécial, c’est la technologie MeldaProduction Filter Adaption (MFA) qui utilise une formule pour analyser votre enregistrement et faire des suggestions basées sur votre enregistrement, un autre enregistrement, ou même un spectre que vous pouvez « dessiner » dans l’interface. C’est un peu le Photoshop des égaliseurs, d’une certaine manière. Il peut également être utilisé de manière intensive pour le mixage et le mastering.

MAutoEqualizer peut placer une piste dans un mixage en utilisant la fonction de séparation spectrale, où vous pouvez, comme dans Photoshop, dessiner votre réponse en fréquence préférée. La technologie de MAutoEqualizer recherchera les meilleurs réglages et modifiera les bandes de l’égaliseur paramétrique pour les adapter au mieux.

Avec un égaliseur normal, vous écoutez le spectre, puis vous augmentez ou diminuez l’amplitude de la bande pour l’adapter à ce que vous pensez être le niveau correct, ce qui peut être une corvée. Avec MAutoEqualizer, vos oreilles peuvent se reposer en réglant les choses à des niveaux basés sur ses prédéterminations algorithmiques.

De plus, si vous êtes allergique à la résonance dans votre son, cet égaliseur est fait pour vous. L’une des choses qu’il fait le mieux est d’analyser le signal entrant, où il trouve ensuite des résonances auxquelles il peut appliquer des suggestions de filtrage. Ensuite, avec le bouton dry/wet, vous pouvez déterminer le degré de résonance que vous souhaitez dans les zones qu’il a repérées. C’est vraiment simple, et c’est un des meilleurs égaliseurs pour la musique électronique.



Brainworks’ BX3

A photo of the Brainworks’ BX3, which produces some of the best equalizer settings for electronic music.

Un égaliseur de mastering et de mixage que je recommande est le BX3 de Brainworks. C’est un égaliseur extrêmement puissant et chirurgical que j’utilise beaucoup. Il peut créer de l’espace, nettoyer et vraiment polir les choses. Cet égaliseur n’est pas conçu pour ajouter de la couleur ou du caractère aux mixages, mais plutôt pour s’assurer que tout sonne aussi clair et net que possible. Il est un peu difficile à utiliser si vous n’êtes pas très familier avec le mixage et le mastering, mais il est extrêmement puissant, ce qui en fait un des meilleurs égaliseurs pour la musique électronique.

La fonction Auto Listen de cet égaliseur règle automatiquement les commandes de gain et de Q (résonance) de chaque bande en fonction de leurs réglages respectifs, tout en faisant de même avec le contrôleur de fréquence du canal. En réglant le Gain, le Q et la Fréquence sur un canal individuel (L ou R), la fonction Auto Solo bascule l’écoute sur ce canal.

Vos réglages sont illustrés par des graphiques de réponse en fréquence distincts pour chaque canal. Grâce à cette fonction, vous remarquerez que vos ajustements seront plus visibles et audibles que jamais, car elle permet d’effectuer parmi les meilleurs réglages d’égaliseur pour la musique électronique.

 

Brainworks’ AMEK200

photo of one of my favorite analog emulated EQ's for music, the Brainworks’ AMEK200.

Mon égaliseur d’émulation analogique préféré est l’AMEK200 de Brainworks. Il est modelé d’après les égaliseurs de mastering classiques des années 70 et 80, comme le GML 8200 et les égaliseurs vintage SONTEC, mais avec quelques améliorations spécifiques au plug-in, comme les fonctions Auto-Listen, les filtres passe-haut et passe-bas variables, et le traitement M/S.

Toutes ces caractéristiques permettent d’obtenir un mixage transparent qui offre une très belle finition. Notez que l’AMEK200 n’a pas de lecture spectrale, juste des boutons que vous tournez, ce qui est bon pour apprendre à faire confiance à vos oreilles.

 

Finalement, quel est mon égaliseur préféré pour la musique électronique?

Il n’y en a pas un en particulier. Tous ces plug-ins permettent d’obtenir les meilleurs réglages d’égaliseur pour la musique, qu’il s’agisse de house minimale, de techno, de jazz, de rock, de hip-hop ou de k-pop. Ils permettent tous les meilleurs réglages d’égaliseur pour des basses ondulantes ou des médiums envoûtants, tout dépend de votre niveau d’expérience et de votre désir d’apprendre et d’expérimenter.

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Pouvez-vous faire confiance à votre jugement sur votre propre musique?

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C’est un sujet très populaire ces derniers temps — je pense qu’en raison de la pandémie et de l’isolement qui l’accompagne, les gens comptent beaucoup sur les contacts en ligne pour obtenir un retour sur leur musique. L’absence de tests musicaux en personne et le fait de ne pas pouvoir aller dans les clubs ont changé la façon dont nous pouvons analyser notre propre musique.

J’ai récemment participé à un streaming en direct organisé pour soutenir un ami du nom de Denis Kaznacheev, qui a été emprisonné pour quelque chose que nous pensons tous être impossible (mais c’est un autre sujet). Être dans une pièce avec 4 personnes, jouer en live et recevoir des commentaires après des mois d’isolement a été une expérience étrange. La première chose qui m’est venue à l’esprit, c’est que ma musique était nulle. Oui, j’ai aussi vécu ça de temps en temps, et j’avais oublié comment le fait de jouer de la musique pour et devant des gens change la dynamique d’une chanson. En studio, ça sonne d’une manière spécifique, mais ajoutez un auditeur et tout d’un coup, c’est différent.

Une chanson, un contexte différent, une ambiance complètement différente. Y avait-il quelque chose que je pouvais faire pour prédire cela?

Techniquement, il n’y avait absolument rien de mal dans ce que j’ai fait. Les gens qui ont écouté l’émission ont adoré. Le problème, c’était l’ambiance, la sensation du morceau, par rapport à ce que j’avais en tête. Dans des articles précédents, j’ai parlé de l’importance d’un morceau de référence, et cela aurait pu m’aider dans cette situation particulière, et aurait pu aussi aider à mieux classer ma musique. Mais comme vous le savez, il n’y a pas de plug-in qui puisse empêcher cela. C’est pourquoi beaucoup de gens ont du mal à juger leur propre musique.

Validation technique

En ce qui concerne les éléments techniques, vous pouvez vous autoévaluer à l’aide de quelques outils pratiques.

Pour voir si votre morceau, comparé à une référence, a le même ton et est équilibré, je vous recommande d’utiliser Reference. Cet outil est mon plug-in de prédilection lorsqu’un client insiste pour que la piste sur laquelle je travaille ressemble à une chanson particulière. Je charge le morceau de référence et, après avoir fait correspondre le volume, je peux voir si les basses, les médiums et les aigus sont réglés de la même manière que mon mixage. Cela vous montre également si vous avez, par groupe, le même niveau de compression ou de largeur. Il ne ment pas et vous pouvez le faire correspondre pour avoir quelque chose de similaire. Mais comment élever une bande pour qu’elle corresponde à la référence?

J’utilise un compresseur multibande pour compresser et/ou un EQ. Un égaliseur à trois bandes peut être utile pour ajuster, mais un compresseur multibande peut vraiment donner le ton. Vous réglerez les cross-overs de chaque bande pour qu’ils correspondent à la référence et en les ajustant, vous verrez qu’ils réagissent à votre gain ou réduction. Bien que vous puissiez utiliser n’importe quel compresseur multibande, je vous recommande vivement le Fabfilter MB.

La même société qui fabrique Reference a également créé un plug-in appelé Mixroom qui, avec la même idée que Reference, se concentre sur les moyennes et hautes fréquences. C’est un peu délicat à utiliser au début, mais une fois que j’ai trouvé des chansons de référence qui ont été analysées correctement, cela m’a donné des indications intéressantes sur ce qu’il faut pousser ou enlever. J’ai trouvé qu’il était assez intéressant de faire de la rétro-ingénierie pour certains mixages compliqués.

Souvent, les gens me disent qu’ils n’aiment pas se comparer à qui que ce soit ou qu’ils optent pour leur propre style, mais c’est comme essayer de dessiner votre grand-mère à partir d’un simple souvenir. Certaines personnes peuvent faire mieux que d’autres, mais l’audio est abstrait et vous devez vous comparer à quelqu’un d’autre pour savoir ce qui manque ou ce qui déborde. Je veux dire que même dans un mixage, je compare mes pistes pour voir leurs pics, leurs densités et leurs panoramiques pour m’assurer que l’un ne croise pas l’autre, à moins de créer quelque chose comme un tout.

Les gens ont du mal à avec l’intensité sonore (loudness), mais c’est un peu plus facile à gérer. Vous aurez besoin d’un outil de mesure tel que le IKmultimedia TR5 Metering ou le charmant Hawkeye from Plugin Alliance. Ils sont coûteux, mais indispensables. Pour un mixage, vous devez garder à l’esprit quelques détails : le pic le plus fort doit être de -6 dB, le RMS (plus ou moins la densité) entre -13 et -20 dB. En LUFS, je suggère d’être autour de -15 dB et de conserver une gamme dynamique au-dessus de 10. Un plug-in tel que Reference indique également l’intensité sonore, ce qui peut être très utile pour voir si vous êtes dans la même fourchette.

Veuillez considérer que ce sont des chiffres auxquels j’ai affaire souvent, et que pour certains genres, cela peut être complètement différent.

Si vous avez du mal avec les basses, les gars de Mastering The Mix ont un outil de validation/amélioration des basses fréquences avec l’excellent plug-in Bassroom. Là encore, vous aurez besoin d’une référence de qualité pour faire l’affaire, mais une fois chargée et avec un peu de pratique, les basses fréquences faibles et muddy appartiendront au passé.

Ce sont les meilleurs outils de validation technique que j’ai utilisés ces dernières années. Ils sont efficaces, abordables et très utiles dans tout ce que je fais.

Faire le mixage et le mastering soi-même

Quiconque fait de la musique depuis un certain temps ou a étudié l’ingénierie du son conviendra que faire le mixage ou le mastering soi-même n’est pas le vrai problème. C’est faisable, comprenez-moi bien, mais vous ne gagnez pas. Avec la liste précédente de tous les outils techniques que j’ai partagés, vous pouvez faire des mixages vraiment efficaces, mais peut-être que parfois ce n’est pas suffisant.

En tant qu’ingénieur, la principale chose que je dirai est que quelqu’un d’autre pourrait repérer des choses qui sont dans vos angles morts, en plus cette personne est également émotionnellement détachée de la musique elle-même, donc prendre des décisions semble moins risqué en soi. Si vous avez lu ce blogue régulièrement, vous savez que je fais souvent référence à notre dualité en tant qu’êtres humains pour y voir un côté analytique et un côté créatif. Lorsque je travaille avec des musiciens, je les invite à voir cette dualité comme un muscle. Votre côté créatif a besoin d’être exercé, il doit être constamment nourri parce que c’est une éponge. Vous voulez trouver la routine parfaite et être efficace, puis la briser en morceaux pour réinventer votre nouvelle façon de faire de la musique en les recombinant pour une nouvelle version de vous-même.

Pour moi, faire de la musique, ce n’est pas essayer d’être en pleine possession de son potentiel, mais plutôt se mettre toujours dans un état d’instabilité et de risque, pour que de nouvelles idées créatives émergent. Vous allez relier les points du passé pour créer un chemin dans le présent.

Cet état d’esprit n’est pas toujours technique, et il est brut. Je vous invite à ne pas l’apprivoiser, mais à créer des idées spontanées et des projets bruts.

Cette approche est en fait l’exact opposé de celle qui consiste à s’asseoir devant son ordinateur pour concevoir et régler une snare. Il n’y a rien de mal à cela si vous le souhaitez, mais comme je le dis aux gens, les artistes devraient devenir des experts du flux, pas de la perfection. Ils veulent être des artistes, pas des artisans. Mais je ne vous empêcherai pas d’être les deux — j’ai juste souvent l’impression que la production technique ne vieillit pas aussi bien que les idées créatives solides. La seule chose qui résiste à l’épreuve du temps est la simplicité, qui s’accompagne d’une maîtrise à la fois du flux et de l’expertise technique.

Si vous voulez être un maître en tout, vous serez également très moyen en tout pendant un certain temps, voire pour toujours.

Alors, imaginez que vous avez une idée géniale, mais que vous êtes très moyen dans le mixage et nouveau dans le mastering — vous serez probablement en train de massacrer votre idée quand vous essaierez de faire l’un ou l’autre. Oui, vous économisez de l’argent et vous apprenez en le faisant vous-même, mais je pense que si vous aspirez à sortir quelque chose sur un bon label, à attirer l’attention, il serait bon que quelqu’un, même un ami, regarde votre mix. Mais si vous voulez vraiment tout faire vous-même, procurez-vous des outils solides pour vous assurer d’en tirer le meilleur parti.

Si vous voulez vous entraîner au mixage, je vous suggère d’essayer de trouver ce que j’appelle, un compagnon d’échange qui peut vous envoyer ses mixes et vice-versa. Vous apprendrez tous les deux en vous mettant au point mutuellement, et retourner ensuite à votre propre musique vous semblera plus facile, et plus clair aussi.

Validation psychologique

Aujourd’hui, la psychologie est un domaine où il n’y a pas d’outils d’aide disponibles. C’est cet entre-deux où vous avez peut-être fait quelques mixes différents et ne savez pas lequel est le meilleur. Vous savez que techniquement tout est là et en ordre, mais dans la dernière partie, vous essayez d’étiqueter votre chanson dans un de ces paniers : Bon, Pas bon, Encore à travailler, Prêt pour le mastering… etc.

Les producteurs avancés, expérimentés et vétérans sont-ils exemptés de cet état d’esprit? Pas du tout. Après des décennies de production musicale, je n’ai toujours aucune idée si ma musique est « bonne » ou non, même si elle est entrée dans le top 10 de Beatport ou si mes amis l’aiment tous. Au fond de moi, parfois, je doute de moi-même. Cependant, j’ai établi quelques règles personnelles pour m’aider à juger si je pense que mon propre travail est décent ou non.

Traitez d’abord les points techniques : c’est pourquoi j’ai commencé cet article avec les points techniques. Je vois dans notre groupe Facebook, des gens qui donnent leur avis, et mon observation est qu’il est souvent biaisé par leur humeur ou leur situation d’écoute. Ce qui est devenu clair pour moi, c’est que pour donner un feedback, il faut une référence commune. Je peux vous dire que votre kick est trop fort, mais par rapport à quoi? J’ai des clients qui se plaignent parfois que la basse est trop forte, mais lors de la même session de mastering ce jour-là, j’ai eu un autre client qui aimait les kicks très, très forts. La différence était risible et les deux avaient un feedback exactement opposé : l’un avait des graves faibles, mais il trouvait que c’était trop alors que l’opposé était une orgie de basses, mais il en voulait plus. Serait-ce seulement ce qu’ils entendent? Oui, probablement, et c’est pourquoi vous devez pouvoir utiliser un FFT pour vérifier, mais aussi, écouter votre musique au milieu d’une playlist qui a d’autres chansons du même genre pour savoir si elle sonne bien.

Un client me disait : « Ça sonne bien en studio, mal dans la voiture et à la maison, c’est une autre chanson… quelle est la bonne impression? »

Celle qui est correcte doit être votre version studio, mais elle doit être techniquement validée par rapport à d’autres chansons. Si elle ne sonne pas bien chez vous, trouvez une chanson qui y sonne bien et étudiez-la en studio pour voir ce que cette chanson a de plus que la vôtre.

Sachez que vous n’aurez jamais vraiment une opinion permanente sur votre musique. Chaque jour, votre humeur peut changer et affecter la façon dont vous appréciez votre musique. En cours de route, vous apprendrez de nouvelles techniques et vous entendrez des erreurs dans votre chanson, vous entendrez une meilleure chanson que la vôtre… tous ces points vous feront douter de vous-même. Vous aurez toujours envie d’aller réparer quelque chose. Comme vous savez que vous n’en serez jamais vraiment satisfait, alors vous pouvez accepter d’aller plus vite. Il suffit de commencer une autre chanson, d’appliquer ce que vous avez appris, d’utiliser vos nouvelles influences et d’essayer quelque chose de nouveau.

Rien d’extérieur ne validera votre musique. Peu importe ce que vous pensez ou faites avec votre chanson, vous pouvez en douter. Cela signifie que vous n’avez pas besoin du dernier synthétiseur ou d’être sur ce label spécifique. «…et puis je serai heureux » est une illusion. Sachant cela, cela vous recentre sur le fait de compter sur une poignée d’amis pour vous donner un avis.

Laissez les choses vieillir. Rien de mieux que de prendre quelques semaines avant d’écouter à nouveau pour savoir ce que vous en pensez.

Ce qui est intéressant, c’est que chaque fois que je reçois des critiques, je commence à voir une perspective que je n’ai pas suffisamment étudiée — super importante. La production musicale et l’ingénierie du son sont souvent décourageantes et c’est la réalité de l’art. Cela dit, je pense qu’il n’y a pas un jour où je fais de la musique où je n’apprends pas quelque chose de nouveau. Acceptez que tout soit un travail en cours. C’est pourquoi les chansons qui prennent trop de temps à terminer sont souvent dues à mon côté perfectionniste qui a pris le dessus, et ce n’est pas là que je peux faire de la magie — c’est souvent l’inverse.

Série « Conception sonore et Arrangements » Part. 1 : Contraste

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J’ai décidé de faire une série d’articles sur les arrangements parce que je suis passionné par cet aspect de la production musicale, mais aussi parce que j’ai remarqué que beaucoup de gens avec qui je travaille ont des difficultés à ce niveau. Il y a tellement d’approches et de techniques différentes pour faire des arrangements – chacun a la sienne, et c’est un peu le l’objectif que j’aimerais atteindre dans cette série. Je vous invite à prendre un nouveau départ en développant une signature personnelle, une esthétique, un vocabulaire et une personnalité.

Cet article n’est pas destiné aux personnes qui commencent tout juste leurs premiers arrangements, mais si c’est le cas, il contient tout de même des informations qui pourraient être intéressantes à considérer plus tard.

Qu’est-ce que j’entends par « contraste » dans le contexte des arrangements?

Dans la conception visuelle, le contraste fait référence aux éléments (deux ou plus) qui présentent certaines différences, celles-ci étant utilisées pour attirer l’attention ou pour évoquer une émotion. Lorsque j’enseigne le contraste à mes étudiants, l’exemple le plus simple pour comprendre et résumer ce concept est une différence d’amplitude (volume). Dans les films, pour créer une surprise, une excitation ou une tension, l’amplitude sera faible, puis augmentera soit rapidement soit lentement, soutenant les images dans l’émotion qui est présente.

Dans de nombreuses chansons de musique électronique, nous avons entendu (trop souvent) du bruit utilisé comme élément ascendant pour créer une tension. Les constructions sonores sont devenues à un moment donné une caricature d’elles-mêmes étant donné leur surutilisation — mais c’est un bon exemple, néanmoins.

Comment le contraste est-il utilisé dans la conception sonore?

Je passe mes journées à travailler avec des musiciens — le contraste intervient dans différentes circonstances.

Dans un même son, il peut y avoir des changements rapides ou lents d’un extrême à l’autre. J’aime visualiser cela en analysant un son à travers différents axes pour m’aider à comprendre ce qui peut lui être fait.

  • Attaque : Commence-t-il brusquement ou lentement?
  • Decay/Amplitude : Devient-il vraiment fort ou est-ce plus subtil?
  • Fréquence/Ton : Est-elle élevée, moyenne, basse?
  • Release/Longueur : Court —Moyen —Long —Constant?
  • Positionnement : Est-il loin ou proche? En bas ou en haut devant moi?

Un bon contraste, en général, consiste à avoir deux extrêmes dans certains de ces domaines. Pensez à un clap avec une longue réverbération, comme exemple de la façon dont une attaque super rapide avec un long release peut créer quelque chose d’irréel, et donc, attirer l’attention. Un son qui change de tonalité est une autre forme de contraste, lorsque nous passons d’un état à un autre.

Une autre façon de penser au contraste consiste à se dire que presque tous les sons complexes sont la combinaison de plusieurs sons superposés. Lorsqu’ils sont bien faits, ils semblent ne faire qu’un, et lorsqu’ils sont contrastés, la couche de contraste ajoute un mouvement, une texture ou quelque chose de dynamique qui ravive le son initial. Bien sûr, les sons courts sont plus difficiles à contraster, mais si vous pensez au gazouillis d’un oiseau, qui est en fait l’équivalent d’une onde sinusoïdale avec une enveloppe d’attaque rapide sur la hauteur, ses sons sont courts, mais se déplacent aussi incroyablement vite.

Si vous pensez à utiliser le contraste dans un son particulier, la façon la plus rapide d’y parvenir est d’utiliser un échantillonneur et de vraiment tirer parti de l’utilisation des enveloppes, de l’affectation du mod wheel et, bien sûr, des LFO, mais c’est vraiment grâce à l’utilisation des enveloppes que vous pourrez produire une réaction à ce qui se passe, de façon sonore.

Comme je l’ai mentionné, la façon la plus simple de produire un contraste est d’utiliser deux sons qui ont des caractéristiques différentes, par exemple, court contre long, clair contre sombre, triste contre heureux, loin contre proche, etc. Lorsque vous utilisez deux sons, vous donnez à l’auditeur la possibilité d’avoir des éléments à comparer, et l’oreille peut facilement percevoir la différence.

Lorsque vous sélectionnez des sons pour exprimer votre idée principale, pensez aux caractéristiques de chaque son que vous utilisez. Moi-même, je choisis généralement mes sons par paires, puis par lots de quatre. Je commence par en trouver un, et le suivant sera lié au premier. Je garderai à l’esprit l’axe des deux sons lorsque je les sélectionnerai et je commence généralement par des échantillons plus longs, parce que je sais que je peux les tronquer.

Le matin, je travaille généralement sur le mastering, et l’après-midi, je travaille sur le mixage. La raison en est que lorsque l’on travaille sur le mastering, on travaille sur toutes sortes de mixages ; ils ont des problèmes que je dois régler pour que le master soit prêt à être distribué. En prêtant attention au mixage, j’ai souvent affaire à des fréquences difficiles et je passe mon temps à contrôler les résonances qui transparaissent une fois que la chanson est boostée.

Lorsque je mixe, j’ai souvent affaire à une sélection de sons qui ont été choisis au départ par le producteur avec lequel je travaille. Plus les échantillons sont bons, plus le mixage sera facile et, au final, plus la chanson sera agréable à écouter. Ce qui fait qu’un son est excellent vient de différentes choses :

  • Qualité de l’échantillon : clarté, faibles résonances, non compressé mais dense, bien équilibré et sonorité claire, ouvert.
  • Haute résolution : 24 ou 32 bits, avec une certaine marge (headroom).
  • Pas d’utilisation inutile d’effets de faible qualité : pas de réverb bon marché, pas d’égalisation exagérée qui exposerait les défauts du filtre, pas de manipulations M/S bizarres.
  • Transitoires contrôlés : rien qui ne blesse les oreilles de quelque façon que ce soit.

Vous voulez traquer des échantillons pas trop courts, parce que vous voulez pouvoir en choisir la longueur. Vous n’aurez pas besoin d’un échantillon qui couvre toutes les fréquences — vous voudrez vous sentir invité à superposer plusieurs sons sans aucun conflit ou sans avoir une plage de fréquences saturée de façon excessive.

Quand j’écoute beaucoup de mixages, la première chose que je cherche est le contraste général entre les sons. S’ils manquent de contraste, ils seront le plus souvent mélangés et plus difficiles à comprendre.

En théorie, une chanson est une grande expérimentation de conception sonore, assemblée par le biais du mixage. Si tout est sur un seul axe, par exemple si tous vos éléments sont forts, vous perdez le contraste et votre chanson devient unidimensionnelle.

Comment le contraste est-il utilisé dans les arrangements?

Si le contraste dans la conception sonore est à l’intérieur d’un seul son, c’est à travers toute la chanson (ou section) que nous pouvons aborder le contraste dans les arrangements. Une chanson peut avoir différentes sections : dans la pop, pensez au « refrain », « couplet », etc., qui sont des sections très distinctes et peuvent être utilisées dans n’importe quel contexte comme des moments de la chanson. Vous pouvez passer de l’une à l’autre, et plus il y a de distinction entre les sections, plus votre récit sera contrasté.

Ce type de contraste est-il essentiel? Non, mais il peut engager l’auditeur. C’est pourquoi, pour beaucoup de gens, le breakdown et le drop en musique électronique sont très excitants, parce qu’il y a un fossé et une différence et que l’expérience de passer de l’un à l’autre est intense et amusante (surtout sur un gros système son).

En techno, la linéarité fait partie du genre, car les chansons font généralement partie d’un DJ set et sont faites pour être assemblées et superposées avec d’autres morceaux, pour créer quelque chose de nouveau. Les grandes variations de contraste peuvent être gênantes, c’est pourquoi certaines pistes émettent un contraste très lentement et subtilement, au lieu d’un changement radical et soudain.

Donc, ce qui rend une chanson intéressante, pour moi ou pour n’importe qui, c’est le contenu de l’idée principale, basé sur les besoins de l’auditeur. Qu’est-ce que je veux dire exactement?

  • Un DJ peut être à la recherche d’une chanson d’un genre spécifique et vouloir que son accroche corresponde à une autre chanson qu’il possède.
  • Certaines personnes veulent avoir une chanson qui exprime une émotion pour pouvoir s’y connecter (par exemple, les vibes nostalgiques).
  • D’autres peuvent vouloir une musique similaire à celle qu’ils aiment, mais légèrement différente, tandis que d’autres encore veulent être exposés à des idées complètement nouvelles.

Lorsque j’écoute les chansons sur lesquelles je travaille, ma première tâche est de comprendre rapidement ce que le compositeur essaie de dire/faire. Si la personne essaie de faire une chanson orientée vers la danse et le peak time, je travaillerai sur la dynamique pour pouvoir faire correspondre des musiques du même genre et m’assurer que tous les éléments rythmiques fonctionnent ensemble.

La précision dans la conception sonore est tout à fait essentielle pour transmettre un message, quel qu’il soit. Parfois, j’entends une mélodie et, en raison de l’échantillon utilisé, cela me fait froncer les sourcils – une bonne mélodie, mais une sélection bizarre de sons donne un message gênant.

C’est comme si vous essayiez d’impressionner un premier rendez-vous avec un compliment/cadeau qui n’a pas de sens — vous ne diriez pas à quelqu’un que son nez est vraiment gros…?!

La combinaison d’une bonne conception sonore et du soutien de votre idée est exécutée par les arrangements. C’est la combinaison de plusieurs sons par le biais d’un mixage qui crée une pièce.

Quelques exemples d’utilisation de contrastes dans le cadre d’arrangements pourraient être :

  • Intensité différente entre les sections, soit en volume, soit en densité.
  • Différents tons, différentes émotions.
  • Changements dans la signature rythmique ou le rythme.
  • Changements dans la façon dont les sons se déplacent, apparaissent ou évoluent.
  • Alternance du motif, de la séquence ou de l’accroche, ajout d’éléments supplémentaires pour combler les manques, les trous ou les silences.

L’une des plus grandes différences entre la musique électronique d’il y a 30 ans et celle d’aujourd’hui, c’est qu’à l’époque, on faisait de la musique avec ce qu’on pouvait trouver. Aujourd’hui, nous avons accès à tout, alors comment décider de ce qu’il faut faire quand il n’y a pas de limites?

Je trouve que lorsque vous supprimez toutes les limitations techniques comme la sélection des sons de votre session, vous pouvez vous concentrer sur la conception et le récit. Il en va de même si vous avez l’impression d’avoir réussi à comprendre vos exigences techniques et que vous voulez maintenant creuser plus profondément — alors vous pouvez commencer par le contraste.

Pour résumer, il s’agit d’utiliser le contraste à l’intérieur d’un son pour lui donner vie, soit par des mouvements lents, soit par des mouvements rapides. Créez du contraste dans vos arrangements en faisant varier les sections de votre morceau en effectuant des changements macro ou micro.

Le cas d’un mixage trop propre.

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Si vous y réfléchissez bien, il est assez impressionnant de constater le nombre d’outils qui existent pour rendre notre musique plus professionnelle. Depuis les années 90, lorsque le DAW est devenu plus abordable et facilement accessible pour le producteur dans sa chambre, la technologie s’est efforcée de nous fournir des outils de résolution de problèmes pour nous débarrasser des bruits indésirables et autres tâches difficiles. Nous sommes maintenant confrontés à un point où il existe tellement d’outils que, lorsque vous êtes confronté à un problème, la question n’est pas de savoir comment vous allez le résoudre, mais quel outil vous allez choisir. Certains plug-ins ne se contentent pas de résoudre un problème particulier, mais vont même jusqu’à vous proposer des solutions pour des choses dont vous ne soupçonniez pas l’existence.

La quantité et la qualité des outils modernes disponibles sur le marché m’ont amené, ainsi que d’autres personnes avec qui j’ai discuté de ce sujet, à faire quelques observations sur l’état actuel de la musique. Beaucoup de musique semble maintenant « parfaite » et polie à un point tel qu’elle pourrait être trop propre. Tout comme les effets dans les films, l’apprentissage profond et les mannequins photoshoppés, on a l’impression de manquer d’un peu de chaleur humaine. En plus des outils, les ingénieurs (comme moi) sont de plus en plus nombreux et abordables, ce qui permet aux gens de s’occuper plus facilement des derniers détails de leur travail. Pour beaucoup, la musique qui semble « trop propre » n’est pas un problème, mais pour d’autres, principalement ceux qui aiment la musique lofi, expérimentale et de la vieille école, la propreté numérique peut sembler un peu de trop.

Si vous y réfléchissez bien, nous avons même des options de mastering assisté par l’IA, mais des plug-ins de mastering sont également disponibles pour votre DAW (Elements by Izotope fait un bon travail), ainsi que des EQs interactifs ou des consoles pour vous aider dans votre mixage (Neutron, FabFilter Pro-Q3), et des suppresseurs de bruit (denoiser) et des plugins de restauration audio (RX Suite by Izotope). Nous nous sommes efforcés d’obtenir un son aussi propre que possible, aussi parfait que peut l’être une machine, et avec une accessibilité accrue, la technologie nous donne la possibilité de faire en sorte que les choses sonnent parfaitement.

Alors, où faut-il s’arrêter?

Monitoring

La perfection du son dépend de ce que l’on entend. Si votre monitoring n’est pas parfait, vous ne pourrez peut-être pas obtenir un mixage parfait. Je connais des personnes qui travaillent intentionnellement avec un monitoring moins précis — il peut s’agir d’écouteurs ou d’airpods (pas la version Pro), de haut-parleurs d’ordinateur portable, de casques d’écoute bon marché ou de simples haut-parleurs d’ordinateur. Les ingénieurs testent généralement leur mixage final sur des systèmes de qualité inférieure pour s’assurer qu’il se traduira bien dans des environnements non idéaux. Si vous faites de la musique sur un système de monitoring de niveau inférieur ou de niveau consommateur, vous manquerez de retour, ce qui peut s’avérer positif pour votre son.

Cependant, lorsque vous produisez sur des haut-parleurs de qualité inférieure, cela signifie également que vous pourriez ne pas affiner les éléments qui ont réellement besoin d’être corrigés. L’une des zones de fréquences qui nécessite toujours une attention particulière est le grave — ne pas accorder une attention particulière au mixage peut être problématique dans certains contextes, comme les clubs. En d’autres termes, il est risqué de faire de la musique riche en basses sans valider les basses fréquences, car par rapport à d’autres chansons du même genre qui ont un son « parfait », votre mixage peut présenter d’énormes différences, ce qui peut donner une impression de décalage. À mon avis, si vous voulez un son « brut », vous devez quand même accorder aux basses fréquences l’attention qu’elles méritent si elles constituent une partie importante de votre chanson.

Cependant, le fait de s’imposer des limites, par exemple en matière de monitoring, est un bon moyen d’ajouter une bonne dose de négligences à votre mix.

Compréhension technique

Plus on apprend, plus on se rend compte qu’on ne sait pas grand-chose. Il est parfaitement normal de ne pas tout savoir. Chaque chanson est une représentation de l’endroit où vous vous trouvez en ce moment avec votre production musicale. Je n’essaie jamais d’accomplir un « chef-d’œuvre ». Plus je mets de temps et d’énergie dans une chanson pour qu’elle sonne « parfaite », plus je me rends compte que j’ai en quelque sorte bousillé l’idée principale que j’avais au départ. Une musique produite rapidement n’est jamais parfaite, mais les gens s’identifient généralement à sa spontanéité. Je vois sur Facebook des gens émerveillés par de la musique que je considérerais techniquement ennuyeuse du point de vue de la production, mais l’émotion que ces œuvres suscitent frappe davantage les gens que la perfection d’un mix.

Chaque fois que je cherche quelque chose en rapport avec la musique, j’apprends quelque chose de nouveau. Il y a aussi des choses que je n’ai pas l’habitude de faire « de la bonne manière ». Je ne pense pas que ma musique devrait être une vitrine de mes compétences, mais plutôt le reflet des émotions que j’éprouve à ce moment-là.

Je vois souvent des gens qui utilisent trop de filtres passe-haut dans leurs mixages, ce qui donne à leur musique une impression de minceur ou de froideur, ou qui utilisent des EQs côte à côte qui pourraient introduire des problèmes de phase… mais est-ce que réparer ces choses-là est vraiment important? J’ai fait de la musique vraiment brute sans aucun EQ (Tones of Void a été enregistré en live sans aucun polissage), qui sonnait vraiment brut et qui a été mon travail le plus complimenté au cours des 10 dernières années de production.

De même, beaucoup de producteurs connaissent très peu la théorie musicale — quelle est son importance? Je n’ai jamais fait d’études musicales et ce n’est que récemment que j’ai commencé à vouloir en savoir plus. Les clients me posent souvent des questions comme « est-ce que j’ai le droit de faire ça? » Auxquelles je réponds qu’il n’y a pas de bien ou de mal. Si vous suivez les règles, vous risquez en fait de paraître trop générique, si vous êtes influencé par la technique.

La résurgence de la bande dans la production et la montée de l’amour pour le lofi est une grande chose pour la musique. Certains achètent de plus en plus de vieux magnétophones, quatre pistes, et y enregistrent des albums entiers. Une chose que j’aime, c’est la chaleur que cela apporte ainsi que le sifflement (hiss) (remarque : je suis triste quand les clients me demandent d’enlever le sifflement). Certains ont même un shelving-EQ qui peut créer un son agréable. L’utilisation d’un mixer externe pour vos mixages peut également créer une très belle couleur, même sur les moins chers. Peut-être ne devriez-vous pas chercher le meilleur équipement pour améliorer votre son!

Références

Si vos références habituelles sont une musique qui sonne vraiment propre, vous serez influencé pour qu’elle sonne de la même façon. J’aime le fait qu’en ce moment, je vois de jeunes producteurs qui s’intéressent à la musique non compressée, et qui aiment avoir une gamme dynamique aussi large que possible dans leur travail ; c’est le contraire du début des années 2000, quand les gens pensaient que l’intensité sonore était la voie à suivre — une tendance qui faisait que beaucoup de belles musiques avaient un son horrible. Aujourd’hui, certains des meilleurs producteurs ont transmis leur amour de la dynamique ouverte aux personnes qui les suivent, ce qui ouvre un très large spectre pour l’exploration de l’art subtil du mixage.

Lorsque la musique est trop propre et sécuritaire, elle devient aussi trop stérile au goût de beaucoup de gens. Si vos références ne sont que les sons les plus propres possible, peut-être devriez-vous explorer le monde du dub techno, du lofi et de la musique expérimentale sur Bandcamp — vous commencerez à comprendre comment la musique peut exister d’autres façons.

VOIR ÉGALEMENT : How to balance a mix

Le combo EQ-Compression (Pt. III)

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Après avoir examiné en détail l’égaliseur et la compression, je vais donner dans cet article quelques conseils pratiques sur la façon dont ils fonctionnent ensemble. Je vais aussi essayer de clarifier pourquoi beaucoup d’ingénieurs vous diront que tout ce dont vous avez besoin, ce sont ces deux outils pour accomplir la plupart du travail de mixage et de mastering.

Voici quelques termes et idées en lien avec le sujet :

  1. Il n’y a pas de règle sur la façon d’utiliser les égaliseurs ou les compresseurs. Vous lirez beaucoup de points de vue différents en ligne, et certaines personnes affirmeront haut et fort que leur point de vue est juste. Pourtant, après 20 ans d’essais et d’erreurs, j’ai tout de même l’impression d’avoir accompli de grandes choses alors que j’en savais moins que maintenant. Il est très important de compter sur ses oreilles. Parmi les pratiques les plus novatrices, certaines impliquent des gens qui n’ont aucune idée de ce qu’ils font autrement que de suivre leur instinct.
  2. Correction soustractive. Il ne s’agit que d’enlever ce qu’il y a de superflu.
  3. Corrections de couleur. Cela signifie généralement que vous augmenterez les fréquences. Parfois, il peut être nécessaire de couper.

Pour commencer, je vous rappellerai que dans le mastering ou le mixage, l’une des chaînes les plus courantes ressemble à ceci :

[EQ de correction]  –  [Compression]  –  [EQ de couleur]

Il y a une logique précise derrière tout ça. Fondamentalement, vous voulez d’abord enlever les fréquences indésirables, compresser et réajuster les bonnes fréquences, et finalement ajuster la tonalité ou mettre en évidence les détails avec un égaliseur coloré. Ma préférence personnelle pour de meilleurs résultats serait que chaque fois que je coupe, je le fais avec un Q (résonance) assez étroit sur l’égaliseur. Un bon point de départ est de commencer par 2 ou 3, puis d’ajuster. N’hésitez pas à utiliser la référence visuelle FFT qui est souvent incluse dans l’affichage de l’égaliseur, surtout si cette technique est nouvelle pour vous. Je coupe d’abord environ 3 dB, puis jusqu’à 5 dB. Vous voyez comment cela change votre son en bypassant l’égaliseur et en comparant.

Quand il s’agit de compression, il y a différentes choses que vous pouvez faire ici. Par exemple, si vous optez pour une configuration agressive, vous renforcerez ce que vous avez « ouvert » en coupant les mauvaises fréquences. Je suggérerais de commencer par une approche plus exagérée pour voir ce qui va vous ennuyer. Il se peut qu’il ne soit pas possible d’entendre ce qui ne va pas si vous ne poussez pas le son à sa limite.

Une fois que vous voyez et entendez les problèmes plus clairement, vous pouvez couper à nouveau, puis engager une compression parallèle pour mixer une partie du signal entrant avec la compression.

Si vous n’avez pas exploré les fréquences en side-chain, c’est une option où vous pouvez décider que votre compresseur n’appliquera rien à partir de la cible (ex. : rien en dessous de 100hz). Avec cela, vous pouvez filtrer seulement une partie de votre morceau avec l’égaliseur et ensuite compresser pour accentuer la partie que vous voulez mettre en avant.

Le dernier processus de la chaîne est l’égaliseur couleur. Vous pouvez prendre n’importe quel EQ, mais idéalement, j’opterais pour une émulation analogique ou un shelving EQ. Ceux-ci fourniront une esthétique complémentaire à ce que le compresseur a fait. Pour la coloration, vous pouvez explorer. Une façon de l’approcher est d’exagérer complètement une bande pour voir comment cela sonne, puis de continuer vers les basses fréquences. C’est très intéressant non seulement pour le sound design, mais aussi pour mixer des détails plus subtilement ennuyeux. Il peut aussi aider à construire le corps d’un son un peu fade.

Exemples de points de départ — EQ et Compression

Un pad qui manque de corps et de rondeur. Dans ce cas, il est très probable qu’une résonance soit trop forte et que de bonnes fréquences soient cachées derrière elle. Vous pouvez commencer par vérifier s’il y a un pic sur le spectre et avec votre EQ correctif, avec un Q assez étroit (ex. 1,5 à 3), essayez de réduire ce pic sévèrement avec une réduction de 5-6dB. Faites en sorte que le seuil de votre compresseur atteigne le pic le plus élevé, puis réglez la sortie pour qu’elle soit identique à l’entrée. Avec le shelving EQ, remontez les médiums de 2-3dB.

Un kick qui manque de profondeur. Cela pourrait être lié aux médiums du kick qui sont trop forts. Vous pouvez les réduire de 4 à 5 dB, puis les compresser avec un rapport de 8:1. Le shelving EQ devrait alors rehausser les basses en dessous de 100 Hz de 4 dB. Si ce n’est pas le cas, trichez en augmentant sur l’égaliseur correctif en cloche (bell) à 50 Hz.

Des percussions agressives . C’est généralement parce qu’une fréquence résonne autour de 4 à 8 kHz. C’est difficile à dire, mais essayez de couper de 8 dB et de balayer pour voir s’il y a quelque chose de plus agréable. Bypassez pour vérifier et ajustez ensuite votre coupe afin d’éliminer la résonance. Compressez avec une attaque rapide pour contrôler les transients et utilisez un glue compresseur. Le shelving EQ pourrait être utilisé pour faire remonter les aigus.

Suggestion d’EQ : Le TDR SlickEQ GE fera un excellent travail de correction.

Compression : Le nouveau SphereComp est superbe et abordable. Je l’ai testé en sound design et il glue à merveille.

Shelving EQ : J’ai essayé la démo du EVE-AT1 et je pense que vous l’aimeriez aussi. Le prix est incroyablement bon pour ce qu’il offre !

VOIR AUSSI : Trucs et astuces sur la saturation

Le compresseur multibande : astuces de compression (Pt. II)

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Afin de poursuivre avec d’autres conseils sur la compression, j’aimerais vous parler de mon outil préféré, pour un peu tout et n’importe quoi : le compresseur multibande. Pour beaucoup, cette bête est un peu difficile à apprivoiser, mais j’aimerais la décomposer pour que vous puissiez l’inclure à votre routine selon vos besoins. Avant de continuer, j’espère que vous avez lu le premier article sur la compression, et les deux articles sur l’utilisation des EQs.

Lignes directrices en matière de compression

Cas d’utilisation courante de la compression

Maîtriser le « harshness » (les sons agressifs). En utilisant un compresseur, vous pouvez régler l’attaque pour qu’elle soit rapide et la release pour qu’elle soit aussi assez rapide. L’ensemble de l’action du compresseur est ainsi rapide, ce qui permet de contrôler les sons agressifs et de les apprivoiser. Si l’attaque est trop rapide, cependant, elle peut saturer, vous devez donc jongler avec les réglages pour trouver votre sweet spot.

Pour ajouter du punch. Ici c’est le contraire, vous voudrez que l’attaque soit lente et que la release soit rapide. Le compresseur ne sautera pas immédiatement sur le transient, mais créera plutôt une certaine vivacité (snap). Le rapport devrait être d’environs 5:1, voire plus, pour obtenir cet effet dans la plupart des situations.

Pour ajouter de l’épaisseur (thickness). En utilisant votre compresseur en mode parallèle, vous pouvez le régler à environ 50 % du dry/wet, puis le compresser avec une attaque moyenne et une release moyenne-rapide. Je ferais en sorte que le ratio soit aussi élevé que possible. Si votre compresseur n’a pas d’option parallèle, vous pouvez utiliser le compresseur dans un bus AUX/Send.

Pour coller ensemble les éléments d’un mix (glue). Très similaire à l’épaisseur et au punch, vous voudrez l’ajouter à plusieurs pistes et bus à la fois. Encore une fois, compression parallèle, attaque lente, ratio élevé. Ça devrait fonctionner. Expérimentez avec des effets exagérés, puis baissez-le.

En résumé, une attaque rapide fait réagir rapidement le compresseur, ce qui signifie qu’il est là pour contrôler quelque chose. Une attaque lente permet d’améliorer le début du son. Le ratio est la part de cet effet que vous voulez en action, et la release, pour combien de temps.

Action multibande

Le compresseur multibande fonctionne exactement comme les cas d’utilisation expliqués ci-dessus, mais avec celui-ci, nous pouvons régler une gamme de fréquences à affecter. Par conséquent, vous pouvez régler l’épaisseur dans les médiums, contrôler l’agressivité des médiums hauts et améliorer les transients des aigus avec un seul compresseur, mais avec des réglages différents pour chaque section.

Le compresseur multibande possède une caractéristique supplémentaire : l’utilisation de crossovers qui fixent les points de début et de fin de chaque section. Un crossover est simplement une fréquence que vous réglez. Par exemple, le multibande à 3 bandes d’Ableton aura 2 fréquences de crossover. Vous réglez le crossover inférieur qui déterminera l’endroit où l’extrémité basse se termine dans les médiums (ex. 200 Hz) et l’autre sera l’endroit où les médiums se terminent et les aigus commencent (ex. 6 kHz).

Mon point de vue sur les compresseurs multibandes est que je les utilise comme un shelving EQ où je contrôle l’esthétique de chaque section d’une manière différente. Vous pouvez ensuite façonner le ton d’un son ou d’un mix, ou en extraire les moindres détails. Idéale pour les finitions, la compression multibande peut également être utilisée pour mettre en avant des parties de vos sons de la manière la plus efficace.

Voici quelques situations où les effets de la compression multibande peuvent être utiles :

  • Percussion molle : Si votre percussion a besoin de présence, d’épaisseur et de puissance, réglez vos crossovers pour pouvoir contrôler ce qui se passe entre 200hz et 800 Hz, puis jusqu’à 3khz. Renforcez la première section avec une attaque lente et un ratio élevé et essayez d’y ajouter du punch (reportez-vous aux notes ci-dessus sur la façon de procéder).
  • Pad pâle : Encore une fois, disons qu’un pad faible a besoin de présence, un boost entre 250 Hz et 600 Hz. Je compresserais également entre 4 kHz et 8 kHz pour ajouter un peu de brillance, ce qui fonctionne comme pour ajouter de l’épaisseur. Vous pourriez même abaisser votre section pour descendre jusqu’à 90 Hz afin d’obtenir une sensation analogique.
  • Swirl fou : Parfois, les effets de transition sont excellents, mais ne conviennent pas à votre chanson. J’aime contrôler les aigus de plus de 7 kHz d’une manière où ils ne frappent pas agressivement, mais font entrer les médiums de plus de 1 kHz en douceur. C’est une façon de contrôler l’agressivité et la présence; souvent très utile pour créer un mouvement oscillant et caoutchouteux (rubbery).
  • Mix terne : Un mix terne a généralement besoin de brillance qui peut être créée en excitant les aigus et les médiums. Il peut s’agir d’une combinaison de l’ajout d’épaisseur ou de la stimulation des transients. Je dirais d’essayer des sections pointues autour de 4khz à 8khz, puis une autre jusqu’à 11khz et même de compresser au-dessus avec une 3e section pour créer ce que l’on appelle la pixie dust (poussière de lutin).
  • Réverbération stellaire : Un multibande avec une réverbération, c’est beaucoup de plaisir pour moi ! J’aime renforcer les médiums au-dessus de 300 Hz et aussi créer de l’épaisseur entre 2 kHz et 6kHz. Vous pouvez ensuite contrôler les niveaux pour décider du ton de l’espace que vous créez pour votre chanson.
  • Création d’un kick profond : Compressez une section sous 50 Hz, puis une autre jusqu’à 120 Hz, plus une dernière qui va jusqu’à 500 Hz. Je peux vous garantir que si vous avez le ronronnement du sub, alors vous pouvez aussi ajouter un peu de punch autour des médiums pour avoir un kick super profond, mais percutant.

En ce qui concerne mes compresseurs multibandes préférés, en voici quelques-uns :

Neutron 2 (Izotope)

Outil général de mixage qui fait de lui le meilleur assistant pour résoudre de nombreux problèmes. Le transient shaper, les excitateurs, le gate, les compresseurs et tous les autres sont en mode multibande. On ne peut pas faire mieux que ça.

Drawmer 1973 (Softubes)

Le compresseur Drawmer est incroyable pour créer de l’ambient, alors imaginez si vous pouvez le régler en mode multibande, vous obtiendrez alors des moments éblouissants.

Fabfilter Pro-MB (Fabfilter)

Élégant, précis et transparent serait la meilleure façon de décrire celui-ci. Très utile pour la touche finale de votre mix.

VOIR AUSSI : Le combo égaliseur-compression (Pt. III)

Comment choisir vos EQ et les utiliser (Pt. I)

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Les gens me demandent souvent mon avis sur les meilleurs plug-ins audio, et il n’y a aucun doute qu’investir dans des égaliseurs et des compresseurs de qualité est l’une des choses les plus importantes que vous pouvez faire pour la conception sonore et le mixage. Vous pouvez faire des choses assez étonnantes rien qu’avec l’égaliseur et la compression, mais bien sûr, vous devez comprendre vos outils pour en tirer le meilleur parti. Dans cet article, je propose quelques exercices, conseils, ainsi qu’une couverture des principaux outils que j’ai rassemblés au cours des dernières années accompagnée de mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’EQ.

Les types d’égaliseurs

Il existe de nombreux types d’EQ et je crois que certains sont plus importants que d’autres. Il m’a fallu un certain temps pour comprendre comment les utiliser pleinement et comment choisir le bon pour des situations spécifiques. Ce sujet est en fait si vaste et si complexe que je pourrais faire une série d’articles sans jamais arriver au bout. Je vais essayer d’éviter d’être trop technique et je vais les expliquer en termes simples pour que tout le monde puisse comprendre.

La façon dont j’aborde les EQ est basée sur différentes actions :

  • Correction. Parfois, un son aura une partie qui sera agressive et ennuyeuse. Je corrigerai la situation en repérant où il semble y avoir un problème, puis je couperai les fréquences. Les coupes correctrices ne sont généralement pas trop étroites (Ex. Q de 3)
  • Chirurgical. Une résonance dans un son vous fait mal aux oreilles et cela nécessite une coupe très étroite. (Q de 6-8+).
  • Ajustements de tonalité. Un égaliseur peut être utilisé pour effectuer des changements de tonalité, par exemple pour décider si vous voulez que votre piste soit plus puissante ou plus claire en augmentant les graves ou les aigus.
  • Coloration. Certains égaliseurs ne sont pas transparents et apporteront une touche musicale aux changements qu’ils apportent. Cela ajoutera de la personnalité.
  • Coupures larges. Le contraire de chirurgical, où le Q rendra la courbe très large. Il fait des changements très subtils, quelque peu tonaux, un peu colorés et parfois un peu correctifs. Essayez-le à différents endroits sur un son et observez les changements.

ASTUCE : L’oreille humaine entendra une différence notable si vous coupez de 3-4 dB minimum. Si vous coupez 6 dB, ce sera assez évident.

Les principaux types d’égaliseurs sont :

  • Graphique/Fréquences fixes. Influencés par les anciens modèles et le premier égaliseur, les fréquences auxquelles vous aurez accès sont fixes et ne pourront être modifiées. Pour beaucoup de ces modèles, les fréquences sont basées par octave, mais certaines compagnies auront leur propre manière de décider lesquelles sont utilisées.
  • Paramétrique. Un égaliseur très populaire est le Q2 de Fabfilter qui vous permet d’ajouter un point n’importe où et de pouvoir ensuite façonner étroitement ce que vous voulez couper ou amplifier.
  • Shelving/Bande. C’est une partie du spectre qui sera touchée. Par exemple, sur les consoles de mixage DJ, les 3-4 boutons d’égalisation sont essentiellement des shelves de fréquences qui sont modifiées.
  • Dynamique. Celui-ci est avancé. Vous pouvez « commander » un point de votre EQ pour réagir en fonction de certaines conditions. Par exemple, si vous avez un enregistrement de batterie, vous pouvez ordonner que les aigus descendent de 3-4 dB si les cymbales frappent trop fort. Très pratique !

ASTUCE : Si vous aimez le son de l’analogique, vous voudrez peut-être creuser dans la suite d’Universal Audio qui fait l’émulation de pièces d’équipement classiques. La fidélité de la reproduction est absolument époustouflante !

Faisons maintenant quelques associations pour comprendre quel EQ fait quoi :

  • Les coupes chirurgicales et les coupes larges se font principalement à l’aide d’égaliseurs paramétriques. Ce type d’égaliseur vous permettra d’identifier précisément les fréquences indésirables, puis de les couper ou de les amplifier comme vous le souhaitez.
  • L’égaliseur correctif peut également être paramétrique, mais aussi graphique. Une correction peut avoir besoin de précision, mais parfois, ce n’est qu’un moyen de réaligner la courbe du son, ce qu’un égaliseur graphique peut faire facilement.
  • Ajustements de tonalité. Ceci se fait avec des shelves et des EQ à bande.
  • Coloration. Il s’agit essentiellement de fréquences fixes, mais si vous recherchez une émulation analogique ou des égaliseurs qui fournissent un type de saturation, alors vous obtiendrez également des couleurs et une personnalité.

Mes plug-ins d’égalisation préférés

Voici mes réflexions sur les meilleurs plug-ins d’égalisation qui sont des outils précieux à avoir dans votre arsenal. J’ai également inclus des solutions alternatives pour petit budget avec des EQ similaires.

1. Fabfilter ProQ2 (Chirurgical, Coupes larges, Correction, Tonal)

Ce plug-in semble avoir trouvé sa place dans la boîte à outils de nombreux producteurs, surtout parce qu’il peut faire à peu près tout cela. Qu’il s’agisse de courbes complexes, de retouches sur les shelves ou de copier la fréquence d’un son pour l’appliquer à un autre… les façons d’utiliser cette bête sont si nombreuses que vous devrez regarder un tas de tutoriels pour en découvrir toutes les fonctionnalités cachées.

Alternative budgétaire : TDR Nova GE par Tokyo Dawn

2. Electra de Kush Audio (Shelving, réplique analogique)

Peu connu des masses, mais cet EQ est une merveille absolue à avoir sous la main. Je l’utilise dans tous les mixages que je fais et les résultats sont toujours étonnants. Un peu difficile à prendre en main, car l’interface graphique est un peu bizarre, mais même si vous n’êtes pas sûr de ce que vous faites, elle façonne le son d’une manière qui le fait ressortir et lui donne de la chaleur.

Alternative budgétaire : RetroQ de PSP

3. BX_Hybrid V2 de Brainworx (Correction, shelving)

Je ne pense pas qu’il y ait un autre plug-in capable de produire les mêmes résultats. Pas aussi polyvalent que le ProQ2, mais ce qui le distingue, c’est qu’il coupe le son en douceur et lisse les choses. Quand j’ai des gens qui étudient le mixage avec moi, je leur demanderais toujours d’acheter celui-ci comme le tout premier EQ à avoir et à utiliser.

Alternative budgétaire : Voxengo Prime EQ

4. Passive EQ par Native Instruments (Shelving, correction, couleur)

Cette émulation du célèbre égaliseur Massive-Passive de Manley est une bombe. J’adore le placer dans un bus avec tout mon contenu mélodique et le transformer en quelque chose qui, comme par magie, devient organique et chaleureux. Il nécessite un peu d’exploration, mais lorsque vous aurez mis la main dessus, vous aurez toujours envie de l’utiliser. Je le trouve assez puissant pour la conception sonore comme moyen de donner de la chaleur dans les basses fréquences.

5. F6 Floating band dynamic EQ de Waves.

Je ne suis pas un grand fan de Waves et de leurs tactiques agressives de vente, mais ce plug-in est vraiment utile. Comme décrit ci-dessus, avec un égaliseur dynamique, vous pouvez apprivoiser certaines fréquences qui se produisent de façon aléatoire. Le problème avec un égaliseur statique, c’est que vous couperez en permanence une fréquence, donc si ce que vous essayez de couper n’est pas toujours là, vous pourriez couper quelque chose qui n’a pas besoin d’être ajusté. C’est pourquoi vous pouvez avoir plus de contrôle avec un égaliseur dynamique. Celui-ci est également très facile à utiliser si vous êtes familier avec le concept et le fait que vous pouvez l’utiliser en MS le rend très polyvalent. Pas aussi facile et fantaisiste que celui de Fabfilter, mais il en fait plus, d’autres façons. Attendez que le prix baisse, vous pourriez l’obtenir autour de 29 $-49 $ si vous êtes assez patient.

Dans le prochain article, j’irai plus en détail dans mes plug-ins préférés et j’expliquerai aussi certains moyens pour en tirer le meilleur parti.



Voir aussi :

Les meilleurs plugins d’égalisation et divers conseils (Pt. II) 

Ce qu’il manque à Ozone d’Izotope

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Ce fut une grande surprise d’accueillir la nouvelle mise à jour Ozone et Neutron d’Izotope la semaine dernière. Comme j’utilise les deux produits, j’ai immédiatement commencé à regarder les nouveautés.

Il y aura sans aucun doute une tonne de tutoriels et nouvelles reviews sur YouTube, mais je veux aborder ce post autour de la façon dont j’utilise ces plug-ins, et aussi réfléchir à un problème que je trouve trop courant dans la production de logiciels, un problème qui selon moi n’est pas pris en compte par la série Ozone d’Izotope.

Mais tout d’abord, parlons de là où Izotope a vraiment réussi.

Le son : Je ne peux pas mettre exactement le doigt dessus, mais selon mes oreilles, il y a une amélioration notable de la qualité du son dans Ozone 8. C’est peut-être une question de suréchantillonnage ou quelque chose avec les filtres, mais le son est plus pointu, plus clair et plus précis par rapport aux versions précédentes.

Le workflow : Ozone 8 est livré avec plusieurs nouvelles fonctionnalités qui offrent un moyen plus rapide pour obtenir le son que je veux. Le maximizer inclut maintenant un Loudness Control ainsi que l’addition de référence pour comparer les versions via la commande de balance tonale.

Le Tonal Balance : Un outil fascinant qui vous permet de visualiser les niveaux de fréquence de votre piste, et vous permettra de faire correspondre les EQ cibles d’un genre de musique spécifique. Avoir un feedback visuel de l’endroit où se trouve votre balance tonale par fréquence, et un accès facile à ces niveaux d’égalisation est une façon rapide et efficace pour obtenir un son professionnel. J’ai fait quelques tests plus tôt aujourd’hui et j’ai trouvé le système de cible assez précis, mais à la fin, j’ai trouvé les plages de cible légèrement décalées pour les basses et hautes fréquences (voir plus bas).

Mixer visuel : C’est de la bombe dans Neutron 2, et pour cette seule fonctionnalité, j’achèterais toute la suite. Le mixer visuel vous permet de placer et de positionner vos pistes visuellement sur le spectre (volume, panning et width). C’est un bon processus, et la fenêtre d’édition est moderne et sci-fi. Si vous travaillez avec plusieurs pistes et que vous avez souvent des pistes mono, c’est tout simplement un ajout incroyable. Une des choses qui m’a époustouflée, c’est que vous pouvez automatiser le panning, ce qui ouvre les portes à de magnifiques options en matière de design sonore.

Amélioration de l’assistant de Mix. J’aime beaucoup l’assistant de mix. J’ai entendu beaucoup de gens s’en moquer, ou être réticents à l’idée qu’il est impossible pour l’IA de faire le travail d’un humain, mais honnêtement si l’assistant peut tirer tous les outils dont j’ai besoin et préparer le terrain pour que je puisse faire mes réglages plus rapidement, je ne m’en plaindrai pas.

Communication entre les plug-ins : Cette fonctionnalité est vraiment cool. Vous pouvez ajuster l’égaliseur à partir d’une fenêtre sur un autre channel entrant, qui se reflète dans d’autres instances du plug-in. C’est super utile quand vous voulez apprivoiser la relation entre kicks et bass car vous voulez les EQ côte à côte. Il est très fonctionnel.

En fin de compte, j’aime beaucoup la mise à jour d’Izotope et j’utiliserai de nombreuses fonctionnalités nouvelles et améliorées. Je voudrais cependant prendre une minute pour attirer votre attention sur une critique particulière à Izotope.

Généralisation de la clientèle : Il est malheureux de constater que de nombreuses grandes entreprises réduisent les clients potentiels à trois types simples : pop, edm et hip-hop. Je vois comment cela rend la commercialisation plus facile, mais qu’en est-il des producteurs comme moi qui créent et travaillent sur de la musique underground et expérimentale ? Je dis cela parce que beaucoup des nouveaux outils livrés avec Ozone et Neutron sont construits avec des presets comme points de départ pour mixer et maîtriser seulement trois types de musique. Selon moi, c’est assez réducteur, et le fait que l’on ne puisse se référer qu’à 3 types de formes tonales est, à mes yeux, un échec total. Cela me rappelle LANDR qui ne donne que 3 types de gammes sonores. C’est décevant parce que j’ai l’impression que ce logiciel s’attend à ce que vous soyez ceci ou cela, ce qui sort clairement de la conception des presets spécifiques au genre — comme s’il n’y avait pas d’autres types de musiciens dans le monde ?

Ce que la série Ozone d’Izotope ne prend pas en compte, c’est que des gens comme moi ou plusieurs de mes amis et collègues gagnons notre vie en créant de la musique qui ne rentre pas dans la catégorie pop, EDM ou hip-hop.

Gourmand pour le CPU : J’ai un MacBook récent, entièrement équipé pour la performance, et en exécutant plusieurs instances d’Ozone, mon écran entier a commencé à scintiller et à faire des glitchs étranges. Le support d’Izotope a prétendu que c’était probablement ma surcharge CPU, mais je n’utilisais que 5 instances Neutron et 1 Ozone 8, plus un mixer visuel. Si mon ordinateur sur mesure est durement touché par l’utilisation du CPU, imaginez comment l’utilisateur lambda va faire face à de telles demandes sur le processeur.

Cela va de pair avec le nouveau plug-in de mastering d’Eventide Elevate qui est si gourmand qu’il en est à peine utilisable. Assez drôle, quelques jours après la mise sur le marché d’Ozone 8, Eventide a baissé le prix de son plug-in de 50 %…

Pourtant, à mon avis, la suite Ozone mise à jour est un outil sérieux que je vous recommande. Il délivre un son d’une qualité impressionnante. Comme toujours, je veux savoir ce que vous pensez de ces outils et n’hésitez pas à laisser un commentaire ci-dessous pour partager votre opinion.

Cheers,

JP